BLOGS Actualidad

14
12
2014
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¿Eres un Zombi?

Por: Ana Cristina Vélez

En los rituales del vudú, el sacerdote encargado cree que puede meter su alma dentro del cuerpo de otra persona, no sin antes inducirle la muerte, una clase de muerte no definitiva, pues solo “entra” transitoriamente en el cuerpo, con el fin de dominar su alma, para luego resucitarlo. La palabra “zombi” tiene su origen en una palabra africana “Nzambi”, que significa “espíritu de una persona muerta”. (más…)

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07
12
2014
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Llorar, sollozar o gemir

Por: Ana Cristina Vélez

El primer gesto que hacemos en la vida después de respirar es llorar. De inmediato se comunican mamá y bebé: el bebé llora y la mamá responde al instante: socorre, abraza, alimenta y cuida a su bebé. En la infancia, se llora para pedir auxilio, se llora por hambre, dolor, incomodidad o para llamar la atención y recibir otros cuidados. (más…)

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30
11
2014
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Abrázame y no me digas nada…

Por: Ana Cristina Vélez

Gustav Klimt

Solo abrázame, como dice la canción, porque el lenguaje del cuerpo, el de los gestos es mucho más antiguo que el de las palabras. Nacemos superdotados para entenderlo. Las mamás abrazan naturalmente a sus bebés, los cargan, los besan. La falta de caricias en los primeros meses de vida produce anormalidades en la personalidad y predisposición a la depresión en los años futuros. Es fácil recordar la sensación de bienestar que el abrazo maternal o paternal producía después de la caída, o del aporreón. La caricia del sana que sana, culito de rana es mágica, pues realmente disminuye el dolor. El dolor puede variar según la expectativa, según la actitud y el conocimiento, según el miedo, el valor o la distracción. (más…)

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22
11
2014
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Cómo identificar aves, un problema de ornitólogos

Por: Ana Cristina Vélez

Los ornitólogos discuten entre ellos. Algunas veces, el ave pasa tan rápidamente como una exhalación, y en esos casos poco hay que hacer. Cuando se tuvo la suerte de haber tomado una fotografía o de haber filmado un corto video, al menos, el asunto puede ponerse ante los ojos de muchos, y que la discusión empiece. Ni años de experiencia garantizan la certera identificación de un ave.  Identificar es aplicar un conocimiento previo de patrones, y combinarlos.  Para las aves se trata de una serie de patrones de muy distinta índole, que posiblemente van de lo grueso o macro a lo delicado o micro. (más…)

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16
11
2014
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Marcela Cárdenas invitada a Arcomadrid 2015

Por: Ana Cristina Vélez

Marcela Cárdenas es una antioqueña, joven creadora con una obra artística asombrosa. Fue invitada recientemente a la feria Arco, en Madrid, seleccionada por el curador Juan Gaitán, dentro de los artistas que representa la galería Nueveochenta, en Bogotá.  Juan Gaitán es el comisario para esta feria Arcomadrid 2015; al final del artículo está su selección.

Desde sus primeras obras, la calidad técnica salta a la vista. Marcela trabaja poniendo cuidado a los detalles. Aunque todo su trabajo artístico se caracteriza por un innegable sentido estético, es bello, no se queda allí, siempre comunica sobre algún asunto profundo, va más allá de darle gusto a la percepción y nos hace pensar.

Su trabajo más reciente titulado: Disecciones. Estudio de anatomía botánica, es el trabajo que expondrá en noviembre en la  galería Nueveochenta; y a la feria de arte en Madrid irán variaciones sobre el tema. La exposición contará con siete esculturas de tamaño mediano, mesa de exposición y cinco grabados impresos sobre seda.

La obra Disecciones. Estudio de anatomía botánica conjuga una serie de intereses que han estado siempre latentes durante la trayectoria e historia de la artista: la biología y el arte. Marcela ha coleccionado desde niña libros de ciencia y enciclopedias. Recordemos que el dibujo anatómico no copia la realidad, la codifica de una manera que la haga comprensible. En los dibujos de la Expedición Botánica, la planta escogida para estudio no se muestra dentro del paisaje, no; se la ha aislado, se la ha disecado, aplanado, se la ha seccionado en todos sus componentes, para distinguirlos, para enseñarlos, para poder reconocerlos con base en criterios muy estandarizados y claros. De ese código se apropia Marcela Cárdenas para hacer su trabajo tanto bidimensional como tridimensional.

