Nota preliminar: Esta reseña fue publicada originalmente en El Correo del Golfo, periódico con base en los Emiratos Árabes Unidos, en donde el autor firma con su nombre de pila (Dixon Moya). 

Dedicado a la querida concertina Sara Lucía Alba Mogollón.

En numerosas ocasiones he escrito sobre The Beatles, como la más reciente nota a propósito del inolvidable concierto que ofreció Paul McCartney en Bogotá en noviembre pasado, en su gira mundial. Hoy vamos a destacar a un colombiano imprescindible que tocó con el grupo británico y quien aparece al menos en dos de las grabaciones clásicas de los cuatro de Liverpool.

Nos referimos a Carlos Villa (Cali 1939 – Medellín 2023), considerado el violinista colombiano más destacado de nuestra historia, concertino de la Orquesta Filarmónica de Londres y de otras agrupaciones de importancia a nivel mundial. Para quienes no lo sepan, concertino es el violinista líder de la sección de cuerdas, quien ejecuta los solos de violín y suele ser la mano derecha del director, a la hora de afinar los instrumentos de la orquesta.

En Cartagena de Indias, ciudad caribeña en la que Carlos Villa se crio y estudió en su conservatorio, en los años cuarenta del siglo XX, descubrió a un violinista legendario llamado Yehudi Menuhin quien había sido invitado a un festival internacional de música, quien le cambió el destino, pues hasta ese día el jovencito colombiano estaba interesado en el piano. Villa viajó a Filadelfia y a Suiza, buscando a Menuhin, de quien fue alumno y amigo.

En Filadelfia estudió con el director Efrem Zimbalist, violinista de origen ruso y afincado en los Estados Unidos, quien fue maestro de violinistas como Aaron Rosand, Harold Wippler, Oscar Shumsky, Hidetaro Suzuki, entre otros. Fue padre y abuelo de dos actores reconocidos en el cine y la televisión, Efrem Zimbalist Jr. (Sola en la oscuridad, 1967) y Stephanie Zimbalist (Remington Steele). Carlos Villa a los 16 años ya fue solista con la orquesta de la ciudad. 

En 1963 Carlos Villa llegó a Londres y se hizo amigo de la escritora Penélope Mortimer (célebre por la novela “El devorador de calabaza” y la biografía “Reina Elizabeth: la Reina Madre”), quien lo invitó a una fiesta, a la que llegaron dos jóvenes rockeros, que comenzaban a ser famosos. Mortimer conocía a Paul McCartney desde muy joven. McCartney en esa fiesta estaba con George Harrison, quienes le contaron que en el futuro deseaban hacer una fusión de su música con instrumentos clásicos y así sucedió años más tarde. 

Al tiempo que trabajaba en la Orquesta Filarmónica de Londres, Carlos Villa fue llamado para grabar en el mítico estudio de Abbey Road. Se grababa en las madrugadas con el productor George Martin, por separado y no con los Beatles, el único que asistía a las grabaciones era Paul McCartney con quien recordó su encuentro inicial y Villa tuvo oportunidad de participar en la grabación de dos canciones clásicas, “Eleanor Rigby” y “A day in the life”, que todos los seguidores de los Beatles recuerdan por el sonido de las cuerdas.

Ahora bien, el Maestro Carlos Villa, fue mucho más que su anecdótica participación con los Beatles, cuyo título sirve cual anzuelo para destacar una extraordinaria vida. En aquel maravilloso año de 1967, Villa fue nombrado concertino de la Orquesta Filarmónica de Londres, en la que estuvo por cinco años con directores como Sir John Barbirolli, Daniel Barenboim, Leopold Stokowiski, entre otros. En 1973 fue designado concertino de la Camerata Académica de Salzburgo en Austria.

Carlos Villa participó en varias producciones cinematográficas, como El gran Vals (1972), biopic de Johann Strauss dirigido por Andrew L. Stone con Horst Buchholz, Mary Costa y Nigel Patrick. Berlín Blues (1988), musical español, dirigido por Ricardo Franco, con Julia Migenes, Keith Baxter, José Coronado y Javier Burruchaga. También compuso algunas canciones para cintas como Sor Metiche (Unos granujas decentes, 1980), de Mariano Ozores con María Victoria, Antonio Ferrandis, Barbara Rey, el spaghetti western Duelo a muerte (1981), Los diablos del mar (1982), dirigida por Juan Piquer Simón. 

Capítulo aparte es la colaboración de Carlos Villa en una película de culto, Margarita y el lobo (1970) de Cecilia Bartolomé, en donde tuvo a cargo la música e incluso se interpreta a sí mismo como uno de los músicos que acompañan a la protagonista. Mientras preparaba esta nota, el programa Días de Cine en su XII Gala de entrega de premios cinematográficos le daba un reconocimiento especial a la directora Cecilia Bartolomé, quien sin duda revolucionó a España con esta cinta que fue prohibida por el régimen franquista. Lo que seguramente muchos ignoran es que un colombiano es el responsable de la música, que juega con la experimentación y la fusión de melodías o canciones conocidas con nuevos sonidos.  

Aunque Carlos Villa pudo quedarse en Europa para proseguir su exitosa carrera, prefirió regresar a Colombia, para compartir con sus compatriotas su arte y conocimientos, como intérprete, pero también como profesor de las nuevas generaciones de músicos clásicos. En los últimos años de su vida, estuvo vinculado a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, especialmente a la orquesta juvenil de la agrupación, gracias a la invitación de David García, director general de la orquesta, la cual es patrimonio cultural de la nación. 

Carlos Villa fue conocido entre los habituales espectadores del auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, en donde la Filarmónica ofrece sus conciertos los sábados, como el violinista de las medias (calcetines) rojas, distintivo de su atuendo, que me recuerda a Las zapatillas rojas, ese cuento de Hans Christian Andersen que, gracias a la película de 1948, se relaciona con la danza y la música clásica. 

Que nunca sea tarde, para hacer el homenaje a quien se lo merece. Ya saben amables lectores, que cuando escuchen “Eleanor Rigby” o “A day in the life”, hay un violín colombiano dando sus mejores notas. 

Dixon Acosta Medellín 

En lo que sigo llamando Twitter, a la hora del recreo me encuentran como @dixonmedellin 

A la memoria de Fredric Jameson (1934-2024)

Para la academia filosófica más ortodoxa hacer análisis de los artefactos culturales, de películas, videos, tendencias musicales, etc., resulta un trabajo poco serio. El canon no es amigo de la apertura temática, ni de exploraciones del pensamiento. Sin embargo, hoy ya es normal y aceptado que los filósofos se ocupen de estos temas. Basta pensar en Mark Fisher o Slavoj  Žižek para comprobarlo.  Presento aquí un ejercicio que puede inscribirse dentro del análisis cultural en homenaje a Fredric Jameson, el famoso crítico de literatura y pensador marxista que falleció el pasado 22 de septiembre.

Genesis de la sociedad de masas

En el desprecio de las masas. Ensayo sobre las luchas culturales de la sociedad moderna, Peter Sloterdijk alude a un hecho propio de la sociedad de la comunicación, a saber, que en ella da lo mismo la popularidad de un dictador, así como el poder mediático de Madonna al representar a la “señora fascista Evita Perón”. Este papel, tanto del dictador como el de la artista, pueden intercambiarse en la sociedad de masas sin ninguna complicación, dice el filósofo alemán.

Ahora, la llamada sociedad de masas empezó a gestarse en las últimas décadas del siglo XIX y comienzos del siglo XX, más exactamente, entre 1880 y 1930 donde, según el historiador británico Erich Hobsbawn, se inició un gran crecimiento poblacional en el mundo. Este fenómeno estuvo acompañado por el dominio de la ciencia y de la técnica aplicado a la producción capitalista, así como al crecimiento de las grandes ciudades.

