Cómo es de engañosa la afirmación ‘todo está dicho’. Por lo menos, eso fue lo que pensé cuando vi el documental “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” que Cine Colombia presenta entre el 22 y el 25 de noviembre en salas de Bogotá, Barranquilla, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales, Medellín y Pereira.

Producido por Nexo Digital, que desde el 2017 realiza documentales cinematográficos que le permiten al espectador vivir una experiencia visual inmersiva que redefine los estándares de la representación del arte y la narración de la historia, “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” rememora la vida y obra del genio vanguardista Amedeo Modigliani (1884 – 1920).

Lo novedoso de este documental es que fusiona magistralmente la ficción porque es desde la mirada de Jeanne Hébuterne, artista y esposa de Modigliani, que se narra la historia.

Durante años, Jeanne Hébuterne fue sólo la musa de Modigliani. Pero este documental aprovecha para repasar la vida de ella desde que fue a París a la Académie Colarossi, donde conoció al artista con el que se fue a vivir en un espacio de la rue de la Grande-Chaumière, una academia que todavía sigue vigente entre los amantes del dibujo, la pintura o la escultura.

Así que “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” es mucho más que un documental sobre este artista; es una recopilación de historias que giran alrededor de él desde sus inicios en Livorno (Italia) hasta su muerte en París (Francia).

Al ver este documental como espectadores podemos conocer su relación con los artistas Pablo Picasso o Constantin Brancusi y también como la presencia de mujeres como Beatrice Hastings o Jeanne Hébuterne fue fundamental para el desarrollo de su obra, pues ambas, muy de avanzada para la sociedad de la época -una fue escritora y la otra artista- lo empujaron a plasmar tanto en la pintura como en la escultura el estado del alma.

Como muchos artistas, Modigliani no gozó en vida del reconocimiento artístico, por lo que “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” intenta saldar esa deuda ofreciendo una explicación detalla de su arte, su inspiración en el arte llamado ‘primitivo’ y cómo del gusto por las máscaras pasó al retrato y a las figuras alargadas que, además, también recuerdan a los clásicos italianos.

Este filme es una mirada retrospectiva. Desde el presente Jeanne Hébuterne recorre las exposiciones de Modigliani en el Museo Municipal de Livorno, National Gallery of Art de Washington y colecciones de París, mostrando su impacto y su legado actual tanto que es objeto de múltiples falsificaciones y rey de las casas de subastas.

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De este documental me gustó todo porque no solamente se centran en narrar la historia de Edvard Munch (1863 – 1944), reconocido por su obra maestra “El grito”; sino que le narran al espectador todo el contexto social e histórico de Noruega, la ciudad en la que nació, Oslo; y cómo los bosques que la rodean inspiraron clásicos de cuentos infantiles bastantes aterradores en los que criaturas propias del folclor nórdico como trolls, huldras y hadas son los protagonistas.

Este documental de hora y media está dirigido por Michele Mally y producido por 3D Productions y Nexo Digital, reconocidos por llevar a la gran pantalla la vida y obra de los grandes artistas de todos los tiempos. El filme se produjo a propósito de la inauguración en 2021 del Museo Munch ubicado en Oslo, Noruega.

La actriz noruega Ingrid Bolsø Berdal recibe al espectador en una de las casas donde vivió Munch, la de Åsgårdstrand, donde él murió. Estando allí lee los diarios y las libertas donde el artista escribió y registró cada detalle de su vida, la de su familia y amigos, vivencias que luego inmortalizó en cuadros.

Las criaturas nórdicas típicas de la literatura, los cuentos de Edgar Allan Poe que le leía su padre, la influencia de la religión sobre una sociedad que si no se porta bien debe ser castigada, la pobreza que lo rodeó en su infancia, así como el dolor y la muerte fueron los primeros ingredientes que marcaron la personalidad de este artista que, según escribió, no pintó lo que veía, sino lo que había visto.

Y eso que había visto tomó forma en su mente de la misma forma que las ramas de los árboles, debido al fuerte viento de la noche, parecían criaturas fantasmales.