Disecciones. Estudio de anatomía botánica

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Dentro del código utilizado en sus grabados se aprecia la contracopia, que nos lleva a pensar en las imágenes usadas en el test de Rorschach, esa simetría lograda por la impresión especular, sobre el eje vertical, de una imagen. Una simetría que se presenta en la naturaleza, en muchos de sus órganos: riñones, pulmones, cerebro, brazos, piernas. También la presencia del plato de laboratorio en la parte inferior de la composición nos habla sobre el código. El plato contiene la semilla: como semilla y como origen de lo que luego se ha desarrollado, y que vemos en la parte superior de la seda impresa.

La obra exige del espectador un esfuerzo, pues no describe ni animal ni planta conocidos. Cada grabado y cada escultura se componen de piezas muy escogidas y pensadas, dispuestas de tal forma que se imponen como una unidad orgánica-onírica. Los “órganos” que las componen nos llevan a otro tipo de reconocimiento. No son objetos biológicos los que tenemos que entender, sino todo lo contrario; estos híbridos de partes humanas, animales y plantas evolucionan solo en el juego de la imaginación y de las creaciones de la ciencia. Marcela Cárdenas recrea artísticamente lo que hace el científico en el laboratorio cuando introduce en un tomate (los larga vida) el gen que le permite no congelarse a un cierto pez que vive en las aguas polares, y por tanto a los tomates, el resistir cambios de temperatura sin dañarse. En estos “órganos” reconocemos metáforas de los procesos de la vida en evolución, a escala humana y a escala molecular, que nos hace pensar en las estructuras que dan soporte a la vida, y la hacen posible.

Las imágenes de Cárdenas son finamente poéticas. Las piezas tridimensionales, a pesar de recordar los órganos metidos en frascos con formol, que habitualmente encontramos en los laboratorios, a pesar de la constancia de la “muerte”, de que no quedan señales de vida en esos órganos, ni el rojo de la sangre ni el verde de la clorofila, no sentimos en ningún momento repulsión; es más, sentimos atracción, pues también nos acerca mentalmente a los productos del pastillaje (trabajos en azúcar para pastelería) y a la belleza y delicadeza de la porcelana.

Disecciones. Estudio de anatomía botánica

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En la mesa diseñada por Cárdenas (es fácil reconocer en toda la obra el criterio de diseñadora profesional, carrera que estudió antes de entregarse al arte) y en los objetos que dispone en ella apreciamos el espíritu coleccionista de botánica y de artista. Su trabajo Disecciones. Estudio de anatomía botánica requirió una previa búsqueda de semillas, raíces, troncos y materiales; además, una investigación sobre resinas, cauchos, gomas, plásticos para su producción. Ahí están algunos de ellos, dispuestos en la mesa, como parte del proceso de esta fantástica obra. Y digo fantástica, porque mueve con fuerza la fantasía del espectador.

A Cárdenas le interesan los límites entre los reinos: mineral, vegetal, animal, y los límites entre lo inerte y la vida. Algunos virus se comportan como cristales que un día reviven y empiezan a replicarse y a actuar. Las instalaciones con piezas de cristal en forma de diamante, rellenas de pelo, son una materialización de esta idea. Las formas geométricas encarnan las estructuras moleculares, y el pelo encarna la vida, lo que ya ha evolucionado.

Transicionales

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Antes de Transicionales (los cristales rellenos de piel) surgió Flora y fauna. Esos dibujos de mujeres en cuyos cuerpos habitan animales y plantas, que nos hablan del misterio de lo que somos: seres habitados por fantasmas; manifestaciones de vestigios genéticos de reptiles y de peces en nuestro ADN y en nuestro comportamiento. En el trabajo de Marcela uno constata su capacidad de concentración. Se podría decir que mira el mundo desde una habitación privada, como aguda observadora, que, rodeada de sus juguetes personales, recrea con ellos la realidad externa. La obra de Marcela Cárdenas parece hecha para sí misma, está desligada de lo que se pone de moda.

Flora y fauna

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Pensemos en su Taxonomía de fauna doméstica o en sus Paisajes domésticos. Sin salir de casa ha encontrado un mundo rico en formas, texturas y relaciones. Casi puede uno contar la historia de lo que sucede entre los objetos, como si estos tuvieran una vida secreta, que Marcela conoce y nos deja intuir. Veamos Estudio para perforar una zorra y nos daremos cuenta de que la zorra es de cuento, que posiblemente habitaba, desde hace mucho tiempo, la biblioteca de Marcela Cárdenas. Ella parece extraerla del libro e infundirle vida, para jugar con ella un juego sofisticado, donde los efectos gráficos son efectos juguetones que momentáneamente, pero de manera muy sutil, se convierten en símbolos horribles de nuestro proceder con los animales. Al mismo tiempo nos damos cuenta de que también se trata de una representación de la zorra- mujer, pues el trabajo sugiere distintas lecturas.

