La muestra es el resultado de cuatro años investigación de María Camila Montalvo Senior, quien durante sus recorridos por la Amazonía y Orinoquía ha conocido a hacedores y creadores indígenas que se relacionan diariamente con los elementos de la tierra y animales.

La exposición reúne a artistas académicos, artesanas y pescadores. Como espectadores somos testigos de ese diálogo que conecta arquitecturas animales y humanas en las obras realizadas en diferentes técnicas como: telares, dibujos, videos, esculturas o fotografías.

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Esta obra de Santiago Montoya y “Corona de plátanos y bananos” de Richard Harrison Bravo dan la bienvenida al espectador de esta muestra que parte de la novela “La Vorágine” de José Eustasio Rivera, que este 2024 cumple 100 años, “para reflexionar sobre quiénes somos, la denuncia del horror de los olvidados, la apropiación y dominación del territorio, así como los procesos que atraviesan la definición de una identidad”, temas muy trabajados en todas las artes.

“Daño colateral” de Santiago Montoya.

“Nación Vorágine” reúne obra contemporánea de quienes han recorrido, pensado, habitado y cuestionado tanto el territorio como sus habitantes.

De hecho, gran parte de las piezas expuestas pertenecen a la Colección Proyecto Bachué, que incluye obra colombiana del XIX, XX y XXI de diferentes formatos, hasta mapas y documentos.

Bachué, vale referenciar, es la diosa y madre primigenia del pueblo Muisca, pero también es una obra de Rómulo Rozo que durante mucho tiempo no fue valorada lo suficiente por romper el molde y no copiar o imitar el arte europeo.

Y si de romper el molde se trata, en “Nación Vorágine” se puede ver obra de la artista Misak Julieth Morales, quien reflexiona en “Gran pechera” y “Resistencia II” sobre la identidad cultural femenina en el contexto indígena colombiano.

Rosemberg Sandoval, quien siempre ha hecho de su trabajo una denuncia política colombiana, participa con “Emberá – Chamí”, una instalación de botas pantaneras de color negro que tienen incrustadas astillas que bien puede parecer madera, pero en realidad son huesos humanos.

“Emberá – Chamí” de Rosemberg Sandoval.

También está presente Diana Marcela Buitrón con “Amígdalas pecuniarias”, una instalación de mazorcas de cacao envueltas en papel de monedas de chocolate en la que plantea la problemática de las semillas nativas que fueron “certificadas”.

“Amígdalas pecuniarias” de Diana Marcela Buitrón y al fondo
la obra de Julieth Morales.

“Nación Vorágine”, abierta al público hasta el 22 de mayo en el Centro Cívico de la Universidad de Los Andes, conversa con la exposición “Tierra de promisión” de Espacio El Dorado que parte del ideal de país “más biodiverso” y “potencia de vida” para poner de manifiesto que, en últimas, estas promesas nos han nublado la conversación sobre la sociedad que realmente somos.

“Las dos exposiciones plantean una reflexión sobre la condición de Colombia como un país que no ha logrado una identidad nacional que nos una y tampoco ha logrado un control territorial. La no presencia en el territorio es la causa que de la violencia que hemos tenido durante los dos siglos de independencia”, dice el curador José Darío Gutiérrez.

Gutiérrez recuerda que en 1921 José Eustasio Rivera publica “Tierra de promisión”, “una oda a la belleza del territorio y la naturaleza; es una expresión bastante romántica e ideal, pero cuando visita el territorio se da cuenta que es agreste, salvaje y donde la condición humana, en vez de enaltecerla como su sueño en ‘Tierra de promisión’, se degrada y llega a las condiciones de esclavitud y barbarie”.

En esta curaduría hay de todo para ver. Desde un grabado de Alexander Von Humboldt de 1810, pasando por la serie de 1971 de Umberto Giangrandi sobre el uso excesivo de la fuerza y las detenciones arbitrarias; hasta las fotografías de Federico Ríos en las que explora el paisaje colombiano transformado por el conflicto.

Si algo me gusta de estas dos exposiciones es que las obras son fuertes, pero no violentas en sí, y creo que aquí es donde uno entiende la ‘poética en el arte’.

Edison Quiñones, por ejemplo, desde 2007 recoge casquillos de bala que deja el conflicto armado en el Cauca y con todos las que tiene ha elaborado piezas de diferentes tamaños con el mapa del departamento.

“Cauca. Variación #3” de Edison Quiñones.

La violencia siempre ha estado presente en todas las artes colombianas, y es realmente abrumador que nos hayamos acostumbrado a ella; pero desde el punto de vista de la estética me gusta ver cómo cada artista se las arregla para plasmarla y materializarla.

