Como caleña me identifiqué mucho con las conversaciones en las que recuerdan la brisa caleña, la importancia de bailar salsa, el Blanco del Valle y la rumba en Juanchito.

“La fianza” se puede ver en cines de Cine Colombia desde este 10 de abril y si eres de los que todavía te gusta ver una buena película en la gran pantalla, te la recomiendo.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

El actor Andrew Scott, conocido por Fleabag o Todos Somos Extraños protagoniza este monólogo en el que encarna unos siete personajes.

Él es el único en escena y poco a poco nos sumerge en diversas conversaciones existenciales entre los integrantes de una misma familia.

Andrew Scott lo hace maravillosamente. Esta versión audiovisual grabada en vivo nos permite tener detalles de su mirada triste, tímida o feliz… y de las manos y los brazos que representan a varios personajes al mismo tiempo.

Vanya es una adaptación de El Tío Vania, de Antón Chéjov. La obra se puede ver en algunas salas de cine de Cine Colombia.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Cómo es de engañosa la afirmación ‘todo está dicho’. Por lo menos, eso fue lo que pensé cuando vi el documental “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” que Cine Colombia presenta entre el 22 y el 25 de noviembre en salas de Bogotá, Barranquilla, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales, Medellín y Pereira.

Producido por Nexo Digital, que desde el 2017 realiza documentales cinematográficos que le permiten al espectador vivir una experiencia visual inmersiva que redefine los estándares de la representación del arte y la narración de la historia, “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” rememora la vida y obra del genio vanguardista Amedeo Modigliani (1884 – 1920).

Lo novedoso de este documental es que fusiona magistralmente la ficción porque es desde la mirada de Jeanne Hébuterne, artista y esposa de Modigliani, que se narra la historia.

Durante años, Jeanne Hébuterne fue sólo la musa de Modigliani. Pero este documental aprovecha para repasar la vida de ella desde que fue a París a la Académie Colarossi, donde conoció al artista con el que se fue a vivir en un espacio de la rue de la Grande-Chaumière, una academia que todavía sigue vigente entre los amantes del dibujo, la pintura o la escultura.

Así que “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” es mucho más que un documental sobre este artista; es una recopilación de historias que giran alrededor de él desde sus inicios en Livorno (Italia) hasta su muerte en París (Francia).

Al ver este documental como espectadores podemos conocer su relación con los artistas Pablo Picasso o Constantin Brancusi y también como la presencia de mujeres como Beatrice Hastings o Jeanne Hébuterne fue fundamental para el desarrollo de su obra, pues ambas, muy de avanzada para la sociedad de la época -una fue escritora y la otra artista- lo empujaron a plasmar tanto en la pintura como en la escultura el estado del alma.

Como muchos artistas, Modigliani no gozó en vida del reconocimiento artístico, por lo que “Maverick Modigliani: rebelde y legendario” intenta saldar esa deuda ofreciendo una explicación detalla de su arte, su inspiración en el arte llamado ‘primitivo’ y cómo del gusto por las máscaras pasó al retrato y a las figuras alargadas que, además, también recuerdan a los clásicos italianos.

Este filme es una mirada retrospectiva. Desde el presente Jeanne Hébuterne recorre las exposiciones de Modigliani en el Museo Municipal de Livorno, National Gallery of Art de Washington y colecciones de París, mostrando su impacto y su legado actual tanto que es objeto de múltiples falsificaciones y rey de las casas de subastas.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

De este documental me gustó todo porque no solamente se centran en narrar la historia de Edvard Munch (1863 – 1944), reconocido por su obra maestra “El grito”; sino que le narran al espectador todo el contexto social e histórico de Noruega, la ciudad en la que nació, Oslo; y cómo los bosques que la rodean inspiraron clásicos de cuentos infantiles bastantes aterradores en los que criaturas propias del folclor nórdico como trolls, huldras y hadas son los protagonistas.

Este documental de hora y media está dirigido por Michele Mally y producido por 3D Productions y Nexo Digital, reconocidos por llevar a la gran pantalla la vida y obra de los grandes artistas de todos los tiempos. El filme se produjo a propósito de la inauguración en 2021 del Museo Munch ubicado en Oslo, Noruega.

La actriz noruega Ingrid Bolsø Berdal recibe al espectador en una de las casas donde vivió Munch, la de Åsgårdstrand, donde él murió. Estando allí lee los diarios y las libertas donde el artista escribió y registró cada detalle de su vida, la de su familia y amigos, vivencias que luego inmortalizó en cuadros.

Las criaturas nórdicas típicas de la literatura, los cuentos de Edgar Allan Poe que le leía su padre, la influencia de la religión sobre una sociedad que si no se porta bien debe ser castigada, la pobreza que lo rodeó en su infancia, así como el dolor y la muerte fueron los primeros ingredientes que marcaron la personalidad de este artista que, según escribió, no pintó lo que veía, sino lo que había visto.

Y eso que había visto tomó forma en su mente de la misma forma que las ramas de los árboles, debido al fuerte viento de la noche, parecían criaturas fantasmales.

El primer cuadro que se explora es “La niña enferma”, pintado en 1907 en honor a su hermana Sophie, quien murió a los 15 años de tuberculosis, la misma enfermedad que mató a su madre.

