Poco a poco, la madre se va volviendo borrosa y al final sólo el bebé brilla en medio de su madre oscura.

Cuando vi la serie pensé que la madre quedaba anulada; pero una espectadora que estaba junto a mi se preguntó: “¿cómo se ilumina la madre por el otro lado?”.

Quienes hemos sido mamás, creo, fácilmente nos identificamos con esta obra que reflexiona sobre la maternidad no idealizada, aquella que aún no se atreven a narrar en revistas y medios de comunicación.

Yo tuve a mi hija muy joven, a los 19 años, cuando no sabía quién era o qué quería de la vida; así que desde hace 25 años la he visto crecer a ella y a mí misma.

Lo que no tenía claro es que ese proceso lo viven muchas mujeres de diferentes edades, tal vez porque se piensa que cuando se tiene un hijo se deja a un lado la condición de mujer para volverse mamá.

Los primeros años de mi maternidad no fueron fáciles, pero veo que las de mis amigas trabajadoras y ejecutivas tampoco lo son.

Y eso mismo le pasó a Yuli Cadavid, quien en “Arrullo” encontró su lenguaje para reflexionar sobre lo que significa ser madre, mujer y artista.

La serie de grabados se renovó este 2024 con otro lenguaje, la escritura, porque la artista se unió con la escritora Luz María Arango y lanzaron “Arrullo”, un libro en el que cada uno de los grabados está acompañado de un poema.

“Ser mujer implica asumir, entender y ser consciente de que tenemos un espacio ahuecado y carnoso en forma de triángulo llamado útero, que posee la facultad de ser habitado por una nueva vida. Un aspecto que guarda y protege los latidos de un bebé que nacerá con la memoria grabada de generaciones anteriores y tal vez eternas”, se lee al comienzo del libro.

En este libro lanzado por Ocre Galería, ambas reflexionan desde su posición personal sobre lo que significó para ellas el ser madres en ciudades y contextos muy diferentes.

“En el grabado he encontrado la memoria y la huella de las mujeres que me antecedieron y que hicieron que sea lo que soy hoy. Yuli está convencida que a través del grabado y de su memoria ancestral es posible reconstruir creencias que se consideran dogmas y que han estado guardadas bajo llave de generación en generación”, escribe Yuli Cadavid.

Por su parte, la escritora Luz María Arango comenta que “transformar ideas y sueños en arte y palabras significa no detenerse ante las preguntas. Es sumergirse en rincones oscuros para escudriñarlos, sentirlos y transformarlos hasta sacarles brillo”.

No detenerse en las preguntas es algo que me gusta y que hace poco conversé con mi amiga Carol. Ella y yo compartimos la necesidad de entender todo para poder vivir, pero con el paso de los años hemos entendido que a veces simplemente hay que vivir. Luego, en retrospectiva, entenderemos.

La maternidad es linda, pero no es fácil, y aún así tenemos que transitarla.

¿Qué hago si no sé qué hacer?
¿Por qué lloras?
Quiero entender tus llantos o,
¡háblame!

Este es uno de los 30 arrullos del libro.

Con el tiempo, algunas respuestas se asoman.

Lo importante, para mí, es no olvidar el yo singular. Es necesario establecer el diálogo entre el ser mujer y el ser mamá, así a veces la línea sea tan delgada que no se note.

Arrullo sueño, arrullo pausa, arrullo silencio, arrullo cambio,
arrullo abrazo, arrullo amor
arrullo duda, arrullo llanto
arrullo mamá, arrullo mujer
Arrullo yo.
¿Dónde estamos?
Esa es la pregunta.

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

Me parece curioso y hasta descabellado que, a pesar de vivir en un país de eternos conflictos, ese sonido no esté grabado en mi cabeza.

Tampoco me había cuestionado sobre el suelo, su memoria y todo lo que esconde en sus entrañas, todos los secretos de la humanidad.

Sólo me di cuenta de estos vacíos cuando visité la instalación “Desminar” de Tania Candiani en Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria y me dijeron que lo que se escucha en el ambiente responde a la información que un artefacto llamado ‘desminador’ recopila del suelo.

¿Cómo es que nunca me interesó lo que tiene por decir el piso?

La verdad es que, aparte de escuchar las hojas secas, el barro o los charcos, nunca me pregunté por los sonidos del suelo.

Pero dicen que el arte tiene el poder o la facultad de cambiar vidas o puntos de vista, y eso fue lo que me pasó con “Desminar” porque la artista y la curadora Gabriela Rangel proponen un “análisis topográfico” del suelo de la Plaza de Las Tres Culturas (Ciudad de México) y del suelo de Fragmentos (Bogotá).