Ahora, si nos vamos a la naturaleza y paisajismo, Leonel Castañeda aporta “Sin título. De la serie Historia Natural”, una instalación con ramas secas y un estante que alberga una colección de aves disecadas que fue desechada y él retomó con el objetivo de repensar las formas en cómo se exploraron y catalogaron los recursos naturales en el siglo XVII para el desarrollo de la farmacia, el lujo y lo exótico.

Santiago Vélez retoma la problemática de la minería ilegal en los páramos con “Tanques de cianuración, de la serie Agua – Oro” -expuesta en “Nación Vorágine”-.

Por el mismo sentido va la obra “Oro – 18gr – Río” en la que Consuelo Gómez habla sobre la explotación de tierras y desplazamiento forzoso de los indígenas Emberá que habitaban cerca del río La Vieja.

“Oro – 18gr – Río” de Consuelo Gómez.

Y sin el ánimo de la esperanza aparece “Primera lección” de Bernardo Romero en la que desglosa el escudo de Colombia con las frases “No hay cóndores / No hay abundancia / No hay libertad / No hay canal / No hay escudo, no hay patria”.

El reto de nosotros los espectadores y ciudadanos es no perder la fe y tomar acción para que el círculo vicioso se acabe. Podemos elegir mejores líderes, podemos elegir qué medios de comunicación consumir, podemos elegir con quién nos relacionamos, podemos elegir no ser pasivos.

En algún momento debemos dejar de ser como la serigrafía de Juan Camilo Uribe en la que el Sagrado Corazón ratifica tristemente “Esta es Colombia”.

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Seguramente ya has leído que Artbo 2023 no se realiza en Corferias, sino en el centro de convenciones Ágora. Yo te quiero decir que el espacio es maravilloso en varios aspectos: es más espacioso, tiene varios niveles, hay donde sentarse y descansar, y los baños son de fácil acceso y limpios, algo fundamental para mí.

La instalación de gran formato “Los santos inocentes” de Mapa Teatro recibe a los espectadores. Un cuarto oscuro en cuyo interior se puede apreciar una variación de esta instalación performática que se inspira en las celebraciones decembrinas del Pacífico colombiano. Sobre este cuarto hay una gran escultura tipo piñata que, parece, se encarga de dar la bienvenida y acompañar a los visitantes.

En el primer piso también está un cuadro gigante de Carlos Jacanamijoy y las esculturas en madera de eucalipto de Jaime Miranda-Bambarén.

Todas las obras de gran formato hacen parte de Sitio, la sección que permite apreciar estos trabajos que por su dimensión no caben en cualquier lugar.

El segundo nivel de Ágora está dedicado a una de las secciones que más me gustó, Artecámara que, con la curaduría del Equipo Transhistor(ia) propone “Movimientos planetarios, mundos posibles” por medio de obras que “permiten conectarnos de una forma más directa con la realidad y actualidad”.

En este nivel vale la pena hacer con calma el recorrido y apreciar los planteamientos que van desde la reflexión por los alimentos transgénicos, las nubes de ceniza que flotan sobre las grandes extensiones de cultivos de caña y que impacta a trabajadores y habitantes, o las empresas que cerraron tras la apertura económica y dejaron sin pensión a los trabajadores.

Tejidos, actos en vivo, textiles, fotografías, cerámica, pintura o gráfica son algunas de las técnicas que se pueden ver en esta sección.

El tercer piso también está muy chévere porque dedica espacio al Diseño, una novedad en Artbo 2023, y el Libro de artista, en donde se pueden ver todas esas expresiones alternas a las que se dedica un artista, colectivo o galería, como las impresiones gráficas, camisetas, mochilas o agendas.

Yo compré varios artículos y, aunque fui sola, sé que este piso y el segundo los disfrutaría mucho mi hija porque no están dedicados exclusivamente a los coleccionistas de arte que, se espera, compren obras de miles de dólares.

Desde mi punto de vista el segundo y tercer nivel permiten que la gente pueda acercase a la propuesta artística sin la presión de comprar, y percibir un poco la dinámica de esas otras obras que no son maestras, son de uso diario, pero que son igual de importantes en el trabajo de los artistas.

El cuarto y quinto nivel recopila la antigua experiencia Artbo ya que están dedicados a esas obras importantes y representativas de artistas que tienen trayectoria o ya están consolidados. Aquí se tiene la posibilidad de ver obras representativas, recientes o de vanguardia.

Ir a Artbo no es solamente para ver o comprar obra. La feria está diseñada para poder escuchar lo que hay detrás del trabajo y esto se puede hacer escuchando a los mediadores, a los galeristas o al mismo artista. Aquí no hay pena de preguntar, es la oportunidad perfecta para decir ‘cuéntame tu historia’. Si uno se programa, puede asistir a charlas o conferencias programadas.

