Volví a cine. Hace rato no tenía ni tiempo, ni energía para ir a la sala de cine, pero en estos días de vacaciones con Lucho fuimos a cine de 2:00 p.m. Mi hija Laura nos enseñó cómo comprar boletas a través de DaviPlata y de verdad sí quedan más económicas.

Decidimos volver a cine y ver “Valor sentimental”, una película noruega dirigida y escrita por Joachim Trier en la que dos hijas se reencuentran con su padre Gustav (Stellan Skarsgård), tras la muerte de su madre. Este reencuentro, por supuesto, está lleno de sentimientos encontrados y cada una lo vive diferente.

Para Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) la situación es más fácil porque al ser la más pequeña, sus recuerdos sobre las peleas y el divorcio de sus padres es diferente a los que guarda Nora (Renate Reinsve), quien está muy cargada de dolor convertido en ira.

Por su parte, Elle Fanning encarna a Rachel, esas personas que se ven envueltas en dinámicas familiares o amorosas que no les corresponden…

“Valor sentimental” es un gran relato sobre cómo las familias se van rompiendo generación tras generación, y cómo los dolores, las penas y los sentimientos no hablados se vuelven tan pesados que no dejan vivir. En esta película la casa física es una gran metáfora de las cargas físicas y mentales que se acumulan décadas tras décadas y de los patrones repetidos.

Me gusta el papel de Agnes, quien se da el tiempo y el espacio para conocer su historia familiar para tratar de entender de dónde viene tanto dolor. Me encanta el padre, Gustav, porque me fue difícil culparlo. Él, un cineasta reconocido, hizo lo que pudo y, desde mi punto de vista, le da una salida a Nora, así no haya sido lo que ella esperaba.

Y esa, para mí, es la gran lección de “Valor sentimental”: aprender a valorar el lenguaje amoroso que cada persona sabe expresar para aliviar nuestro dolor, así no sea lo que exactamente buscamos o necesitamos. Por algo se comienza y así como el odio y la rabia se alimenta del loop, el amor también.

Mientras estaba en la sala de cine pensé varios momentos que estaba viendo “La peor persona del mundo”, otra película del director Joachim Trier… Pero estando en mi casa caí en cuenta que, aunque ambas películas tratan del dolor que afecta nuestra personalidad y nuestra vida, “La peor persona del mundo” se centra en las vivencias de la protagonista y cómo sus actos afectan a sus parejas y amigos; mientras que “Valor sentimental” va más allá y nos muestra dónde nace el dolor… el contexto, el todo.

“Valor sentimental” obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025, cuenta con ocho nominaciones a los Golden Globe, incluyendo Mejor Película – Drama y Mejor Película de Habla No Inglesa, y es la candidata oficial de Noruega a los Premios de la Academia 2026.

Nora y su hermana Agnes en “Valor sentimental”.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

Aunque pudiera parecer que Simón Mesa en su nueva película se mofa con facilidad de los poetas en general, con sus luces y sus sombras, y con muchos de sus matices, creo que la película como toda obra de arte resiste múltiples lecturas, y que quedarse en el humor, y en el argumento mismo, es conformarse con el chiste fácil que es sólo una de sus capas y tal vez la más superficial.

Porque si bien la película nos muestra de entrada a un poeta fracasado de 54 años que vive con su mamá, que abandonó su hija para poder dedicarse a ver pasar las nubes, que se sustenta de andar prestando cinco mil pesos cada tanto, y que según el director en una entrevista para El País del 28 de agosto, es la personificación de sus propios temores, este personaje, Óscar Restrepo, encarnado por Ubeimar Ríos, actor natural, y poeta fuera de la pantalla, podría ser cualquier persona, y siento que el filme más que satirizar la condición de cierto tipo de artista, o de los artistas caídos en el fracaso y en el alcohol, nos habla con profundidad de la condición humana, de nuestra innegable fragilidad, y del nefasto inconveniente de nacer en Colombia, en cualquier momento de su historia, y más en la posteridad de los carteles del narcotráfico.