Ya en los años 20, los periódicos, la radio y el cine ingresan como productos de consumo en ese nuevo tipo gregario de sociedad. Y tanto el cine, el periódico, como la radio, empezaron a reforzar ideologías, promover formas de vida e incitar el consumo de productos de marketing. En el caso del nazismo, fueron utilizados en la propaganda nazi que ayudó a legitimar el ideario ideológico de Hitler y el partido. Es justo en estos años cuando esta sociedad de masas y su relación con los medios de propaganda, así como los efectos culturales de los medios de comunicación, empiezan a ser problematizados por la filosofía, en especial, por la escuela de Frankfurt. Marcuse escribió en 1937 su famoso texto Sobre el carácter afirmativo de la cultura y Horkheimer y Adorno, en 1947, aludieron al fenómeno de las industrias culturales en su famoso libro Dialéctica de la ilustración.  Para los miembros de la Escuela de Frankfurt, y su concepción elitista de cultura, las industrias culturales no era otra cosa que fordismo de contenidos con aras al comercio, la manipulación del ocio, la publicidad, esto es, producción serializada de la cultura.

Después de la Segunda guerra mundial, con el advenimiento de la llamada edad dorada del capitalismo que se prolongó más o menos hasta 1973, la unificación del mundo por el capitalismo se acrecentó. La revolución técnico-científica llevó a una mejora sustancial de los transportes, se popularizó la televisión y el mundo se convirtió en lo que Mc Luhan llamó “la aldea global”. Ahora, con todo el mundo interconectado, donde, como había previsto Marx, se presentaba una reducción del espacio por el tiempo, la sociedad y sus acontecimientos se convirtieron en un show en vivo. Fue lo que Guy Debord llamó la “sociedad del espectáculo”. Esta sociedad, en la que aún vivimos, no es otra cosa que una cierta evolución de la sociedad de masas de la preguerra. O, mejor, es su paroxismo. En ella, es el culto al presente y el olvido o desprecio por las Historia lo que impera. Así mismo, con la aparición de la informática, el celular y el internet, el mundo se pudo traducir y transparentar en tiempo real.

Por otro lado, se produjeron transformaciones sociales importantes. Eric Hobsbawn en su Historia del siglo XX sostiene: “La edad de oro perdió su brillo. No obstante había empezado y, de hecho, había llevado a cabo en gran medida, la revolución más drástica, rápida y profunda en los asuntos humanos de la que se tenga constancia histórica”. Y ¿en qué consistía esa revolución? El asunto es bien sabido: en todas las transformaciones económicas, políticas, sociales y culturales. El mundo cambió para siempre. Es la época de la revolución social y cultural de los años 60: la aparición de la juventud en el escenario social, la cual creó un imaginario que hoy se manifiesta por doquier: la loa a la belleza, el miedo a la vejez, el culto al éxito. Desde ese entonces: ”la juventud pasó a verse no como un paso para la vida adulta, sino, en cierto sentido, como la fase culminante del pleno desarrollo humano…la vida iba claramente cuesta abajo a partir de los 30 años” . Desde luego, lo joven es lo nuevo, lo que surge y estremece. A la par la juventud tiene su irrupción en el espacio social, exterioriza conductas consideradas mal vistas en público, crea un nuevo mercado de la moda, de los viajes, vive ávida de experiencias. A esto se le suma la revolución sexual, su liberalización, la minifalda, la droga, el rock. En pocas palabras, el quiebre y la erosión de los viejos valores, de las tradiciones. De ahí el cuestionamiento a la familia, a la autoridad de los padres, la escuela y su pedagogía; la disminución del matrimonio, el aumento de las uniones libres, aumento de los divorcios, de los hijos “ilegítimos”; auge de las comunas, las congregaciones hippies. Igualmente, surgimiento del feminismo, el antirracismo en Estados Unidos, el ambientalismo, la reivindicación de los derechos de los homosexuales y el fin de los imperialismos en África y Asia, la descolonización del mal llamado Tercer Mundo. Todo esto le permite decir a Hobsbawn: “la liberación personal y la liberación social iban, pues, de la mano, y las formas más evidentes de romper las ataduras del poder, las leyes y las normas del estado, de los padres y de los vecinos, eran el sexo y las drogas”.

Todas estas actitudes fueron aprovechadas por el naciente neoliberalismo y, de hecho, fueron puestas de presente, y hasta celebradas, por ciertas filosofías posmodernas. La era del vacío, como dice Lipovestky, se impuso, con el respectivo individualismo y culto al consumo, demandas de libertades y loa del placer. Sin embargo, frente a esa transvaloración de los valores que había producido la revolución del mayo francés de 1968, se produjo una clara oposición en los gobiernos conservadores de Margaret Thatcher, la llamada “Dama de hierro”, en Inglaterra; y en el gobierno de su íntimo amigo Ronald Reagan en Estados Unidos. Los gobiernos de Thatcher y Reagan fueron neoliberales en lo económico, pues iniciaron privatizaciones y desregularizaron los mercados, pero fueron conservadores pues defendían la familia, la moralidad, el trabajo, la autoridad y los valores morales.

Madonna, la lucha contra el conservadurismo y los derechos de las minorías.

En 1984 apareció el canal musical MTV. Este canal, que creó los premios denominados MTV Video Music Awards, cuya celebración anual se sigue dando hasta hoy en todos los continentes, dio impulso a la industria musical norteamericana, pues permitió utilizar el video como promoción de los nuevos álbumes que iban surgiendo. Así, el video se convirtió en parte del mercado de un determinado disco. Y en medio de la sociedad del espectáculo ya vigente, le dio más poder a la imagen como forma de promoción de la música. Pues bien, los mencionados premios MTV buscaron premiar los mejores videos del año, lo cual con el tiempo creó una abierta competencia entre los músicos, quienes no sólo debían preocuparse por la calidad del albúm como tal, sino del video promocional, del cual pasó a depender, en parte, el éxito del trabajo discográfico. Esto explica en parte, por ejemplo, el éxito de la música de Michael Jackson, nacido el mismo año de Madonna, en 1958, cuyo video Thriller ha sido considerado el mejor de la historia. Tanto Madonna como Jackson, utilizaron los videos como plataforma.

Pues bien, realmente Madonna, una chica de Michigan, pobre, que llegó a New York con 36 dólares y que tuvo que comer de la basura y vivir en las calles, surgió como icono de la cultura pop cuando se presentó por primera vez en MTV en 1984. En su aparición, vistió un vestido de novia, y cantó una polémica canción titulada “like a virgin” de su segundo álbum. Ya en escenario, la artista rodaba por el suelo, mostrando los ligueros, cantando una canción en cuyas líneas decía:

Estaba vencida, incompleta,
había sido engañada, triste y deprimida

Pero tú me hiciste sentir,
sí, tú me hiciste sentir,
radiante y nueva.

Como una virgen,
tocada por primerísima vez.

En la conservadora sociedad de Ronald Reagan, el performance de la cantante y la alusión y hasta loa a la pérdida de la virginidad que presuntamente hacía la canción, no cayó bien. La canción que fue numero 1 durante seis semanas produjo la protesta de las organizaciones familiares que tacharon la canción de inmoral y de promover la promiscuidad sexual al igual que las relaciones sexuales prematrimoniales. Desde ese mismo momento, el éxito de Madonna nació acompañado de la polémica y claramente en contra de los valores morales que promovía la sociedad americana en la década de los 80s, unos valores que iban claramente en contra de los logros de mayo del 68 y de la concomitante revolución y liberalización sexual de los años 60s y 70s.