La muerte, el dolor y la angustia siempre estuvieron presentes en la obra de Munch. Aunque tenía como parientes al pintor Jacob Munch y al historiador Peter Andreas Munch, sus padres no contaron con muchos recursos para criar a los cinco hijos que tuvieron. Tras la muerte de su madre Laura, su padre tuvo una gran depresión que alivió volcándose a la religión.

Fue su tía Karen, que fue a vivir con ellos tras la muerte de Laura, quien animó a los chicos a desarrollar las habilidades artísticas y el documental “Munch: entre fantasmas y amores” recapitula todo aquello en el marco de la inauguración del Museo Munch en el 2021, un imponente rascacielos donde se encuentran 28.0000 obras entre pinturas, grabados, dibujos, cuadernos, bocetos, fotografías y sus experimentos con el cine.

El Museo Munch es uno de los atractivos más grandes de Noruega y les ofrece a los visitantes la oportunidad de conocer el legado artístico de este hombre que, sostienen, no es muy conocido más allá de “El grito”.

Por eso, tanto el documental como el museo tiene el objetivo de “saldar la deuda que la cultura contemporánea tiene con Edvard Munch (1863 – 1944)” dando a conocer todo “sobre un hombre y un artista de singular encanto, un precursor y un maestro” y uno de los principales representantes del expresionismo, quien capturó emociones humanas profundas como la ansiedad y el desespero, y tuvo una enorme influencia en el arte moderno, convirtiéndose en referente de artistas como Andy Warhol y Marina Abramović.

Datos de la producción

• El documental ofrece una mirada íntima al verdadero Edvard Munch, un hombre que marcó la historia del arte con El Grito y muchas obras más.
• Sirve como un viaje a Oslo, ciudad natal de Munch y nos permite conocer el recientemente inaugurado Museo Munch, que rinde homenaje al artista con un archivo inédito de más de 28,000 obras.
• Permite conocer la influencia que tuvo Munch en artistas del siglo XX como Andy Warhol y Marina Abramović que se inspiraron en su exploración del existencialismo y técnicas experimentales.
• Explora a profundidad el entorno cultural y artístico de la Noruega de finales del siglo XIX y comienzos del XX, permitiéndonos conocer a los poetas, músicos y otros artistas que tuvieron un gran impacto en la obra de Munch.
• La producción ahonda en los temas que estuvieron presentes a lo largo de la obra de Munch y cómo estas se ven representadas en sus pinturas. Amor, dolor, muerte: las emociones más profundas de la condición humana.

Nuevo ciclo de cine sobre artistas icónicos

Desde el 15 de noviembre y hasta el 16 de diciembre, llegan 5 de los artistas más icónicos de la historia del arte a las pantallas de Cine Colombia.

Cinco producciones le darán una visión privilegiada e íntima de la vida y obra de artistas que cambiaron el rumbo del arte en el siglo XX: Edvard Munch (1863 – 1944), Amedeo Modigliani (1884 – 1920), Frida Kahlo (1907 – 1954), Jeff Koons (1955), y Pablo Picasso (1881–1973). En alianza con Nexo Digital, pioneros en experiencias cinematográficas diferenciales, Cine Colombia y Cineco Alternativo lo invitan a vivir un viaje a través de las ciudades y los museos que atestiguan el impacto de estos artistas.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Siempre es un placer ver las obras de o sobre Frida Kahlo, y el documental que Cine Colombia exhibe en salas de cine del 20 al 23 de septiembre no es la excepción.

Bajo la dirección de Ali Ray y la producción ejecutiva de Phil Grabsky, el filme narra la historia de esta artista mexicana que resignificó la cultura mexicana y exorcizó todo su dolor y visión de mundo a través de la pintura.

“Dirigir esta película ha cambiado totalmente mi visión de Frida Kahlo como artista. La fragilidad y las inseguridades reveladas en sus cartas se procesaban a través del acto de pintar. Sus lienzos eran la forma en que ella interpretaba el mundo, su política, sus pasiones y emociones, transformándolas en imágenes de fuerza, desafío y comprensión”, comenta Ali Ray.

-> Te recomiendo: El jardín: placer de la clase media moderna y el impresionismo.

De Frida Kahlo hay libros, películas, pódcast… Debe ser poco lo que de ella no se ha dicho; pero aun así estos documentales en pantalla grande me gustan porque ofrecen la posibilidad de ver en gran formato y de manera muy detallada obras representativas de la artista.

Así que este documental es una clase de historia del arte en la que explican, por ejemplo, que el “Autorretrato con traje de terciopelo” es una pintura temprana importante porque, tras el accidente de tránsito, ella le envió a su novio de entonces, Alejandro Gómez Arias, este cuadro porque nunca la visitaba. Él fue enviado por su familia a Alemania para que no se casara con una mujer enferma.

Para pintar “Autorretrato con traje de terciopelo”, Frida Kahlo se inspiró en una foto que su padre le tomó, en la que ella posa sentada en una silla con un libro en la mano y un traje de seda negro.

Adriana Zavala, profesora asociada de historia del arte de la Universidad de Tufts dice que con este autorretrato Frida le declaraba a Gómez Arias “que era una joven atractiva, seductora, moderna, emancipada”.

Por su parte, Hayden Herrera, biógrafa e historiadora del arte comenta ante la cámara “es un precioso cuadro, en parte por su relevancia emocional, fue capaz de plasmar en él ese sentimiento de necesidad tan fuerte en todo el arte de Frida Kahlo, de necesidad desesperada porque alguien la ame”.