Pues si es indiscutible que en Colombia ha habido todo tipo de poetas, los nadaístas que luego fueron uribistas, por ejemplo, o evangélicos, lo que es peor; los que intentaron sobornar a un juez enviándole un fajo de billetes en una caja llena de libros de poesía… entre otros tristes ejemplos de nuestra fauna nacional, es de conocimiento popular, diríase universal, que los poetas como tal son inofensivos. Como queda demostrado en la película, son ellos mismos sus peores enemigos y sólo podrían hacerse daño a sí mismos y su existencia etérea no podría ser uno de los problemas estructurales de Colombia…

Nadie vive de la poesía, pero de los poetas sí se alimenta el desencanto, la depresión y el sinsentido. Doy fe. Algunos se han dedicado a ser profesores, y por más desprestigio que ellos mismos sientan por este oficio, bastaría recordarles que poetas y profesores de colegio, también lo fueron el ya mítico César Vallejo, Gabriela Mistral, Idea Villarino, Antonio Machado y hasta Nicanor Parra, dentro de una lista interminable, y que aunque hayan muerto de hambre, literalmente, o en el exilio, con todos sus laureles, no los mató la poesía, sino la guerra y la precariedad en que viven los artistas, la impotencia intrínseca de los creadores de no poder subsistir de su arte, impotencia que lleva a Óscar Restrepo al alcoholismo y a la desilusión. Circunstancias que han llevado a millares de personas en general en el país a vivir también en ese desencanto, porque en Colombia la desesperanza no distingue de oficios o profesiones, porque la violencia nos ha castigado por igual.

Un poeta, asimismo, cuestiona con elegancia a los burócratas, y creo que los cuestiona más que a los poetas mismos. Quién que la haya visto no habrá asociado a los gestores del festival de poesía que en ella aparecen con el director de la Casa de Poesía Silva, institución fundada por la inmensa María Mercedes Carranza en homenaje de José Asunción Silva, nada más y nada menos, patrono de la película, y que hoy en día es un nido de corrupción como la peor oficina de cualquier politiquero, donde le han adeudado por años los pagos a sus trabajadores, y donde la poesía dejó de ser hace tiempo el espíritu que se pasea por sus instalaciones sagradas para darle paso al fantasma del dinero, pues su encargado, al parecer, no heredó ni una sola raya del tigre de su padre.

Por otro lado, es de destacar que Medellín en la cinta aparezca sin armas y sin narcos, y que Mesa nos narre otra realidad, aunque también violenta, pero sí alejada de los lugares comunes de nuestro cine. La película fue rodada en formato de 16 milímetros y es un poema visual, nada tan poético como ver a Medellín con el grano de lo analógico. La película, visualmente hablando, es un poema.

Una elegía, si se piensa en que Yurlady y Daniela representan a miles de jovencitas de la ciudad abandonadas por sus padres, y por el Estado, que viven en condiciones de hacinamiento deplorables, y que a pesar de todo tienen conciencia de que su salvación nada tiene que ver con la poesía, ni con el sueño de ser grandes poetas, o sea: su salvación nada tiene que ver con la educación, sino con la posibilidad tangible de ver a sus familias en paz, en tranquilidad, obteniendo su mínimo vital y, ojalá, y esto ya es una plegaria mía, aleladas de la terrible exposición al turismo sexual.

En fin, Un poeta narra el drama de los artistas en general en medio del desencanto como consecuencia de las condiciones sociopolíticas de un país de arpías como Colombia, y desvela su humanidad, mostrándonos cuán frágiles son, y nos recuerda que dentro de ellos pueden cohabitar ángeles y demonios, y que algunos son nada más que demonios, por talentosos y reconocidos que sean. Los poetas que organizan recitales para acosar a las jovencitas. Los padres que abandonan a sus hijas o hijos. Su problema no es ser poetas, es ser hombres, u hombres violentos.

