Gracias a algunas famosas pinturas es posible identificar estilos de muebles usados en siglos pasados; así por ejemplo el cuadro de La última cena, de Tintoretto, pintado a finales del siglo XVI nos revela un estilo de mesa y butacas muy particular  

y el Dormitorio de Arles de Van Gogh nos muestra los muebles correspondientes a una austera habitación individual europea de finales del siglo XIX. 

También hay ejemplos de muebles muy particulares, diseñados para cumplir exclusivamente una función, como es el caso de esta ingeniosa silla francesa del siglo XVIII, especialmente diseñada para leer un libro con las manos libres y con soporte para una vela, como fuente de luz, por si si fuese necesario continuar la lectura al anochecer. 

Pero no quiero centrarme en la historia ni en el diseño de muebles sino llamar la atención sobre un detalle que pasa desapercibido y que casi siempre omiten los diseñadores de muebles. Si bien la mayoría de muebles tales como estantes, mesas o sillas tienen cuatro patas; es decir, cuatro puntos de apoyo sobre el suelo, frecuentemente, a pesar de que esas patas tienen la misma longitud, el mueble termina cojeando. 

No se trata de un defecto de fabricación, basta con que el suelo presente un pequeño desnivel para que tengamos una mesa coja balanceándose sin remedio hasta que usemos algún elemento para nivelar la pata que queda en el aire. Los tacos de papel doblado o las cuñas hechas con tapas de botellas de gaseosas y cervezas son las preferidas en los restaurantes y cafeterías populares y se convierten en los correctivos más comunes. 

Sin duda todos hemos experimentado la desagradable experiencia de sentarnos a comer frente a una mesa coja, sin poder evitar que la sopa, el jugo o el café se rieguen cada vez que, sin intención, nos apoyemos en la mesa; y la experiencia es peor aún, cuando además la silla que ocupamos también cojea. Son tan comunes las mesas y sillas cojas, que ya los diseños modernos incluyen tapas atornilladas en las patas para graduarlas y evitar esta molesta situación.

Pero ¿alguna vez se han detenido a examinar muebles de tres patas?

o ¿han observado que los muebles de tres patas no cojean? 

Como siempre, las matemáticas están en todas partes para ofrecernos una explicación; y en este caso la respuesta la encontramos en la geometría euclidiana. En efecto, la razón por la que los muebles de tres patas no cojean es bien clara: un plano es una figura bidimensional formada por un número infinito de puntos y desde hace 2300 años el gran matemático griego Euclides nos enseñó que bastan tres puntos no alineados para definir un plano; más exactamente, Euclides dice que «dados tres puntos no alineados, existe un único plano al que pertenecen». 

Si lo miramos en el caso unidimensional, tal vez convenga comparar esa afirmación con el primer postulado de Euclides que entendemos y aceptamos más fácilmente: «Por dos puntos distintos, se puede trazar una única línea recta».  

Entendiendo el principio enunciado, el plano que contenga tres puntos dados (que no estén sobre una misma línea recta) es único; es decir, no puede haber otro.

Si examinamos una mesa de cuatro patas, hay cuatro puntos de apoyo sobre una superficie, pero solo podemos estar seguros de que tres de sus patas se apoyan en el suelo sobre un mismo plano; es posible que el cuarto punto de apoyo pertenezca a otro plano y basta con que la cuarta pata se apoye sobre un plano distinto para que la mesa pierda estabilidad y empiece a cojear, por pequeño que sea el desnivel del piso. 

En una mesa de tres patas, dos de ellas la posicionan en un mismo eje y la tercera pata, tenga o no la misma longitud, se encarga de estabilizar la mesa adaptándola al eventual desnivel del suelo; es decir, las tres patas siempre tocarán el suelo a la vez, definiendo un único plano con la certeza de que nunca llegará a cojear. 

Sin embargo, es importante aclarar que la superficie de la mesa podría no quedar paralela al plano del suelo porque esos planos no necesariamente son paralelos, pero no importa qué tan irregular sea el suelo, las tres patas siempre formarán un único plano, eliminando ese molesto balanceo.  

Paradójicamente, los objetos de tres patas nos transmiten cierta sensación de inestabilidad.  

Con esta breve nota espero que la próxima vez que cambie sus muebles tenga en cuenta que tres patas son suficientes para evitar la cojera y que, por extraño que parezca, la estabilidad del mueble no se pierde porque le falte una cuarta pata.

@MantillaIgnacio

La imagen ilustrativa es el cuadro El dormitorio en Arlés (segunda versión), 1889, óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm, de Vincent van Gogh, que se encuentra en el Art Institute de Chicago.

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Recuerdo cuando era estudiante de la Maestría de Problemas Políticos, Económicos e Internacionales Contemporáneos de la Universidad Externado de Colombia en alianza con la Academia Diplomática de San Carlos (el verdadero problema era aprenderse el nombre completo de la maestría) y tuvimos un joven profesor francés de economía, quien todavía desconocía las particularidades colombianas y uno de sus primeros choques culturales fue descubrir en donde guardábamos el dinero, es decir, debajo del colchón.

El catedrático francés no podía creer que tuviéramos la costumbre de confiar más en el colchón que en un banco, eso era una especie de atentado a su razonamiento metódico cartesiano. Cómo era posible que en Colombia a finales del siglo XX y que además unos aspirantes a diplomáticos dijeran sin asomo de pudor, que guardaban sus ahorros en la cama. Oh mon Dieu!

En cualquier caso, creo que hay un motivo de fondo y es que la razón de ser de la banca nacional e internacional es la confianza. Uno debe confiar mucho en una persona o en una entidad para darle a manejar su dinero, muchas veces el producto de una vida de esfuerzo y trabajo. No han sido pocos los casos en el mundo, en los cuales prestigiosos representantes de tradicionales entidades han robado a los ciudadanos, por lo cual, no es tan ilógico que haya gente que prefiera pasar los riesgos de tener el dinero bajo su propio cuidado.

Ahora bien, observo que los colombianos no somos los únicos que tenemos esa ancestral costumbre. Se han registrado noticias de personas en diversos países, que se declaraban en bancarrota porque por error habían desechado sus colchones, en donde conservaban sus fortunas. Hace unos años en Estados Unidos, autoridades descubrieron 20 millones de dólares en el colchón de un sospechoso de lavar dinero. Parece que lo lavaba, lo secaba, le ponía pijama y luego lo dejaba durmiendo.

El recordado profesor de nuestra historia, cuyo nombre omitiré, pero que todos los estudiantes de la época recordamos con simpatía, tengo entendido que residió en Colombia por largos años, incluso se casó en nuestro país, por lo cual no sería extraño que al final, también hubiera sucumbido a la primitiva costumbre de usar el colchón como su banco de confianza, el que le garantizaba dulces sueños.

Debo advertir que en mi caso, no guardo mis ahorros en mi cama, esto para desalentar a potenciales amigos de lo ajeno y tranquilidad de mis profesores actuales de economía, confío en el sistema bancario colombiano y espero que en el 2026 siga tan estable como lo ha sido tradicionalmente, con alguna notable excepción que en su momento el periódico El Espectador denunció a tiempo.

A propósito, para el amable lector que se ha tropezado con estas líneas, desearle lo mejor en este nuevo año, con salud, bienestar, sonrisas y ahorros, los tenga o no bajo el colchón. 

Dixon Acosta Medellín

En lo que sigo llamando Twitter me encuentran como @dixonmedellin y exploro el cielo azul en Bluesky como @dixonacostamed.bsky.social

Aquí lo literario debe hacer de las suyas y así SURGIÓ su OBRA en forma de el LIBRO sobre LIDERAZGO al que DIO en llamar…

¿Qué influye en nuestras decisiones? ¿Qué papel juegan nuestros pensamientos y emociones en nuestras conductas? ¿Qué nos motiva a tener un plan de vida?