Durante una hora y treinta minutos, el documental de Frida Kahlo nos sumerge en su vida y, gracias al conocimiento de los expertos, podemos saber o recordar que la mexicana fue influenciada por el arte renacentista en su etapa más temprana; o que tras tener que dejar sus estudios de medicina – a causa del accidente de tránsito – se dedicó a la política y fue entonces cuando conoció al artista Diego Rivera, con quien tuvo una relación bastante tormentosa.

“Cada documental se vive como una entretenida lección de arte, como si se tratara de un recorrido intimo a estas exposiciones que marcan la agenda internacional y que permiten revelar aspectos desconocidos de estos maestros”, expresa el productor ejecutivo Phil Grabsky.

El muralismo mexicano asociado a la revolución y a todo el cambio cultural y político que derivó, así como el estilo personal que evoca la mujer mexicana y la estética de los cuadros que Frida Kahlo pintó tras su primer matrimonio con Rivera son otros temas muy explorados en este filme.

-> Puedes leer también: Comienza El Cine Suma Paz 2024.

Cuando el documental abarca el cuadro “Henry Ford Hospital” la narrativa me absorbió por completo porque, aunque tenía idea de los problemas de la artista para ser madre, no tenía idea que, de acuerdo con la profesora de historia de arte Gannit Ankori, Frida Kahlo fue la primera en pintar la sangre como consecuencia de un aborto.

Hoy por hoy el arte de Frida Kahlo parece muy común, pero al ver este documental queda claro que fue pionera en tener un estilo muy asociado al realismo mágico que impide encasillarla en una franja exacta en la línea de la historia del arte; y que la condición humana, su visión femenina del mundo y su humanidad ligada al dolor y al amor fue la esencia de su estética.

El ciclo de documentales dedicados al arte se puede disfrutar en salas seleccionadas de Cine Colombia de Barranquilla,   Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales, Medellín y Pereira.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

Me gustan las historias de vida de personas que aportan positivamente al mundo, y por eso en este blog te cuento mi historia sobre la historia “Viuda de Clicquot”, una película que distribuye Cine Colombia a partir del 15 de agosto de 2024 y que narra la vida de Barbe-Nicole Ponsardin Clicquot, la mujer que desafió las normas de su tiempo y revolucionó la industria de la champaña.

Eso se lee poderoso. Y la verdad es que lo es porque si en este siglo XXI es difícil para las mujeres ser líderes, no me imagino el panorama del siglo XIX.

“Viuda de Clicquot” está basada en el bestseller del New York Times “The Widow Clicquot” de Tilar J. Mazzeo, quien retoma la vida de Barbe-Nicole Ponsardin Clicquot, pionera detrás de una de las marcas más icónicas de champaña (Veuve Clicquot) y creadora, entre otras cosas, de la champaña rosada que tanto disfruto hoy en día.

Ahora, el realizador Thomas Napper presenta este drama romántico cinematográfico para que más personas conozcamos esta historia de resiliencia y revolución en el mundo de la champaña, pues esta bebida solía ser turbia antes de que Madame Clicquot desarrollara el método para eliminar el sedimento y hacer que las burbujas sean claras para el bebedor. Este método para clarificar la champaña se conoce como removido, también conocido como remuage.

¿Quién es Madame Clicquot?

Barbe-Nicole Clicquot Ponsardin nació en 1777, hija de un fabricante textil de Reims, Francia. Se casó François Clicquot, un hombre amante de la poesía que murió antes de lograr su sueño de llevar a otro nivel el negocio de vinos de su familia, Clicquot-Muiron et Fils.

Barbe-Nicole quedó viuda a los 27 años y para no dejar morir el legado de su esposo tomó las riendas del viñedo, a pesar de las negativas de su familia, su suegro y la sociedad, ya que entonces las mujeres estaban excluidas de los negocios y “un viñedo no es lugar para una dama”.

Drama de película

La película “Viuda de Clicquot” se narra en dos tiempos. Mientras que vemos a Barbe-Nicole luchar para que el viñedo no sea vendido a Moët, ella repasa los momentos felices y los no tan felices al lado de su esposo François.

Entre esas dos narrativas los espectadores somos testigos de cómo esta mujer, con el apoyo de unos trabajadores y amigos, logra superar los obstáculos políticos y financieros que, entre otras cosas, incluye las restricciones impuestas por las guerras napoleónicas.

El viñedo, fundado en 1772, se convierte en símbolo de excelencia por varias razones: la primera champaña de añada conocida (con uvas de una sola cosecha específica), inventó la mesa de estrujado y la primera champaña rosé mezclada conocida.

Madame Clicquot, además, inventó la técnica de removido o remuage, que consiste en inclinar las botellas en un ángulo y girarlas a diario para recoger gradualmente el sedimento del proceso de fermentación en el cuello de la botella.

Luego, el sedimento se elimina, a menudo congelando el cuello y expulsando el tapón de sedimento al abrir la botella. Este proceso dio como resultado una champaña clara y fresca, lo que elevó su calidad y estableció un alto estándar en la industria.

Fue así como Madame Clicquot convirtió su nombre y el de Veuve Clicquot en una marca de excelencia y la dio a conocer en todo el mundo, por lo que se conoce como la gran dama del champagne, ya que sus inventos fueron utilizados por la competencia, sentando las bases de la producción moderna de champaña.