La presentación de Madonna en televisión y sus actuaciones posteriores, la llevaron rápidamente a convertirse en una de las cantantes más influyentes e importantes de los años 80. En menos de una década demostró, a pesar de que su voz no era ni ha sido excepcional, una gran creatividad, versatilidad y uso de los medios para promocionar su música y su imagen física, al punto de que se la ha tildado como un camaleón de la moda. Cada álbum para la cantante exigía un cambio de imagen. Por eso se convirtió en lo que la sociología ha llamado un “ídolo de masas”. Esto se hizo evidente en la manera como las niñas jóvenes de la época empezaron a imitar su pelo, sus pulseras, crucifijos, medias, guantes, moños, etc. Por la misma época Madonna ingresó al cine, como actriz, campo en el que el éxito no fue similar al musical, si bien ya en los 90s ganó un premio “globo de oro” por su actuación como Eva Perón y un Oscar como mejor banda sonora de la misma película.

Para 1984 cuando Madonna se convirtió en un icono, en Estados Unidos el fantasma del SIDA era pan de todos los días. Había un temor generalizado y la población homosexual donde apareció la epidemia o, por lo menos, donde se detectó, empezó a ser atacada y rechazada. Mucha gente falleció en esa década por la enfermedad y por la falta de adecuadas políticas públicas de salud. Sólo hasta finales de la década hubo un mayor compromiso de la sociedad americana con la población enferma y la misma Madonna impulsó campañas para prevenir el SIDA.  

La lucha contra el rechazo social a la población gay, se convirtió en una bandera del activismo musical y social de Madonna. Desde esa década ella se convirtió en un ícono gay de todo el mundo, luchando por los derechos de la minoría LGBT. Desde luego, la manera de expresar su apoyo fue a través de los videos musicales, el campo editorial y la puesta en escena de sus espectáculos musicales. En su video Justify my love de 1990, apenas saliendo de la era Reagan y entrando en un tiempo más globalizado y dominado por la era internet, aparece escenas sexuales no explícitas, andrógenos, travestis. Es uno de los videos donde la alusión a la población gay y transformista es más explícita. En su video titulado Erótica, aparece una escena lésbica de Madonna con la famosa modelo Naomi Campell; lo mismo sucedió en su libro titulado SEX donde los desnudos, las insinuaciones sexuales entre hombres, el masoquismo, son notorios. Por su parte, en sus conciertos siempre en las coreografías y en los shows la insinuación sexual homosexual, las orgías, son frecuentes.

La de Madonna ha sido una lucha a favor de la liberalización sexual y la destabuización del sexo, mostrándolo como parte natural de la vida humana. Su video Justify my love termina con una inscripción que dice: “Pobre es aquél cuyo placer depende del permiso de otro”.   

Por otro lado, en 1989 inicia su ataque contra la iglesia católica y su injerencia en la vida sexual y el racismo. Ese año utilizó su video “Like a prayer”, como instrumento de crítica. En el video aparecen cruces incendiadas, estigmas en las manos de la cantante y aparece un Santo negro, tal vez un Jesús negro, que en transcurso del video se personifica, y muy humanamente se besa con la protagonista-Madonna- del video. La lucha contra el racismo la ha manifestado Madonna en el escenario al incluir afroamericanos en los distintos actos y coreografías.   

Este video fue rechazado por varios religiosos del mundo y el mismo papa Juan Pablo II pidió boicotear la presentación de Madonna en Italia. Ella, que asegura haber sido excomulgada tres veces por el Vaticano, estuvo también en el ojo de Benedicto XVI quien, en el año 2006, cuando Madonna se presentó a pocas cuadras del Vaticano, en un show donde aparecía cantando crucificada en el escenario, solicitó a los creyentes no asistir al concierto. Por eso, Madonna ha saludado con beneplácito la llegado del papa Francisco al Vaticano y ha resaltado su espíritu tolerante.

Los enfrentamientos con la iglesia se deben a la intromisión y al control que esta institución ha ejercido sobre la sexualidad, en especial, sobre la femenina. La respuesta de Madonna ha sido incluir curas, símbolos cristianos, monjas eróticas, etc., en sus elaborados espectáculos. Su lucha a favor de la expresión de la mujer viene, también, de larga data. En su canción Express yourself de 1989, invita a las mujeres a expresarse, y como dice una línea de la canción, a “sentirse como una reina en su trono”. Madonna ha luchado por el empoderamiento femenino. Esto lo manifestó en su apoyo a la campaña de Hillary Clinton a la presidencia de Estados Unidos y en su oposición a Donald Trump y lo que representa.

También hay que resaltar el rescate que en su video “Vogue” de 1990 hizo del llamado voguin, una forma de baile de las subculturas neoyorquinas que “Nació en los finales de los 70 y principios de los 80 en Estados Unidos como una manera de expresión de las disidencias afrodescendientes”. Esta forma de baile fue visibilizada por Madonna y, desde entonces, ha llegado a un gran público, convirtiéndose en un estilo que crea comunidad artística, genera competencias y concursos. Es muy popular dentro de la comunidad gay.

La suya ha sido, también, una lucha contra el fanatismo, el conservadurismo de la derecha y a favor de la libertad de expresión. En su gira del año 2013, cuando la iglesia ortodoxa rusa pidió boicotear su concierto, Madonna se expresó a favor de la liberación del grupo de Punk Pussy Riot, conformado por tres mujeres opositoras del régimen de Vladimir Putin. En Moscú la llamada reina del pop dijo: “Vladimir Putin debe perdonarlas como artistas, como mujeres, como madres. Deben ser liberadas”.

En realidad, Madonna no es una mujer atea o antireligiosa. Es supremamente espiritual. Practica hace mucho tiempo la Cábala, predica una revolución de amor y de respeto entre los seres humanos. Esos han sido siempre sus mensajes en los conciertos. Ella ha utilizado el show business, en el cual es un genio, para realizar crítica social y defensa de los derechos de las minorías.  También es una filántropa de tiempo completo, no sólo tiene una organización llamada Art for freedom a favor de las libertades, sino que adelanta hace varios años un proyecto en Malaui, África, donde ha construido varias escuelas y hospitales.

Madonna es un ícono de la llamada cultura pop, una cultura considerada consumista y frívola, pero ha utilizado el lugar que se ha ganado en ella para promover causas sociales muy importantes. Ella no ha sido la única, otras como Cher o cantantes como Prince o David Bowie, también lucharon contra estereotipos en las décadas anteriores. Madonna lleva 40 años de carrera y está incluida en innumerables Guiness records, los cuales comparte con Michael Jackson, The Beatles y Elvis Presley. Tiene 7 premios Grammy, 20 premios MTV por sus videos. Es la cantante solista más exitosa de la historia, pues ha vendido más de 300 millones de discos en todo el mundo durante su carrera; ha sido la mujer más exitosa en el Reino unido y la segunda en Estados Unidos, después de Bárbara Streisand. Ella es consciente de que no tiene la mejor voz y de que hay otras que la superan en talento, pero eso no ha sido obstáculo para que haya sido considera la cantante más influyente de todos los tiempos, la reina de la reinvención o la reina del pop. Es una mujer muy inteligente y su influencia es notoria en artistas más jóvenes que no han partido de suelo virgen, entre ellas, Taylor Swift, Lady Gaga, Ariadna Grande, Britney Spears, Rihana, entre otras.  

En el año 2016 fue premiada con el galardón “mujeres en la música” por la revista Billboard. Este premio se lo dio la revista porque: “Ella es una feminista importante, además de todo eso es una artista única que ha usado su influencia para cambiar los términos de conversación acerca de las mujeres, la sexualidad y los derechos igualitarios”. En el día de la premiación dio un discurso donde dijo:

“Cuando empecé a escribir canciones no pensaba en un género específico, no pensaba en feminismo, sólo quería ser una artista. Estaba, por supuesto, inspirada en Debbie Harry y Chrissie Hynde y Aretha Franklin, pero mi verdadera musa era David Bowie. Él encarnó el espíritu masculino y femenino y eso me encajaba como un guante. Me hizo pensar que no había reglas. Pero estaba equivocada. No hay reglas, si eres un chico. Si eres una chica, tienes que cumplir las reglas del juego. ¿Y cuál es ese juego?