Y otra cosa muy chévere de esta semana en Bogotá es que los museos, espacios culturales y galerías aprovechan todo el impacto Artbo para estrenar exposiciones o unirse a los circuitos.

Este jueves 23, por ejemplo, hay actividades en Chapinero central y Teusaquillo de 9:00 a. m. a 12:00 m. con visitas guiada a la exposición “Sin tu luz vivo triste” del artista Kevin Simón Mancera en Nueveochenta y “En simultáneo” en Salón Comunal. A las 8:00 p. m. hay visita guiada a la exposición temporal “Trabar la lengua: hablar de arte en Colombia” en el Museo Nacional de Colombia.

El viernes 24 el circuito se realiza en Chapinero norte con visitas guiadas a la exposición “Tic-tac” de Miller Lagos en Galería Espacio Continuo, “La multiplicación de los cuadros” de Álvaro Barrios en El Museo; “La resta de las partes” de Carlos Castro y “Profecías incompletas” de Pablo Mora en Galería La Cometa; “La fibra del tiempo” en Montenegro Art Projects; “Maestro Samudio” de Antonio Samudio y “Olvidándote de mí” de Powerpaola en Sextante; y “Naturalezas muertas” de Carlos Alarcón en Beatriz Esguerra Arte.

El sábado 25 de noviembre está dedicado a Teusaquillo y La Macarena con visitas guiadas a “Buscando el dorado” en Espacio El Dorado, “Naturaleza doméstica o un lugar para el autoaprendizaje” de Nicolás París en Mor Charpentier, “Desing house Colombia” en NC-Arte y “Altares del suelo se animan con fuego” de Carlos Alfonso en Casas Riegner.

El domingo 26 las visitas guiadas son para “White fence: veladuras de fragilidad” de Rosario López en Bodega Piloto, “Un recuerdo similar a un silencio del mundo” de Hernando Velandia en la Galería Santa Fe, “Estructura sinfín: metro series” de Mauricio Carmona (nominado al XII Premio Luis Caballero) en Estación de la Sabana; y “Forest mind sobre la interconexión de la vida” de Ursula Biemann en el Claustro San Agustín.

En Espacio Odeón, la Luis Ángel Arango, el Claustro de la Universidad del Rosario, la Biblioteca Nacional de Colombia, la Sala de Arte Bancolombia, Pasaje peatonal Calle 63, y en San Felipe también hay exposiciones para ver.

De hecho, Open San Felipe realiza su tradicional festival el 24, 25 y 26 de noviembre con 76 galerías, espacios de industrias creativas y gastronómicos.

Y este 2023 la Feria del Millón vuelve a coincidir en fechas con la semana del arte en Bogotá, así que entre el 23 y 26 de noviembre se lleva a cabo en un edificio ubicado en la calle 77a No. 11-60, una ‘oficina para la cultura’ en la que 99 artistas exponen su obra.

Este 2023 en la Feria del Millón se puede ver el trabajo del proyecto de Serpentine Gallery de Londres, uno de los espacios artísticos más prestigiosos del mundo; y de Carlos Caicedo (1929-2015), uno de los reporteros gráficos más destacados del país. Y para los amantes de la vanguardia, está “Voltaje: salón de arte y tecnología”.

Así que si no puedes ir a Ágora o no te gusta desplazarte, puedes aprovechar y disfrutar las diferentes opciones de arte que hay entre el 23 y 26 de noviembre en Bogotá.

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La Facultad de Artes-ASAB (Universidad Distrital Francisco José de Caldas) está ubicada en el Palacio La Merced y allí se puede ver la muestra “Co-Habitar” en la que 18 jóvenes presentan obras que recogen, en su mayoría, la experiencia de la pandemia.

Eso se refleja, no sólo porque estos chicos estudiaron virtualmente, sino porque en los textos que acompañan cada proyecto se puede leer en varios que el encierro detonó depresión o ansiedad.  Me gustó leer que eso. No porque me alegre de lo que vivieron o sintieron, sino porque me parece absolutamente genial que por lo menos esta generación tiene las agallas de expresar públicamente la complejidad de la salud mental y que decidan hacer algo material, una obra de arte, sobre eso.

El dibujo, el tejido y la instalación fueron las técnicas usadas, y libretas de apuntes y bocetos acompañan las obras finalizadas.

La memoria y la necesidad de recordar las vivencias personales también son temas que vi varias veces. Me encantó “Prácticas para no olvidar” de Nana Cáceres, quien explora a través del dibujo la conexión entre la memoria y la estructura del pensamiento.