Cuando llegamos a “EL PLAN QUE LE FALTÓ A VINCENT VAN GOGH”… A través de un multifacético y exploratorio análisis de la vida de Vincent van Gogh, es un VIAJE en el que el lector navegará en las reflexiones sobre el sentido y la necesidad de contar con un plan de vida, MENTE comprendiendo que la esencia, más allá de alcanzar un destino, consiste en disfrutar el apasionante camino.

Ximena Castro, (1977) es una mujer apasionada por el arte, la historia, y el desarrollo personal. Un CÓCTEL ideal para estos TIEMPOS en los que la METODOLOGÍA si importa… Por más de 20 años ha liderado y transformado equipos de alto desempeño. Ha estado vinculada en diferentes compañías multinacionales, en cargos directivos, lo que le ha permitido, conocer de primera mano los retos del crecimiento personal y colectivo. Es por ello que la ACADÉMIA debía tenerla como docente universitaria, en las áreas de negocios y ciencias humanas y de esta manera ha logrado permear en las aulas, conceptos que trascienden los desafíos desde el HACER para llegar al SER logrando que sus ALUMNOS tengan las HERRAMIENTAS precisas para la COMPETITIVIDAD del MUNDO de HOY…

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CONTINUARÁ…

CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

En tiempos en que todo es veloz y efímero, me parece absolutamente maravilloso que los artistas del Renacimiento, o cualquier siglo pasado, continúen siendo motivo de conversación.

Algunos son más mediáticos que otros, pero que el legado de estos personajes siga vigente es en sí una obra maestra.

Uno de esos artistas que este 2024 se toma las pantallas de cine de todo el mundo, o por lo menos de varios países, es Pietro di Cristoforo Vannucci, más conocido como Perugino (1448 – 1523), quien en vida no gozó tanto del éxito ya que fue eclipsado por la fama de su pupilo Rafael y las críticas de Giorgio Vasari, el primer crítico e historiador del arte del que se tiene referencia.

De acuerdo con la descripción de la Galería Uffizi (museo de Florencia que posee una de las más antiguas y famosas colecciones de arte del mundo), Perugino “fue un pintor de la escuela de Umbría, cuyo estilo fundó una línea de expresividad clásica durante el Alto Renacimiento (…) En Florencia, el Perugino fue también uno de los primeros en practicar la pintura al óleo”.

Este artista, Perugino, es el protagonista del documental “Perugino: eterno renacimiento” que se estrena para coincidir con el aniversario de los 500 años de la muerte de Perugino y, de paso, darle el lugar que se merece en la historia del arte, destacando sus innovaciones, méritos y carácter.

“Perugino: eterno renacimiento” se puede ver entre el 12 y el 14 de julio en salas de Cine Colombia de Barranquilla, Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Chía, Manizales y Medellín; con una función adicional el 15 de julio en Bogotá, Cali y Medellín.

Según los expertos en el arte, Perugino es protagonista absoluto de las dos últimas décadas del siglo XV, a través de obras maestras de su producción realizadas antes de 1504. Por eso, en 2023 la Galería Nacional de Umbría en Perugia, Italia, conmemoró su legado y su influencia en el arte renacentista con la exposición “El mejor maestro de Italia. Perugino nel suo tempo”.

La búsqueda sobre Perugino en Google arroja muchos resultados sobre esta muestra. En el sitio web de la Galería Nacional de Umbría se pueden ver algunas imágenes del montaje de la exhibición, aunque sus obras se pueden ver también en la galería digital Arts and Culture.

Volviendo al documental, “Perugino: eterno renacimiento” sigue la vida de Perugino hasta su muerte en 1523 durante una epidemia de peste en Fontignano. El espectador es testigo de su evolución artística, ya que destaca sus influencias clave, como la arquitectura de Piero della Francesca y su formación en el taller de Verrocchio en Florencia.

Los espectadores pueden ver y conocer en detalles las obras maestras de Perugino que lo posicionaron como un artista renombrado en Roma, Florencia y en toda Italia; y se enfatiza cómo la influencia de sus composiciones y las iconografías que estableció el artista a través de sus talleres crearon nuevos estándares y un lenguaje artístico que se extendió ampliamente.

Dirigido por Giovanni Piscaglia (el mismo de “Van Gogh: de los campos de trigo bajo cielos nublados”), “Perugino: eterno renacimiento” cuenta con la participación especial del actor italiano Marco Bocci como narrador y guía, así como la participación del historiador del arte Marco Pierini, la curadora Veruska Picchiarelli, el coreógrafo y bailarín Virgilio Sieni, la profesora de Historia de la Arquitectura Emanuela Ferretti y el director de la Galería Uffizi, Eike Schmidt.

El arte de Perugino se caracteriza por el equilibrio que logró entre el hombre y la naturaleza, el realismo y el idealismo.

Otro resultado principal que arroja Google sobre Perugino es “Virgen con el Niño y Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio” de Los Museos Vaticanos, cuya descripción indica que es un retablo encargado por los Decenviros de Perusa para la capilla del Palacio Público, fue realizado entre finales de 1495 y 1496.

El soporte digital de los Museos Vaticanos me gusta mucho porque permiten ver la obra con muy buena resolución y, además, cada pieza está acompañada con una descripción escrita. En este caso, dice que “Originariamente, la obra estaba compuesta de dos elementos: el cimacio (parte alta), con la representación de Cristo en el sepulcro (actualmente en la Galería Nacional de Umbria en Perusa), y la tabla vaticana. En esta última, en la parte central de una arquitectura de arcadas, la Virgen con el Niño en sus rodillas se halla sentada en un trono monumental, y al lado de éste se ubican los Santos Lorenzo, Ludovico de Tolosa, Herculano y Constancio, protectores de la ciudad.

El equilibrio de la composición, el evidente escenario de perspectivas, la armonía con las que se armonizan las figuras con el paisaje y la gracia de los personajes realizados con trazos de belleza ideal, son elementos que caracterizan toda la producción del Perugino, consagrando su gran fama ya reconocida por sus contemporáneos”.

Club de Arte e Historia de Cine Colombia

Con el fin de ofrecer una experiencia más completa y enriquecedora, Cine Colombia ofrece sesiones de introducción gratuitas -a través de Zoom- para cada uno de los documentales. Estos espacios didácticos permiten ampliar el contexto histórico de cada artista, identificar su legado, y traer al presente sus aportes, con mirada crítica y constructiva.

La charla sobre este documental, “Una introducción a Perugino”, se llevará a cabo este jueves 11 de julio a las 5:30 p.m. Regístrese para participar en la charla en este enlace.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

“Tengo miedo de que la locura vuelva. Tengo miedo de ser el juguete de una especie de monstruo interior sobre el que no tengo ningún control. Tengo miedo de que un repentino ataque de agresividad, que no es propia de mí, anuncie una crisis maníaca. Tengo miedo de su repercusión depresiva. Tengo miedo de los efectos secundarios de los medicamentos…”. Emmanuel Carrère, escritor francés (Del libro “Yoga”).

Uno de mis escritores favoritos se llama Emmanuel Carrère. Uno de mis comediantes favoritos se llama Óscar Suárez. Los dos no se conocen pero tienen algo en común: se llama trastorno afectivo bipolar, TAB, igual que el pintor Vincent van Gogh. Igual que 45 millones de personas, según estimaciones de la Organización Mundial de la Salud.