La Plaza de Las Tres Culturas está ubicada en el Centro Histórico de Ciudad de México y allí, el 2 de octubre de 1968, ocurrió la matanza del movimiento estudiantil de Tlatelolco.

Por su parte, Fragmentos es un espacio cultural ubicado en el centro de Bogotá conocido como “contra monumento” porque lo importante es el piso, que fue elaborado con las armas fundidas que pertenecieron a las Farc y que fueron martilladas por mujeres víctimas de violencia sexual durante el conflicto.

Es decir, “Desminar” analiza la memoria de la Plaza de las Tres Culturas y de Fragmentos y propone un diálogo poético entre los hechos sucedidos en México y en Colombia.

Para lograrlo, traducen a imagen y sonido los datos o la “memoria de la violencia” recopilados por el ‘desminador’.

“Esta es una co-curaduría. Yo trabajé con la artista en un diálogo sobre la historia de Fragmentos, sobre la historia general del conflicto armado y la violencia; es una especie de metafísica de la violencia. Nosotras partimos de esos principios para armar el discurso, pero en realidad Tania Candiani es una persona que trabaja el uso, vamos a decir, crítico y poético de la tecnología y por eso me interesó mucho trabajar con ella”, comenta la curadora Gabriela Rangel.

El espectador o visitante de Fragmentos escucha la mayor parte del tiempo los datos de Ciudad de México pero, durante ciertos momentos de esta instalación, el sonido cambia.

No se apaga, pero la fuente es otra porque un mediador de la sala prende el ‘desminador’ y lee cada lámina de metal fundido de Fragmentos con el objetivo de “reconocer las dolorosas historias que guarda cada placa, donde cada grieta surgida durante el proceso de forja se extiende como una herida que clama verdad, memoria, justicia y reparación”.

Mientras el mediador está con el artefacto en un espacio delantero de Fragmentos, en la sala principal, ubicada en la parte posterior, se proyecta una videoinstalación de gran formato con las imágenes y sonidos extraídos.

El aparato usa una cámara provista con un microscopio para recoger con el lente los surcos e incisiones que conforman la topografía de Fragmentos. Entonces, el aparato encuentra las huellas que dejó la guerra y el espectador escucha el rastro sonoro de esas heridas.

“Las imágenes ampliadas de esa topografía parecen un territorio fracturado, tal como lo fue Colombia y lo siguen siendo otras geografías. Desminar/minar, el extractivismo minero también deja incisiones profundas en el territorio. La gramática de la escucha como herramienta de la memoria, pero también como herramienta para entender el presente. La pieza propone darle voz a la inminencia de la violencia para que deje de ser inaudible”, expresa Tania Candiani.

Puntos rojos, círculos azules, cuadrados grises… imágenes nítidas o borrosas se proyectan una y otra vez en la pantalla mientras el detector de minas es trasladado de un lado a otro, a veces con paciencia y a veces con afán, para que no quede ningún lugar sin rastrear y sin ‘hablar’.

En la sala delantera de Fragmentos está en ‘desminador’ y allí sólo se escucha el audio y se ve la acción de ‘desminar’.

En la sala posterior se escucha audio y se ve el video que resulta de la acción de ‘desminar’.

Las dos salas están conectadas por un pasillo (y un hermoso jardín) en donde está una vitrina que exhibe la Caja Libro o el libro de artista que contiene textos sobre la obra escritos por la curadora Gabriela Rangel, un storyboard de la artista Tania Candiani, grabados sobre impresiones del piso de Fragmentos y la Plaza de Las Tres Culturas, y un tornamesa que reproducirá un vinilo con las grabaciones del registro sonoro del suelo realizado durante las primeras semanas de la exposición.

¿Dónde y cuándo?

Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria (Carrera 7 No 6b-30 Bogotá)
Hasta el hasta el 28 de julio de 2024
Horario: martes a domingo de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.
Entrada gratuita

liartedialogosobrearte@gmail.com – @LiarteconArte 

Como este tipo de temas es difícil tratarlos en redes sociales, preferí no tocarlo mucho en @LiarteconArte, pero cuando leí que Felipe Lozano expone en el marco de Bogoshorts, el Festival de Cortos de Bogotá también conocido como Bogotá Short Film Festival, decidí explorar su obra.

Bogoshorts es un festival cinematográfico que se realiza cada diciembre en Bogotá que tiene como objetivo proyectar cortometrajes, un género difícil de ver en pantalla grande. La edición de 2023 rindió honor al cuerpo porque, según los organizadores, “los cuerpos nos reconocen, nos diferencian, nos identifican, nos permiten correr y saltar, reír y llorar, tocar y sentir; pero, sobre todo, nos cuentan historias”, y con ese contexto Felipe Lozano exhibe “F.L.E.S.H.” (Figuras Luminosas en Situaciones Hedonistas).