Daniela Torres presenta “Felicia debe salir – yo concepto a yo observadora”, una instalación e ilustración digital en las que se ve una mesa de trabajo con una libreta, una lámpara encendida, crayones y un cuento.

En “Érase una vez los funerales míos. Sombra” Sergio Andrés Pineda recurre a la videoinstalación para compartir los pensamientos que genera la depresión y la sombra es la interpretación de lo que “conlleva no poder expresar lo que se siente”.

Michelle Ladino trata otro tema complejo como lo es el acoso sexual contra las mujeres en la calle y usa los carteles para presentar “El miedo me culpa, me culpo”.

En la instalación “Metamorfosis” Alma Pérez pone en escena la exploración con la que las prácticas artísticas le han ayudado a construir y reconstruir su identidad.

La forma de habitar los espacios comunes de la casa y el cuarto fueron el punto de partida de los proyectos de Sebastián Rojas, quien en “Una casa en movimiento” exhibe la actividad que tuvo en el cuarto de chécheres de su casa cuando buscaba más espacio durante el confinamiento; y en la instalación “Habitar la habitación” Freyder Tarriba presenta el resultado de su investigación sobre habitar el espacio.

La naturaleza, la relación con el medio ambiente, las basuras o la violencia sufrida en la familia también fueron temas de los proyectos, muchos de ellos instalaciones.

Al recorrer “Co-Habitar” pensé mucho en el arte que se producirá en los próximos años en manos de esta generación joven porque si cada época del mundo ha marcado el estilo, ¿qué nos espera en esta pospandemia? ¿Será que las inquietudes de estos estudiantes perdurarán en sus siguientes obras o serán efímeras?

Algo que me gusta mucho es la instalación (aunque es difícil de comprar y tener en un apartamento) y la primera persona como punto de partida para la inspiración, investigación y materialización de la obra. Creo que durante muchas décadas nos enfocamos en la tercera persona y me encanta hablar desde el alma y el corazón de temas tan populares como la pandemia y los sentimientos.

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Pues la vida cambia y a mi esposo y a mi hija se les facilitaba la vida viviendo en la ciudad, así que emprendí la búsqueda de un nuevo hogar. Curiosamente, fue en una clase que tuve en Espacio El Dorado donde encontré mi nuevo hogar y ya llevamos cuatro años en estas.

¿La verdad? Amo vivir aquí. Amo la cercanía a todo, amo el contraste cultural y social.

Aunque no siempre lo puedo cumplir, programo mi agenda para ir al Centro Nacional de las Artes Delia Zapata, a los museos, a las galerías. Por eso, cuando me enteré de que se inauguró el XII Premio Luis Caballero consulté la programación, la cual está muy chévere porque las exposiciones tienen varias actividades de apoyo.

El Premio Luis Caballero reconoce desde 1996 el trabajo de artistas colombianos de larga trayectoria y es uno de los estímulos más importantes para la creación y circulación del arte en Bogotá. En esta versión, las obras de los ocho artistas nominados circulan en la Galería Santa Fe, la Estación de la Sabana, Espacio Odeón, el Exploratorio Casa Museo Jorge Eliécer Gaitán y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC).

“En esta décimo segunda versión del Premio Luis Caballero los visitantes encontrarán obras realizadas en diversos medios como la fotografía, el video, el sonido, la escultura, el dibujo, el performance y la instalación”, dice Mauricio Galeano, director del Instituto Distrital de las Artes (Idartes), quien agrega que los proyectos nominados configuran un ciclo de intervenciones artísticas que presta atención a las cualidades espaciales, sociales, geográficas, históricas, políticas y/o arquitectónicas-urbanas de los espacios que las albergan.

Programación del XII Premio Luis Caballero (julio de 2023 a enero de 2024)

1. “Cuerpos glaciares: ancestros hídricos de una extinción futura” de Natalia Castañeda Arbeláez: 13 de julio a 25 de agosto, Galería Santa Fe.

En este proyecto, la artista visual e investigadora toma los glaciares y sus vestigios como objeto de observación de antiguas aguas congeladas. Su objetivo es plantear cuestionamientos para sensibilizar a la gente como testigos de una extinción inminente.

Actividades relacionadas

* Taller de poética glaciar y otros cuidados, viernes 4 de agosto a las 3:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

* Cartografiar territorios desde el afecto, viernes 18 de agosto a las 2:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

* Laboratorio Cartografiar territorios desde el afecto, viernes 18 de agosto a las 3:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

2. “Barrio (indagación sobre las estructuras sólidas y las economías estables)” de Alejandro Sánchez: 13 de julio al 25 de agosto de 2023, Galería Santa Fe.