El primer cuadro que se explora es “La niña enferma”, pintado en 1907 en honor a su hermana Sophie, quien murió a los 15 años de tuberculosis, la misma enfermedad que mató a su madre.

La muerte, el dolor y la angustia siempre estuvieron presentes en la obra de Munch. Aunque tenía como parientes al pintor Jacob Munch y al historiador Peter Andreas Munch, sus padres no contaron con muchos recursos para criar a los cinco hijos que tuvieron. Tras la muerte de su madre Laura, su padre tuvo una gran depresión que alivió volcándose a la religión.

Fue su tía Karen, que fue a vivir con ellos tras la muerte de Laura, quien animó a los chicos a desarrollar las habilidades artísticas y el documental “Munch: entre fantasmas y amores” recapitula todo aquello en el marco de la inauguración del Museo Munch en el 2021, un imponente rascacielos donde se encuentran 28.0000 obras entre pinturas, grabados, dibujos, cuadernos, bocetos, fotografías y sus experimentos con el cine.

El Museo Munch es uno de los atractivos más grandes de Noruega y les ofrece a los visitantes la oportunidad de conocer el legado artístico de este hombre que, sostienen, no es muy conocido más allá de “El grito”.

Por eso, tanto el documental como el museo tiene el objetivo de “saldar la deuda que la cultura contemporánea tiene con Edvard Munch (1863 – 1944)” dando a conocer todo “sobre un hombre y un artista de singular encanto, un precursor y un maestro” y uno de los principales representantes del expresionismo, quien capturó emociones humanas profundas como la ansiedad y el desespero, y tuvo una enorme influencia en el arte moderno, convirtiéndose en referente de artistas como Andy Warhol y Marina Abramović.

Datos de la producción

• El documental ofrece una mirada íntima al verdadero Edvard Munch, un hombre que marcó la historia del arte con El Grito y muchas obras más.
• Sirve como un viaje a Oslo, ciudad natal de Munch y nos permite conocer el recientemente inaugurado Museo Munch, que rinde homenaje al artista con un archivo inédito de más de 28,000 obras.
• Permite conocer la influencia que tuvo Munch en artistas del siglo XX como Andy Warhol y Marina Abramović que se inspiraron en su exploración del existencialismo y técnicas experimentales.
• Explora a profundidad el entorno cultural y artístico de la Noruega de finales del siglo XIX y comienzos del XX, permitiéndonos conocer a los poetas, músicos y otros artistas que tuvieron un gran impacto en la obra de Munch.
• La producción ahonda en los temas que estuvieron presentes a lo largo de la obra de Munch y cómo estas se ven representadas en sus pinturas. Amor, dolor, muerte: las emociones más profundas de la condición humana.

Nuevo ciclo de cine sobre artistas icónicos

Desde el 15 de noviembre y hasta el 16 de diciembre, llegan 5 de los artistas más icónicos de la historia del arte a las pantallas de Cine Colombia.

Cinco producciones le darán una visión privilegiada e íntima de la vida y obra de artistas que cambiaron el rumbo del arte en el siglo XX: Edvard Munch (1863 – 1944), Amedeo Modigliani (1884 – 1920), Frida Kahlo (1907 – 1954), Jeff Koons (1955), y Pablo Picasso (1881–1973). En alianza con Nexo Digital, pioneros en experiencias cinematográficas diferenciales, Cine Colombia y Cineco Alternativo lo invitan a vivir un viaje a través de las ciudades y los museos que atestiguan el impacto de estos artistas.

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Siempre es un placer ver las obras de o sobre Frida Kahlo, y el documental que Cine Colombia exhibe en salas de cine del 20 al 23 de septiembre no es la excepción.

Bajo la dirección de Ali Ray y la producción ejecutiva de Phil Grabsky, el filme narra la historia de esta artista mexicana que resignificó la cultura mexicana y exorcizó todo su dolor y visión de mundo a través de la pintura.

“Dirigir esta película ha cambiado totalmente mi visión de Frida Kahlo como artista. La fragilidad y las inseguridades reveladas en sus cartas se procesaban a través del acto de pintar. Sus lienzos eran la forma en que ella interpretaba el mundo, su política, sus pasiones y emociones, transformándolas en imágenes de fuerza, desafío y comprensión”, comenta Ali Ray.