Se te permite ser bonita y linda y sexy. Pero no demuestres ser muy inteligente. No tengas una opinión o no tengas una que esté fuera de línea del statu quo. Se te permite ser escrutada por los hombres y vestirte como una puta, pero no seas dueña de tu propio ‘puterío’. Y no compartas, repito, no compartas tus propias fantasías sexuales con el mundo. Sé lo que los hombres quieren que seas pero, lo que es más importante, se lo que las mujeres quieren que seas para que se sientan cómodas cuando estás cerca de otros hombres. Y, por último, no envejezcas, porque envejecer es un pecado. Serás criticada y vilipendiada y no se te escuchará en la radio. […]

Camille Paglia, la famosa escritora feminista, dijo que yo hacía retroceder a las mujeres al exponerme sexualmente. Y pensé: “si eres feminista, no tienes sexualidad, la niegas”. Y dije: “Que te jodan. Soy una feminista diferente, soy una mala feminista”. La gente dice que soy muy controvertida, pero creo que lo más provocador que he hecho es mantenerme firme.

Lo que quiero decir a todas las mujeres que estáis aquí hoy es esto: Las mujeres han estado tan oprimidas durante tanto tiempo que creen lo que los hombres dicen de ellas. Creen que tienen que apoyar a un hombre para que haga el trabajo. Y hay algunos buenos hombres a los que merece la pena apoyar, pero no porque sean hombres, sino porque se lo merecen. Como mujeres, tenemos que empezar a apreciar nuestra valía personal y la de todas. Tenemos que buscar mujeres fuertes para hacernos sus amigas, para unirnos a ellas, para aprender de ellas, para que nos inspiren, para colaborar, para apoyarlas y para que nos iluminen”.

Tal vez sea esa la razón para que sobre su influencia en la cultura popular se hayan ocupado de ella sociólogos y filósofos; en Estados Unidos hay varias tesis doctorales sobre la influencia de sus videos y su música en la cultura o sobre el problema del género. Resalto una del año 2001 titulada: “Madonna: un ícono americano del feminismo y de la contra-hegemonía: borrando los límites entre la raza, el género y la sexualidad”; también  se han dictado cursos de musicología sobre su obra en universidades americanas o incluso españolas. Esa influencia en el mundo musical continúa hasta hoy.

En vivo por el home del portal de www.elespectador.com y su canal de YouTube, y por Origen Channel de Telepacífico.

En diferido,  viernes 20, por UniValle TV (Une 117 y Claro 104), 6:30 pm; y domingo 22, por TeleIslas, 1:00 pm (DirecTv 150, Une 62, Claro 127 y Movistar 167).

La cantadora Martina Camargo, estará en la emisión 157 (quinto año, décima temporada) del espacio que muestra dinastías, leyendas, estrellas y nuevos talentos de las músicas del Pacífico y el Caribe, entrevistados por periodistas de El Espectador y Fundación Color de Colombia.

Martina Camargo, por David Lara

“La cantadora bolivarense Martina Camargo nos sorprende una vez más con su quinto álbum, una joya musical que captura la esencia de la tradición y su autenticidad”.

“¡Carajo, el quinto…!”, exclama Martina Camargo al contar el número de álbumes que, como solista, ha cantado a la música de los aires de tambora de Colombia. Luego suelta una risa espontánea que es un rasgo de su extrovertida personalidad. Así se configura el nombre de esta nueva producción titulada Canto y río.

Se siente satisfecha después de más de dos años de creación de letras y melodías para seguir su aporte a una tradición que recorre las riberas del Magdalena y baja como raudal de alegría hacia el sur del departamento de Bolívar… y más allá.

(…) La historia de Martina Camargo está atada a San Martín de Loba, allí nació el 11 de marzo de 1960. Un relato que ella misma cada vez que lo cuenta se asombra: “Nací en medio de una tempestad, imagínese, en aquellos tiempos no había luz, y los dolores a mi mamá Ubaldina le dieron en una madrugada. (…)

Lea el perfil completo aquí.

Ventana musical Pacífico y Caribe

La producción técnica está a cargo de AXTV Producciones , y la producción y dirección general en cabeza de Fundación  Color de Colombia.

Artistas en 2024: Miriam Negrete, Congo de Oro; Elvis Magno, cantante salsero; homenaje a Lisandro Meza, con Chane Meza y Marina Quintero; Alejo Durán in memoriam y 35 Festival Pedazo de Acordeón con el compositor Rosendo Romero; Cynthia Asprilla, voz de mujer del folclor urbano; 

Verito Asprilla, nueva sensación de la música urbana; Tribu Baharú, champeta; y cantadora Nelda Piña; rey vallenato ´Chemita´ Ramos Jr, ganador en 35 Festival Pedazo de Acordeón; Dino Manuelle, director de Rancho Aparte, y José Proscopio Ríos, director del Festival Petronio Álvarez; Wilber Mendoza, de dinastía vallenata; salsero OiLO, Óscar Iván Lozano; Felipe Amú, director de De Mar y Río.

*Trazador misional de esta publicación de Fundación Color de Colombia: Línea estratégica 1:  Reconocimiento, cultura e integración. Iniciativa 1: Periodismo cultural. Proyecto:  Músicas e identidad afrocolombiana. 

Este viaje cuenta con apoyo de la Alcaldía de Tumaco, la Secretaría de Asuntos Étnicos del Valle del Cauca y la Fundación Campeones del Futuro.

La delegación de Tumaco recibió la bandera de la ciudad de manos de la Secretaria de Educación Distrital, María Narcisa Cortés Montaño, y será atendida en la gobernación de Nariño, en Pasto, por el Secretario de Educación Departamental, Adrián Alexander Zeballos Cuathin, este lunes 12/agosto al final de la tarde.

Otro grupo de 45 pilos de Quibdó, Buenaventura, Cali y Tumaco visitó en la primera semana de julio/2024 en Bogotá a UniAndes, Rosario, Externado, La Salle y la Javeriana. En octubre próximo, pilos de Turbo se sumarán a los de Quibdó para una experiencia similar en Medellín.

De 15 colegios, oficiales y privados, 25 mujeres y 15 hombres, llegan a la capital del Valle del Cauca para ampliar sus horizontes de pregrado, de vida universitaria y culturales.

Contribuyen a que sea posible esta inmersión de “buscando mi madreDios” (título de una obra del escritor Arnoldo Palacios que usamos como homenaje en su centenario y que significa “buscar el destino más allá de lo previsto”) para talentos en formación, el alcalde de Tumaco, Félix Henao; el secretario de Asuntos Étnicos del Valle del Cauca, Óscar Lenis.

También el presidente de la Fundación Campeones del Futuro, Luis Felipe Posso, y otros nominados en Afrocolombianos del Año (desde 2010) para complementar el esfuerzo financiero principal de las familias. Velotax y TransIpiales, por su parte, han dado tarifas favorables para el transporte terrestre desde Buenaventura y Tumaco, respectivamente.

El proyecto educativo del Semillero de Becarios U

El programa de Semilleros de Becarios U, presente en 31 municipios de 12 departamentos (el más reciente, San Andrés Islas), busca, mediante un proceso de tres años con pilos que ingresan en grado octavo, desarrollar una mentalidad de crecimiento, valores de excelencia y vocación de servicio, habilidades del carácter (y socio-emocionales), capacidades ejecutivas y competencias cognitivas para un proyecto de vida universitario y de movilidad social que exige resultados altos en pruebas estandarizadas (comenzando por Saber 11, 365+ o pasar la prueba de admisión propia de algunas universidades públicas).

El programa utiliza la estrategia de «experiencias de aprendizaje significativas» tempranas, que fortalecen la personalidad, con entrenamientos en habilidades cognitivas y no cognitivas,  buscando que tras un proceso  de tres años largos cuando lleguen a la universidad se destaquen de modo natural.