Con esta obra el autor busca que los pobladores y ciudadanos del país, especialmente de Bogotá, puedan generar inquietudes e intereses acerca de las distancias sociales y diferencias económicas que componen el país.

Actividades relacionadas

* Líderes comunales, sábado 5 de agosto a las 4:00 p.m. en la Galería Santa Fe. Charla con los líderes comunales que apoyaron la intervención en cada una de sus ciudades (Cartagena, Buenaventura, Bogotá).

3. “Mayoral de acero: destajo” de Sandra Rengifo: 14 de septiembre al 22 de octubre de 2023, Galería Santa Fe.
4. “Los Caídos” de Juan Covelli: 5 de octubre al 4 de noviembre de 2023, Espacio Odeón.
5. “Minuta” de Alejandro Salcedo: 12 de octubre al 26 de noviembre de 2023, Casa Museo Jorge Eliecer Gaitán.
6. “Cacofonía del silencio floreciente de la memoria” de Edinson Quiñones: 26 de octubre al 3 de diciembre de 2023, Museo de Arte Contemporáneo.
7. “Estructura sinfín: metro series” de Mauricio Carmona: 28 de octubre al 26 de noviembre de 2023, Estación de la Sabana.
8. “Un recuerdo similar a un silencio del mundo” de Hernando Velandia: 17 de noviembre al 28 de enero de 2024, Galería Santa Fe.

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Aquí se puede ver hasta el 15 de junio “Coraje”, la primera exposición que realizan y que reúne el trabajo de artistas mujeres de diferentes edades que se refleja en diversas propuestas.

Las galerías tienen diferentes objetivos: mostrar obra, representar artistas, hacer jornadas ‘educativas’ o de acercamiento al público, vender… y creo que este último ítem es el que más miedo genera en los que no somos coleccionistas porque a veces vamos a ver, no a comprar. Sin embargo, es bueno arriesgarse, pasar la puerta y aprender.

Hay muchas galerías a las que voy sabiendo que no voy a comprar nada por el tipo de obra que tienen, pero Casa Zirio me encantó porque la diversidad también se representa en el precio. De hecho, hay varios espacios que funcionan así, pero generalmente no están en el norte.

En “Coraje” hay piezas monumentales como las de Olga de Amaral, Beatriz González o Ana Mercedes Hoyos; pero hay otras de artistas no tan mediáticas que me gustaron mucho y que claramente compraría y tendría en las paredes de mi casa:

• “Sanción familiar” de Margarita Ariza: piezas bordadas en tela en los que la artista se representa y evidencia el malestar, de algunas personas cercanas, sobre su apariencia física.

• “Acaso no soy yo una mujer” de Mariana Gómez: un útero conforma estas obras bordadas en las que hay plantas, gotas, círculos y cuerpos que sirven para pensar lo que significa ser mujer.

• “Renuncio al tiempo” de Olga Huyke: carteles con una frase con la que inmediatamente conecté porque es mi mantra después de pandemia.

• “A Stella” de Diana Drews: retoma los pañuelos de tela y bordados de su mamá para rendirle homenaje.

Tuve la fortuna de ver “Coraje” en compañía de la Directora Artística, Viviana Mejía. No comparto del todo la premisa que indica que cada obra debe soportarse a sí misma porque creo firmemente que, entre más conocimiento del contexto y del artista, es mejor la conexión desde el punto de vista del espectador.

Por ejemplo, aunque mi mamá y mis tías tejen, yo no aprendí porque me parecía un oficio de mujeres de épocas pasadas, y el bordado tampoco lo estimé porque las monjas me obligaron muchos años a darle manteles a mi mamá el Día de la Madre.

Al ver estas obras y las de otras artistas que han resignificado el bordado y el tejido, así como otros oficios que realizan las mujeres y han sido desvalorizados, pienso mucho sobre mis ideas erróneas tanto de las actividades como de lo que, suponía, me hacía o definía una mujer (estudiar, viajar, lograr mis metas).

Quedan pocos días para ver “Coraje”, muestra curada por María Elvira Ardila quien dice “la palabra coraje proviene del latín ‘coraticum’, que a su vez procede del latín clásico ‘cor’ que significa corazón. Hoy relaciono esta palabra con el arte en diferentes sentidos: para empezar una carrera en el arte se requiere valor, pasión y determinación y para continuar en el medio del arte se requiere ser corajudo”.