-> Te recomiendo: El jardín: placer de la clase media moderna y el impresionismo.

De Frida Kahlo hay libros, películas, pódcast… Debe ser poco lo que de ella no se ha dicho; pero aun así estos documentales en pantalla grande me gustan porque ofrecen la posibilidad de ver en gran formato y de manera muy detallada obras representativas de la artista.

Así que este documental es una clase de historia del arte en la que explican, por ejemplo, que el “Autorretrato con traje de terciopelo” es una pintura temprana importante porque, tras el accidente de tránsito, ella le envió a su novio de entonces, Alejandro Gómez Arias, este cuadro porque nunca la visitaba. Él fue enviado por su familia a Alemania para que no se casara con una mujer enferma.

Para pintar “Autorretrato con traje de terciopelo”, Frida Kahlo se inspiró en una foto que su padre le tomó, en la que ella posa sentada en una silla con un libro en la mano y un traje de seda negro.

Adriana Zavala, profesora asociada de historia del arte de la Universidad de Tufts dice que con este autorretrato Frida le declaraba a Gómez Arias “que era una joven atractiva, seductora, moderna, emancipada”.

Por su parte, Hayden Herrera, biógrafa e historiadora del arte comenta ante la cámara “es un precioso cuadro, en parte por su relevancia emocional, fue capaz de plasmar en él ese sentimiento de necesidad tan fuerte en todo el arte de Frida Kahlo, de necesidad desesperada porque alguien la ame”.

Durante una hora y treinta minutos, el documental de Frida Kahlo nos sumerge en su vida y, gracias al conocimiento de los expertos, podemos saber o recordar que la mexicana fue influenciada por el arte renacentista en su etapa más temprana; o que tras tener que dejar sus estudios de medicina – a causa del accidente de tránsito – se dedicó a la política y fue entonces cuando conoció al artista Diego Rivera, con quien tuvo una relación bastante tormentosa.

“Cada documental se vive como una entretenida lección de arte, como si se tratara de un recorrido intimo a estas exposiciones que marcan la agenda internacional y que permiten revelar aspectos desconocidos de estos maestros”, expresa el productor ejecutivo Phil Grabsky.

El muralismo mexicano asociado a la revolución y a todo el cambio cultural y político que derivó, así como el estilo personal que evoca la mujer mexicana y la estética de los cuadros que Frida Kahlo pintó tras su primer matrimonio con Rivera son otros temas muy explorados en este filme.

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Cuando el documental abarca el cuadro “Henry Ford Hospital” la narrativa me absorbió por completo porque, aunque tenía idea de los problemas de la artista para ser madre, no tenía idea que, de acuerdo con la profesora de historia de arte Gannit Ankori, Frida Kahlo fue la primera en pintar la sangre como consecuencia de un aborto.

Hoy por hoy el arte de Frida Kahlo parece muy común, pero al ver este documental queda claro que fue pionera en tener un estilo muy asociado al realismo mágico que impide encasillarla en una franja exacta en la línea de la historia del arte; y que la condición humana, su visión femenina del mundo y su humanidad ligada al dolor y al amor fue la esencia de su estética.

El ciclo de documentales dedicados al arte se puede disfrutar en salas seleccionadas de Cine Colombia de Barranquilla,   Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales, Medellín y Pereira.

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El impresionismo surgió hace 150 años a partir de una exposición que se llevó a cabo el 15 de abril de 1874 en la que se exhibieron cuadros en los que Monet, Renoir, Degas, Morisot o Cézanne rompieron las reglas con lo establecido en la plástica, pues dieron importancia a captar el estilo de vida urbano y burgués.

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Ese estilo de vida está protagonizado, en muchas familias, por el jardín, ese espacio que dejó de ser exclusivo de la realeza o de la agricultura para convertirse en un refugio para la salud mental, familiar y cultural, pues no hay que olvidar que la modernidad llevó al ser humano a vivir en constante movimiento y aceleración del tiempo.