Paisajes domésticos.

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Su trabajo Botánica celeste exige del espectador un contexto más amplio. Es coherentey  responde contundentemente a una investigación que hizo la artista sobre John Cage. Una vez se conoce el contexto, el trabajo parece apuntar al espacio microscópico y al cósmico, a uno de esos misteriosos lugares que Borges llamó el Aleph, donde cabe todo. La metáfora en la obra de Marcela Cárdenas es la constante; esta siempre será de dimensiones variables, según la experiencia del espectador.

Estudio para perforar una zorra

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Botánica Celeste

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La selección de Juan Gaitán:

ArcoColombia: diez galerías, veinte artistas
CASAS RIEGNER (Bogotá). Ícaro Zorbar / Liliana Sánchez.
DOCE CERO CERO (Bogotá). Edgar Jiménez / Suntuosa.
EL MUSEO (Bogotá). Manuel Calderón / Jorge Magyaroff.
INSTITUTO DE VISIÓN* (Bogotá). Carlos Motta / Carolina Caycedo.
JENNY VILÀ (Cali). Ricardo León / Mónica Restrepo.
LA GALERÍA (Bogotá). David Peña / Adriana Marmorek.
LA OFICINA (Medellín). Iván Hurtado / Pablo Gómez.
NUEVEOCHENTA (Bogotá). Jaime Tarazona / Marcela Cárdenas.
SEXTANTE (Bogotá). Angélica María Zorrilla / Catalina Jaramillo.
VALENZUELA KLENNER (Bogotá). Edwin Sánchez / Liliana Angulo.

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08
11
2014
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El Cóndor de los Andes

Por: Ana Cristina Vélez

Todavía existen algunos cóndores, pero ya no están presentes en la cultura, no están en la imaginación ni planean en nuestros sueños. Son impresionantes y por eso ocupan un significativo espacio en antiguos objetos culturales: en algunas mitología (para los Incas, eran inmortales) y en los escudos de armas de Chile, Bolivia, Ecuador, Mérida (Venezuela) y Colombia. Afortunadamente, un pequeño pero apasionado grupo de conservacionistas lucha por ellos. (más…)

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02
11
2014
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El gusto en la evaluación de las imágenes del arte

Por: Ana Cristina Vélez

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Tomás de Aquino. Obra del artista antioqueño David Arias

“Entre gustos no hay disgustos” es una frase que implícitamente asegura que el gusto es un asunto caprichoso, libre, que no depende de nada; que con la misma facilidad algo nos gusta o nos choca, lo cual no es cierto. (más…)

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26
10
2014
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El repentino origen del arte

Por: Ana Cristina Vélez

Hacha de piedra con 1.7 millones de años

Las manifestaciones artísticas son un fenómeno muy reciente. Desde hace 200.000 existe la especie Homo sapiens, poseedora de un cerebro grande y complejo; sin embargo, para llegar a la explosión de creatividad artística que poseemos tuvieron que trascurrir 160.000 años, ¿por qué? No lo sabemos, pero esto es lo que piensan algunos investigadores: el origen de la capacidad artística se debió a varios factores, un cerebro grande, un cerebro complejo, selección sexual a favor de aquellos que hacen cultura y la capacidad de manejar símbolos.  (más…)

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19
10
2014
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Arte de las cavernas en Indonesia

Por: Ana Cristina Vélez

Recientemente, en una de las diecisiete mil islas que componen la república de Indonesia, en Sulawesi, se han encontrado dibujos de animales y de manos, estas últimas pintadas con la técnica del estarcido, con una antigüedad de 40.000 años. Más de cien cuevas, en las que sobreviven fragmentos de estas manifestaciones artísticas, han sido estudiadas. Hasta ahora, solo en España y en Francia se había encontrado arte de la misma antigüedad, en la Cueva EL Castillo, localizada en Puente Viesgo, y en Francia, en las cavernas de Chauvet.

Se calcula que la dispersión del Homo sapiens por Europa y Asia ocurrió entre hace 70.000 y 60.000 años. Se había pensado que los orígenes del arte estaban en Europa, pero el nuevo hallazgo sugiere que el arte, o mejor, “las manifestaciones de capacidad simbólica” surgieron simultáneamente en distintas partes del globo.