“La película no solo trata de una mujer que desafía las expectativas de su tiempo, sino de una batalla personal por crear un legado duradero. Es una historia de superación, pasión y transformación”, dice el director Thomas Napper.

Luego de ver la película “Viuda de Clicquot” quedé muy emocionada con la historia y una tarde navegué por el sitio web oficial de Veuve Clicquot, donde encontré una línea de tiempo que incluye fechas importantes desde 1772 (año de creación) hasta 2022 (celebración de los 250 años); pasando por 1805 (año en que Madame Clicquot se hizo cargo del viñedo) o 1814 (cuando desafió los bloqueos y envió 10.550 botellas a Rusia).

Datos importantes de Veuve Clicquot

La película se filmó en Francia. Gran parte de la producción se hizo en el histórico Castillo de Beru en Burgundy, que sustituye a Verzy, el verdadero hogar de los Clicquot.

El “vino de la cometa”: en 1811, la cosecha de Veuve Clicquot fue excepcional debido a la aparición de un cometa, y es considerada una de las mejores de la historia de la casa.

Durante las guerras napoleónicas, Veuve Clicquot logró mantener y expandir su negocio, aprovechando su red de contactos internacionales.

Veuve Clicquot inventó la técnica de removido (remuage), crucial en la elaboración de la champaña que mejora su claridad y calidad.

En 1818, Veuve Clicquot fue la primera casa en crear una champaña rosada mezclando vino tinto y champaña blanca, un método revolucionario en su época.

Veuve Clicquot fue la elección de varias cortes reales europeas, incluyendo la del zar Alejandro I de Rusia, lo que ayudó a establecer su reputación internacional.

La prestigiosa Vintage Reserve: Veuve Clicquot fue una de las primeras casas en crear champaña “vintage”, hecho solo en los mejores años y con uvas de la mejor calidad.

El color amarillo distintivo: la icónica etiqueta amarilla de Veuve Clicquot, lanzada en 1877, se convirtió en un símbolo de lujo y sofisticación, diferenciándola de otras marcas.

Innovación en el marketing: Clicquot fue pionera en el uso de estrategias de marketing modernas, incluyendo la personalización de etiquetas y cajas, para crear una experiencia única y memorable.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

En tiempos en que todo es veloz y efímero, me parece absolutamente maravilloso que los artistas del Renacimiento, o cualquier siglo pasado, continúen siendo motivo de conversación.

Algunos son más mediáticos que otros, pero que el legado de estos personajes siga vigente es en sí una obra maestra.

Uno de esos artistas que este 2024 se toma las pantallas de cine de todo el mundo, o por lo menos de varios países, es Pietro di Cristoforo Vannucci, más conocido como Perugino (1448 – 1523), quien en vida no gozó tanto del éxito ya que fue eclipsado por la fama de su pupilo Rafael y las críticas de Giorgio Vasari, el primer crítico e historiador del arte del que se tiene referencia.

De acuerdo con la descripción de la Galería Uffizi (museo de Florencia que posee una de las más antiguas y famosas colecciones de arte del mundo), Perugino “fue un pintor de la escuela de Umbría, cuyo estilo fundó una línea de expresividad clásica durante el Alto Renacimiento (…) En Florencia, el Perugino fue también uno de los primeros en practicar la pintura al óleo”.

Este artista, Perugino, es el protagonista del documental “Perugino: eterno renacimiento” que se estrena para coincidir con el aniversario de los 500 años de la muerte de Perugino y, de paso, darle el lugar que se merece en la historia del arte, destacando sus innovaciones, méritos y carácter.

“Perugino: eterno renacimiento” se puede ver entre el 12 y el 14 de julio en salas de Cine Colombia de Barranquilla, Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales y Medellín; con una función adicional el 15 de julio en Bogotá, Cali y Medellín.

Según los expertos en el arte, Perugino es protagonista absoluto de las dos últimas décadas del siglo XV, a través de obras maestras de su producción realizadas antes de 1504. Por eso, en 2023 la Galería Nacional de Umbría en Perugia, Italia, conmemoró su legado y su influencia en el arte renacentista con la exposición “El mejor maestro de Italia. Perugino nel suo tempo”.

La búsqueda sobre Perugino en Google arroja muchos resultados sobre esta muestra. En el sitio web de la Galería Nacional de Umbría se pueden ver algunas imágenes del montaje de la exhibición, aunque sus obras se pueden ver también en la galería digital Arts and Culture.

Volviendo al documental, “Perugino: eterno renacimiento” sigue la vida de Perugino hasta su muerte en 1523 durante una epidemia de peste en Fontignano. El espectador es testigo de su evolución artística, ya que destaca sus influencias clave, como la arquitectura de Piero della Francesca y su formación en el taller de Verrocchio en Florencia.

Los espectadores pueden ver y conocer en detalles las obras maestras de Perugino que lo posicionaron como un artista renombrado en Roma, Florencia y en toda Italia; y se enfatiza cómo la influencia de sus composiciones y las iconografías que estableció el artista a través de sus talleres crearon nuevos estándares y un lenguaje artístico que se extendió ampliamente.

Dirigido por Giovanni Piscaglia (el mismo de “Van Gogh: de los campos de trigo bajo cielos nublados”), “Perugino: eterno renacimiento” cuenta con la participación especial del actor italiano Marco Bocci como narrador y guía, así como la participación del historiador del arte Marco Pierini, la curadora Veruska Picchiarelli, el coreógrafo y bailarín Virgilio Sieni, la profesora de Historia de la Arquitectura Emanuela Ferretti y el director de la Galería Uffizi, Eike Schmidt.