En esta muestra que se puede ver gratuitamente hasta el 28 de enero de 2024 en la Sala E de la Cinemateca de Bogotá (entre las 2:00 p.m. y 5:00 p.m.) el artista reflexiona sobre los cuerpos deseados y deseables, y por los estándares de belleza en la era del capitalismo farmacopornográfico.

No quería dejar de escribir sobre “F.L.E.S.H.”, así que entrevisté a Felipe Lozano para conocer su proceso artístico.

¿De dónde surgen sus proyectos artísticos?

Más que proyectos, son procesos que van emergiendo sin la intención de hacer el producto final y gracias a la experimentación van saliendo varias cosas.

Todo parte de la influencia que ha tenido la pornografía y la democratización de estas producciones audiovisuales con el internet. Me interesar entender la sexualidad y el placer, sobre todo porque mi generación y nuestras generaciones nació y creció con el internet, así que considero que tuvimos un primer acercamiento a la educación sexual con la pornografía. La pornografía nos enseñó cómo se debía practicar la sexualidad.

Exploré sobre la pornografía y sobre esta esta gran producción audiovisual y con la inteligencia artificial quise hacer porno en el que no haya humanos, quise crear nuevas formas de entender la sexualidad y el placer más allá de lo que se nos muestra sobre las culturas estandarizadas.

¿Qué encontró en esa búsqueda y propuesta?

Yo pensé que me iba a encontrar como con el futuro de la pornografía que no explotara cuerpos humanos, que se saliera de los estándares de los cuerpos esculturales, generalmente blancos; pero lo que sucedió es que se generaron unos cuerpos no hegemónicos, pero le daban la posibilidad al espectador de interpretar nuevas formas de entender el cuerpo porque se acerca más al cuerpo mutante o el cuerpo monstruoso.

¿Cómo fue eso?

Yo creé un gran banco de imágenes con varias categorías y le di al algoritmo con inteligencia artificial la orden de crear nuevas imágenes. Lo que sucedió fue que me generó unos errores cromáticos en los que uno podía reconocer ciertos patrones, pero la mayoría eran imágenes abstractas y bizarras, me llamó la atención porque se parecía a las obras de Francis Bacon como entre lo erótico y lo monstruoso, entre el placer y el dolor.

De este proceso me parece interesante es que estaba educando a la inteligencia artificial en la educación sexual basada en la pornografía.

Y esa fue la exposición en Espacio El Dorado…

Allí presenté “Delirio carnal”, el resultado de esa colaboración con la inteligencia artificial. Había pinturas bidimensionales y un video continuo en el cual el espectador tenía la posibilidad de sumergirse en esta ‘gangbang’ u orgía de bits (en relación con la categoría del porno y por el nombre del algoritmo que usa el artista). Era una explosión de imágenes en las cuales el espectador no reconoce nada literalmente, pero sí le resultan familiares.

¿Cómo llega a “F.L.E.S.H”?

“F.L.E.S.H” sigue por la obsesión por consumir cuerpos, algo que surge de la pornografía, algo que no solo cambió la manera de ver y entender la sexualidad, sino también los estándares de belleza muy específicos sobre cómo se debe esculpir el cuerpo.

Me obsesioné en la influencia que ha tenido la pornografía en la manera de construir nuestro cuerpo, pero más que una crítica (entendiendo que estos estándares han trascendido a otros medios como las redes sociales). No es una crítica, sino un reflejo porque yo mismo me considero una víctima de este capitalismo en el que el cuerpo se vuelve un objeto de consumo.

Hay varias piezas que hablan sobre la idea antropofágica del consumo de cuerpo y la metáfora del consumo del cuerpo en la virtualidad, le dan al espectador la posibilidad de pensar el cuerpo con una masa de carne.

¿Qué nos puede contar de las obras?

Mi objetivo es sacar esas imágenes de los cuerpos construidos con inteligencia artificial y trasladarlas al mundo material, y por eso hay una trotadora que sirve para esculpir el cuerpo y que también despersonaliza el cuerpo porque no importa la persona o la identidad, sino el cuerpo bello.

Casi siempre hago pintura y obras bidimensionales, pero esta vez exploré con piezas tridimensionales como la escultura blanda gigante que es una alegoría a esta idea de la masa de carne. En el piso estaban ubicadas unas pantallas que muestran el supuesto interior del cuerpo humano con imágenes creadas con inteligencia artificial. Esta pieza habla sobre la obsesión de ingresar al cuerpo del otro a través de una cámara (como en la pornografía).

Hay otra en la que gira una masa de carne hecha de látex, en la que baja continuamente como alegoría del scroll que se realiza en internet y hay un globo flotando sobre aire.