Con 20 años, Oscar Suárez (Santander, 1987) fue diagnosticado con el trastorno, antes llamado enfermedad maniaco depresiva. Es una condición mental con una inestabilidad química del cerebro que altera los estados de ánimo de la persona, pasando de la sensación de felicidad total (manía, que suele durar varios días),  a un estado emocional donde la vida pesa (depresión). Como si fueran dos personas dentro de una. Pero es la misma persona con sus emociones fuera de su control si no está bajo tratamiento médico. Pasan de la euforia (felicidad extrema) a una tristeza profunda. Nunca se sabe a cuál de las “dos personas” te vas a topar… o si pasarán días sin que sepas de ella. Está lidiando su propia batalla.

“Cuando no se controla, empieza uno a suponer cosas, a pensar vainas que no son, te entran los delirios de grandeza. Sientes que eres superior al resto de la humanidad y que tu cuerpo puede soportar lo que otros no soportarían. Crees que entiendes la palabra Divina y que tu conexión es directa con Dios. El amor se vuelve obsesivo. A mí me pasó así”.

Oscar se sentía sabio, profeta. Y cuando no tenía las respuestas, le venían la ansiedad o los ataques de pánico. Corrientazos en el cuerpo, falta de aire, la sensación de estar muriendo.

“Sin saberlo, viví en depresión toda mi infancia y adolescencia. No sabía lo que era. Todo el tiempo tenía ganas de llorar. La vida me parecía aburrida.  El contexto no ayudaba, mi papá falleció de 33 años en un accidente de tránsito cuando yo era niño, llegó la escasez…”.

Enfrentar la muerte de su padre Óscar Alberto fue complejo para aquel niño de 7 años. Además, se acabaron las comodidades y empezó una nueva vida en las montañas del sur de Bogotá. “Desde los nueve años crecí en Ciudad Bolívar. Mis amigos son de allá, el gusto por la música nació allá, el skateboarding lo aprendí allá, de allá fue mi primer amor…”.

El skateboarding, su otra pasión, le enseñó que la vida es caerse, levantarse y seguir. La patineta es su otro polo a tierra. “Yo tuve una fractura, y después de eso me recuperé y gané campeonatos”. 

Al principio fue difícil la relación con Myriam, su mamá (1961), también diagnosticada con TAB. “Ella estaba en depresión profunda cuando nací yo. Permaneció mucho tiempo sin hablarle a nadie”. En lugar de comunicación había peleas frecuentes entre ellos. “Empezamos a hablar desde la calma, me empezó a tratar como el adulto que ya era. Dejé de tener secretos con ella y de decirle mentiras. Hoy tenemos una buena relación, porque cada vez entiendo de dónde vengo: de una persona neurodivergente”.

El término neurodiversidad surgió en los años 90 para promover la aceptación de las personas con trastorno del espectro autista  y luego se extendió a otras condiciones mentales: TDAH, esquizofrenia y bipolaridad, por ejemplo.

Oscar lo define a su manera.  “Nuerodivergentes son todas las personas que han tenido algún proceso psiquiátrico; no somos cuerdos del todo, nos llaman los loquitos del parche”. (Risas).

Se hereda la predisposición a padecer el trastorno, no el trastorno en sí mismo. “En mi familia ocho personas hemos pasado por centros psiquiátricos. Algunos no han podido ser seres productivos. Si tú puedes vivir en sociedad, de ahí en adelante todo es ganancia”.

En los sótanos del infierno

“He tenido dos descensos al infierno, de más de un año cada uno. Todos los días trabajo duro para no caer en eso. Es muy doloroso. Es llorar, llorar, llorar, no comer, hablar todo el tiempo solamente del problema. Lloraba frente a desconocidos. Es un sentimiento muy autodestructivo. Entendí que era algo que estaba dentro de mí y que debía hacer algo”.

Quien haya visto la escena dramática de Anne Hathaway en el tercer episodio de la serie Modern Love (Prime Video), sabe a cuál infierno se refiere él. Un dolor que nos taladra el corazón como espectadores.

Sus depresiones, las de Óscar, están ligadas al apego emocional y las rupturas amorosas. “Cuando esa persona se va de mi lado, se repite el dolor del abandono. Crecí sintiéndome solo, separado de mis hermanos, siempre con miedo, porque mi mamá trabajaba todo el día”.

Ha tenido varias relaciones de parejas, algunas largas, de siete y cinco años. Nunca está conforme, incluso estando con la persona que él considera la correcta. “La persona bipolar tiene sus altibajos emocionales. Cuando estoy bien, la doy toda en la relación, pero cuando no…”.

En esos momentos encuentra una solución que empeora las cosas. “Yo lo llamo punto de fuga. Hay gente que lo llama infidelidad”. (Risas). Uno de los síntomas del TAB es la hipersexualidad.

Detrás de su confesión, hay una verdad dolorosa, de la cual habla sin prevenciones. “Yo ligo el fracaso de las relaciones con el abuso, porque también tenemos historia de abuso por si estás interesado”. (Risas)

Desde los 7 años, y hasta los 11, un familiar abusó de él. La verdad se supo cuando Óscar, de 29 años, sintió la necesidad de hablar en terapia con una psicóloga. Ella le confirmó que los tocamientos también son abuso.

Cuando más personas hablaron del tema, supieron que había un abusador en serie en el círculo familiar. “De eso las familias no hablan, porque da vergüenza. Le perdimos el rastro a esa persona”.

Cuando tiene la oportunidad, lo habla en público: “Cuiden mucho a los niños. Deben estar siempre bajo la supervisión de alguien confiable”.

Chiquiman, hermano de Jesucristo

Mientras caminaba cerca de la Escuela General Santander, al sur de Bogotá, a Óscar se le reveló una lucha entre el bien y el mal. “Vi en mi propia historia a una persona de bajos recursos que había sido maltratada y abusada, y me asumí como un mártir de la humanidad”.

Empezó a alimentar esa idea a través de lo que él llamaba “conversaciones con Dios”. 

“Yo era el hermano menor de Jesucristo, había venido al mundo, después de él, también con la misión de partir la historia en dos, consciente de lo que se me vendría encima”.

Se creyó descendiente directo del linaje de Dios, un profeta más. Comenzó asignándoles roles a las personas de su entorno para alimentar esa misión. “Como pasa en el Quijote de la Mancha con los molinos de viento, yo tuve un Judas, romanos a mi lado, una Virgen María… Tenía que hacer actos de justicia como hermano de Jesús”.

Y los hizo a su manera.  

“Una tarde descubrí que mi tío y mi primo, padre e hijo, no se miraban nunca a los ojos. Mantenían una relación más bien competitiva y de mucha frustración. Les pedí que se miraran a los ojos. Mi tío dijo: ´Este Osquítar es un angelito´. Sentí que había solucionado una relación que estaba rota”.

En otra ocasión se le acercó a una pareja de habitantes de la calle que discutían. “Les entregué un papel donde les decía que se bañaran e hicieran el amor. Mi mente asumió que yo los había reconciliado”.

Un día, doña Myriam veía televisión vestida de blanco. “Yo dije: ella es la Virgen María”. 

“Mi mamá estaba aterrada, ofuscada por mi comportamiento; discutimos, yo sentía que ella había sido poseída”.

En el barrio le decían Chiqui de cariño, pero cuando empezó a escuchar voces en su mente, Óscar se transformó en Chiquiman, el superhéroe que nos salvaría a todos. Un día Dios le habló a Chiquiman. Le dijo que debía salir desnudo a la calle como una forma de aceptación. Él se resistió y al final salió, sin camisa pero con pantalón.