El jardín, o los jardines de siete artistas impresionistas son también los protagonistas del documental “De Monet a Matisse: pintando el jardín moderno”, que proyecta Cine Colombia el 6, 7, 8 y 9 de septiembre en salas alternativas de Bogotá, Cali, Medellín, Barranquilla, Manizales, Cartagena, Bucaramanga y Chía.

El documental nace a partir de la exposición que realizó Real Academia de Arte de Londres, a partir de la obra de Claude Monet revisa el papel que desempeñaron los jardines en la evolución del arte desde principios de la desde principios de la década de 1860 hasta la década de 1920.  

Al llevar esta revisión (desempeño de los jardines en la evolución del arte) el documental parte de la transformación que el jardín tuvo en la pintura: dejó de ser la locación perfecta de los temas religiosos para convertirse en el espacio predilecto de esparcimiento de las familias burguesas.

Quienes tuvieron el interés, el tiempo y la curiosidad de explorar las teorías de Darwin encontraron en el jardín el paraíso para poner a prueba las novedades de la ciencia y la naturaleza.

Uno de ellos fue el artista Monet, quien de acuerdo con James Priest, actual jardinero principal de Giverny (Francia, propiedad de Monet), el artista se esforzó por esculpir un jardín muy variado, diferente del jardín tradicional inglés, en el que el contraste de los colores y tamaños de las flores y plantas fue fundamental.

El documental “De Monet a Matisse: pintando el jardín moderno” comienza con una cita del comerciante de arte René Gimpel que trabajó con los modernistas. “Dimos un paseo por el jardín. Un jardín perfecto. Un paisaje lleno de flores de belleza conmovedora. De tallos tan altos que parecía que caminaran a nuestro lado. Hoy Monet me llevó por primera vez al otro lado de la carretera y las vías tras la que se extiende el jardín y en que el paisaje cambia totalmente. Allí está su estanque, en él flotan los nenúfares y pálidos sauces lo rodean. Creó este estanque igual que Dios creó los caprichos de la naturaleza”.

La narrativa del filme da a entender que hasta nuestros tiempos la jardinería ha sido subestimada como arte y como protagonista del arte, ya que es tratado como si fuera una artesanía o una manualidad como el tejido; que tampoco es un oficio menor, pero tal vez es considerado como tal debido a que es practicado, generalmente, por mujeres.

Pero lo que hizo justamente la exhibición de la Real Academia de Arte de Londres fue darle su lugar como arte y como pieza clave de la vanguardia y de la evolución del arte, porque pintar el jardín era pintar la vida moderna, además de pintar la fuerza abstracta o el poder de la naturaleza.

De hecho, dos de los cuadros más llamativos que estuvieron en la exposición de Londres y que se puedne ver en detalle en la gran pantalla son “Claude Monet pintando en su jardín en Argenteuil” (1873) de Pierre-Auguste Renoir y “Louis Comfort Tiffany” (1911) de Joaquín Sorolla, quien retrató al artista y diseñador estadounidense en una posición muy privilegiada.

“De Monet a Matisse: pintando el jardín moderno” se centra mucho en el trabajo de Monet, pero también abarca el trabajo de otros artistas que, como él, también se dedicaron a la jardinería, la horticultura y la pintura.

Los espectadores tenemos la fortuna de ver los jardines que inspiraron a Pierre Bonnard en Normandía (Francia), a Emil Nolde en Seebüll (Alemania), a Max Liebermann en Wannsee (Alemania) o a Henri Le Sidaner en Picardía (Francia). En el sitio web de la Real Academia hay un archivo digital sobre estos jardines que se puede ver en este enlace.

Cada jardín tiene su propia personalidad. Algunos son más controlados, otros más silvestres y otros más coloridos… pero tal vez todos guiados por las ideas del naturalista y escritor William Robinson, quien con sus publicaciones llevó a otro nivellos conceptos de la jardinería.

Cada uno de estos jardines y espacios al aire libre inspiraron a estos artistas, quienes se dedicaron a pintar estas creaciones naturales varias veces, en diferentes horas del día y diferentes estaciones, por lo que cada cuadro es diferente así sea el mismo paisaje.