En mi caso, pese a todo, prefiero celebrar la vida de todos los anónimos Óscar Restrepo que hay en el país, viviendo de los oficios más disímiles en sus propios pueblos, alejados del asqueroso mundillo literario. Prefiero celebrar la vida de todas las anónimas Yurlady que escriben poemas, en sus pupitres de colegio, sobre las sábanas que se secan en sus patios, y sobre los colores de su habitación de comuna en la loma, sin esperar protagonismo de ningún tipo, y no celebrar nunca a los burócratas que, sean poetas o no, viven de nuestra sangre. A los burócratas que sin acercarse en lo más mínimo a la grandeza de García Márquez sí viven convencidos de ser como él.

Y, como esta reseña sólo la leen poetas, porque en Colombia a nadie le importan los poetas, salvo a ellos mismos, me despido con estos versos de José Emilio Pacheco que, creo, encierran bien lo que les he querido decir hasta ahora: “Dijo Cernuda que ningún país/ ha soportado a sus poetas vivos./ Pero está bien así:/ ¿No es peor destino/ ser el Poeta Nacional/ a quien saludan todos en la calle?”

Albeiro Guiral
www.instagram.com/amguiral

“Un nuevo amanecer” es la nueva película de Priscila Padilla, directora que ha dedicado su cine a narrar historias femeninas.

“Un nuevo amanecer” hace parte de un tríptico cinematográfico que aborda el cuerpo de las mujeres en diferentes contextos. El primer documental, “La eterna noche de las doce lunas”, es la historia del cuerpo de las mujeres en la cultura Wayuu; “Un grito en el silencio” presenta la ablación genital femenina en la cultura Embera Chamí; y “Un nuevo amanecer” aborda el cuerpo de las mujeres en contextos de guerra y la paz.

“Un nuevo amanecer” es el documental más personal e íntima de Priscila Padilla porque al abrirnos su corazón y mostrarnos su álbum familiar nos recuerda que el arte puede cambiar vidas.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Como caleña me identifiqué mucho con las conversaciones en las que recuerdan la brisa caleña, la importancia de bailar salsa, el Blanco del Valle y la rumba en Juanchito.

“La fianza” se puede ver en cines de Cine Colombia desde este 10 de abril y si eres de los que todavía te gusta ver una buena película en la gran pantalla, te la recomiendo.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Cuando vi por primera vez la película, ya que me encargaron escribir el boletín de prensa, no la entendí. Me costó adaptarme al ritmo y a la propuesta cinematográfica, pero luego de procesarla y entrevistar con su director y el productor Samuel Moreno Álvarez, entendí que “Positivo Negativo” nace de lo más profundo de David Aguilera Cogollo y plasma un momento en la vida de un pueblo que tiene sus propias dinámicas y en el que la gente vive de forma muy distinta a como se vive en Cali o Bogotá, ciudades en las que he vivido.

Si algo he aprendido en este camino de escribir sobre las historias de los otros, especialmente cuando se trata de un boletín de prensa, es que no importa demasiado cómo percibo yo la obra, sino cómo la percibe el creador y qué es lo que quiere comunicar.

Obvio, no es conveniente narrar lo que no es. Pero, lo más bonito de este trabajo es que cada día ratifico que la crítica o el periodismo no debe ser para destruir obras; sino para transmitir lo que motivó a un artista a realizar algo, y cómo ese algo encontró el camino a la materialización. Puede que guste o no, pero me parece importante contar lo que hay detrás de cada proyecto.

En este blog quiero compartir el segundo boletín de prensa que se compartió con los periodistas sobre “Positivo Negativo”.

Los relatos populares del Caribe colombiano cobran vida en “Positivo Negativo”, la ópera prima del director David Aguilera Cogollo, quien plasma en pantalla, parte de la idiosincrasia de Nariño Gallinazo, corregimiento de Lorica, (Córdoba), pueblo en donde pasaba las vacaciones cuando finalizaba sus estudios en Barranquilla.