—“Llegué al parque sin saber el mensaje que daría pero sabiendo que en algún momento me llegaría”.

Empezó a hablar de las apariencias y ofendió a un muchacho del barrio, “que no se aguantó y me metió un puño”. 

Eran las 8:30 de la noche. En ese momento llegaron los romanos vestidos de bata blanca, lo subieron a la ambulancia y lo inyectaron. Despertó en una institución psiquiátrica pasadas las 3:00 de la mañana. Estaba en una habitación con ocho camas y ocho actores. Al ver puertas con candados sintió pánico y deseos de salir corriendo. Cuando por fin se calmó, se recostó junto a otro paciente en busca de protección. Entendió que no era el personaje de un reality show, como pensó.

Su mente seguía divagando. Asumió que era el prisionero de los romanos de bata blanca. Planeó la manera de escapar. Intentó saltar la tapia. Los romanos lo encerraron en un cuarto para evitar un nuevo intento de fuga. Vino otra idea a su mente: se lanzaría por la ventana desde el segundo piso. Para algo era Chiquiman. “Creí que si saltaba, caería, daría botes y me levantaría como en las películas”. Un vidrio de seguridad frustró los planes del superhéroe.

Fue inyectado otra vez e inmovilizado en la  cama. Al despertar se encontró amarrado y con dos visitas que lo llenaron de alegría: un amigo y su novia en aquel 2007.

Se aferró al deporte, fútbol y baloncesto, porque “estar en movimiento me distraía y evitaba que llegaran los ataques”.

Sin embargo, a la semana planeó una nueva fuga, esta vez en complicidad con otro paciente que peleaba con seres imaginarios. “El muchacho me dijo que no tenía dónde llegar. Eso me hizo ver que a muchas personas las abandonan a su suerte en dichos lugares”.

Al primer descuido, Óscar se saltó los controles de seguridad; solo, huyó por la tapia hacía donde una tía y luego a su casa.

Nunca volvió a la clínica de reposo, pero aceptó los controles con el psiquiatra. Argumentó que no estaba loco, que lo suyo fue “una manifestación artística que se volvió problema”. El médico tampoco aclaró nada y se limitó a recetar. “Los únicos que saben si está bien o está mal son ustedes que conviven con él, le dijo a mi mamá, y le pidió llevar un control de mi comportamiento”. 

Óscar cree que en Colombia hay un desconocimiento de los trastornos mentales. “Es increíble que a personas neurodivergentes (algunas agresivas, otras depresivas, otras autodestructivas) las metan en una misma habitación como si fueran ganado. El trato de enfermeros y psiquiatras no siempre es cordial con el paciente.  Pero es un problema del sistema de salud. No puede ser que de una conversación de diez minutos concluyan que una persona es bipolar y lo siguiente sea medicarlo durante tres meses. Nunca sentí un acompañamiento. Lo ideal sería que alguien esté pendiente a diario. Falta personal y falta más investigación…”.

Desde el punto de vista técnico-científico existen trastornos mentales, no enfermedades mentales. Una enfermedad es cuando se conoce una causa o etiología concreta. Por ejemplo, el sarampión es una enfermedad porque se conoce el virus que lo produce. En cuanto a los trastornos mentales, son grupos de signos y síntomas, caso del TAB, de los cuales se tienen teorías pero se desconoce la causa exacta.

Aterrizaje en el budismo

Óscar encontró apoyo en la terapia clínica y al mismo tiempo empezó una búsqueda espiritual, hasta encontrar en el budismo, según dice, su tabla de salvación. “Yo era de esos católicos tibios que van a misa, se saben los mandamientos, pero no son tan cristianos en su comportamiento”.

Después probó durante dos años con una iglesia cristiana, pero tampoco quedó convencido.

“Empecé a dudar de muchas cosas que se dicen en la Biblia. Me parecían muy lindas la música, la congregación y la palabra de los pastores. Cuando llegaban las crisis, más me aferraba a la iglesia, pero entre más me aferraba más sufría”.

En una de esas ocasiones, el pastor habló sobre los 40 días que Jesús pasó en el desierto, solo y tentado por el demonio, “con el mensaje optimista de que si él pudo, cualquiera puede salir de una mala situación, si se llena de paciencia”.

Nunca volvió.

“Sentí más culpa que liberación… cuando vi que se metieron con las cuestiones políticas, dije no más”.

En los cuatro principios del budismo encontró lo que buscaba: la meditación. “La raíz del sufrimiento nace del deseo, el ego, el apego y los miedos.  La vida es una lucha constante entre el deseo y la tranquilidad”, dice.

El budismo le ha proporcionado un mejor control de sí mismo. “Eso se lo debo a la meditación”.

—“A la meditación, no a la medicación”, enfatiza.

“Las pastillas me quitaban todo pensamiento. Era como un ente que no sentía nada. Conozco gente con las secuelas de la medicación, en su corporalidad, su falta de dominio, porque la medicación es brutal. Se vuelve una adicción”.

Dejó la medicación la misma semana que empezó a tomarla.

“Yo no estoy diciendo que la droga psiquiátrica sea mala. Lo que digo es que se requiere un estudio completo de cada paciente, que se suministren las dosis adecuadas y se le haga seguimiento. Eso no ocurre en Colombia, debe ser muy frustrante ser psiquiatra en nuestro país”.  

Su otra ayuda es la escritura. Con la primera crisis maníaca, empezó a escribir a modo de terapia. Desde niño siempre quiso llevar un diario. “Los empezaba y los botaba cuando me decían que eso era cosa de niñas”. Pero siguió escribiendo y parte de ese diario está publicado en su cuenta de X.

Del diario de Óscar Suárez / 31 de octubre de 2007.

Aparte de los guiones de sus shows, escribe cuentos y quiere hacer una película. Está en un buen momento de su vida y de su carrera. Muchas de sus alucinaciones se hicieron realidad al convertirse en comediante. “Creo que tengo el poder de la palabra para hacer reír a la gente y ese es mi aporte a la sociedad. O sea, sigo siendo el mismo Chiquiman… (Risas). …porque Chiquiman era una persona que quería ser escuchada”.

En medio de sus crisis conoció el teatro, el clown y la magia. Descubrió su histrionismo para el humor y la imitación. Se disfrazaba y remedaba a los demás. Tenía gracia para imitar a Michael Jackson y a Pedro El Escamoso, hasta descubrir su capacidad para burlarse de sí mismo y sus tragedias personales. En el 2019 saltó al stand-up comedy con una rutina sobre “el optimismo y mi delicadeza, mi estilo femenino”, y en 2023, ante once mil personas, presentó su show sobre género, orientación sexual y nuevas masculinidades en el Movistar Arena, como telonero en un evento de Fox News.

Imágenes de la cuenta de Instagram de Óscar Suárez

La comedia es su punto de fuga para sanar dolores. “El artista es alguien que no tiene los pies en la tierra, pero luego te das cuenta que la risa te aterriza”. Recurre a terapias de risa para salir de sus crisis maníacas y depresivas. “La risa nos conecta y se convierte en un ritual. La conexión humana que se experimenta por medio de la risa es poderosa, con el mismo poder que sienten las personas cuando se congregan para orar y cantar alabanzas”.

Estar frente al público equivale a una inyección de energía, un analgésico potente. “Es muy difícil romperla en el escenario y estar deprimido”, asegura.

Su ídolo se llama Jaime Garzón. “Garzón es como nuestro Jesucristo”, afirma.

“Yo creo que me salvaron el arte en general y mi familia. Supieron actuar y no me recluyeron. Confiaron en mi palabra. Y el arte me dio la posibilidad de obtener ese punto de fuga por donde sale mi locura, en ese momento siento que tengo una vida productiva”.