“De Monet a Matisse: pintando el jardín moderno” cuenta con la participación de curadores, artistas y horticultores, quienes expresan su conocimiento sobre papel del jardín en la cultura popular y en la evolución del arte desde 1860 hasta 1920; y cómo estos gustos modernos siguen siendo importantes en nuestros días.

¿Quién no necesita el contacto con la naturaleza para su paz mental? ¿Quién no disfruta de la lectura o de una taza de café o una copa de vino rodeado de flores de muchos colores?

¡Qué lindo legado nos dejó el impresionismo y la modernidad!

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En tiempos en que todo es veloz y efímero, me parece absolutamente maravilloso que los artistas del Renacimiento, o cualquier siglo pasado, continúen siendo motivo de conversación.

Algunos son más mediáticos que otros, pero que el legado de estos personajes siga vigente es en sí una obra maestra.

Uno de esos artistas que este 2024 se toma las pantallas de cine de todo el mundo, o por lo menos de varios países, es Pietro di Cristoforo Vannucci, más conocido como Perugino (1448 – 1523), quien en vida no gozó tanto del éxito ya que fue eclipsado por la fama de su pupilo Rafael y las críticas de Giorgio Vasari, el primer crítico e historiador del arte del que se tiene referencia.

De acuerdo con la descripción de la Galería Uffizi (museo de Florencia que posee una de las más antiguas y famosas colecciones de arte del mundo), Perugino “fue un pintor de la escuela de Umbría, cuyo estilo fundó una línea de expresividad clásica durante el Alto Renacimiento (…) En Florencia, el Perugino fue también uno de los primeros en practicar la pintura al óleo”.

Este artista, Perugino, es el protagonista del documental “Perugino: eterno renacimiento” que se estrena para coincidir con el aniversario de los 500 años de la muerte de Perugino y, de paso, darle el lugar que se merece en la historia del arte, destacando sus innovaciones, méritos y carácter.

“Perugino: eterno renacimiento” se puede ver entre el 12 y el 14 de julio en salas de Cine Colombia de Barranquilla, Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales y Medellín; con una función adicional el 15 de julio en Bogotá, Cali y Medellín.

Según los expertos en el arte, Perugino es protagonista absoluto de las dos últimas décadas del siglo XV, a través de obras maestras de su producción realizadas antes de 1504. Por eso, en 2023 la Galería Nacional de Umbría en Perugia, Italia, conmemoró su legado y su influencia en el arte renacentista con la exposición “El mejor maestro de Italia. Perugino nel suo tempo”.

La búsqueda sobre Perugino en Google arroja muchos resultados sobre esta muestra. En el sitio web de la Galería Nacional de Umbría se pueden ver algunas imágenes del montaje de la exhibición, aunque sus obras se pueden ver también en la galería digital Arts and Culture.

Volviendo al documental, “Perugino: eterno renacimiento” sigue la vida de Perugino hasta su muerte en 1523 durante una epidemia de peste en Fontignano. El espectador es testigo de su evolución artística, ya que destaca sus influencias clave, como la arquitectura de Piero della Francesca y su formación en el taller de Verrocchio en Florencia.

Los espectadores pueden ver y conocer en detalles las obras maestras de Perugino que lo posicionaron como un artista renombrado en Roma, Florencia y en toda Italia; y se enfatiza cómo la influencia de sus composiciones y las iconografías que estableció el artista a través de sus talleres crearon nuevos estándares y un lenguaje artístico que se extendió ampliamente.

Dirigido por Giovanni Piscaglia (el mismo de “Van Gogh: de los campos de trigo bajo cielos nublados”), “Perugino: eterno renacimiento” cuenta con la participación especial del actor italiano Marco Bocci como narrador y guía, así como la participación del historiador del arte Marco Pierini, la curadora Veruska Picchiarelli, el coreógrafo y bailarín Virgilio Sieni, la profesora de Historia de la Arquitectura Emanuela Ferretti y el director de la Galería Uffizi, Eike Schmidt.

El arte de Perugino se caracteriza por el equilibrio que logró entre el hombre y la naturaleza, el realismo y el idealismo.