El arte de Perugino se caracteriza por el equilibrio que logró entre el hombre y la naturaleza, el realismo y el idealismo.

Otro resultado principal que arroja Google sobre Perugino es “Virgen con el Niño y Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio” de Los Museos Vaticanos, cuya descripción indica que es un retablo encargado por los Decenviros de Perusa para la capilla del Palacio Público, fue realizado entre finales de 1495 y 1496.

El soporte digital de los Museos Vaticanos me gusta mucho porque permiten ver la obra con muy buena resolución y, además, cada pieza está acompañada con una descripción escrita. En este caso, dice que “Originariamente, la obra estaba compuesta de dos elementos: el cimacio (parte alta), con la representación de Cristo en el sepulcro (actualmente en la Galería Nacional de Umbria en Perusa), y la tabla vaticana. En esta última, en la parte central de una arquitectura de arcadas, la Virgen con el Niño en sus rodillas se halla sentada en un trono monumental, y al lado de éste se ubican los Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio, protectores de la ciudad.

El equilibrio de la composición, el evidente escenario de perspectivas, la armonía con las que se armonizan las figuras con el paisaje y la gracia de los personajes realizados con trazos de belleza ideal, son elementos que caracterizan toda la producción del Perugino, consagrando su gran fama ya reconocida por sus contemporáneos”.

Club de Arte e Historia de Cine Colombia

Con el fin de ofrecer una experiencia más completa y enriquecedora, Cine Colombia ofrece sesiones de introducción gratuitas -a través de Zoom- para cada uno de los documentales. Estos espacios didácticos permiten ampliar el contexto histórico de cada artista, identificar su legado, y traer al presente sus aportes, con mirada crítica y constructiva.

La charla sobre este documental, “Una introducción a Perugino”, se llevará a cabo este jueves 11 de julio a las 5:30 p.m. Regístrese para participar en la charla en este enlace.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

Presentado y narrado por el actor Jeremy Irons, “Napoleón, arte y poder” parte de la frase “después de Jesucristo, Napoleón es el hombre más famoso de la historia” para escudriñar el aspecto cultural que inspiró a Napoleón para construir estéticas que siguen o puntos de vista vigentes hasta el presente, como la importancia de que el ciudadano tenga acceso al arte, el Museo de Louvre, el Estilo Imperio.

“Nuestro documental pretende investigar, prestando especial atención a las obras de arte de Italia, la compleja relación entre Napoleón, la cultura y el arte en sus múltiples manifestaciones contradictorias como un soporte político-ideológico para legitimarse como heredero del mundo clásico y sus grandes hombres; un instrumento para la educación estética, moral y cívica de los ciudadanos; un objeto de propaganda es el botín de guerra ganado por la Francia revolucionaria ; un lenguaje para construir una nueva iconografía imperial y un nuevo estilo arquitectónico”, dicen los productores 3D Produzioni y Nexo Digital.

El hilo conductor del documental son las notas de “Te Deum” que Giovanni Paisiello compuso para aquella coronación y que durante décadas estuvo extraviada hasta que recientemente la partitura fue encontrada en el Archivo Estatal de Milán. Con motivo de este audiovisual, que sirve para conmemorar los 200 años de la muerte de Napoleón, el compositor italiano Remo Anzovino renueva la partitura y junto a una orquesta la interpreta por primera vez desde 1805, día de la coronación de Napoleón como rey de Italia en la Catedral de Milán.

Justo a las afueras de este recinto, Jeremy Irons recibe al espectador y lo sitúa en el 26 de mayo de 1805, día de la coronación y explica que dicho evento fue hecho histórico porque, según nos cuentan, significó el encuentro entre el emperador y los siglos pasados: el mundo grecorromano, el Renacimiento y la herencia lombarda que está representada por la corona de hierro que Napoleón lució al culminar la ceremonia.

Mientras se reconstruye la partitura, otros objetos utilizados en la coronación (el cetro y el manto) son restaurados, algo que sucede rápidamente ante los ojos del espectador.

Jeremy Irons, quien se encuentra en la Catedral de Milán y en la biblioteca Braidense de Milán, traslada la narrativa hacia la campaña egipcia y explica que a pesar de que fue desastrosa desde el punto de vista militar, hoy se recuerda de forma extraordinaria porque permitió entender la civilización egipcia gracias al descubrimiento de la Piedra Rosetta y a la presencia de los ‘160 sabios’ que llevó Napoleón.

Lo interesante y novedoso de este documental es que reúne expertos de diferentes nacionalidades en historia, música o arte, y no explora mucho la campaña militar, sino la relación entre poder, arte e imagen que tanto aprendió Napoleón de los romanos o egipcios y que sirvió para imponer el Estilo Imperio que se puede apreciar en París y sus alrededores, pues está presente en la Madeleine, el Arco de Triunfo, la Place Vendôme y el Castillo de Fontainebleau, así como la tumba de Napoleón en Les Invalides.

“Napoleón, arte y poder” también explora los saqueos de obras de arte que fueron enviadas a Francia y sin justificar la acción, detalla que la motivación fue la admiración que tuvo por el arte italiano y las ganas de que los niños y ciudadanos tuvieran acceso a tales obras de arte.