¿Cómo está ese corazón ahora?, le pregunto al despedirnos. 

“Estoy en un duelo, pero llevándolo de una manera saludable. Hay tristeza pero es una tristeza normal. Trabajo, me alimento y duermo bien. He comprobado que sí se puede salir adelante. Entendí que si quería vivir, debo tener los pies en la tierra, enfrentar la vida, como cuando decíamos con mis amigos que queríamos salir del barro…”.

FIN

Frases de la película “Loco por ella” (Netflix)

·       “Lo difícil de tener una enfermedad mental es que la gente quiere que te comportes como si no la tuvieras” 

·       “Aquí nos enseñan a lidiar con nosotros mismos. Pero tenemos que ser capaces de mostrarnos tal y como somos al resto del mundo. La próxima vez que nos den el alta, tenemos que estar preparados para lo que vendrá”.

·       “La próxima vez que vea a alguien triste, no voy a pedirle que sonría (…) Si de verdad quiero ayudarle, lo que voy a hacer es hacerle saber que aunque no sea capaz de entender lo que le pasa, estaré ahí si me necesita”. 

Frases de la serie Modern Love: (Prime Video) “Acéptame como soy, quien quiera que sea”

·       “De seguro que hay alguien allí afuera que me aceptará tal y como soy. Un ser humano que acepte a las dos personas que hay en mí. No puedes mostrar solo una parte de ti misma”.

·       “Tengo que limpiar toda esta bipolaridad”, refiriéndose al desorden en su casa.

Una noticia me pasma: alguien cercano se quitó la vida. Justo yo preparaba un ensayo sobre los posibles riesgos que enfrenta la salud mental de las generaciones más jóvenes, sobre todo después de la pandemia y en un año tan propicio a las crisis como el 2023.

No pude pensar en algo distinto. Ray Bradbury decía que escribir es una forma de supervivencia. A lo mejor es eso lo que palpita en las diferentes descripciones de las caras del suicidio que me atrevo a enfrentar: sentir que la muerte me respiraba en la nuca me hizo querer vivir de todas las formas posible.    

Dudé mucho entre ofrecer esta serie o guardarme mis reflexiones. El suicidio, dicen, tiene poderes contagiosos. Al final lo hago considerando que explorar nuestras sombras puede ser un manera contra su tortura. Cada vez que encaramos a nuestros fantasmas se amansa el frío de sus apariciones.

Ni una sola de estas partes puede, por ninguna razón, considerarse una apología o un rechazo al suicidio. No soy quien para juzgar personas de dolores o convicciones tan profundas que optan para acortar la distancia entre sus pálpitos y la nada. Tal vez a alguien que tenga mi misma posición pueda servirle también para explorar abismos.

A lo mejor este texto sirve para comprender, o al menos conocer, más a fondo las turbaciones que pueden llegar a nublar a nuestros jóvenes, que en todo caso son los que más necesitan reflexión y peor les sientan los dogmas. A lo mejor hay cómo transformar para ellos el horror del suicidio en algo que le anteceda y que haga la vida más valiosa para su falta de esperanzas. Si las siguientes caras del suicidio sirven para ello habrá cómo darle gracias a estos insomnios.                   

Justo cuando recibió la noticia repasaba algunos estudios que invitan a reconsiderar la presunción (muy justificable) de que la epidemia había aumentado las tasas de suicidio. Incluso un estudio de Benjamin Hansen de la Universidad de Oregon, Joseph Sabia de la Universidad Estatal de San Diego y Jessamyn Schaller de Claremont McKenna College estableció que la tasa de suicidios entre personas de 12 a 18 años disminuyó durante el cierre de los colegios en Estados Unidos. La escolaridad virtual protegió a los niños y a los jóvenes más vulnerables del bullying, de la presión académica y de los agrestes entornos institucionales. Y esa vida virtual, paradójicamente, les afirmó su esperanza en esta dimensión.

El Centro para el Control de Enfermedades de EEUU (Centres for Disease Control o CDC) estableció que un estudiante que ha sido matoneado o ha sufrido de bullying en algún punto de su vida escolar tiene 320% más de posibilidad de suicidarse que uno que ha pasado esta etapa de su vida sin mayores traumas sociales. El regreso a la modalidad presencial disparó el índice de suicidios: un 12% y un 18%, con respecto a los casos anteriores al COVID. Si algo tiene de bueno la posibilidad de armar vidas en pantallas y universos ajenos al trato presencial es que la salvación de muchas tensiones puede estar en un botón de apagado, en un corte de energía que está en sus manos.

Durante la pandemia el suicidio dejó de ser la segunda causa de mortandad de personas en edad escolar secundaria.

Por otra parte, no pocos estudios muestran un dramático incremento de muertes por uso excesivo de drogas (30%) y alcohol (27%), sobre todo desde los primeros meses de la pandemia. Abusar de sustancias también es programarse una cita con la muerte. Que lo digan, entre otros muchísimos escritores, los poetas Georg Trakl, Dylan Thomas o Malcolm Lowry (que “murió tocando el ukelele“)…

Los colegios, como siempre, son una fuente de enseñanza para los adultos. Es hora de dejar de creer que el abuso por parte de pares con un status de más jerarquía en nuestros ambientes son males exclusivos de las edades escolares o de las universidades. Sin importar la fecha de nacimiento se vienen años de represión, censura y control. Sea por las medidas contra un nuevo pico del COVID o por la imposición de gobiernos autoritarios o plutocracias que se vienen instalando en todo el planeta. Parece solo una cuestión de para que la invasión a Ucranía desate una guerra de grandes proporciones.  La ansiedad, la incertidumbre parecen sumarse al colapso de los valores que la Democracia y los Derechos Humanos medio habían instalado como pilares para el siglo XX.

Falta tiempo para saber qué consecuencias colectivas concretas dejarán los hitos y los sucesos que nos están marcando como individuos de nuestra época. Pero contamos con herramientas que nos permiten anticipar algunas: la velocidad de la información, la cantidad de estudios que ilustran casos y tendencias o las crecientes manifestaciones artísticas que exhibieron los temas-tabú (el suicidio, los abusos intrafamiliares, los tormentos íntimos, etc.). Ya podemos percibir la dimensión del eco que aún nos aturde.

Algo sabemos con certeza: hace años empezó una era que nos exige acciones constantes, compromisos explícitos y sutiles que nos son ineludibles. Vivimos en la era de un presente puro y simplón, en el scroll down perpetuo y monótono que distrae de los oficios y disipa las preocupaciones y las oportunidades. Y eso no resulta cómodo para todos.

La muerte de alguien cercano catapulta nuestro pensamiento a lo infinito, al incierto paso por la vida que en realidad compartimos todos. Ya lo han explorado otros que, más allá de soluciones, nos dan compañía y luces para que el miedo no anule la oportunidad de aprender de lo indeseable. Sin endiosarlo ni dejándonos cegar por su terrible llama, el suicidio puede ser, como para muchos, la cuestión filosófica definitiva y el arte una manera de abordarla.

No ceder ante la tentación de romantizar una decisión dolorosa e incurable, pero tampoco volvernos verdugo de quien la toma, requiere de serenidad y disposición para superar las cátedras y las ideologías que usamos para sentirnos cómodos. El arte, esa voz que con frecuencia irrumpe de manera estridente y provocadora, sirve para explorar algunas versiones del mismo laberinto al que somos llamados todos o en el transitaremos todos con más o menos complacencia.