Otro resultado principal que arroja Google sobre Perugino es “Virgen con el Niño y Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio” de Los Museos Vaticanos, cuya descripción indica que es un retablo encargado por los Decenviros de Perusa para la capilla del Palacio Público, fue realizado entre finales de 1495 y 1496.

El soporte digital de los Museos Vaticanos me gusta mucho porque permiten ver la obra con muy buena resolución y, además, cada pieza está acompañada con una descripción escrita. En este caso, dice que “Originariamente, la obra estaba compuesta de dos elementos: el cimacio (parte alta), con la representación de Cristo en el sepulcro (actualmente en la Galería Nacional de Umbria en Perusa), y la tabla vaticana. En esta última, en la parte central de una arquitectura de arcadas, la Virgen con el Niño en sus rodillas se halla sentada en un trono monumental, y al lado de éste se ubican los Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio, protectores de la ciudad.

El equilibrio de la composición, el evidente escenario de perspectivas, la armonía con las que se armonizan las figuras con el paisaje y la gracia de los personajes realizados con trazos de belleza ideal, son elementos que caracterizan toda la producción del Perugino, consagrando su gran fama ya reconocida por sus contemporáneos”.

Club de Arte e Historia de Cine Colombia

Con el fin de ofrecer una experiencia más completa y enriquecedora, Cine Colombia ofrece sesiones de introducción gratuitas -a través de Zoom- para cada uno de los documentales. Estos espacios didácticos permiten ampliar el contexto histórico de cada artista, identificar su legado, y traer al presente sus aportes, con mirada crítica y constructiva.

La charla sobre este documental, “Una introducción a Perugino”, se llevará a cabo este jueves 11 de julio a las 5:30 p.m. Regístrese para participar en la charla en este enlace.

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Presentado y narrado por el actor Jeremy Irons, “Napoleón, arte y poder” parte de la frase “después de Jesucristo, Napoleón es el hombre más famoso de la historia” para escudriñar el aspecto cultural que inspiró a Napoleón para construir estéticas que siguen o puntos de vista vigentes hasta el presente, como la importancia de que el ciudadano tenga acceso al arte, el Museo de Louvre, el Estilo Imperio.

“Nuestro documental pretende investigar, prestando especial atención a las obras de arte de Italia, la compleja relación entre Napoleón, la cultura y el arte en sus múltiples manifestaciones contradictorias como un soporte político-ideológico para legitimarse como heredero del mundo clásico y sus grandes hombres; un instrumento para la educación estética, moral y cívica de los ciudadanos; un objeto de propaganda es el botín de guerra ganado por la Francia revolucionaria ; un lenguaje para construir una nueva iconografía imperial y un nuevo estilo arquitectónico”, dicen los productores 3D Produzioni y Nexo Digital.

El hilo conductor del documental son las notas de “Te Deum” que Giovanni Paisiello compuso para aquella coronación y que durante décadas estuvo extraviada hasta que recientemente la partitura fue encontrada en el Archivo Estatal de Milán. Con motivo de este audiovisual, que sirve para conmemorar los 200 años de la muerte de Napoleón, el compositor italiano Remo Anzovino renueva la partitura y junto a una orquesta la interpreta por primera vez desde 1805, día de la coronación de Napoleón como rey de Italia en la Catedral de Milán.

Justo a las afueras de este recinto, Jeremy Irons recibe al espectador y lo sitúa en el 26 de mayo de 1805, día de la coronación y explica que dicho evento fue hecho histórico porque, según nos cuentan, significó el encuentro entre el emperador y los siglos pasados: el mundo grecorromano, el Renacimiento y la herencia lombarda que está representada por la corona de hierro que Napoleón lució al culminar la ceremonia.

Mientras se reconstruye la partitura, otros objetos utilizados en la coronación (el cetro y el manto) son restaurados, algo que sucede rápidamente ante los ojos del espectador.

Jeremy Irons, quien se encuentra en la Catedral de Milán y en la biblioteca Braidense de Milán, traslada la narrativa hacia la campaña egipcia y explica que a pesar de que fue desastrosa desde el punto de vista militar, hoy se recuerda de forma extraordinaria porque permitió entender la civilización egipcia gracias al descubrimiento de la Piedra Rosetta y a la presencia de los ‘160 sabios’ que llevó Napoleón.