La agenda en las universidades

La gira comenzará en la Universidad ICESI, este miércoles 14 de agosto en la mañana, donde además de la presentación general de la universidad y el recorrido por el campus, habrá un taller de orientación vocacional, “Carta a mi yo del futuro”, con Laura Silva Chica, directora de los programas Antropología y Sociología.

Después de almorzar en ICESI, caminarán raudos para llegar a la Universidad Javeriana a las 2:30 p.m. En la noche, tertulia con el empresario exportador Jorge Isaac Mosquera.

El jueves 15 de agosto, a las 8:30 a.m., la Universidad Autónoma de Occidente (UAO) recibirá al grupo de pilos de grado 10 de Buenaventura y Tumaco. Allí se tendrá una charla de orientación, un conversatorio con estudiantes de la UAO oriundos de Buenaventura y Tumaco, y al final un Test de inteligencias múltiples.

En la tarde, el turno corresponderá a la Universidad San Buenaventura de Cali. En la noche, tertulia con el empresario deportivo Luis Felipe Posso, presidente de la Fundación Campeones del Futuro.

El viernes 16/agosto en la mañana se visitará la Universidad de Valle, sede Meléndez.

En las cinco universidades, se recorrerá el campus, se conocerán los rasgos distintivos de cada institución, sus posibilidades de becas y su portafolio de pregrado.

Demostraciones de capacidad y de personalidad

La agenda contiene varios momentos en los que los estudiantes, lejos de tener un rol pasivo, podrán mostrar en cada universidad diferentes habilidades de pensamiento y de expresión, además de su seguridad en sí mismos.

Así, harán micro-demostraciones de participación en Modelos de Debate Karl Popper en cada Semillero.

La proposición de debate es la siguiente: “Si su ciudad tiene $100.000 millones de recursos propios, deberían invertirse en infraestructura deportiva y buscar que el gobierno nacional invierta una suma igual en infraestructura educativa”. Unos oradores se alinearán con el No (equipo en contra) y otros con el Sí (equipo a favor).

Adicionalmente, tendrán el desafío de construir relaciones sociales entre sí, pilos provenientes de dos ciudades del Pacífico, que pocas veces se encuentran.

Integrantes de las dos delegaciones

Son 20 pilos de grado 10 de Tumaco y 20 de Buenaventura.

De BUENAVENTURA: 1) Daniel Darío Valderrama González, IE NU Tenorio; 2) Santiago Anchico Campaz, IE Normal Juan Ladrilleros; 3) Annia Valentina Riascos Ruiz, IE NS Carpinello; 4) Julián Andrés Muriel Ríos, CE Bahía de Buenaventura; 5) Dinka Isabella Cabezas, IE Normal Juan Ladrilleros; 6) Miguel Felipe Cerda Truque, IE José Ramón Bejarano; 7) Ronald Makey Canga Mosquera, IE JR Bejarano; 8) Danna Mishelle Escobar Caicedo, CE Bahía de Buenaventura; 9) Henry Murillo, IE Normal Juan Ladrilleros.

10) Laura Gabriela Saavedra, IE Bejarano; 11) Marling Yulieth Murilo Anchico, IE Normal Juan Ladrilleros; 12) Nicole Naomy García Gamboa, Normal Juan Ladrilleros; 13) Juan Yessid Garcés Herrera, CE Bahía de Buenaventura; 14) María José Rivas del Castillo, IE Normal Juan Ladrilleros; 15) Yulian Michell Betancourt Victoria, IE JR Bejarano; 16) María Celeste Portocarrero Vivas, IE Normal Juan Ladrilleros; 17) Hellen Tatiana Caicedo Mina, IE TI Gerardo Valencia Cano; 18) Yaseli Caicedo Hinojosa, IE Jesús Adolescente; 19) Elizabeth Rodríguez Angulo, IE San Vicente; 20) Daniela Garcés Palacios, IE Liceo del Pacífico.

De TUMACO: 1) Darlis Joselit Banguera Ruiz, IE Misional Santa Teresita; 2) Emanuel de Jesús Gómez Paredes, IE ME Patarroyo; 3) Jana Yamila Torres Valentierra, Los Amigos de la Ciencia; 4) Jorge Dair Ávila Ortiz, IE ME Patarroyo; 5) Juan David Ávila Araújo, ITIN; 6) Juan Samuel Deusa Torres, IE ME Patarroyo; 7) Karen Liliana Solis Dajome, IE NS de Fátima; 8) Ladis Mariangela Cabezas Vergara, IE Mixta Colombia.

9) Ladys Estrella Iturri Cuenú, IE Mixta Colombia; 10) Lajas Ariadna Castro Valencia, IE Misional Santa Teresita; 11) Luis Esteban Ruiz Nievas, ITIN; 12) Luisa María Bisbicus Forero, ITIN; 13) María José de la Cruz, IE Misional Santa Teresita 14) María José Rivas García, IE NS de Fátima; 15) Nazarith Leandro Cheme López, IE ME Patarroyo; 16) Pablo Fabrianny Carrillo Bedoya, IE ME Patarroyo; 17) Yorleni Angulo Camacho, IE Santa Teresita; 18) Giuliana Alejandra Aguirre Leusson, IE ME Patarroyo; 19) Dyara Fernanda Cortés Carvajal, IE Manuel Elkin Patarroyo; 20) Juan Esteban Amaya Borja, IE Manuel E. Patarroyo.

Los acudientes acompañantes, parte fundamental de la actividad, son: Jackeline Valentierra (IE Los Amigos de la Ciencia) y Leidy Leusson Henao (IE Manuel Elkin Patarroyo).

*Trazador misional de esta publicación de Fundación Color de Colombia: Línea estratégica 2:  Educación de calidad y equidad. Programa:  Semilleros de  Becarios U, 2022-2026. 

JULIO ARGENTINO TEISERA nacía con las OLAS y el VIENTO en Mar del Plata en la que ya estaban los ALFAJORES HAVANNA y los LOBOS marinos icónicos en la RAMBLA… preparándose para ir a la CHICAGO ARGENTINA para estudiar sus primarios en Rosario, provincia de Santa Fe . Secundaria y Universidad en Buenos Aires…una EDUCACIÓN con matices bien FEDERALES…Este ABOGADO, con énfasis en la MEDIACIÓN ; vuelve a estas MESAS del querido CAFÉ LITERARIO, para contarnos la  PARTE 2 de los inicios ROCK ARGENTINO… la que dimos en llamar…

“ESTILOS MUSICALES…

ALMENDRA; formación de cuarteto tal la moda impuesta por los Beatles, The Kinks, en donde los cuatro son instrumentistas y todos cantan, el líder es Luis Alberto Spinetta, primera voz y segunda guitarra. Eventualmente el bajista  Del Guercio y García el baterista hacían coros.  La primera  guitarra era tocada por Molinari, La mayoría de las canciones eran fruto de la inspiración poética de Luis…

La temática de Almendra giraba desde lo netamente surrealista, con influencias del poeta francés Antonin Artaud, lo onírico, como en Hoy todo el cielo en la ciudad, a lo hippiesco de irse para la campiña o montaña, lugar bucólico y sanador, como en Campos verdes, el amor consumado sexualmente, tal como lo reflejan en el himno adolescente Muchacha ojos de papel.

Almendra era básicamente melódico, con un tinte melancólico, con influencias de The Beatles, en cuanto a la incorporación de músicos clásicos, que conformaban la famosa pared de sonido al mejor estilo de Phil  Spector.

Eclécticos, ya que tomaron algo de la canción de protesta muy activa en los primeros sesenta, como en Plegaria para un niño dormido.

Un rockillo  con algo de ritmo en Ana no duerme, No abordaron el blues, que es música “simple”, pero con una intensidad en cuanto a las letras, que lo tornan insondable, para los no afroamericanos o ingleses.