Los dibujos de estas cuevas poseen algunas características particulares: las extremidades fueron realizadas con mucho cuidado y detalle, mientras que los cuerpos parecen inflados. En unos pocos casos, la superficie del suelo está representada, algo nuevo por completo.

Las pinturas se conocían, pero no se habían estudiado. Una nueva técnica de datación, en la que se utiliza uranio, permitió conocer su antigüedad. El procedimiento es el siguiente: los científicos buscan dibujos cuyas superficies parezcan abultadas, con una textura de crispeta. Esas formaciones son conocidas como “crispeta de cueva” (cave popcorn); en realidad, son depósitos de carbonato de calcio que se han formado con el correr de los tiempos y de las aguas ricas en minerales. Aguas filtradas que han rodado por las paredes de las cuevas. Estos depósitos de minerales contienen bajos niveles de uranio radiactivo, el cual se desintegra y convierte en torio a una velocidad conocida. El comportamiento del uranio actúa como un reloj arqueológico confiable. En las cuevas de Sulawesi, los distintos dibujos revelan edades muy distintas, en concordancia con sus ubicaciones dentro de las cuevas.

Los dibujos de las cavernas crean muchas inquietudes. No podemos dejar de preguntarnos a qué necesidades humanas responden. Los dibujos de las cavernas más antiguos que se conocen poseen 40.000 años o un poco más, pero el objeto más antiguo encontrado, con marcas simbólicas, es de hace 70.000 años. Probable muchos objetos y pinturas fueron producidos en el intermedio, solo que no se han encontrado.

***

El gran director de cine Werner Herzog realizó una película en tres dimensiones llamada Cave of Forgotten Dreams, la cueva de los sueños olvidados. Es maravillosa porque da la oportunidad de entrar a uno de esos espacios, en la mayoría de los casos, prohibidos al público. La humedad del cuerpo humano y el vaho de la respiración modifican el micro clima de las cuevas, y las pinturas se pueden dañar. Herzog consiguió los permisos necesarios para filmar la cueva de Chauvet, en Francia, fue cuidadoso con todos los detalles; por ejemplo, para iluminar en la oscuridad y filmar, utilizó lámparas que no emiten calor. En la película, Herzog nos narra, con su voz opaca y melodiosa, lo que todos sentimos ante ese pasado sorprendente; y escoge una música exquisita para acompañar las imágenes y la narración.

La tridimensionalidad permite contemplar y sentir la belleza de los dibujos y grabados en las paredes de piedra, el volumen de las estalactitas y de las estalagmitas, las ondulaciones de las paredes, utilizadas frecuentemente para acentuar la forma de los dibujos. Herzog nos pasea por los techos y los suelos de las cavernas, estos últimos con muchos huesos de animales dejados por los sobrevivientes  de las desafiantes fluctuaciones climáticas de la Edad de Hielo. Herzog nos permite imaginar a los que estuvieron allí; nos trasmite el susurrar de sus voces, de estos Homo sapiens dotados de lenguaje, carentes de la compleja cultura del presente, pero poseedores de la misma estructura social.

De las cueva de Chauvet

Los dibujos de las cavernas son una forma de materialización de la ansiedad, producto del pensamiento simbólico. Los dibujos son una demostración más de la habilidad de recordar conscientemente el pasado, entender el presente e imaginar el futuro. Esos dibujos son una forma de recreación de la imaginación, que permite contar y comunicar a otros tanto lo vivido como lo soñado. También pueden ser entendidos como el ejercicio de esa habilidad manual y mental tremenda, que nos hace sapiens.

 

 

 

 

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12
10
2014
catrecillo

Algunas lecciones de Steven Pinker sobre cómo escribir bien

Por: Ana Cristina Vélez

 

Al leer las recomendaciones  sobre cómo escribir bien que da Steven Pinker en su libro The Sense of Style (El sentido del estilo), se llega a la conclusión de que no es el uso, sino más bien el abuso de ciertas formas, lo que daña, empantana o hace pesada una lectura. Los grandes escritores se saltan todas las reglas, pueden hacer piruetas en el aire y dar saltos mortales, caer parados sin siquiera despeinarse; pero al común de los mortales nos conviene seguirlas. En algún momento de la vida hay que escribir, y es útil conocer sus sensatos consejos. Los ejemplos que se dan aquí no aparecen en el libro de Steven Pinker, tampoco los contraejemplos.