En este lugar del Valle del Sinú, de la mano de sus abuelos y primos, el realizador conoció otras formas de vida, como la de Ángel, un hombre de 80 años que gracias a los poderes del monte ha sido más fuerte y ha podido conquistar mujeres. Sin embargo, estos poderes se han salido de control y lo tienen atormentado por el mal uso que les dio en el pasado, y ahora que Ángel está por morir, sabe que para descansar en paz debe entregarlos, pero nadie los quiere, solo un nieto parece interesado en recibirlos.

David Aguilera Cogollo cree “importante que la gente del Caribe se represente a sí misma”, así que cuando Ángel le propuso “hacer una película sobre el descontrol de sus capacidades sobrenaturales”, vio la oportunidad perfecta para hacer memoria sobre los secretos y conocimientos de una zona rural que, aunque sigue existiendo, desaparecen a medida que pasa el tiempo.

Ángel no siempre estuvo disponible para contar su historia ante la cámara, por lo que el director y el productor Samuel Moreno Álvarez decidieron alejarse del guion escrito, desde el que generalmente parte un filme, y dar paso a otras fuentes de inspiración como los colores y sonidos del territorio.

“Dilatamos eso de contar una historia, lo llevamos a la más mínima expresión y nos concentramos en la experiencia visual y sonora que podría ser nuestra película. En este documental no intentamos mostrar la realidad, no tal cual como se ve y se oye, si no como la sentimos. Inclusive, puede ser la realidad desde la perspectiva de un poeta o una persona que es asediada por los espíritus del monte”, comenta el productor Samuel Moreno Álvarez.

Tomar esta decisión cinematográfica les permitió ser partícipes del acontecer del corregimiento Nariño Gallinazo como la Fiesta de la Candelaria, el corte del palo en Lorica y hasta la inundación del pueblo.

Es decir, “Positivo Negativo” no cuenta una historia cronológica o lineal sobre Ángel, sino que presenta el entorno donde él vive. Esto le permite al espectador “hacer parte de una experiencia cinematográfica, un viaje a través de imágenes y sonidos que interpelan al que los ve, así que es el espectador quien termina descubriendo o tejiendo la historia cuando se imagina habitando ese lugar o agregando el plano que hace falta”, afirma el productor.

En “Positivo Negativo” todo se muestra en imágenes y sonidos, ningún narrador explica lo que sucede y los diálogos escasean, excepto la narración cruda que Ángel hace frente a cámara de ‘Conjuro’ de Raúl Gómez Jattin, poeta de Cereté, Córdoba, quien escribió sobre la realidad cruda de la zona y de quien el protagonista toma prestadas sus palabras para decir “Los habitantes de mi aldea dicen que soy un hombre despreciable y peligroso. Y no andan muy equivocados”.

El viaje cinematográfico que David Aguilera Cogollo propone en “Positivo Negativo” está asociado al interés del director de contar las historias que conoce, y al gusto de perpetuar, gracias al archivo audiovisual, parte de la cultura, los relatos, los personajes y los paisajes que el pasar del tiempo y las situaciones socioculturales van borrando.

“Positivo Negativo” es una producción de Trópico Atómico Films SAS (Colombia), con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, Proimágenes Colombia. La distribución en Colombia es de Danta Cine.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Nota preliminar: El siguiente texto se había publicado en este blog, con el título La Bogotá ficticia, hace más de diez años, pero un cambio en la plataforma al parecer la envió a la dimensión desconocida. Un reciente e interesante texto de Alexander Velásquez, periodista y colega bloguero en El Espectador, sobre una película coreana filmada en Bogotá, que habla mal de la ciudad, me hizo rescatar este documento. Quien desea leer la columna de Alexander, aquí lo puede hacer: https://blogs.elespectador.com/actualidad/cura-de-reposo/la-pelicula-que-habla-mal-de-bogota-y-nadie-se-queja/

Omar Sharif, afamado comerciante árabe de esmeraldas, es dueño de una oficina en el centro de Bogotá en un impresionante edificio con todas las medidas de seguridad, al cual Ryan O’neal ingresará volando en un ala delta, deslizándose desde Monserrate. 