“Coraje” reúne las obras de 21 artistas colombianas que trabajan temas cruciales para cultura latinoamericana como el racismo, el legado colonial de las Américas, la sexualidad y capacidad erótica del arte, y la maestría plástica del medio obtenida a partir tanto del rigor como de la disciplina: Daniela Acosta, Olga de Amaral, Muriel Angulo, Johanna Arenas, Margarita Ariza, Blanca Botero, Álvaro Cabrejo, Diana Drews, Liliana Durán, Lina Espinosa, Mariana Gómez, Beatriz González, Ana Mercedes Hoyos, Olga Vista panorámica de la exposición “Coraje” en Casa Zirio Galería Hyuke, Consuelo Manrique, Catalina Mejía, Delcy Morales, Mónica Negret, Ana Patricia Palacios, Mariana Varela y Elsa Zambrano.

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Lefebre subasta este miércoles 31 de mayo 2023 lotes de piezas que van desde el siglo XVII hasta la actualidad: pintura antigua, joyas, monedas y libros, artes decorativas y muebles y, por último, arte moderno y contemporáneo (arte figurativo, hasta arte cinético, abstracto, urbano y medios variados como pintura al óleo, pastel, acuarela y una gran variedad de obras gráficas).

Aunque, por supuesto, las subastas cuentan con piezas costosas para mi nivel económico y hay muchas obras que por más famosas no son de mi interés, me gusta ver el catálogo para ver lo que la gente vende y de la selección de Lefebre me parece interesante que esté una obra de María Villa, una artista colombiana de la que se sabe poco (o pocos saben de ella, pero que inspiró una serie de televisión) y cuya obra tiene un precio de salida de $2’000.000.

También me parece chévere ver en el catálogo a Luis Hernández Mellizo con “Nuestro norte es el sur”, que sale por 1’700.000.

Un dato curioso es que la pieza con mayor valor de salida es de 123 millones de pesos y es de Edgar Negret (“Aparato mágico” de 1954).

Arte moderno y contemporáneo latinoamericano

El 1 de junio Bogotá Auctions subasta arte moderno y contemporáneo latinoamericano. De aquí me gustó ver la obra de Carolina Cárdenas Núñez, una artista de la que curiosamente me hablaron hace poco; y Emma Reyes, otra artista poco conocida que también inspira una serie de televisión.

La obra de Carolina tiene un precio de salida de $1’200.000 y 3’000.000; las de Emma oscilan entre 2’000.000 y 10’000.000.

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Estos lugares están concentrados en los circuitos artísticos Centro Histórico, La Macarena, Teusaquillo, Chapinero Central, San Felipe y Chapinero Norte y se pueden visitar el viernes y sábado de 11:00 a. m. a 8:00 p. m., y el domingo de 11:00 a. m. a 6:00 p. m.

Estos circuitos artísticos están ligados a los Distritos Creativos que impulsa la Alcaldía de Bogotá, por lo que es lindo caminar por estas zonas, ingresar a un espacio cultural, tomar y comer algo, un plan para hacer con amigos y familia. Por lo menos, me encanta esto.

La mayoría de estos espacios (excepto los museos) se pueden visitar gratuitamente y para ir de una zona a otra hay rutas de buses, también gratis. Todo esto se puede consultar aquí en el sitio web de Artbo.

Como nunca hay tiempo suficiente para recorrer todo, y como este fin de semana también iré al concierto de Aterciopelados y a caminar con mi perrita Lunita, luego de ver la programación te comparto las actividades que me propongo ver y disfrutar:

Intervención, con la curaduría de Carolina Cerón

Esta muestra en Torres Atrio (Calle 28 #13A-75, piso 31), que sólo se puede disfrutar en esta fecha, tiene como objetivo “crear vínculos de mutua confianza entre el galerista y el comprador, e incentivar la adquisición de obras de arte de las galerías participantes”.

Creo que así uno no vaya con la firme intención de comprar obra, es válido ir y conocer las dinámicas del sector y ver la exposición “Ahora, ¿dónde?”.

https://www.facebook.com/feriaartbo/videos/729235502217031/?locale=es_LA

Jueves 20 de abril

-Lanzamiento del libro “La música de las cosas” de Alba Triana a las 7:00 p.m. en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. El libro aborda la multisensorialidad e inmersividad en la obra de la artista contemporánea colombiana.

Hay que recordar que, gracias a un convenio con Allianz Colombia, todos los jueves de 6:00 p.m. a 9:00 p.m. el ingreso al Mambo es gratis.

Viernes 21 de abril

– “Post Nature” en NC-Arte, visita comentada a las 3:00 p.m. a cargo de Rolando Carmona y Andrés Moreno Hoffman. “Post Nature – Quimeras de un nuevo mundo desde la inteligencia artificial” cuenta con obras de los artistas Grégory Chatonsky, Sofía Crespo, Violet Forest y Zach Blas/Jemima Wyman.