Al final de la exposición hay dos obras que son unas pantallas que bien podrían ser las ventanas virtuales que se sobreponen unas sobre otras. En una pantalla se puede ver la imagen de portada de la exhibición y la otra es una masa de carne que está construyendo obsesivamente en una trotadora en el gimnasio… me encanta porque uno está ahí durante muchas horas luchando por tener un buen cuerpo, pero finalmente uno está quieto en un mismo punto.

¿Cómo te fue con la creación de las esculturas?

“F.L.E.S.H.” es un proyecto más mucho más experimental, mucho más conceptual que fue pensado en el marco de la Cinemateca de Bogotá. Este proyecto es el resultado de una residencia que gané con Idartes, era más pequeño, pero cuando se vinculó a Bogoshorts se extendió… Al director Jaime Manrique le comentaron sobre mi propuesta con el cuerpo y el video expandido, que era en principio lo que iba a hacer en la residencia, pero mutó.

“F.L.E.S.H” hace preguntas actuales que no están resueltas, como la inteligencia artificial, que más que un medio o una técnica es un punto de inflexión, una entidad con la que colabora para producir su trabajo; y para mí el arte tiene más valor y cobra sentido cuando el espectador le da sentido, cuando su pensamiento dialoga con la obra.

¿Cómo ve la relación de su obra, de “F.L.E.S.H” con Bogoshorts?

Cuando me pregunté cuál es el vínculo de mi obra con la Cinemateca y con Bogoshorts me di cuenta de que es el video porque mi proyecto que parte del video expandido y la pornografía. Hay que recordar que la pornografía fue una industria audiovisual del sexo que surge en el cine, que fue durante mucho tiempo una producción de culto a la que no muchas personas que podían acceder, pero con la democratización del internet se fue volviendo banal.

Creo que la exposición genera el deseo de entender lo que sucede en la sala, el deseo, el dolor, el placer, la atracción y la repulsión.

• Crédito fotos: Juanita González y Camo.

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Esta muestra de Javier Caraballo es presentada como una “protesta infantil” con el fin de “crear conciencia social”, pues el artista expone reproducciones de obras maestras realizadas por artistas consagrados que son intervenidas por niños.

Es decir, piezas de Andy Warhol, Fernando Botero o Jean-Michel Basquiat, calificadas como obras maestras por los historiadores del arte, son reinterpretadas por niños gracias a un “proceso de investigación-creación” que Caraballo realizó con menores de edad en poblaciones menos favorecidas.

“Por medio de estos dibujos y pinturas que los niños hacían, encontré mensajes implícitos de una problemática social que nos rodea a todos, la falta de oportunidades, la violencia, el maltrato infantil y ver que estos infantes por medio de estos trazos “ingenuos” dan un mensaje de un contexto que los rodea, para mí como artista es un compromiso social hacer ver esta forma de comunicar de la población infantil”, dice el artista.

Para muchos este trabajo puede ser una falta de respeto o un despropósito, pero el curador, historiador y crítico Eduardo Serrano explica que “las obras de gran formato de Javier Caraballo, que reproducen muchas de las pinturas más admiradas de la historia pueden, en un primer momento, parecer un sacrilegio. Pero si se tiene en cuenta que Caraballo no toca los originales, simplemente los duplica, y que lo hace con evidente respeto y admiración, más que un atentado representa un homenaje”.

Así que, usando el recurso de la apropiación, Javier Caraballo realiza un trabajo con la clara intención de producir emoción y despertar sentimientos y recuerdos cálidos en el observador.

“Se trata simplemente de recurrir a ellas para hacer diferentes propuestas, para recontextualizarlas y convertirlas en parte de una nueva forma de expresión”, agrega Serrano.

Según la Galería Duque Arango, Caraballo presenta al mismo tiempo tres atmósferas distintas en sus pinturas: la primera hace referencia a la historia del arte y al virtuosismo con el que fueron realizadas las reconocidas obras; la segunda comprende las simplificaciones típicas del dibujo infantil en las que  hay ausencia de estrictas reglas técnicas, de perspectiva y de volúmenes; y la tercera y más importante: establece el universo creativo y de pensamiento del artista, que no solo invita al espectador a sumergirse en sus obras, sino también a recuperar desde la experiencia tranquila y contemplativa, la manera fantástica, vivaz, curiosa y honrada de interpretar el mundo y la vida propios de la corta edad.

“En esta serie trato de idealizar a los niños que se vean con oportunidades creando un discurso entre una obra existente yuxtapuesta con el dibujo de un niño y una niña, donde un acto ingenuo de travesura rayando o interviniendo con estos trazos infantiles las grandes obras maestras para comunicar y hacer conciencia como un acto de protesta de la población infantil”, concluye Javier Caraballo.

Compuesta por 33 obras, “Polifonía visual” se puede ver hasta el 31 de mayo en Medellín.

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