PARTE UNO

El cuadro “El suicidio de Dorothy Hale” (1938) de Frida Kahlo narra los tres últimos momentos de la vida de una fabulosa socialité que se dejó caer desde el piso 36 de un edificio de Nueva York. Una leyenda, casi a la manera de una carta de lotería mexicana, es la base de todo el cuadro:

“En la ciudad de Nueva York , el 21 de octubre de 1938, a las seis de la mañana, se suicidó la señora Dorothy Hale tirándose desde una ventana muy alta del edificio Hampshire House. En su recuerdo (borradas algunas palabras ) ese retablo, pintándolo Frida Kahlo”.

La obra es punzante, dolorosa, incómoda. Seguro hay muchos que no puedan evitar los escalofriantes recuerdos del 9/11 , cuando muchas personas atrapadas entre las llamas, y ante el inminente colapso de las Torres Gemelas, optaron por saltar a la amplia lista de los mártires que no tenían por qué serlo.

Un cielo, quizás nacido en un Magritte, es surcado por lo que parecen nubes algodonadas: sus sombras y vuelos despegan de lo que puede ser un broche de rosas amarillas anclado sobre el cuerpo de la muerta ensangrentada. Sus ojos ya no pueden parpadear fuera de los del espectador. Aún es hermosa y delicada.

Más arriba, la misma Dorothy cae de cabeza. Viste de blanco, como soñando desde una pijama cosida para volar. Las nubes son plumas de su faceta de Ícaro en picada. Suavizan el vértigo.

En el tercio superior del cuadro, entre el espejismo de la punta del Hampshire House, una sombra, anónima por la distancia, salta. El cuadro fija los segundos que pasan desde la decisión de acabar con su vida hasta el momento en el que el espectador se enfrenta a la incómoda inmovilidad de su mirada. Es una bitácora del vértigo aniquilador que no termina en la pintura.

Quien mira sufre una hipnosis paradójica: horror y belleza, vuelo y colapso, alguien eligió una muerte anticipada, pero se volvió inmortal en una pintura. Logra vivir en colores, desde el otro lado del tormento. Una mujer nos habla con su cuerpo, a través de los trazos de otra, sobre los tiempos y el universo inclemente de quien salta al vacío.

Antonin Artaud aparece pronto ante quien sigue los senderos en los que la pintura y la literatura se trenzan. Su premiado ensayo “Van Gogh, el suicidado por la sociedad” de 1947 señala cómo el holandés logró impactar la historia del arte por “deducir el mito de las cosas más pedestres de la vida”. Por su parte, los psiquiatras (para Artaud nada menos que “erotómanos”, “pedazos de cochinos inmundos” o “sanioso y purulento cancerbero”) son los antihéroes más vergonzosos, los fieles representantes “de una realidad hostil, de la bajeza, de la mentira, de la hipocresía, de la debilidad del mundo”. Solo pueden contrarrestar el poder del arte aislando la sensibilidad y la genialidad o quemando cerebros más poderosos con electrochoques y medicamentos.

(Para sazonar este cuestionamiento: el psiquiatra que trató a Van Gogh al final de su vida resultó ser, coincidencialmente, uno de sus coleccionistas más apasionados (y un artista menos celebrado que se apodaba Paul Van Ryssel). El Dr. Paul Ferdinand Gachet, que lo “trató” los últimos meses de vida, fue criticado por el propio Van Gogh ante su hermano, pero resultó ser el dueño de por lo menos siete pinturas suyas y el agente de muchas otras. Luego esa valiosa colección pasó a manos de sus hijos Marguerite y Paul-Louis, quienes en 1952 vendieron por una cifra astronómica la colección al Estado francés. En esa colección varios cuadros resultaron burdas falsificaciones (o, al menos, muy malas copias) del maestro holandés, de Gaugin y de otros impresionistas).

El mismo Artaud pasó más de la mitad de su vida en sanatorios, pero en una etapa más evolucionada de la psiquiatría y de los medicamentos. Aún así declaró que una persona creativa usualmente es “al que la sociedad se niega a escuchar, y al que quiere impedir que exprese determinadas verdades insoportables”. Tal vez este aislamiento e incomprensión general pueda llevar a los artistas a tener una inclinación más clara al suicidio.

De acuerdo a un estudio de 1987 de la Doctora Nancy Andreasen de la facultad de psiquiatría de la Universidad de Iowa los cerebros creativos (es decir, un 25% de los humanos) son más propensos a tener trastornos bipolares, depresiones devastadoras, ataques de esquizofrenia o de pánico y otro tipo de anomalías que pueden llevar a la autodestrucción. Dentro de este grupo, a los escritores se le identifica un 30% de riesgo mayor que a los músicos o a los pintores.

Quizás todos los escritores, como escribía la primera Pulitzer Silvia Plath, tengan corazón capaces de crear relatos y convertir su dolor en muestras de belleza. Quizás con eso compensan su desequilibrio: “dos corrientes eléctricas: alegre, positiva y desesperantemente negativa; lo que esté corriendo en este momento domina mi vida, la inunda”. Pero esa capacidad de manejar descargas excesivas, como cualquier aptitud de una persona, se acaba. Así sucedió para ella a los 30 años, el 8 de febrero de 1963 y terminó suicidándose, a pesar de los métodos que inventaron para tratarla. O gracias a ellos.

 (Continúa)

El agua juega un papel fundamental en las sinfonías de Handel, Beethoven, Schubert, y es motivo en la melodía “La mer”, de Debussy, por citar sólo algunos clásicos; y aun en la música contemporánea el agua actúa como referente y es metáfora continua dentro de las letras de las canciones populares.

En cine recordamos al agua protagonizando películas como “Cantando bajo la lluvia”, “Azul”, “Mundo Marino”, “Agua”, “Titanic”, “Tormenta Perfecta”, entre otras.

En la pintura se destaca la obra impresionista de Monet, “Lirios de agua”, “La tormenta en el Mar de Galilea” de Rembrandt, “El nacimiento de Venus” de Botticelli y “Cerca del mar” de Gauguin, por citar sólo algunos retratos del agua.

La fuente de Trevi, en Roma, construida por el arquitecto Nicola Salvi y el escultor Bracci, es apenas un ejemplar que combina otros dos artes.

Varios poemas de Poe se sumergen en la placidez o en la turbulencia de las aguas de los lagos, y nadie mejor que García Márquez para describir los distintos trayectos fluviales del Río Magdalena. “El viejo y el mar” de Hemingway o “La laguna” de Conrad, son otras muestras artísticas inspiradas en las aguas.

Sin interesar propiamente el estilo, el poder creador de las aguas se transforma en arte, o es una imitación del mismo, como decíamos, consagrándose como fuente de inspiración que ha servido como punto de partida de varias obras.

Que el agua siga inspirando nuestras labores creativas; que el agua siga creando a través de nosotros.

Water and Arts

Oscar Wilde said that nature imitated art, which is a way to confer artistic attributes to multiple natural expressions. There have always been many artists who have been seduced by the muses of water, giving to the sea or rivers the title role in their compositions.

Water plays a key role in Handel’s, Beethoven’s and Schubert’s symphonies, and is the source of the melody “La mer” by Debussy, to name a few classics. And even in contemporary music, water acts as a reference and is a continuous metaphor within the lyrics of popular songs.

We remember water in movies starring films like “Singing in the Rain”, “Blue”, “Sea World”, “Water”, “Titanic” or “The Perfect Storm”, among others.

Trevi fountain in Rome, built by architect Nicola Salvi and sculptor Bracci, is just one example that combines two arts.

Several poems by Poe are immersed in the calm or turbulent waters of lakes and no one is better than García Márquez to describe the different river routes of the Magdalena River. “The Old Man and the Sea” by Hemingway or “Lagoon” by Conrad, are other art expressions inspired by the waters.