Al mismo tiempo, Harrison Ford se desplaza por la calle 26, saliendo del aeropuerto El Dorado, en un automóvil blindado de la embajada estadounidense, observando preocupado las calles adyacentes. 

Por una de esas calles, corre asustada Zoe Saldana de apenas 9 años de edad quien huye, escapando de los asesinos de sus padres.

Mientras tanto, Sylvester Stallone sufre al observar el estallido de un explosivo al paso de una camioneta con una familia en su interior, en un puente bogotano, que no es posible identificar. 

Todo esto ocurre, paralelamente al romance publicitado de Brad Pitt y Angelina Jolie, hospedados en un hotel de mala muerte en una Bogotá desconocida, bombardeada y humeante, de clima caliente, parecida a un pueblo pequeño, sin parque de la 93 ni Ciudad Bolívar, sin los contrastes ni paradojas de la gran metrópoli. 

Quizás por todo lo anterior, Fernando Rey afirma en El Discreto Encanto de la Burguesía, que Bogotá es la capital de Miranda, un magnífico país, con cordilleras y campos…”

La Bogotá del cine extranjero es una ciudad ficticia, con muchas caras, sin mostrar su verdadero rostro a los espectadores del mundo. Curiosamente la única película hollywoodense, con escenas filmadas en Bogotá, fue Los Aventureros (dirigida por Lewis Gilbert), un discutible drama de acción, con un espectacular reparto internacional de talentos, que transcurría en un país imaginario llamado Corteguay. Hay una imagen bastante curiosa de esta filmación en donde se observa la Plaza de Bolívar, pero sin Bolívar y con la estatua ecuestre del supuesto dictador de la película.

Más recientemente en 2009 se grabó la serie extranjera Mental, la cual recrea en la capital de Colombia, la ciudad estadounidense de Los Ángeles en una paradoja digna de película.

De la galería mencionada en los primeros párrafos, quizás la más deplorable muestra de ignorancia cinematográfica haya sido Sr. y Sra. Smith, con una Bogotá semirural, de clima caliente, bombardeada y con habitantes que oscilan entre acentos caribeños o mexicanos. Algo similar ocurre con Colombiana, en donde la protagonista sólo exhibe el nombre de Cataleya (orquídea colombiana), como distintivo nacional. De las distorsiones propias de Hollywood, las que más se acercaron a la realidad urbana de Bogotá, fueron Green Ice (El gran robo de las esmeraldas”) y Peligro Inminente, pero nunca fueron filmadas en Bogotá, sino en México. Son las caras ajenas de Bogotá.

El rostro real de Bogotá, es aquel que los aficionados al cine, hemos recorrido saliendo desde los viejos teatros y salas con puertas a la calle, espacios a los cuales ingresábamos luego de filas legendarias, con espectáculo circense incorporado. Eran los tiempos de los rotativos, del programa doble, la matiné, vespertina y noche, del maíz pira, la colombiana y el roscón, el bom bom bum y la chocolatina jet (perdón por las menciones comerciales pero eran infaltables).

Fue la época de nombres impresionantes como Olympia, Cinelandia, Metropol, Astor Plaza, Radio City, incluso de teatros de barrio, como en el Olaya Herrera. Luego vendría el tiempo del cine arte, de la Cinemateca, de la sala del Museo de Arte Moderno, de los cine clubes, salas universitarias como la Cinemateca de la Universidad Nacional o la Universidad Central. Hoy el cine es aséptico y sin filas, el de los centros comerciales con opción a salones VIP, reservación telefónica previa y sillas que parecen más aptas para dormir que para practicar el arte del voyeurista. 