– “Encuentros” de Joaquín Restrepo en el Museo Santa Clara. Recorrido guiado por la exposición temporal el 21 de abril, de 4:00 p. m. a 5:00 p. m.

– Performance “La Cualidad de Estar sin Nadie Más” por Paul Sebastián Mesa y Joaquín Restrepo de 6:00 a 07:00 p. m.

Sábado 22 de abril

– Performance “Cuerpo a cuerpo. 120 puntadas de dolor” a las 3:00 p.m. en el Museo de Arte Miguel Urrutia – (MAMU). La artista Luz Adriana Vera enfrenta su cuerpo a las obras de artistas modernos que exploraron esta misma relación, como Alejandro Obregón, cuya obra “Violencia” cumple 60 años de haber sido elaborada. En esta acción, la artista realizará 120 puntadas, 60 en cada mano, simbolizando con cada puntada 10 feminicidios, por lo que su obra es una denuncia frente a la violencia contra las mujeres.

– Performance “Angustias” a las 4:00 p.m. en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Protagonizado por Madorilyn y hace parte de la exposición “Stigmata” de Carlos Motta. “Angustias” refleja los conflictos internos y explora las complejidades de vivir como mujer trans.

– Lanzamiento del fotolibro “Sergio, la cámara y yo” a las 4:00 p.m. en Espacio El Dorado. Este libro de Ediciones Réplica cuenta con una recopilación del trabajo fotográfico de Sergio Trujillo Dávila.

https://www.facebook.com/feriaartbo/posts/pfbid02boZGt237j6JDT5itAcTyvLRxsEYQA8ggMg8hoUWhQsvdLJP7zovDYhZYpM7T6hopl

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El objetivo del proyecto de la Alcaldía de Bogotá es que los ciudadanos prefiramos recorrer y pasar el tiempo en un Distrito Creativo y no en un centro comercial.

No creo que en una ciudad tan grande como Bogotá eso se puede cumplir, si se tiene en cuenta que los Distritos Creativos están en sectores muy específicos, como hacia el centro del mapa.

Bueno, pero ¿qué es un Distrito Creativo?

De acuerdo con la Alcaldía de Bogotá son “espacios geográficamente delimitados, donde convergen la cultura, la creatividad y el emprendimiento, y funcionan como áreas de desarrollo económico, social y cultural, consolidando escenarios para la renovación urbana, la generación de empleo, y la creación, producción, distribución, exhibición, comercialización y consumo de bienes y servicios culturales y creativos”.

Luego de entender la premisa del proyecto, decidí compartir esto contigo porque de manera orgánica yo disfruto de algunos. Al vivir en el centro de Bogotá recorro la Séptima, La Candelaria, La Macarena y el Centro Internacional y la verdad es que aquí encuentro rica gastronomía, almacenes donde puedo comprar ropa y artículos lindos y no masivos creados por emprendedores de la zona, tengo a disposición artesanías y los museos que tanto me gustan.

Prefiero caminar por esta zona porque es más amigable con mi perrita Lunita que los centros comerciales, algo bien importante para mi familia y para mí.

Aprendí que hay dos clases de Distritos Creativos: los inducidos y los espontáneos.

Los primeros surgen como resultado de políticas públicas o programas de gobierno, que tienen la intención de transformar espacios no aprovechados o áreas deprimidas en nuevos motores de desarrollo económico, social y cultural.

Los espontáneos, por otro lado, son el resultado de aglomeraciones de actividades económicas asociadas a la economía cultural y creativa que surgen de manera espontánea dentro del territorio, así como por la alta densidad de equipamientos culturales y prácticas asociadas al sector desarrollados de manera orgánica.

En lo que queda de esta alcaldía esperan ordenar más, apoyar más y embellecer estos Distritos Creativos para que los ciudadanos nos sintamos más cómodos al vivirlos.

Me gusta esta transformación cultural y por eso te la comparto, porque me parece lindo que si alguna vez das un borondo por estas zonas sepas que se trata de un Distrito Creativo. Yo, por ejemplo, no tenía idea de la existencia de Diverso La Playa, que me dijeron queda entre Chapinero y Teusaquillo.

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“Más que un escenario vitrina que muestra cosas. Queremos que sea un espacio de encuentro, un espacio de diálogo, un espacio de creación y de producción siempre en conexión con el territorio, con las comunidades, con la diversidad y con el mundo. De esa manera pensamos que, más que programar, estamos tratando de leer qué está ocurriendo en el mundo, en nuestro país, cuáles son los temas fundamentales y a partir de eso realizamos la curaduría”, dijo en la rueda de prensa Iván Benavides, director del Centro Nacional de las Artes.