Without a specific interest in the style, the creative power of water is transformed into art, or an imitation thereof, as mentioned, devoting a source of inspiration that has served as the starting point of several works.

May water continue to inspire our creative work; may water continue to create through us.

Fuente: fluidos.eia.edu.co / expoknews.com

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Lee Soo Man, dueño y autor de SM Entertainment, empresa ubicada en uno de los barrios más costosos de Seúl, vendió en el último año 59 millones de discos de los grupos musicales creados en su empresa. Lee Soo Man recorre con frecuencia su país en busca de estrellas. La empresa abre audiciones, escoge, capacita y contrata sus jóvenes artistas para los siguientes quince años. La compañía se queda con la mayor parte del beneficio económico.

El consumidor de música puede comprar hasta cuatro tipos de discos compactos del mismo artista: “Uno para oírlo, otro que permanece sellado, otro que está autografiado y una versión en caja de lujo con diamantes de plástico y escarcha”1. Es un producto accesible y el comprador lo adquiere para entretenerse, pues no da estatus. Entre los consumidores de arte visual están los que compran para decorar, los que compran por el placer de tener algo que les gusta y los que compran para aumentar su estatus. Estos últimos necesitan la exclusividad del producto. No se debe a que las personalidades de los compradores sean distintas, es solo que la función del producto es diferente. Los precios encumbrados del arte no podrían explicarse de otra manera: los millonarios necesitan poseer artículos que nadie más pueda tener, artículos que demuestren cuán ricos son. Por esto, las artes plásticas tienen la función de señalar que el comprador es adinerado, culto y de buen gusto.

El comprador en general desea lo que la mayoría desea. Parece una contradicción con lo dicho en el párrafo anterior, pero no lo es. Si una obra de Antoni Tàpies se vendió en una subasta por un precio muy alto, un número creciente de compradores de obras caras querrán tener un Tàpies, que sea único, claro está. Si muchas personas empiezan a comprar Boteros, más personas querrán Boteros; el gusto de la mayoría da seguridad al individuo.

Los grandes vendedores de arte saben que objeto de “marca” y publicidad deben ir juntos. Para hacer que una obra valga 12 millones de dólares o 100 o 250 millones, se necesita convencer al comprador de muchas cosas, principalmente de que la obra es única, o en su defecto, de que existen muy pocas obras iguales -el caso de las series-; también, de que no solo vale ese precio sino que valdrá mucho más, lo cual significa que es una buena inversión y que se le hará publicidad a la obra. Así, él podrá estar recordando que es poseedor de una obra maestra, y otros millonarios se enterarán. Claro, todo esto debe empezar con la creencia de que se compra una obra maestra (lo cual quiere decir: producto de la excelencia humana, con certificado de autenticidad, poseedora de atributos intrínsecos que superarán el juicio del tiempo). La publicidad convierte al artista en “marca”; en vez de decir, es un Apple, se dice es un Warhol, un Hirst, un Botero. En esa maquinaria invisible que convierte al artista en una especie de marca encabezan la fila los que venden y promueven las piezas de arte -más conocidos por el anglicismo dealers-; después vienen las galerías de prestigio o de marca, las casas de subastas de marca y un poco los críticos y compradores o coleccionistas.

Un ejemplo de lo que hace el artista como marca nos lo cuenta Don Thompson en su libro The 12 Millions Stuffed Shark: A. A. Gill, crítico de restaurantes y escritor del London Sunday Times, poseía un retrato de Joseph Stalin realizado por un pintor desconocido. Había pagado 200 libras por este, y en febrero del 2007 se lo ofreció sin éxito a la casa de subastas Christie’s. Entonces llamó a Damien Hirst y le pidió que pintara de rojo la nariz del retrato. Este así lo hizo y además puso su firma debajo de la nariz. En seguida, Gill volvió a ofrecérsela a la misma casa de subasta. En Christie’s la recibieron a un precio base de 8.000 libras, para rematarla en ¡140.000 libras!

Al igual que la SM Entertainment, algunos artistas plásticos han convertido su producción en empresa: Damien Hirst, en Londres, Jeff Koons, en Los Ángeles y Murakami, en Japón. Estos tres hombres contratan otros artistas para diseñar, combinar y producir las pinturas, esculturas y objetos. Ellos dirigen la empresa, firman las obras y definen aspectos finales del producto. Los precios corresponden a la “firma”, a la importancia de estos como artistas famosos, de “marca”.

Circulan por la Internet los nombres de barrios en China en los que se aglomeran  copiadores profesionales de obras de arte. Los turistas encargan copias en óleo de la Mona Lisa, de Leonardo, de Los girasoles, de Van Gogh, etcétera. Tener una compañía en el arte plástico equivalente a la SM Entertainment es algo viable; solo se necesita una buena suma de dinero para empezar y un buen gerente. Se empezaría por buscar estudiantes de arte en las universidades, que dispusieran de tiempo para trabajar en la empresa. En esta no solo se trabajaría, también se aprenderían técnicas de pintura, grabado, fundición, tallado en madera y piedra, bajo la dirección de expertos. Investigadores de mercado harían encuestas para saber qué es lo que la gente desea y compra. Otros grupos de personas de la misma área estudiarían las tendencias de la moda, diseñarían esculturas, pinturas, espacios, que luego se fabricarían. Se harían ensayos de color, terminados, texturas, materiales y variaciones de las obras con el fin de sacar objetos “únicos” y series, pequeñas en número. La compañía sería dueña de las galerías, en las cuales se exhibirían los productos; contarían con sus propios dealers, críticos de arte y revistas. El objetivo principal es que la compañía tuviera muy alto estatus y por ende sus hijos o productos también. La compañía no solo cubriría las necesidades del arte decorativo para individuos y corporaciones; también diseñaría eventos, bodas, ceremoniales de defunción, de nacimiento, inauguraciones de juegos olímpicos, de otros tipos, posesiones presidenciales, en fin, todo lo que a los humanos nos gusta y queremos destacar.

¿Cuál es el pecado que hay en esta idea? A los humanos, tan gregarios y jerárquicos, nos gustan los ídolos, el nombre del artista, el sujeto “genio”, único, que se lleve los méritos, el Leonardo Da Vinci que cargue con el peso de la fama. Sin embargo, se ha visto que la gente es capaz de pagar altos precios por objetos de “marca”, aunque el objeto comprado no sea único. Si las compañías de arte compitieran entre sí, como lo hacen los artistas, el mundo del arte daría un giro grande. Al artista individual le quedaría más difícil sobre salir solo, proponer algo interesante, pues competiría con grupos pensantes de alto alcance. Las preguntas surgen: ¿qué se juzgaría, qué podría evaluarse en ese nuevo contexto del arte?

Lo que ha ocurrido con el ajedrez podría ocurrir con el arte: ha cambiado su sentido y las reglas después de haberse desarrollado un programa de computador que juega mejor que cualquier humano. Si son empresas las que producen arte, este se desmitificaría. Apelemos a las debilidades humanas para luego vencerlas. Hemos visto en la historia de los siglos 20 y 21 que presentando creaciones, de cierta manera y en ciertas circunstancias, bajo el aval de los críticos, casi todo, incluso la mierda humana -véase a Manzoni, Mierda enlatada– puede ser arte. La inquietud de por cuánto tiempo será no tiene aún respuesta; sin embargo, las empresas que aquí se proponen revelarían datos interesantes sobre los alcances y funciones del arte.

Por: Berta Lucía Estrada Estrada

(Vista realizada al Museo Grand Palais, París, el sábado 22 de mayo 2010).