Usar el “estilo clásico”

El estilo clásico es un modelo mental en el cual el escritor simula tener una conversación con el lector. El escritor muestra o explica al lector algo que ve, piensa o nota; el lector debe idealmente experimentar lo mismo,  y hacerlo fácilmente, sin trabas. Entre el lector y el escritor se debe crear una relación de igualdad, como si estuvieran bajo el mismo suceso, viviendo lo mismo.  El estilo clásico se refiere a un inglés tradicional, sin maromas, con claridad, con conocimiento de las reglas sintácticas, sin demasiada jerga específica ni exceso de lenguaje abstracto.

Pinker recomienda no usar el estilo académico ni aunque el  público sea académico. Aconseja no usar terminología especializada, ni conceptos técnicos. Explica que en realidad no hay ninguna necesidad de hacerlo, y que es más una excusa para escribir mal. Los experimentos de cada campo específico se pueden describir, sin usar sus nombres. Muchas veces, la gente de la misma disciplina intelectual no los recuerda por sus nombres, así como tampoco muchos de los tecnicismos.

Empezar con fuerza

La mejor forma es evitar las fórmulas: Hace mucho tiempo… o, Desde sus orígenes, o, Desde el principio de los tiempos, la humanidad se ha preguntado por…  o, En los últimos años, un gran número de investigadores ha centrado su atención en el problema de … Cuando [Richard] Dawkins escribió: “Vamos a morir, y eso es lo que nos hace afortunados” comienza planteando una paradoja que nos despierta el interés, pues morir es algo horrible y ser afortunados es lo contrario; entonces queremos saber qué sigue, cómo es que va a resolver el asunto (este ejemplo sí aparece en el libro).

Los grandes escritores capturan al lector desde el primer párrafo. Así comienza Juan Rulfo en Nos han dado la tierra:

“Después de tantas horas de caminar sin encontrar ni una sombra de árbol, ni una semilla de árbol, ni una raíz de nada, se oye el ladrar de los perros. Uno ha creído a veces, en medio de este camino sin orillas, que nada habría después; que no se podría encontrar nada al otro lado, al final de esta llanura rajada de grietas y de arroyos secos. Pero sí, hay algo. Hay un pueblo. Se oye que ladran los perros y se siente en el aire el olor del humo, y se saborea ese olor de la gente como si fuera una esperanza”.

Y Jorge Luis Borges en El Aleph: ”La candente mañana de febrero en que Beatriz Viterbo murió, después de una imperiosa agonía que no se rebajó un solo instante ni al sentimentalismo ni al miedo, noté que las carteleras de fierro de la Plaza Constitución habían renovado no sé qué aviso de cigarrillos rubios; el hecho me dolió, pues comprendí que el incesante y vasto universo ya se apartaba de ella y que ese cambio era el primero de una serie infinita”.

Emplear algunos elementos de la poesía

Utilizar figuras retóricas, más comunes en la poesía, puede avivar la prosa. Un ejemplo de aliteración: “A las aladas almas de las rosas”, de Miguel Hernández. De León de Greiff: “Con el rútilo azogue que rueda por su dorso”.

Aunque en la mayoría de los casos se debe evitar la cacofonía, pues suena feo, en algunos casos puede dar énfasis a una idea: “Tres tristes tigres tragaban trigo en un trigal en tres tristes trastos”.

De San Juan de la Cruz:

“Y déjame muriendo

un no sé qué que quedan balbuciendo”.

Aunque siempre se aconseja no usar palabras innecesarias, los artistas encuentran la manera de darles un buen uso.  El Polisíndeton, también llamado Conjunción, es una figura retórica que consiste en la utilización de nexos innecesarios dentro de la oración.

De Juan Ramón Jiménez:

“Hay un palacio y un río y
un lago y un puente viejo,
y fuentes con musgo y hierba
alta y silencio… un silencio”.

Cuando usted esté comparando algo en dos frases, Pinker aconseja dejar la misma estructura gramatical, de modo que el lector pueda centrarse en lo que difiere de un caso a otro.

Controlar el tiempo

El lector necesita recibir la información a un cierto ritmo. Como en las películas, es recomendable llegar a la idea sin ocuparle mucho tiempo al lector, con información irrelevante o secundaria. Cuando una oración posee un fragmento muy complicado, largo y lleno de detalles, se recomienda moverlo  para el final de la oración, así el lector no tendrá que guardar las ideas en la memoria hasta terminar la oración y descubrir de qué se trataba. Por ejemplo: Mauricio envió los dulces envenenados que llegaron por correo, en un paquete azul, a la policía. Esto exige más del lector que el siguiente orden: Mauricio envió a la policía los dulces envenenados, que llegaron por correo, en un paquete azul.