Lo interesante y novedoso de este documental es que reúne expertos de diferentes nacionalidades en historia, música o arte, y no explora mucho la campaña militar, sino la relación entre poder, arte e imagen que tanto aprendió Napoleón de los romanos o egipcios y que sirvió para imponer el Estilo Imperio que se puede apreciar en París y sus alrededores, pues está presente en la Madeleine, el Arco de Triunfo, la Place Vendôme y el Castillo de Fontainebleau, así como la tumba de Napoleón en Les Invalides.

“Napoleón, arte y poder” también explora los saqueos de obras de arte que fueron enviadas a Francia y sin justificar la acción, detalla que la motivación fue la admiración que tuvo por el arte italiano y las ganas de que los niños y ciudadanos tuvieran acceso a tales obras de arte.

De allí el interés por crear el Museo de Louvre, el museo más visitado del mundo, que tuvo como “objetivo específico de reunir lo mejor que artistas de todas las épocas y nacionalidades habían producido en la nueva capital del mundo”. Visitar este recinto es acudir a una larga (larguísima) y complicada clase de historia del arte, pues abarca casi 10.000 años de creación artística.

Aquí se encuentra la famosísima “La Gioconda” o “Mona Lisa”. Poder verla de cerca y durante varios minutos es complicado debido a la cantidad de turistas, pero a cambio se puede apreciar tranquilamente en esta misma sala la obra “Las bodas de Caná” del Veronés, que por su gran formato se salvó de ser repatriada junto a “La coronación de espinas” de Tiziano y “San Francisco recibiendo los estigmas” de Giotto.

El Louvre también exhibe el cuadro de Jacques-Louis David sobre la Coronación de Napoleón y Josephine Beauharnais celebrada el 2 de diciembre de 1804 en Notre-Dame, una obra monumental y un triunfo de la iconografía napoleónica porque fusiona perfectamente el poder de la imagen y el arte en beneficio del emperador.

Yo no sabía que Napoleón había fundado la Pinacoteca di Brera, una colección de arte en Milán que alberga muchas de las grandes obras italianas “con el objetivo de ofrecer una educación artística a los aspirantes a artistas y ciudadanos”.

Así que, si Milán fue el centro de recepción y clasificación de obras de arte, Roma fue el lugar privilegiado para “extraerlas” con el fin de conectarse con las figuras míticas de Alejandro Magno, Augusto y Adriano.

Según esta pieza audiovisual, a parte de los saqueos, Roma recobró su brillo gracias a Napoleón. Aunque nunca fue a la ciudad, durante su gobierno se revalorizó la emblemática columna de Trajano y el Foro de Trajano adquirió el aspecto que luce hoy en día.

“Napoleón, arte y poder” narra, igualmente, el interés particular de las obras de los Museos Capitolinos y la odisea de las obras de arte que partieron hacia París después del Tratado de Tolentino y regresaron a casa, en silencio, por la noche, de 1816, gracias a los esfuerzos de Antonio Canova, quien también se benefició del poder de Napoleón, aunque no compartió todos sus puntos de vista.

“Esta reconstrucción permitirá también reflexionar sobre la relación entre poder e imagen mediada por el arte, en términos de la actualidad, mirando hacia los regímenes del siglo XX y el mundo actual”, agregan los productores.

La próxima vez que vaya a París y al Louvre, y cuando visite Roma y Milán, recordaré todo lo visto en este documental.

“Napoleón, arte y poder” es la nueva apuesta de Cineco Alternativo, que presenta en cine ópera y ballet, y que este 2024 se renueva con el ciclo “Historia y civilización” que incluye cinco documentales producidos por Nexo Digital, pioneros en experiencias cinematográficas diferenciales.

Este ciclo se apoya con el “Club de arte e historia” al que se puede acceder gratuitamente. Este jueves 8 de febrero a las 5.30 p.m. se hablará sobre la nueva iconografía imperial y el nuevo estilo arquitectónico que impuso Napoleón para reflexionar sobre la relación entre el poder y el arte, y su influencia en regímenes del siglo XX y el mundo actual.