Esas palabras suenan pretenciosas, pero si alguien le ha seguido la pista profesional a Iván Benavides, puede confiar en que por lo menos hará el intento para que así sea, ya que él, como músico, compositor y productor ha sido figura clave en la fusión de los ritmos asentarles con los contemporáneos, que ha participado en proyectos que abarcan la electrónica, el rock, las músicas tradicionales y sinfónicas; además de ser gestor cultural, y director y productor creativo de proyectos artísticos, audiovisuales, escénicos, culturales, musicales y transmedia.

Otro punto a favor de la narrativa del Centro Nacional de las Artes es la semana que abre sus puertas: el 21 de marzo es el Día internacional de la eliminación de la discriminación racial y el 22 de marzo el Día mundial del agua, celebraciones que incorporan a la programación con las series “Del agua y la tierra” que donde se promueve la conciencia ambiental.

“Dos narrativas que juntan una sola: ‘sin justicia social no hay justicia climática’. Eso nos da la línea de curaduría de esta serie inaugural que hemos llamado ‘Del agua y de la tierra’”, explica Benavides.

Y, además, el Centro Nacional de las Artes tiene dos salas que rinden importantes homenajes a Delia Zapata y Fanny Mikey.

La legendaria bailarina y gestora cultural Delia Zapata Olivella (1926-2001) fue la primera artista afro en presentarse en 1954 en el Teatro Colón, 60 años después de su fundación en 1892 y ahora, además de la sala, tiene su propio telón de boca (12 metros de largo y 8 de alto) elaborado colaborativamente por varios artistas en un trabajo dirigido por el maestro Pedro Ruiz.

“Cuando vi el telón instalado sentí que Delia estaba en casa, que Delia era el corazón del Centro Nacional de las Artes y que es un cambio de narrativa muy impresionante pasar de un Teatro Colón que venía fundado con la idea del descubrimiento de América por una narrativa que va a abarcar todo”, comentó Benavides.

El Centro Nacional de Artes pertenece al Ministerio de Cultura, pero como está detrás del Teatro Colón, se integran como escenario y por ello es significativo el telón de Delia Zapata.

La otra sala homenajea homenajea a la gran gestora del teatro en Colombia, Fanny Mikey, y en la que recibirá las propuestas de arte experimental y expandido, siendo la primera “Hybris”, una obra sobre la crisis del cambio climático con puesta en escena de la Universidad de Los Andes, dirigida por la artista interdisciplinar Carmen Gil.

Planes de inauguración

El Centro Nacional de las Artes en la manzana cultural del centro de Bogotá, en la calle 11 con carrera 5, cerca del Centro Cultural Gabriel García Márquez, de la biblioteca Luis Ángel Arango, de la red de Museos del Banco de la República que incluye el Museo Miguel Urrutia (MAMU), la Casa Republicana, el Museo Botero y la Casa de la Moneda. Muy cerca también queda el Museo Colonial, el Santa Clara, el Museo de Bogotá, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, la Plaza de Bolívar, el Museo de la Independencia y el Teatro Colón, entre otros recintos culturales.

Por eso, es lindo que en ese sector sigan conviviendo diferentes culturas, percepciones de vida y puntos de vista; y eso se hizo presente con la inauguración oficial porque en la plazoleta se llevó a cabo una armonización con líderes y sabedores indígenas de la comunidad Wayuu, quienes llegaron a fundar este nuevo hogar de la cultura en el país, por medio de saberes milenarios.

También está programada la danza de la Yonna, que simboliza el fluir de la vida en forma de espiral. Como parte de la armonización, líderes y lideresas espirituales de diferentes etnias del país fueron invitados para reflexionar y conversar sobre el cuidado del planeta.

En la inauguración también se realizan dos eventos que dan muestra de la diversidad de culturas y saberes:  performances de videomapping y pintura digital en vivo realizados por el artista urbano colombiano Óscar González (Guache), y la presentación del dúo suizo Cyril Cyril, con una propuesta que convoca sonidos africanos y de Oriente.

Otras series de la programación que prometen mucho son “Ancestralidad y futuro” sobre la conservación los saberes del patrimonio, los pueblos originarios, la vanguardia y la exploración de nuevas tecnologías, “Otras diversidades” con un enfoque directo a la comunidad LGBTIQ+ y a la población con discapacidades diversas; y “La verdad en escena” para fomentar la construcción de paz, perdón y reconciliación.

Por ahora, la programación del Centro Nacional de las Artes se puede consultar en el sitio web del Teatro Colón, que se fusiona a este escenario y en las redes sociales @miteatrocolon.

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