La locura del hospital psiquiátrico en Fermín.

Fueron una explosión de talento poético y musical, fueron creativos, inventaron las bases a futuro para los Soda Stereo, Virus, La portuaria, Pastoral, Vivencias, La máquina de hacer pájaros, Fito Páez. Convivieron con Sui Generis,  

MANAL, formación de trío Javier Martínez batería y voz líder, Alejandro Medina bajo y voz, Claudio Gabis, guitarra, piano y armónica.

Terceto orientado al blues urbano, rock ácido, rithm &blues, letras duras descriptivas, con algo de la estética de los cuestionamientos del mayo francés, a los mayores y adolescentes neo clásicos.

Grupo con una intensidad alejada del beat y del pop imperantes por la beatlemanía, como pocos.

La descripción que hacen en Avellaneda blues de un puerto de barcazas petroleras, enmugrecido y abandónico, es la perfecta definición del estilo Manal.

Manal abreva en letras cuasi tangueras, de hecho Avellaneda Blues e Informe de un día, cambiándole la métrica y la melodía serían perfectos ejemplos de la música citadina que embebió Buenos Aires a mediados del siglo XX

Tienen en Una casa con diez pinos, una apostilla en cuanto a dejar la ciudad e ir a los espacios de felicidad. El campo es el lugar para emigrar, es el lugar fecundo. Es la madre naturaleza pródiga, contenedora, apacible, es el sol, que vive opacado en las urbes.

Blues de la amenaza nocturna, es la sensación real, en cuanto a escapar de la represión posterior al disfrute. El 99 es un bus, camión o medio salvador para llegar sano y salvo a  casa

No pibe, Jugo de tomate frío dos decálogos de conductas contrarias al establishment.  

Necesito un amor, un contenido obvio de toda obviedad.

Las bases que dejaron son fuente de Divididos, La renga, Memphis la blusera, Los redonditos de ricota que los siguieron después…

LOS GATOS. Formación de quinteto Litto Nebbia, voz líder y creativo literario, Norberto Pappo Napolitano, guitarra, Ciro Fogliatta, órgano, piano eléctrico, Alfredo Toth bajo y coros, Oscar Moro batería.

Tienen tres etapas, siempre cantaron en español, lo que marcó diferencias estilísticas con respecto  a otros grupos contemporáneos. Músicos profesionales, tuvieron diversas formaciones hasta su separación definitiva  

Hasta La Balsa, eran un grupo pop, beat y con mucha bossa nova. Canciones como Chica del paraguas, Viento dile a la lluvia, son muestras de ese estilo. Un día de fiesta es una canción con un clima festivo y optimista.

Pero, pero a posteriori de la disolución del grupo a fines de 1968, la partida a Brasil de quien era su primera guitarra, el viaje iniciático a los Estados Unidos de tres de los miembros, Litto comenzando su carrera solista.  Aparece Pappo en el camino de Los Gatos, quienes se fortalecen instrumental y musicalmente. Adoptando bases más pesadas, modernizando su estilo

La potencia rockera se refleja en el Rock de la mujer perdida.En Invasión improvisan (zapada) en contrapuntos marcados desde lo instrumental. Fuera de la ley, poderoso desde lo rítmico, con una letra contradictoria, mostrando influencias del hard rock que comenzaba a tomar la herencia  dejada por los Beatles  

Sueña y corre con un mensaje karmáticamente optimista, donde la música retorna a lo beat, mostrando las peleas internas del grupo que conducen a la separación definitiva. Habían sacado a la venta dos discos con la nueva formación., llamados Beat Nº 1 y Rock de la mujer perdida

A Los Gatos les queda el eterno reconocimiento de haber sido pioneros en  cantar en español y mantenerse constantes en esa elección. Saber adaptarse los cambios generacionales, que en todos los órdenes de la vida ocurren.

Así también, parafraseando a  Luis Alberto Spinetta, puedo decir que… “no todo tiempo por pasado fue mejor, mañana es mejor”

Los grupos que nombramos fueron los antecesores, de un movimiento que se llamó rock nacional en toda Latino América e inclusive hasta la misma España, recibió a los rockeros argentinos que les enseñaron a componer y cantar en su propio idioma.

Saludos y que sea Rock !!!”

Y así nos deja una PINCELADA de los inicios de ROCK ARGENTINO pionero desfachatado de un movimiento que cada año que pasó se incrementó… y en estas melodías se GESTÓ…

Es solo R&R, pero nos gusta…

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CONTINUARÁ…

CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

Hete aquí el CASO del Dr JULIO TEISERA; colega de aventuras juveniles en unas sanas experiencias dignas de una  BANDA de GARAGE o del inicio editorial de la Rolling Stone cuando se fundaba en San Francisco en 1967 por Jann Wenner y Ralph J.Gleason…

JULIO ARGENTINO TEISERA nacía en  la Ciudad de   Mar del Plata, hizo su escuela primaria en Rosario, provincia de Santa Fe . Secundaria y Universidad en Buenos Aires…baby boomer total.

-¿QUE MUSICA TE GUSTA?

Todo tipo de música, clásica, tango folklore, rock, blues, vas entendiendo¡¡¡

Ritmo y melodía son las claves.

A fines de los lejanos sesenta y principios de los setenta, Argentina creó  el llamado rock nacional o rock argentino/ música progresiva.

Nuestro orgullo es haber formado parte de ese movimiento con grupos  emblemáticos como Almendra, Manal Los Gatos, Vox Dei, solistas de la talla de Moris,  la tele siempre poderosa, tenía programas musicales para la juventud hecha por señores empresarios imbuídos del espiritu comercial,
El escenario era claro por un lado música llamada comercial o complaciente y por el otro la progresiva.

De que lado estuve? Ni falta hace que lo diga, pero, pero, hagamos un racconto de esa época dorada, compartida entre recitales, festivales, discos y encuentros en disquerías que poseían el maná, el elixir de los dioses.

Nuestro colegio secundario era siendo generoso de una clase media popular, multirracial con alumnos que venían también del conurbano, descendientes de japoneses, judíos, italianos, gallegos, criollos…

En el primer año de ese panegírico heterogéneo, armamos distintos grupillos, que se identificaban por actividades, actitudes en común. Los que iban a la cancha de fútbol, los que iban a bailar, los que no hacía nada en si mismo, y nosotros.

A los que nos gustaba el rock y el blues, la psicodelia, que teníamos como objetivo y fin en sí mismo, escuchar música, ir a recitales, para ver a los primeros héroes  musicales, comprábamos discos y nos los prestábamos, escuchándolos una y mil veces, hasta saberlos de memoria.  

Nos pasábamos la data de programas de radio, Modart en la noche, que era una cadena de tiendas de ropa masculina, hoy desaparecida, que supo ser la creme de la creme en esa Argentina sesentosa.

El grupete que escuchaba música no comercial, se agrandaba de manera exponencial, enseñábamos a los remolones, que una música mejor era posible.

Visitábamos galerías comerciales (antepasados de los Shopping centers) como la Recamier en la zona de Belgrano, La galería del Este, en las cercanías de Retiro, barrios emblemáticos de  la gran urbe porteña,

El embrión creció, y de pronto aparecieron a plena luz los conjuntos nacionales, Almendra, Manal,  Los Gatos,  Vox Dei, todos ellos cantaban en español.

Desde distintas ópticas, pero convergiendo al mismo propósito, música de altísimo nivel, con instrumentos de fabricación nacional, en nuestro idioma.

Las revistas “juveniles” donde convivían cantantes de otros estilos, mezclaban a los que considerábamos nuestros con aquellos más identificados con el pop o el beat.

Quienes eran estos coetáneos? En 1967 Los Gatos una banda de Rosario, se radica en Buenos Aires, lanzan el primer hit a nivel masivo con un corte rockero, la canción  fue La Balsa, con la cual vendieron 250.000 discos, fomentado por el boca a boca  o si se quiere boca a oído.