La banda sonora de “Napoleón, arte y poder” se puede escuchar aquí.

* Imágenes: Francesco Prandoni / 3D Produzioni / Nexo Digital / Cineco Alternativo

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El cine de Marta Rodríguez es tema fijo de estudio en las facultades de comunicación, cine, audiovisuales o ciencias sociales y, sin embargo, hasta hace muy poco (2020) un filme suyo fue estrenado en cine comercial; antes de “La sinfónica de los Andes” era difícil acceder a su obra.

Este 2023 estrenó en salas de cine “Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz”, una reflexión del pensamiento del cura y sociólogo, una deconstrucción desde la retrospectiva, una recapitulación de conceptos y situaciones en Colombia de los últimos 70 años; pero, también, una mirada sobre ella misma, sus creencias y perspectivas a lo largo de la vida.

El año pasado, Jacobo del Castillo estrenó su ópera prima, “El filme justifica los medios”, en los que rinde tributo al grupo de cineastas que en los años 60 y 70 salieron a las calles y viajaron a zonas rurales para capturar con su cámara lo que sucedía en el país. Del Castillo realizó su película a partir del archivo cinematográfico y de entrevistas con Marta Rodríguez, Carlos Sánchez y Carlos Álvarez.

En una de sus intervenciones en “El film justifica los medios”, la cineasta se pregunta: “¿Qué haría uno sin archivos? ¿Te imaginas un país sin memoria?”, refiriéndose a los archivos de las películas que narran la historia del país y permiten estudiarla o evaluarla en retrospectiva.

Y, como si fueran una premonición, tanto “El film justifica los medios” como “El amor eficaz” fueron como un abrebocas de la retrospectiva que del 19 de septiembre al 22 de octubre realiza sobre ella la Cinemateca de Bogotá y la Fundación Cine Documental.

“La retrospectiva de Marta Rodríguez en este momento de la historia nos brinda la oportunidad de acercarnos a una directora que empezó haciendo cine en los años setenta convirtiéndose en la primera mujer colombiana en documentar las realidades de varias comunidades en el país, como lo son las comunidades campesinas e indígenas. Acercarnos a ella en su noventa aniversario nos brinda una mirada en retrospectiva sobre sus aportes al arte nacional, su valentía, y a su legado, el cual recalca tajantemente en la urgencia de crear una sociedad más igualitaria”, afirma María Paula Lorgia, curadora de la retrospectiva.

El título de la revisión de la obra cinematográfica no podía ser mejor: “Marta Rodríguez ¡A mí no me doblega nadie!” y tiene dos componentes, el primero es una serie de proyecciones en la Cinemateca de Bogotá y la Cinemateca de Bogotá El Tunal, y discusiones alrededor de la producción, la historia, el impacto y la importancia de las películas.

El segundo componente es la exposición “Filmando la resistencia” en la Sala E de la Cinemateca que incluye material inédito encontrado en su archivo personal, enfocada en las miradas de Marta Rodríguez alrededor del cine y la situación política de América Latina durante sus primeros años como realizadora. Esta muestra va del 28 de septiembre al 22 de octubre y contará con visitas guiadas los días 4, 7, 11, 18, 21 y el 14 de octubre con interpretación en Lengua de Señas Colombiana.

“Marta Rodríguez ¡A mí no me doblega nadie!” hace un recorrido por la obra cinematográfica de esta documentalista y sus aportes a la cinematografía colombiana en las últimas cinco décadas. A su vez, indaga sobre su mirada durante este tiempo, en sus formas de creación, y en su lugar en la historia política y artística de Latinoamérica.

La retrospectiva está conformada por los siguientes títulos: “Amor, mujeres y flores” (Dir. Marta Rodríguez, Jorge Silva), “Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz” (Marta Rodríguez, Fernando Restrepo), “Campesinos” (Marta Rodríguez, Jorge Silva), “Chircales” (Marta Rodríguez, Jorge Silva), “La sinfónica de los Andes” (Marta Rodríguez), “Nuestra voz de tierra, memoria y futuro” (Marta Rodríguez, Jorge Silva) en su versión restaurada en 2K.

*Fotos: cortesía producción “Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz”.

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