Sin embargo el siguiente ejemplo muestra como un gran escritor, Hermann Hesse, se demora para llegar al sujeto de la oración:

“Una alargada, blanca,

una suave, silenciosa

nube flota en el azul.

Baja tu mirada y siente

que feliz con frescor blanco

te arrastra entre azules sueños”.

(Traducción Ricardo Bada).

De León de Greiff, diga el lector cuál es el sujeto de la oración:

“Leo Legris es el nombre que porta
-para esquivar el irónico gesto-
mi extravagancia, que, riendo, soporta
la burla, la estultez, y el elogio indigesto”.

Todo no vale en la escritura, sobre todo si no se es un genio de esta

Cuando James Joyce escribió El Ulises, con pasajes largos sin puntuación y con una gramática muy laxa, lo hizo para lograr un efecto: el de asomarse a la conciencia de alguien. Él sabía lo que estaba haciendo. Pero si usted no es James Joyce ni Juan Rulfo ni García Márquez es mejor usar la puntuación sin hacer muchos experimentos y mantenerse dentro del “estilo clásico”. Además, los lectores esperan encontrar una cierta gramática. Es fundamental poner atención al uso correcto de las palabras, no es lo mismo decir “literalmente”, que “figurativamente”.  La frase: Literalmente exploté significa una cosa muy distinta de figurativamente exploté.  No es lo mismo expirar que espirar. Una historia puede terminar así: espiró y expiró, pero no al revés.

Del Otoño del Patriarca, vuelvo a traerlo al blog (Vélez, Antonio), un fragmento en el que “todo vale”:

“García Márquez decidió experimentar con un nuevo tipo de narración, haciendo que el narrador se desplazase silenciosamente, sin solución de continuidad, confundiéndose en forma natural e insensible con cada uno de los personajes de la novela. El diálogo se transformó en un curioso multimonólogo, con intervenciones del narrador en tercera persona, tal como lo ilustra magníficamente el siguiente fragmento: “Y no porque la patria lo necesite vivo como usted dice sino [...] dicho sea sin el menor respeto mi general, pero a él no le importaba la insolencia sino la ingratitud de Patricio Aragonés a quien puse a vivir como un rey en un palacio y le di lo que nadie le ha dado [...], aunque mejor no hablemos de eso mi general”. La pluma mágica de García Márquez, el alquimista, logró que las retahílas que necesariamente se formaban no mostraran los empates ni las costuras, y el texto y los diálogos aparecieran claros y sin ninguna ambigüedad. La obra resultante quedó compacta y densa, y en cierto sentido optimizada, pues desaparecieron la hojarasca y los rellenos insulsos de dijo, exclamó, luego…”

Ideas absurdas que se han impuesto

Es mejor no abusar de las formas pasivas, (son un problema en el inglés, pero no lo son en el español) pero es bueno usarlas en casos donde la historia la requiere para no perder coherencia y llevar al lector con suavidad por la escena.  La mamá alimentó al bebé es una manera más directa de comunicar que el bebé fue alimentado por la mamá; sin embargo, a veces, cuando se está contando una historia cuya importancia está en la acción, no tenemos que decir, por ejemplo: el cocinero ha cocinado la carne perfectamente; es mejor dejar por fuera al cocinero, pues lo que realmente se desea  comunicar es que: la carne estaba perfectamente cocinada.

En español también se ha recomendado no utilizar los adverbios terminados en mente, ¿de dónde sale esta regla? Que dizque es preferible que no digamos: completamente, sino de manera completa, que no digamos, definitivamente, sino de manera definitiva. Esta es una de esas reglas que no tiene sentido. Algunos atribuyen esta moda a Gabo.

Se ha recomendado no comenzar las oraciones con conjunciones. Sin embargo, Pinker dice que no hay absolutamente nada malo en iniciar una oración con “y”, “pero”, “o”, “también”, “tan”, o incluso “porque”.

Hay una regla globalizadora: ninguna regla rígida debe cumplirse a ultranza. Las reglas gramaticales  se pueden violar, pero con estilo, con genialidades, con experiencia. Hay quienes saben violarlas. Para el principiante, las reglas son muy importantes, pues cuando las infringe, desnuda su novatada, y escribe simplemente mal.

 

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