Sin embargo, la emoción se mantiene intacta, la sensación de vivir en un trozo de película, metida en un carrete que se mueve por las calles bogotanas, transitando paso a paso, con los millones de vidas que imprimen sus huellas, sus tomas. Las existencias ambulantes de una ciudad, que ojalá algún día no fuera tan ficticia, en las escenas que se ven, que se van, reflejando en la pared del fondo, en aquella cueva platónica, en donde hemos sido tan felices, la sala de cine.

Dixon Acosta Medellín

En lo que sigo llamando Twitter me encuentran como @dixonmedellin y exploro el cielo azul en Bluesky como @dixonacostamed.bsky.social

Posdata: El libro Colombia en el cine universal. La caza de citas (2011) obra del autor del presente texto, cuenta con una relación de más de 300 películas extranjeras sobre Colombia. Quien esté interesado puede obtener mayor información en el siguiente sitio: 

http://www.autoreseditores.com/libro/241/dixon-acosta/colombia-en-el-cine-universal.html

El actor Andrew Scott, conocido por Fleabag o Todos Somos Extraños protagoniza este monólogo en el que encarna unos siete personajes.

Él es el único en escena y poco a poco nos sumerge en diversas conversaciones existenciales entre los integrantes de una misma familia.

Andrew Scott lo hace maravillosamente. Esta versión audiovisual grabada en vivo nos permite tener detalles de su mirada triste, tímida o feliz… y de las manos y los brazos que representan a varios personajes al mismo tiempo.

Vanya es una adaptación de El Tío Vania, de Antón Chéjov. La obra se puede ver en algunas salas de cine de Cine Colombia.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte  

Aquí van estas PROPUESTAS para el mes que se avecina…

Si te gustó esta  EXPERIENCIA-ARTÍCULO, y quieres AYUDARNOS haz tu DONACIÓN:AQUÍ

Y no te olvides de seguirnos en eL…

CONTINUARÁ…

CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

Este miércoles 11 de septiembre comienza la cuarta edición de El Cine Suma Paz, festival internacional de cine que tiene como objetivo promover la producción audiovisual nacional e internacional relacionada con la protección del medio ambiente.

Este 2024 la curaduría está enfocada en el cuidado del agua y la promoción de la conciencia hacia el cuidado del páramo, que en los últimos meses ha sido víctima de los incendios forestales.

Es importante destacar que el festival se desarrolla en un contexto ambiental complejo, caracterizado por la pérdida significativa de páramos debido a incendios forestales y racionamientos de agua en algunas ciudades por la sequía.

El Cine Suma Paz, organizado por la Fundación Cine Social, tiene como objetivo principal este 2024 generar conciencia sobre el cuidado del agua y promover acciones a favor de los páramos para proteger este vital recurso hídrico.

El cortometraje documental “Guardianas de semillas” de Juan Sebastián Malaver (Colombia) sobre la tradición semillera de la comunidad Zenú colombiana, el cortometraje de ficción de Turquía “Agrietada”, sobre una niña que vive en un pueblo donde es escaza el agua; el corto documental de Ecuador “El río de nuestros hijos” o el largometraje de Perú y España “Este fue nuestro castigo” son algunas de las 25 producciones que se pueden ver gratis en la plataforma virtual www.elcinesumapaz.com, que además transmite conferencias y charlas.

Para quienes disfrutan los eventos presenciales, El Cine Suma Paz tiene organizados unos en Bogotá, Cota, Sibaté, Villavicencio, Soacha y Fusagasugá.

“El Cine Suma Paz busca reafirmar nuestro compromiso con la educación ambiental y la defensa del medio ambiente, así como con las personas que luchan por transformar social y ambientalmente sus comunidades en todo el mundo. Esta es una valiosa oportunidad para visibilizar las problemáticas ambientales de nuestro país, sensibilizar sobre la importancia del cuidado del agua y movilizar a la comunidad hacia acciones que ayuden a su preservación”, manifiesta Cristhian Ossa, director del festival y de la Fundación Cine Social.