EL BIENIO 1969/1970

Para entender lo que pasó y como pasó, haremos una lectura del bienio creativo, de la génesis del movimiento de rock nacional argentino

Patada inicial, a unos chicos de un colegio católico del barrio de Belgrano, colegio de clase media, que amaban a los Beatles, y otros grupos ingleses se les ilumina la lámpara, se unen las dos bandas que tenía la escuela Sbirros y Larkins, hacen la pisadita futbolera seleccionando a los cuatro que se llamarán a partir de  esa unión Almendra  

Luis Alberto Spinetta, Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García son los jugadores de este conjunto iniciático con bases psicodélicas, letras oníricas, surrealistas, dalinescas, amalgamando con mucho gusto, el folkore que era en esa época una materia curricular, distorsionando las guitarras, apostando a un bandoneón tanguero,  fondos de neo clasicismo con trombones, cuerdas pífanos y tímpanos, que fueron una impronta de su música.

Hablemos de Manal, otra forma de encarar el arte, la base era el blues, música de afroamericanos, en español?  No se puede, porque la métrica del blues es para cantarlo en inglés.  

Javier Martínez, Alejandro Medina y Claudio Gabis, trío a lo Cream o Jimi Hendrix pudieron hacerlo y muy bien, letras citadinas, guitarra distorsionada, patetismo ante la represión,  de la dictadura que duró desde el 66 hasta el 73, ya vendría otra peor…

Un músico pululante es Pappo, guitarrista de nivel mundial, no lo digo yo, lo dijo BB King, se une a los desbandados Gatos y ejecutan el mejor rock, con equipamiento acorde a su categoría.

Los Gatos de fines del 69 son Litto Nebbia, Norberto “Pappo” Napolitano, Ciro Fogliata, Alfredo Toth y Oscar Moro. Sacan a la venta dos discos long plays (larga duración)

Vamos a la localidad de Quilmes,  conurbano bonaerense, estamos hablando de Vox Dei, Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Rubén Basoalto  y Yodi Godoy, editan su obra maestra La Biblia en formato rockero y en español. 

Estos super grupos coincidieron alguna vez en un mismo festival?, sí en 1969 en el mes de junio en la ciudad de Buenos Aires, unos productores encabezados por Jorge Alvarez, crean una fábrica de talentos e invierten en recitales, que para la  época el único horario disponible para esos pelilargos eran los domingos a las 11 de la mañana, cual templo religioso.

Teatro Coliseo, ciclo Beat Baires. Convocado por Mandioca, una editorial de múltiples propósitos auto denominada “la madre de los chicos”, estuvieron Almendra, Manal, Vox Dei, Litto Nebbia solista y Pappo rompiendo esquemas con otros grupos.

Mejora la cosa y en la primavera tenemos el Festival Pinap de la música beat y pop 69, el título lo dice todo, bandas conocidas y paralelamente un concursos de nuevos talentos. Auspiciado por la revista homónima y la entonces Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires en un anfiteatro municipal

En ese evento dijeron presentes los cuatro nombrados más otros grupos en un combo con papas grandes, Los Mentales, La Barra de Chocolate, La Cofradía de la Flor Solar conjunto de La Plata, Orion·s Beethoven, Moris y siguen las firmas

1970 nueva década, nuevos aires, festival identitario, masividad, ya no hay Mandioca, ahora la convocante es la revista Pelo, el evento cuenta con un logo (un sol roquero) y la frase es “Hasta que se ponga el sol”, porque estos chicos pelilargos, a la noche se tienen que ir a dormir temprano.

Los cuatro fantásticos están presentes con aroma a separaciones, bandas de aquí, de allá (Uruguay, Inglaterra) y del interior de nuestro país. Las cuatro jornadas se realizan en el Velódromo Municipal. Cierro comillas

Una de las claves que nos conectan después de tanto tiempo con estas leyendas del rock argentino, es que éramos contemporáneos, tenían nuestra misma edad o nosotros la suya. No eran super estrellas inalcanzables, veíamos sus ensayos, nos saludábamos en la calle, o en las disquerías…

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CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

En diferido,  viernes 03, por UniValle TV (Une 117 y Claro 104), 6:30 pm; y domingo 05, por TeleIslas, 1:00 pm (DirecTv 150, Une 62, Claro 127 y Movistar 167).

Willy García estará en la emisión 143 (octava temporada) del espacio que muestra dinastías, leyendas, estrellas y nuevos talentos de las músicas del Pacífico y el Caribe, entrevistados por destacados periodistas culturales del país.

Willy García

El talentoso artista colombiano Willy García logró su segunda nominación a los Latin GRAMMY®, en la categoría “Mejor Álbum de Salsa” con su más reciente álbum “Cambios”.

El tema “Amanecí con ganas de ti” es uno de los favoritos del público de este álbum y así lo demuestra las listas principales de popularidad en Colombia
donde el tema se encuentra en el top.

Con el álbum “Cambios” Willy invita a la pista de baile sin tapujos. Pero de los nueve tracks hay dos canciones que navegan en otras experiencias sonoras: Bolero (“Te Estoy Perdiendo”) y Currulao (“Lola”), ambas creadas de una manera contemporánea, a pesar de ser géneros antiguos.

Willy despliega emociones y pensamientos en los versos de sus canciones. Las nueve canciones de “Cambios” fueron escritas por él mismo y fue coproducido por Willy y su amigo Oscar Iván Lozano, más conocido como Oilo. El bolero “Te Estoy Perdiendo” fue producido por el maestro Jused Gallo, quien también toca el requinto.

A lo largo de los años el artista ha demostrado ser merecedor del premio ya que su talento y pasión por la salsa son tan grandes nunca ha dejado de darle importancia.

Además Willy García es el solista de salsa de Colombia más exitoso de la historia en Billboard y así lo demuestra su constante presencia desde el 2021
en la lista Tropical Airplay que clasifica semanalmente las canciones más  sonadas en las emisoras latinas tropicales de costa a costa en la Unión Americana.

Ventana musical Pacífico y Caribe

En 2022, conversaron en Ventana Hugo Carlos Granados, Rey de Reyes vallenato;  Roberto Solano, compositor de clásicos de la salsa; los cantantes  Víctor Hugo Rodríguez y Mónica Castillo,  GiBlack, de El avioncito,  Rolando Ochoa, líder de Zona 8;  Elio Boom, y Jaider Mondragón y Leidy Salgado; percusionista «Billo» Quiñonez, y Víctor Campo y Juan José Vásquez, ganadores en el Festival Pedazo de Acordeón; Almes Granados, Rey de Reyes del Festival de la Leyenda Vallenata;  Kike Riascos, el Rey de la Marimba, la cantante Antombo,  Luis Eduardo Acústico, líder del Ritmo Exótico,  Criss & Ronny, gemelos de la champeta; Ovy on the Drums, productor musical y cantante; Los K Morales,  Willy García con su nuevo sencillo, Mentiroso.

También Fabrizio Bornacelli e Iván Martínez, ganadores del Festival Mar de Acordeones de Santa Marta, y Los Alegres de Telembí; Brayan Minota y Candelaria Beltrán, cantadores de bullerengue, salsero Gustavo Rodríguez, Alexis Play en modo Petronio, maestro Octavio Panesso de Grupo Saboreo, Los Dioses del Ritmo (Exótico),  Afrolegends, Funkcho de El Caribefun,  Rafa Manjarrez, compositor vallenato,  Junior Zamora, Leysong y De la King, líderes del Ritmo Exótico;  Leonidas Valencia,  Mr Black, el presidente de la champeta, Mabiland, rapera colombiana,  Zaider, el que nunca falla (champeta), y Keke Minowa, artista cartagenera de afrodancehall.