De allí el interés por crear el Museo de Louvre, el museo más visitado del mundo, que tuvo como “objetivo específico de reunir lo mejor que artistas de todas las épocas y nacionalidades habían producido en la nueva capital del mundo”. Visitar este recinto es acudir a una larga (larguísima) y complicada clase de historia del arte, pues abarca casi 10.000 años de creación artística.

Aquí se encuentra la famosísima “La Gioconda” o “Mona Lisa”. Poder verla de cerca y durante varios minutos es complicado debido a la cantidad de turistas, pero a cambio se puede apreciar tranquilamente en esta misma sala la obra “Las bodas de Caná” del Veronés, que por su gran formato se salvó de ser repatriada junto a “La coronación de espinas” de Tiziano y “San Francisco recibiendo los estigmas” de Giotto.

El Louvre también exhibe el cuadro de Jacques-Louis David sobre la Coronación de Napoleón y Josephine Beauharnais celebrada el 2 de diciembre de 1804 en Notre-Dame, una obra monumental y un triunfo de la iconografía napoleónica porque fusiona perfectamente el poder de la imagen y el arte en beneficio del emperador.

Yo no sabía que Napoleón había fundado la Pinacoteca di Brera, una colección de arte en Milán que alberga muchas de las grandes obras italianas “con el objetivo de ofrecer una educación artística a los aspirantes a artistas y ciudadanos”.

Así que, si Milán fue el centro de recepción y clasificación de obras de arte, Roma fue el lugar privilegiado para “extraerlas” con el fin de conectarse con las figuras míticas de Alejandro Magno, Augusto y Adriano.

Según esta pieza audiovisual, a parte de los saqueos, Roma recobró su brillo gracias a Napoleón. Aunque nunca fue a la ciudad, durante su gobierno se revalorizó la emblemática columna de Trajano y el Foro de Trajano adquirió el aspecto que luce hoy en día.

“Napoleón, arte y poder” narra, igualmente, el interés particular de las obras de los Museos Capitolinos y la odisea de las obras de arte que partieron hacia París después del Tratado de Tolentino y regresaron a casa, en silencio, por la noche, de 1816, gracias a los esfuerzos de Antonio Canova, quien también se benefició del poder de Napoleón, aunque no compartió todos sus puntos de vista.

“Esta reconstrucción permitirá también reflexionar sobre la relación entre poder e imagen mediada por el arte, en términos de la actualidad, mirando hacia los regímenes del siglo XX y el mundo actual”, agregan los productores.

La próxima vez que vaya a París y al Louvre, y cuando visite Roma y Milán, recordaré todo lo visto en este documental.

“Napoleón, arte y poder” es la nueva apuesta de Cineco Alternativo, que presenta en cine ópera y ballet, y que este 2024 se renueva con el ciclo “Historia y civilización” que incluye cinco documentales producidos por Nexo Digital, pioneros en experiencias cinematográficas diferenciales.

Este ciclo se apoya con el “Club de arte e historia” al que se puede acceder gratuitamente. Este jueves 8 de febrero a las 5.30 p.m. se hablará sobre la nueva iconografía imperial y el nuevo estilo arquitectónico que impuso Napoleón para reflexionar sobre la relación entre el poder y el arte, y su influencia en regímenes del siglo XX y el mundo actual.

La banda sonora de “Napoleón, arte y poder” se puede escuchar aquí.

* Imágenes: Francesco Prandoni / 3D Produzioni / Nexo Digital / Cineco Alternativo

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

El debut es con “Dead man walking”, ópera que invoca el perdón y plantea críticas al sistema penal de Estados Unidos, basada en el libro homónimo de la hermana Helen Prejean en el que plasmó su experiencia como guía espiritual de un asesino condenado.

13 cámaras en el escenario y el uso de las nuevas tecnologías hacen que estas transmisiones cambien la forma de disfrutar la música y el entretenimiento en el mundo, pues las transmisiones en directo, vía satélite, llegan a 70 países del mundo, entre ellos Colombia.

Desde el 2006, la serie Met: Live in HD ha facilitado el acceso a sus presentaciones en diferentes territorios, siendo un programa modelo en temas de educación musical y democratización de la cultura. Desde hace 14 años Cine Colombia hace parte de esta programación que ha transmitido más de 100 títulos distintos y ha puesto la ópera al alcance tanto del público especializado y formado, como de los más curiosos y novatos.

En Colombia, este programa de Contenido Alternativo ha tenido un impacto significativo en la apreciación de la ópera ya que nuevos públicos han tenido acceso a las obras más llamativas en cines y con la comodidad que caracteriza las salas, pues además de las transmisiones en vivo de la Metropolitan Opera, Cine Colombia ofrece charlas a través de Zoom con el objetivo de darle a la audiencia un espacio didáctico sobre el contexto histórico y musical de cada una de las obras.

Cada jueves antes de la transmisión en directo, el periodista e historiador musical Luis Carlos Aljure presenta un curso abierto a todo el público y diseñado para emocionar tanto a los curiosos como a los conocedores por la presentación de cada obra.

La programación de las óperas

“Dead Man Walking” de Jake Heggie: 21 de octubre.

La obra del compositor estadounidense Jake Heggie, la nueva ópera más interpretada de los últimos 20 años llega con nueva producción de Ivo van Hove. Basada en las memorias de la hermana Helen Prejean sobre su lucha por el alma de un asesino condenado, combina el gran dramatismo de su tema con la conmovedora música de Heggie y un libreto del ganador del premio Tony y Emmy Terrence McNally.