La primera vez que escuché el nombre de William Turner (1775-1851), fue en el curso de Historia del Arte que cursé en la Universidad Javeriana por espacio de 8 semestres; y aunque había elegido la literatura como formación profesional, el arte tenía un lugar muy importante en el currículum. Tuve una profesora excelente que supo sembrar en lo más profundo de mi ser un intenso amor por el arte, siempre le estaré agradecida.

Turner me fue presentado, junto con John Constable (1776-1837), como uno de los precursores del movimiento que partiría la historia del arte en dos: El Impresionismo. Así ellos no hubieran vivido para darse cuenta hasta que punto su pincelada, su paleta o la concepción de sus temas, habían dado paso a una verdadera revolución artística. Y es que los grandes pintores y escultores son aquellos que se arriesgan, que osan hacer algo diferente. La verdad sea dicha no me gustan los artistas que se repiten hasta la saciedad, como un Botero; en otras palabras no me gusta cuando un artista encuentra la gallina de los huevos de oro y la explota hasta el infinito. No en vano Pablo Picasso (1881-1973) solía decir que cada vez que la obra de una de sus épocas pictóricas comenzaba a venderse fácilmente, inmediatamente cambiaba de estilo; nunca se repitió, siempre buscó la innovación, sentía horror de copiarse a sí mismo, pero no de copiar a los clásicos. William Turner fue uno de los pioneros en comprender este postulado, mucho antes que Picasso naciera. Otra de las frases de Picasso era: “Un artista copia, un gran artista roba”. Turner no copiaba las ideas de los otros, las robaba y les daba su toque personal, que no era sino el de un genio de la pintura; ya que sabía admirar la obra de su tiempo y se servía de ella cuando lo consideraba necesario.
“Turner y sus pintores” es el nombre de la exposición que tuvo lugar en el Museo Grand Palais de París, de febrero a mayo de 2010. Una exposición que fue realizada en asociación con la Galería Tate Britain de Londres y el Museo El Prado de Madrid. Esta exposición no sólo acogió la pintura de varios museos, sino que se expuso de una forma bastante original y pedagógica, ya que los lienzos de Turner fueron expuestos al lado de las pinturas y de los autores que tuvieron una gran influencia en su desarrollo pictórico, léase artistas que lo habían precedido como algunos de sus contemporáneos. Es el caso de una de sus obras cumbres, “Helvoetsluys” (ver recuadro), que compartía la misma sala de “La inauguración del Puente de Waterloo” de John Constable.

Estas dos obras habían sido expuestas por primera vez en la Royal Academy en el año de 1832, una al lado de la otra. Con respecto a estos dos lienzos existe una anécdota bastante elocuente sobre la personalidad de Turner. Cada vez que había una exposición se trasladaba con su lienzo y paleta al museo donde iba a realizarse la muestra pictórica y allí trabajaba hasta el último momento, sólo dejaba de trabajar el día de la inauguración. Esto le daba la posibilidad de estudiar ampliamente las obras que iban a exponerse al lado de la suya y le permitía hacer algunos cambios con el objetivo final de opacar el trabajo de sus colegas y resaltar el suyo. En el caso de la marina señalada, Turner comprendió que el trabajo desarrollado por Constable aventajaba el suyo, gracias al brillante dominio de la representación atmosférica; en este caso preciso el cielo pluvioso de Londres, tema que Constable manejaba a la perfección. Además había utilizado el color rojo para resaltar algunos aspectos de la obra, entre ellos dos de los barcos allí representados, lo que confería al cuadro un aspecto festivo, necesario para conmemorar la gran derrota de las tropas francesas y la consecuente caída de Napoleón. El rojo, en medio de una gama de tonos grises, daba a su obra un destello inusitado. Así que después de observar el lienzo detenidamente, Turner decidió dar un toque final a su marina, que resultaría a la postre una excelente decisión y que haría de ella una verdadera obra maestra; simplemente pintó sobre las olas una especie de mancha bermellón, con el resultado que su obra se transformó y ganó fuerza, sobrepasando con creces la marina de Constable. Esta anécdota muestra a qué punto Turner sabía mirar y apreciar la obra de sus contemporáneos; aspecto que no siempre ha sido la característica de los artistas, enfrentados generalmente en pequeñas rencillas y celos profesionales.

Esta costumbre de trabajar hasta el último momento en el lugar preciso de la exposición, hacía que los pintores temieran que sus obras fuesen expuestas en la misma sala que las del Maestro. Solían decir que colgar uno de sus cuadros al lado de un Turner era como colgarlo al lado de una ventana, ya que era el Turner el que se llevaba todas las miradas, haciendo invisibles todas las demás. Fue exactamente lo que pasó con la marina ya señalada de Constable. Y es que Turner fue un verdadero maestro de la representación pictórica del mar, lo que lo llevó a hacer circular una leyenda en la que aseguraba que estando en un barco había sobrevivido a una tempestad marina porque se había agarrado fuertemente de un mástil para no caer al mar enfurecido. Turner fue un viajero incansable y un gran admirador del Museo del Louvre que había abierto sus puertas al público en 1793. Allí conoció la obra de Claude Lorrain, de Nicolás Poussin y de Antoine Watteau. En Holanda conoció la obra de Rembrandt y en Italia, la de Raphael, Tiziano y Canaletto, entre otros.

Turner es el pintor de lo etéreo, de lo inaprensible. Gracias a su gran capacidad de observación, a su paciencia y a su disciplina, ha sido considerado como el pintor del agua, del fuego, del cielo. Logró palpar lo impalpable y transmitirlo en un lenguaje poético. Esto permite que la sensibilidad del artista sea plenamente percibida por el espectador, pero también por los pintores que lo sucedieron. Es el caso del cuadro “El incendio del Parlamento” (1834-1835), tema que retomaría años más tarde Claude Monet (1840-1926).

O bien, el color amarillo imperante en su óleo “El Temerario remolcado a dique seco” (1839), indudablemente tuvo una gran influencia en Vincent Van Gogh (1853-1890). Su gusto por la fugacidad, superficies borrosas, difuminados y colores intensos, serían tomados por los impresionistas, así como su estudio de la luz natural. Ha sido también considerado como precursor del abstraccionismo, para lo cual citaría su óleo “Paisaje de río con bahía al fondo” (1835).

En 1804 abrió una galería de arte donde exponía su propia obra y en 1822 la adecuó con un sofisticado sistema de iluminación cenital y cubrió sus paredes con pintura roja; transformando así su galería en un verdadero museo dedicado a su propia obra, un gesto extraordinario para su época, que demuestra hasta qué punto estaba convencido de su genialidad.

En el momento de su muerte había legado su producción artística a la nación inglesa: 19.000 dibujos y más de 200 lienzos. En su testamento señaló que una de sus marinas fuese expuesta siempre al lado de una marina de Le Lorrain. Su herencia fue entonces distribuida entre la National Gallery y la Tate Britain. Sus restos reposan en la Catedral de San Paul, no lejos de Lord Nelson y de otros personajes importantes de la historia británica. William Turner preside para siempre el lugar más importante en el panteón de la pintura inglesa, siendo reconocido como el más grande pintor inglés de todos los tiempos.

Bibliografía:
CLAY, Jean. L’Impressionisme. Hachette. Paris, 1971. (Préface de René Huyghe, de l’Académie Française, Professeur au Collège de France).
FAROULT, Guillaume. Turner et ses peintres. Album de l’exposition. Éditions de la réunion des musées nationaux. Paris, 2010.
HILLYER et Huey. Petite histoire de l’art et des artistas. Fernand Nathan. París.