Este 2023, Nidia Góngora, la reconocida maestra cantora del Pacífico, premio Shock y nominada a Grammy Latino en 2019, tras brillar en el reciente Festival Estéreo Picnic; Oscar «El Gato» Urueta, en los 50 años de una vida musical que comenzó con La Protesta de Colombia, orquesta pionera de la salsa en el país; Sergio Bermúdez, en antesala del 34 Festival Pedazo de Acordeón; Omar Geles, juglar contemporáneo del vallenato; Mimi Ibarra, compositora colombiana de grandes éxitos de la salsa romántica; Éibar Gutiérrez, juglar urbano; Yassir Sax, director de Bambazulú orquesta; Luna Llena Salsa Band en Festival Salsa al Parque;  Wilson «Saoko» Manyoma, leyenda de la salsa; Lupe, joven artista vallenata; Ángel Lebrón, director de Los Hermanos Lebrón, y Esteban Copete, director de Ensamble del Petronio Álvarez 2023; Luis Miguel Caraballo, Ralam, director de BullenRap; y Óscar Iván Lozano, OiLO.

La producción técnica está a cargo de AXTV Producciones (desde el 29 de junio de 2022), y la producción y dirección general en cabeza de Fundación  Color de Colombia.

*Trazador misional de esta publicación de Fundación Color de Colombia: Línea estratégica 1:  Reconocimiento, cultura e integración. Iniciativa 1: Periodismo cultural. Proyecto:  Músicas e identidad afrocolombiana. 

El pasillo es una composición musical de compás tres por cuatro, con la cual se baila el popular baile que lleva ese nombre, particularmente en Colombia, Ecuador, Panamá y Venezuela, tomando en cada uno de estos países sus propias particularidades, desde la forma apesadumbrada y lenta del ritmo ecuatoriano a la festividad venezolana influenciado por el joropo.  Su origen se remonta a los populares valses que llegaban de Europa a los salones americanos, especialmente a los santafereños, en donde se armonizaban las fiestas con estas galantes piezas musicales, interpretadas inicialmente por músicos europeos o criollos, para finalmente tomar su esencia propia en las interpretaciones que de él se hacían en las plazas y fiestas populares de todos los villorrios de la naciente República de Colombia, cabe recordar que Bolívar y Santander tenían fama de ser buenos bailarines de valses, minuetes y contradanzas, entre otros ritmos que se iban popularizando con la llegada de la soldadesca a los diferentes rincones de la gran patria bolivariana.

Fue tal la popularidad del pasillo, que llegó a identificarse con el campesino en todo su sentido pleno: sonidos que amenizaban las arduas jornadas de la siembra, ritmos que favorecían la dedicación en el cultivo y danzas que invitaban a festejar la alegría de la cosecha. Luis Enrique Aragón, en el “Diccionario Folclórico Colombiano” (2018), anota que a la forma clásica de bailar el pasillo se le denomina pasillo de salón o pasillo colonial, e identifica también algunas variantes, como el pasillo chocoano, una variante del andino, en donde se pueden apreciar vevareñas, qutripís o el abanderado, algunos más festivos que otros, pero siempre conservando el ritmo de ¾.

Agrega Luis Enrique Aragón, que el dueto es la mejor modalidad musical para interpretar pasillos. Consiste en dos voces cantantes, primera y segunda voz, tiple y guitarra, que puede estar acompañado de instrumentos complementarios, como bandolas, flautas, tamboras o bajos y muchos otros más. Y es aquí donde aparece el nombre del ilustre músico tumaqueño Nelson Ibarra, quien en 1939 conformó un dueto con el músico ecuatoriano Alfonso Medina, conocidos popularmente como “Ibarra y Medina”, y que alcanzarían una fama inusitada, particularmente en territorio antioqueño, donde el pasillo tiene también sus propias particularidades.

Lastimosamente es muy poco lo que se conoce de Nelson Ibarra, los pocos datos nos hablan de su nacimiento en el bello puerto del Pacífico nariñense. Lo que se sabe es que a mediados de los años 30 se conoció con el ecuatoriano y conformaron el grupo que los llevaría por tierras colombianas, en los años 40 se encontraban grabando en Pereira para Discos Mario, luego aparecen grabando en Discos Cali en el Valle del Cauca, pero donde realmente lograron fama y reconocimiento fue en Antioquia, donde conformaron el dueto Los Típicos en donde grabaron para Discos Capri, temas como el fox Salomé, los pasillos Laura y Ojos negros y el fox incaico Enigma.

En Pereira se unieron por muy corto tiempo a Oscar Agudelo, fue éste quien los llevó a Medellín y les abrió las puertas de la fama. Ahí en los grandes salones o en las verbenas populares eran infaltables temas como Palpita Corazón, Todo es amor, La negrita, Yo quiero un amor. En 1953, acompañado por Ibarra y Medina, se dice que en una sola tarde grabó 11 canciones, en donde aparecen, entre otros, los temas La cama vacía, Vamos jugando iguales, China hereje, Desde que te marchaste, Negrita chavelona, temas que suenan diariamente en las emisoras, algunos de ellos se han convertido en verdaderos hitos de la cultura popular colombiana, y aún en ciudades como Medellín, Manizales o Ibagué, se piden a los coperos “un aguardiente y un tema de Ibarra y Medina, mejor en voz de Oscar Agudelo”.

El médico paisa Alberto Burgos Herrera, en su libro “Música del pueblo pueblo” (2006), señala que Ibarra, además de ser autor de muchas letras, también compuso muchas melodías, las cuales grabó también como solista, resaltan particularmente títulos como Albertico Limonta, A la frontera, el tango Ándate, los valses Amor Maternal, Mujer Ingrata y el pasillo Magdalena. Sin embargo, es en el dueto “Ibarra y Medina” donde logra sus mejores composiciones, valses como Mi crimen, Desde que te marchaste, Mi pasado; pasillos, como La canción del olvido, Imposible, De hinojos, Recuerdo de Madre; tangos, como Recordando a mi madre; cuecas, La palomita, Gloria chilena; zamba, No se si te quiero; y hermosos currulaos, que en el Pacífico nariñense se conocen como bambuco viejo, como El adiós y Alloi.

Hicieron más de 100 grabaciones para diferentes casas disqueras, entre otras para la RCA Victor, donde aparecen, quizá, las mejores composiciones de Ibarra, como Yo quiero un amor, y el más célebre de todos los pasillos instrumentales, Esperanza, del cual se dice entre los corrillos musicales de los guitarristas que: “si sabe tocar Esperanza, más o menos sabe tocar guitarra”, en alusión a la perfección de la composición y a la dificultad para lograr alcanzar las notas compuestas por el tumaqueño.

Sus composiciones han sido interpretadas por los más grandes músicos de varios países, por eso no extraña encontrar que sus temas suenen en varios lugares del mundo, especialmente los grupos colombianos cuando salen a las giras internacionales, los temas de Ibarra no pueden faltar. Intérpretes como el ecuatoriano Francisco Paredes Herrera, considerado el “Príncipe del pasillo”, se preciaba de tocar las piezas del compositor nariñense, así como el dueto “Ibarra y Medina” de tener entre sus repertorio los temas del ecuatoriano.

Alfonso Medina, nacido en Ecuador en 1909, fallece a finales de la década de los cincuenta en Pereira, de tal manera que así se desintegra el famoso dueto que había de darle tantas tonalidades musicales a las rocolas de todos los tiempos, y Nelson Ibarra fallece también en Pereira en 1977, dejando, eso sí, un legado musical inconmensurable al mundo. Hoy, los desdichados y los afortunados por el amor, en las breñas de las montañas andinas o en las plácidas playas de océanos recónditos, con seguridad se entonan con añejos silbidos los temas de este dueto, Ibarra y Medina, que siguen siendo testigos de los amores venideros de los cultivadores de caña, de los amores traicioneros en tierras cafeteras, y siguen teniendo Esperanza de que este país algún día será más bueno.