El director musical del Met, Yannick Nézet-Séguin, sube al podio con la mezzosoprano Joyce DiDonato interpretando a la hermana Helen. El elenco también incluye al barítono bajo Ryan McKinny como el condenado a muerte Joseph De Rocher, la soprano Latonia Moore como la hermana Rose y la legendaria mezzosoprano Susan Graham, quien interpretó a Helen Prejean en el estreno de la ópera en el 2000, como la madre de De Rocher.

“X: The Life and Times of Malcolm X” de Anthony Davis: 18 de noviembre.

Ópera de Anthony Davis que se estrenó en 1986. El director nominado al Tony por Slave Play, Robert O’Hara, dirige una nueva y potente puesta en escena que imagina a Malcolm como un hombre común cuya historia trasciende el tiempo y el espacio. Un elenco excepcional de artistas emergentes y jóvenes estrellas del Met animan el recuento operístico de la vida del líder de los derechos civiles, Malcolm X.

El barítono Will Liverman, que triunfó en el estreno en el Met de Fire Shut Up in My Bones, protagoniza junto a la soprano Leah Hawkins como su madre, Louise; la mezzosoprano Raehann Bryce-Davis como su hermana Ella; el bajo-barítono Michael Sumuel como su hermano Reginald; y el tenor Victor Ryan Robertson como el líder de la Nación del Islam, Elijah Muhammad. Kazem Abdullah dirige la partitura recientemente revisada, que proporciona un escenario en capas con influencias de jazz para el libreto de la estimada escritora Thulani Davis.

“Florencia en el Amazonas” de Daniel Catán: 9 de diciembre.

Cantada en español e inspirada en el realismo mágico de Gabriel García Márquez, esta ópera de 1996 del compositor mexicano Daniel Catán cuenta la encantadora historia de una diva de la ópera brasileña que regresa a su tierra natal para actuar en el legendario teatro de ópera de Manaus y buscar a su amante perdido que se ha desvanecido en la jungla.

Es protagonizada por la soprano Ailyn Pérez como Florencia Grimaldi, con el director musical Yannick Nézet-Séguin en el podio para encabezar una fascinante nueva producción de Mary Zimmerman que trae el misterioso y mágico reino del Amazonas al escenario del Met. Un distinguido conjunto de artistas retrata a los compañeros de viaje de la diva en el barco fluvial a Manaus, incluida la soprano Gabriella Reyes como la periodista Rosalba, el bajo-barítono Greer Grimsley como el capitán del barco, el barítono Mattia Olivieri como su enigmático primer oficial, el tenor Mario Chang como el sobrino del capitán Arcadio, y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera y el barítono Michael Chioldi como la pareja enemistada Paula y Álvaro.

“Nabucco” de Giuseppe Verdi: 6 de enero de 2024.

La antigua Babilonia cobra vida en una puesta en escena clásica del Met de proporciones bíblicas. El barítono George Gagnidze hace su debut en el papel de Met como el imperioso rey Nabucco, junto a la soprano Liudmyla Monastyrska quien retoma su emocionante papel como la vengativa hija Abigaille. La mezzosoprano Maria Barakova y el tenor SeokJong Baek son Fenena e Ismaele, cuyo amor trasciende la política, y el bajo Dmitry Belosselskiy repite su célebre interpretación como el sumo sacerdote Zaccaria. Daniele Callegari dirige la emocionante primera obra maestra de Verdi, que presenta la pieza definitiva para el gran coro del Met, la conmovedora “Va, pensiero”.

“Carmen” de Georges Bizet: 27 de enero.

La directora inglesa Carrie Cracknell trae una nueva producción de una de las obras más poderosas y perdurables de la ópera, revigorizando la historia clásica con una puesta en escena que traslada la acción a la actualidad y encuentra en el corazón del drama problemas que no podían ser más relevantes hoy: la violencia de género, las estructuras laborales abusivas y el deseo de romper las fronteras sociales.

La deslumbrante y joven mezzosoprano Aigul Akhmetshina lidera un poderoso cuarteto de estrellas en el complejo y volátil papel principal, junto con el tenor Piotr Beczała como el atribulado amante de Carmen, Don José, la soprano Angel Blue como la leal Micaëla y el bajo-barítono Kyle Ketelsen como el fanfarrón Escamillo. Daniele Rustioni dirige la emocionante partitura de Bizet, que se ha presentado en Colombia múltiples veces con un éxito rotundo.

“La Forza del Destino” de Giuseppe Verdi: 9 de marzo.

Yannick Nézet-Séguin dirige la gran historia de Verdi sobre amores desafortunados, venganzas mortales y conflictos familiares, con la soprano estelar Lise Davidsen como la noble Leonora, una de las heroínas más atormentadas y emocionantes del repertorio. El director Mariusz Treliński presenta la primera Forza nueva de la compañía en casi 30 años y que se presenta por primera vez en Live in HD, situando la escena en un mundo contemporáneo y haciendo un uso extensivo del repertorio del Met para representar el avance imparable del destino que pone en marcha la cadena de eventos calamitosos de la ópera.

El elenco también cuenta con el tenor Brian Jagde como el amor prohibido de Leonora, Don Álvaro; el barítono Igor Golovatenko como su vengativo hermano, Don Carlo; la mezzosoprano Ekaterina Semenchuk como la adivina Preziosilla; el bajo-barítono Patrick Carfizzi como Fra Melitone; y el bajo Soloman Howard como el padre de Leonora y el Padre Guardiano.