Por otra parte, la Fundación Cine Social ha creado un contenido audiovisual titulado “Siembra Agua”, que explora una serie de crónicas sobre el concepto de sembrar agua y los frutos que provienen del páramo.

Cabe recordar que “Siembra Agua” es un capítulo de la serie transmedia que el festival ha desarrollado desde su inicio y que actualmente cuenta con más de 12 capítulos relacionados con el páramo y las temáticas del festival.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

I confess that I have sinned, at least in my thoughts, and to make matters worse, it was during a mass in Managua, Nicaragua, almost 20 years ago, when I was serving as a diplomatic service in the Embassy of Colombia in that country. That sinful act occurred when I met Ashley Judd, or more exactly the back of her neck and part of her back.

For those who are not sufficiently cinephile, Ashley Judd is an American actress of film and television, who began her career in an episode of Star Trek: The Next Generation. In 1991 she was introduced as a promising actress in the film Ruby in Paradise (1994), since then she has participated in notable films such as Smoke (1995), Heat (1995), A Time to Kill (1996), Kiss the Girls (1997), Double Jeopardy (1999), Bug (2006). The younger ones have known her for a character in the Divergent series.

In 2002 she played Tina Modotti in Frida, the film that starred and was produced by her friend Salma Hayek. It turns out that the two actresses visited Nicaragua in 2006, in the middle of a solidarity campaign against AIDS. Ambassador Melba Martínez, RIP, asked our colleague and friend Andrés Gáfaro and the undersigned columnist to attend one of the events, a mass where the movie stars would be. So, it was, and we sat in the seats that had been designated for the diplomatic corps, precisely a couple of benches behind those assigned to the actresses. It must have been one of the most crowded religious celebrations in the history of the Nicaraguan capital.

We did not see Salma Hayek, but the one who arrived was Ashley Judd, very nice, who offered us a kind smile and a gesture with her hand. She was wearing a strapless dress, with a moderate neckline and her hair tied in two ponytails that showed her neck and part of her back in a very youthful touch. As if I were a moviegoer, I must say that my position was enviable, since I was right behind her and in the front row, there was a short, chubby lady, wife of some local dignitary, who did not obstruct the view.

I hope that my priest friends will take this note as an untimely confession and not excommunicate me, but the truth is, I could not concentrate on the Holy Eucharist, although I must say that half the congregation was like that. Nobody missed the gestures of the cordial actress, in my case, I even thought that at the time of the exchange of the greeting of peace, I could try to shake her hand, but there was the problem of the front bench and its occupants. When the time came, I settled for greeting Andrés and the lady in front, who had shaken Judd’s hand, so, indirectly and through the lady in question, I must have shared something of Ashley’s presence.

Ashley Judd has not had an easy life, a victim of abuse in the past, she was one of the brave ones who accused producer Harvey Weinstein at the time and has been constant in her humanitarian activism, defending various causes. Fans of IndyCar racing surely recognize Judd, because she was married to Dario Franchitti, a legendary driver in that category, colleague of the Colombian pilot Juan Pablo Montoya, so I suppose that the Montoya family must have shared on and off the track with Ashley Judd. Franchitti is British with Italian roots, which he shares with Judd, whose father was Italian, in fact her given name is Ashley Tyler Ciminella.

Judd comes from a very artistic family, because her mother (Naomi) and her older sister (Wynonna), were country singers, and although she has talent for singing, she has only starred in one musical, the biography of the composer Cole Porter, in which she performs some songs (De-lovely, 2004). She has also been a woman with academic interests, a graduate of the University of Kentucky (French) and Harvard (public policy).

Having finished this confession, for which I hope to be forgiven, I must say in my defense that that vision of Ashley Judd was simply heavenly, perhaps because she has proven to be a true angel.

Dixon Acosta Medellín

Colombian writer known in the diplomat world as Dixon Moya. 

On what used to be called Twitter, during recess you can find him as @dixonmedellin