“Romeo et Juliette” de Charles Gounod: 23 de marzo.

Dos cantantes en el apogeo de sus carreras, la soprano Nadine Sierra y el tenor Benjamin Bernheim, se unen como amantes desafortunados en la suntuosa adaptación de Shakespeare de Gounod, con el director musical del Met, Yannick Nézet-Séguin, en el podio para dirigir una de las partituras más románticas del repertorio.

La puesta en escena de Bartlett Sher también cuenta con el barítono Will Liverman y el tenor Frederick Ballentine como los archirrivales Mercutio y Tybalt, la mezzosoprano Samantha Hankey como el travieso paje Stéphano y el bajo-barítono Alfred Walker como Frère Laurent. Se vuelve a presentar en nuestros teatros luego de su presentación en la temporada 2016-2017.

“La Rondine” de Giacomo Puccini: 20 de abril.

La agridulce historia de amor de Puccini cuenta con la soprano Angel Blue interpretando a la cortesana francesa Magda, junto al tenor Jonathan Tetelman como Ruggero, un joven idealista que le ofrece una alternativa a su vida de excesos. El maestro Speranza Scappucci dirige musicalmente la puesta en escena con inspiración Art Deco de Nicolas Joël, que transporta al público desde el corazón de la vida nocturna parisina a una visión de ensueño de la Riviera francesa. La soprano Emily Pogorelc y el tenor Bekhzod Davronov completan el excelente elenco como Lisette y Prunier. Es la primera vez que se presenta “La Rondine” en vivo en Colombia.

“Madama Butterfly” de Giacomo Puccini: 11 de mayo.

Cerrando la temporada y como un retorno a nuestras raíces, vuelve la primera ópera con la que iniciamos nuestro programa de Live in HD en el 2009. La soprano Asmik Grigorian aborda el exigente papel de Cio-Cio-San, la leal geisha en el corazón de la devastadora tragedia de Puccini. El tenor Jonathan Tetelman interpreta al insensible oficial naval estadounidense Pinkerton, cuya traición la destruye.

La mezzosoprano Elizabeth DeShong repite el papel de la inquebrantable doncella Suzuki, y el barítono Lucas Meachem es el cónsul estadounidense Sharpless. El aclamado maestro Xian Zhang sube al podio del Met por primera vez para dirigir esta vívida producción de Anthony Minghella.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte 

Por la pandemia se había suspendido este tipo de proyecciones, pero volvieron con una temporada dedicada a Edward Hopper, Paul Cézanne, Mary Cassatt, Johannes Vermeer y las Historias de Tokio.

Fui al ensayo de prensa de “Vermeer: la mayor exposición” y quedé con muchas ganas de ir al Rijksmuseum y de ver la obra de este artista que siempre se estudia en los cursos de arte e historia del arte. Desde hace años quiero hacerlo, pero ahora mucho más porque tengo un bagaje importante para apreciar más su obra porque el documental dirigido por Phil Grabsky muestra la obra de Vermeer desde quienes lo han estudiado e investigado, y quienes han restaurado sus pinturas.

Vermeer murió a los 43 años y pintó igual número de cuadros en toda su vida, aunque actualmente sólo se conocen 37, los cuales están distribuidos en diversos museos del mundo.

28 de estas pinturas las que agrupó el Rijksmuseum en la retrospectiva y el documental destaca algunos como “La lechera”, “Vista de Delft”, “La alcahueta” o la famosísima “La joven del arete de perla”.

El director del Museo Rijksmuseum, el director de bellas artes, curadores, críticos en investigadores exponen su punto de vista sobre Vermeer, explican cada cuadro y el contexto de la época en la que fue pintado, hablan sobre lo que han aprendido e investigado de la forma de trabajar el autor -de quien no hay mucha biografía-.

Mientras tanto, la cámara hace lo suyo y permite que los espectadores podamos ver los cuadros como nunca podríamos verlos: tranquilamente, de cerca y apreciando el detalle.

La narrativa de “Vermeer: la mayor exposición” parte desde una breve biografía del artista, quien nació en Delft, Países Bajos, en el siglo XVII, y cómo el contexto social y económico fue clave para su desarrollo, pues su padre fue marchante de arte y su esposa era católica.

En Holanda, que era una república protestante, no se pintaban cuadros religiosos ni de la corona, entonces los retratos y las escenas cotidianas cobraron auge.

Sin embargo, dicen los expertos, Vermeer sobresalió sobre todos por su manejo de la luz, porque entendió que el color era luz, por pintar (sobre todo) mujeres realizando actividades cotidianas como tocar el piano o leer una carta, por introducir al espectador en la escena cuando, muchas veces, el protagonista no se da cuenta, y por pintar ventanas donde ingresa la luz.

La verdad, es que fue una maravilla poder ver en cine “Vermeer: la mayor exposición”. Seguro hubiera sido más encantador verla con mis propios ojos, aunque tal vez no porque los museos son tan concurridos que es poco probable tener el tiempo y el espacio para contemplar y ver las obras como las presenta el documental. Y, por supuesto, nunca habría tenido acceso a tal información sobre Vermeer y su obra, así que hubiera visto muchos cuadros legendarios, pero no sabría realmente los secretos que esconden.

Imágenes: © David Bickerstaff / cortesía Cine Colombia

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte