Y en su KEEP WALKING hoy nos trae este VIAJE en el que se VIVE así..:

“MAPY por el MUNDO… HOY: BRUJAS…

En el país de las mejores cervezas del
mundo, toca cambiar el café por una de
esas deliciosas bebidas que tanta sed
calman y tanto divierten.

La Venecia del Norte, llamada así, no sólo
por sus canales sino también por su
prosperidad gracias a ellos, fue durante
siglos, del XIII al XV, y gracias a su puerto y
a sus rutas comerciales, sobre todo de
lana, la Perla de Flandes.
La arquitectura gótica es impactante,
magnificamente conservada nos sumerge

La Grotte Markt, la Plaza del Mercado,
rodeada de casas típicas flamencas, con
fachadas de ladrillo y tejado en escalera
Stepped gables que hoy en día alojan
restaurantes, cervecerías, comercios… en
otra época fueron las casas de los
gremios, Guild Houses, agrupaban a
diferentes gremios, profesionales de
diferentes sectores, panaderos, curtidores,
cerveceros, barqueros, carniceros,
tejedores, precisamente este, el de los
tejedores, Wevers, era uno de los más
poderosos, controlaba la producción de
paños, tenían en la misma plaza su propia
“Sala de Paños”. . Consiguieron acabados
de calidad, tejidos finos y codiciados. Hoy
en día se ven escaparates con bordados y
paños maravillosos. Me encantan! Los
gremios protegian el prestigio del
producto, la lana más apreciada era la que
importaban de Inglaterra.

Imagino La Torre Belfort, una imponente
construcción medieval de 83 metros,
robusta, poderosa, centro económico y
administrativo de la ciudad ¡366
escalones! Son los que hay que subir para
llegar a la parte más alta, ¿ te animas?

Recomiendo mucho pasar al menos una
noche en Brujas, Brugge, luces cálidas y
tenues sobre las fachadas, sombras
proyectadas en las calles empedradasu,
reflejos en los canales, hacen un ambiente
íntimo y único, cruzar uno de numerosos
puentes hace que volvamos al Medievo,
llegar hasta el Minnewater, el Lago del
Amor, nos lleva a la magia de las leyendas,
al romanticismo, perfecto para el final de
la visita y culminar degustando una
cerveza local.

El río Zwyn que dio prosperidad a una de
las ciudades más bellas de Bélgica,
proporciona una red de canales digna de
recorrer. Os invito a tomar uno de los
barcos en cualquiera de los muelles, que
durante media hora navegan, por las
pintorescas calles acuáticas de Brujas.

Durante mi paseo percibo el olor
inigualable del chocolate, paso por
diferentes fábricas artesanales de este
producto que se ha convertido en una de
las señas de identidad de Bélgica y no
tengo más remedio que entrar en una de
ellas y comprar varios pralines
¡buenísimos! No puedes irte sin probarlos.
El mejor chocolate del mundo, dicen los
entendidos.

Visitar Brujas en primavera es delicioso,
los narcisos del Beginario, Begijnhof,
procuran un paisaje único, espiritual,
tranquilo, un remanso de paz para mujeres
solas, solteras o viudas, sin protección en
la sociedad medieval. Desde 1245 han
convivido en este espacio comunidades
de mujeres dedicadas a la caridad, al
trabajo, dedicadas a protegerse, humildes,
sin votos perpetuos, no eran monjas, eran
beguinas ¡eran mujeres valientes! Fue una
forma única de vida femenina autónoma e
independiente en la Europa medieval,
admirables.

Viajar es vivir, vivir es viajar.
Mapy de la Rosa”

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CONTINUARÁ

CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

Volví a cine. Hace rato no tenía ni tiempo, ni energía para ir a la sala de cine, pero en estos días de vacaciones con Lucho fuimos a cine de 2:00 p.m. Mi hija Laura nos enseñó cómo comprar boletas a través de DaviPlata y de verdad sí quedan más económicas.

Decidimos volver a cine y ver “Valor sentimental”, una película noruega dirigida y escrita por Joachim Trier en la que dos hijas se reencuentran con su padre Gustav (Stellan Skarsgård), tras la muerte de su madre. Este reencuentro, por supuesto, está lleno de sentimientos encontrados y cada una lo vive diferente.

Para Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) la situación es más fácil porque al ser la más pequeña, sus recuerdos sobre las peleas y el divorcio de sus padres es diferente a los que guarda Nora (Renate Reinsve), quien está muy cargada de dolor convertido en ira.

Por su parte, Elle Fanning encarna a Rachel, esas personas que se ven envueltas en dinámicas familiares o amorosas que no les corresponden…

“Valor sentimental” es un gran relato sobre cómo las familias se van rompiendo generación tras generación, y cómo los dolores, las penas y los sentimientos no hablados se vuelven tan pesados que no dejan vivir. En esta película la casa física es una gran metáfora de las cargas físicas y mentales que se acumulan décadas tras décadas y de los patrones repetidos.

Me gusta el papel de Agnes, quien se da el tiempo y el espacio para conocer su historia familiar para tratar de entender de dónde viene tanto dolor. Me encanta el padre, Gustav, porque me fue difícil culparlo. Él, un cineasta reconocido, hizo lo que pudo y, desde mi punto de vista, le da una salida a Nora, así no haya sido lo que ella esperaba.

Y esa, para mí, es la gran lección de “Valor sentimental”: aprender a valorar el lenguaje amoroso que cada persona sabe expresar para aliviar nuestro dolor, así no sea lo que exactamente buscamos o necesitamos. Por algo se comienza y así como el odio y la rabia se alimenta del loop, el amor también.

Mientras estaba en la sala de cine pensé varios momentos que estaba viendo “La peor persona del mundo”, otra película del director Joachim Trier… Pero estando en mi casa caí en cuenta que, aunque ambas películas tratan del dolor que afecta nuestra personalidad y nuestra vida, “La peor persona del mundo” se centra en las vivencias de la protagonista y cómo sus actos afectan a sus parejas y amigos; mientras que “Valor sentimental” va más allá y nos muestra dónde nace el dolor… el contexto, el todo.

“Valor sentimental” obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025, cuenta con ocho nominaciones a los Golden Globe, incluyendo Mejor Película – Drama y Mejor Película de Habla No Inglesa, y es la candidata oficial de Noruega a los Premios de la Academia 2026.

Nora y su hermana Agnes en “Valor sentimental”.

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Creada en 2013, la Banda Filarmónica Juvenil es tal vez la más popular de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, por la naturaleza de su repertorio. Integrada por 40 talentosos artistas procedentes de diferentes regiones del país, está conformada por instrumentos de las familias de las maderas, metales, percusión y bajo. 

“Libro XI” es una composición de 2025 en la que Rodolfo Acosta Restrepo tiene como intención “dialogar con el espacio público y la ciudadanía para resignificar nuestro entorno cotidiano en ritual musical. Tras muchos contratiempos, lo único que quedó fueron los intérpretes e instrumentos, y una estructura temporal. Esta idea de sonido y tiempo como bases de la existencia, sumada a que la obra se estrenaría en el Claustro de San Agustín, me recordaron el ‘Libro XI’ de las Confesiones de aquel ilustre africano. ¡Naveguemos juntos este espacio/tiempo!”.

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Volví a un set de grabación y fui feliz. Hace rato no tenía el placer de estar invitada a la grabación de una producción colombiana, hasta que en julio me dijeron que si podía ir un día a las grabaciones de la película “Policiaco sin crimen” en Bogotá.

Una casa majestuosa del barrio La Magdalena era el escenario perfecto para ambientar esta historia que se desarrolla en los años 60 y está inspirada en el cine negro. Los protagonistas Juana Arias y Saín Castro filmaban sus escenas en las que los personajes Esperanza y Calvás sostenían un diálogo acalorado.

Semanas mas tarde, me preguntaron si me gustaría ir a Tunja a presenciar otra parte del rodaje. ¡Pero claro!, ¿cómo no?

Ese viaje fue más divertido de lo que pensé. Mi trabajo consistía en presenciar algunas escenas para entender el universo de “Policiaco sin crimen” y hacer las entrevistas necesarias para redactar el primer boletín sobre la película, algo que me gusta mucho, pero el grupo con el que viajé fue fantástico.

A algunos los conocía, pero no todos eran amigos míos. Durante el camino conversamos sobre cine, música, las familias y el quehacer periodístico.

La producción de “Policiaco sin crimen” nos trató muy bien y aguantó que estuviéramos por ahí borondiando, haciendo nuestro trabajo.

“Policiaco sin crimen” es la ópera prima de Darío Vargas, quien se rodea de grandes figuras que han forjado -junto a él- la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como Rosario Lozano (diseño de producción), Rosita Cabal (diseño de vestuario), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Cuenta con la producción ejecutiva de Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

De regreso a casa redacté este boletín de prensa que comparto en este blog:

En Bogotá y Tunja se llevó a cabo el rodaje de Policiaco sin crimen, ópera prima de Darío Vargas que, inspirada en el cine negro estadounidense de los años 40 y 50, se desarrolla en Colombia a comienzos de los años 60, época en la que los detectives Calvás (Saín Castro) y Calvo (Juan Carlos Benjumea) son contratados por Esperanza (Juana Arias), una misteriosa mujer que busca a su abuelo desaparecido.

La investigación conduce a los detectives a descubrir, con la ayuda de su asistente Adelguiza Prisa (Ángela Cano), que han sido objeto de un engaño y deberán develar los motivos por los cuales la mujer los ha contratado.

“Que no haya crimen le da el tono que, creemos, debe tener la película, un tono de buen humor y de humor negro. Policiaco sin crimen está inspirada en un cine muy popular en Hollywood de los años 40 y 50, y tiene algunas revisiones actuales como Sin City o Blade Runner, películas de cine profundo, de autor, pero inversas en el sistema de Hollywood, por lo que el cine negro es, quizás, una de las expresiones más claras de lo que es buen cine”, dice Darío Vargas, reconocido director de clásicos nacionales como ¿Por qué mataron a Betty si era tan buena muchacha? o En cuerpo ajeno.

En esta película lo policial está presente sin que el crimen sea protagonista, así que la ciudad donde se desarrolla se presenta húmeda, fría, con rincones oscuros que parecen guardar secretos invisibles.

Fue así como las calles del barrio La Magdalena de Bogotá y las del centro de Tunja se tiñeron del ambiente de los 60 durante las semanas que duró el rodaje.

“Como estaban planteadas las escenas exteriores para recrear los inicios de los años 60 eran muy difíciles de realizar en Bogotá, teniendo en cuenta nuestro presupuesto de cine independiente. Por eso le propuse al director rodarlas en Tunja porque la ciudad tiene muchas edificaciones de los años 50 y 60”, comenta el productor ejecutivo Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

Fotograma “Policiaco sin crimen”: Juana Arias como Esperanza.

La experiencia de más de tres décadas en la industria audiovisual de Vargas y Guarín se complementa con el trabajo de algunos de los mejores profesionales que han impulsado la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como lo es Rosario Lozano (diseño de producción de Crónicas de una generación trágica, Bolívar soy yo o La Pola), Rosita Cabal (diseño de vestuario de Yo soy Betty, la fea; Leandro Díaz o La Vorágine), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Con este equipo, Darío Vargas y Óscar Guarín crearon una propuesta visual y estética de Policiaco sin crimen que se apoya en una paleta de colores desaturada dominada por tonos fríos (grises, verdes apagados, marrones tierra y azul petróleo), uso constante de lluvia fina y niebla suave que refuerzan el tono melancólico y ambiguo de la historia, y locaciones urbanas nostálgicas (bares con muebles de madera oscura, cafés antiguos, oficinas con escritorios pesados, y calles adoquinadas iluminadas por faroles tenues). 

El vestuario, por supuesto, está inspirado en la elegancia formal de la época, con una marcada influencia del cine negro, adaptada al contexto bogotano de principios de los 60. El maquillaje y la peluquería refuerzan esta estética con sobriedad y coherencia histórica.

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Inspirado en “La Bachué“, obra que Rómulo Rozo en 1925, una de las primeras obras indigenistas de la historia del arte en Colombia, que representaba el mito fundacional de la cultura Muisca; Mateo López intenta hacer una adaptación de estas historias, un doble mito fundacional: el prehispánico y el del arte colombiano.

-> BOG25: borondo por la Bienal de Arte de Bogotá

En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25, en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Cuando Paula Jaramillo me invitó al proyecto me dio felicidad. Luego, al ver la magnitud del evento, me dio miedo.

Me devuelvo a agosto. La Bienal no había comenzado, pero ya estaba en marcha. Nosotras, en Trébol, acabábamos de ingresar y entender desde el concepto y la palabra BOG25 fue todo un reto porque, entre nuestras tareas, estaba redactar el boletín de prensa.

Un día de trabajo nos llevó a Paula, a Litza y a mí organizar una matriz que, en teoría, sería corta y que, al final, resultó en 15 páginas. El ‘boletín’ de prensa lo hicimos como si navegáramos un sitio web, así que aparte de esas 15 páginas se desprendían otros temas sobre el eje curatorial, los directores, curadores, artistas… además de unas entrevistas en video y texto que apoyaban el trabajo periodístico que, en un principio, no tenían acceso a las obras en sí porque no había comenzado oficialmente BOG25.

Desde que comenzó la Bienal mi acercamiento al evento cambió y lo he podido disfrutar mucho y estoy muy feliz.

Pero muy feliz porque he podido ver y escribir la cultura desde otro sitio, he podido ingresar a edificios iconos, he podido hablar con gente magnífica, he podido hacer de mi escritura un servicio bonito (espero).

Hoy quiero compartir algunas de las exposiciones a las que he podido ir.

Archivo de Bogotá
En este edificio están expuestas las obras que tienen que ver con el eje ‘Infancia’ de la curaduría ‘Ensayos sobre la felicidad’. Aquí la infancia no es considerada como la etapa más feliz de la vida porque los adultos hemos creado un mundo en el que los menores viven su mayor vulnerabilidad.

Artistas: Marilá Dardot, Carmenza Banguera, Iván Argote, Linda Sánchez & Baptiste Croze, Clemencia Echeverri, Francis Alÿs y Jorge Méndez Blake + Taller Paralelo Arquitectos.

Arte Popular
En el segundo piso del Claustro de San Agustín UNAL una sala de color morado acoge la obra de 30 artistas que ven lo #popular como inspiración y como expresión artística. Está curada por Elkin Rubiano. Muchas de estas obras las tendría en mi casa: fachadas de casas, edificios, buses… la nostalgia está muy presente en estas obras.

Palacio de San Francisco
En este edificio ubicado en la Avenida Jiménez con carrera Séptima están la mayoría de las obras de la curaduría ‘Ensayos sobre la felicidad’.

Museo Aerosolar
El Museo Aerosolar es una construcción colectiva con bolsas recicladas. Se lee como cualquier cosa, pero al verlo adquiere otra dimensión. Para BOG25 se realizó con bolsas que fueron intervenidas por niños que reflexionaron sobre la felicidad. Ver esta obra / intervención/ comunidad tomar vida es muy lindo. Es mucho más profundo que ver bolsas recicladas pegadas entre sí.

Arañas en el Paraíso
María Fernanda Cardoso exhibe en la Cinemateca de Bogotá una obra sobre las conductas sofisticadas de cortejo de las arañas Maratus, conocidas como arañas pavo real, típicas de Australia.

“Arañas del Paraíso”, 2014–2024. Impresión de pigmentos en papel fotográfico.
“Sobre los orígenes del arte I y II”, 2016. Video digital a color, sonido hiperrealista con dimensión táctil.

OVNI – Objetos visibles no identificados –
BOG25 tiene Curadurías Independientes, exposiciones que trazan un mapa sensible y plural de la ciudad contemporánea, vista desde sus márgenes, fisuras y potencias.

Son 5 los curadores independientes. Una de ellas es Ana María Cifuentes, quien e “OVNI – Objetos visibles no identificados –” reúne obras y procesos artísticos pluridisciplinarios que ofrecen miradas creativas, críticas y sensibles sobre el espacio público bogotano.

Canibalias
En el espacio público del centro Mapa Teatro presenta “Canibalias”, un carnaval mestizo inspirado en la fiesta de los Santos Inocentes del Pacífico colombiano que activa el goce como forma de resistencia ante los ritmos productivos de la ciudad.

Mateo López presenta “Ballet Bachué” en la Bienal de Arte de Bogotá BOG25
En en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Hace unas semanas Toc Talk me invitó a ver “Noviembre”, película de Tomás Corredor que revive la memoria de la toma y retoma del Palacio de Justicia.

Desde hace unos años no leo nada previamente sobre películas o series, así que no tenía ningún contexto. Sin embargo, cuando llegamos con mi esposo a la proyección alcancé a escuchar algo del grupo focal que acababa de ver la película.

“Prepárate para llorar”, me dijo Andrés Páramo.

Hice mi mejor esfuerzo para no escuchar los comentarios de la gente que había visto la película, gente de mi generación. Esto suena un detalle menor, pero no. En mi grupo focal había muchos jóvenes que no tenían mucho contexto del Palacio y pues… bueno, eso marca la diferencia en cómo te acercas a la historia.

Debo decir que “Noviembre” me gustó mucho. Es de las buenas historias que he visto este año. Me encanta que trasciende la discusión del bueno y el malo y se queda en unos tonos de grises donde reina la humanidad en escenas donde se comparten unas pastas para el dolor, el duelo o el miedo.

 “Noviembre” abre una nueva discusión sobre el Palacio de Justica desde el Estado, pero también desde los ciudadanos. Puede ser que desde el periodismo la información se quede en números, más que en historias, pero también es debatible el poco interés que tenemos por acercarnos a nuestros acontecimientos nacionales.

Precisamente, al ver esta película recordé que hace un par de años vi la exposición “Huellas de desaparición. Los casos de Urabá, Palacio de Justicia y Territorio Nukak”, el resultado del proyecto de investigación realizado desde marzo de 2019 por la Comisión de la Verdad y por Forensic Architecture, agencia de investigación con sede en Goldsmiths, Universidad de Londres. Es el primer avance de hallazgos investigativos de la Comisión de la Verdad.

Esta exposición se pudo ver entre el 2021 y 2022 en el Museo Miguel Urrutia de Bogotá, MAMU, y dejó claro algo: desaparición es una constante en Colombia; pero hay diversas desapariciones. En el caso del Palacio de Justicia se enfocaron en la desaparición forzada de personas. En Urabá se centraron en la desaparición de la tierra, los paisajes, las fincas y la vida campesina: y en el Amazonas se concentraron en la desaparición del ecosistema y las formas de vida del pueblo Nukak.

Películas como “Noviembre” vienen a remover mi memoria. ¿Qué tan pequeña estaba cuando ocurrió la toma y retoma del Palacio de Justicia? ¿Por qué, a pesar de haber trabajado en El Espectador, este tema es tan lejano para mí? ¿Por qué una exposición y una película tocan mis fibras más que el informe noticioso?

¡Qué maravilla lo que hace el arte en mi!

“Noviembre” se estrena este 2 de octubre en salas de cine en Colombia.

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Mi amiga Litza me invitó a escribir el boletín de prensa y aquí lo comparto:

Bogotá con sus luces y sombras, con los reflejos del agua encharcada, con las calles que guardan los misterios de la noche, con los muros que generan segmentación y con ella las diferentes realidades, protagoniza la nueva película colombiana Tres lunas nuevas, que llega a los cines a partir del 21 de agosto.

Este largometraje de ficción, ópera prima del director Rodrigo Dimaté, cuenta tres historias de jóvenes que viven en San Luis (vía La Calera), Kennedy y el centro de Bogotá. Alex (16) no va al colegio y pasa su día por ahí, en aparente libertad, haciendo lo que le dijeron que no hiciera; Steven (20) intenta mantener un trabajo, pero siempre hay un amigo, una fiesta, un problema; y Kevin (23) quiere huir de la droga y la violencia, esperando, en medio de continuos fracasos, un milagro.

Los protagonistas de cada relato son testigos del caos y el frenetismo. Toman consciencia de su realidad sin dejar de estar expuestos, hasta el crucial momento en que deben resistir o ceder al remolino, a un destino repetido por muchos, a la violencia natural que recorre las calles y callejuelas como fluido vital que moviliza y posibilita todo.

“Este proyecto empezó a tener una motivación desde los barrios y sus problemáticas, y un tema muy importante de fondo es el tema de la droga, específicamente el bazuco, que es la salida al vacío que hay en la juventud, a la falta de oportunidades, al no futuro, a la imposibilidad de los sueños”, expresa Rodrigo Dimaté.

La estética y el discurso de las calles de Bogotá

“Esta película se cuenta desde el barrio y las calles de Bogotá, lo que tiene lugar allí y que como ciudadanos generalmente no miramos”, dice la productora María Jimena Barreto.

En Tres lunas nuevas se exhibe Bogotá y sus espacios a través de un recorrido por diferentes barrios, en donde sale a relucir la violencia que permea las relaciones con la familia y los amigos, dando paso a la traición y el desencanto.

Estéticamente, recurre a la ficción para representar cómo se piensa y se muestra el barrio a partir de la creación de los personajes, sus conflictos y situaciones, que se narran con el discurso, el guion y la música. Los conocedores del rap, por ejemplo, reconocerán las letras de Pedro Alemán, Lancelot y Askoman, así como  la aparición en escena del emblemático Fumas Bolívar.

Otro aspecto importante y diferencial de Tres lunas nuevas es que cuenta con el trabajo de jóvenes actores profesionales como Marlon Rodríguez (Alex), Elkin Caro (Steven), Juan Diego Mosquera (John). Así mismo, participan actores reconocidos del teatro: Diego Barragán, Juan Manuel Combariza, Fabián Martínez, Fabián Velandia, Isis González y Sirley Martínez y otros actores no profesionales como Martha Correa (Cecilia), reconocida por su interpretación en La vendedora de rosas, y Tito Gómez, protagonista de La mujer del animal.

Tres lunas nuevas es el primer largometraje de Rodrigo Dimaté, cineasta y docente que durante más de una década ha impulsado iniciativas artísticas a través de una mirada estética que surge de las realidades locales, las dinámicas sociales y los encuentros entre el cine y la literatura.

En ese contexto, la película responde al interés del director y la productora María Jimena Barreto de continuar la investigación sobre los jóvenes que viven en barrios de la periferia bogotana, un proceso que comenzaron hace varios años de la mano de la productora Quó Cine, con la que realizaron los cortometrajes Vida de un rey, Los asesinos y Asunto fractal.

Esta exploración continúa con Tres lunas nuevas: historias que llevan la marca de la ciudad, en la que palpitan emociones y contradicciones; mientras que la luna nueva, invisible, es rasgo de la noche oscura y quizás un rasgo que representa a los protagonistas de la película, escondidos en las esquinas, también invisibles. 

Tres lunas nuevas es una película de Quó Cine, en asocio con Baal Cine y Radiola Films. Con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Proimágenes Colombia. La distribución en Colombia está a cargo de Danta Cine.

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¿Qué es ‘Huella M’?

Huella M es el modelo marco que he desarrollado para impulsar la sostenibilidad en los museos de arte en España. Nace de mi trabajo de investigación doctoral con el objetivo de ofrecer una herramienta práctica que permita a estas instituciones medir, monitorear, controlar y reportar de forma efectiva sus acciones sostenibles, alineadas con los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) y la Agenda 2030.

En este modelo propongo cinco dimensiones clave: ambiental, comunicacional, cultural, económica y social. A diferencia de otros marcos de sostenibilidad como los criterios ESG o la Triple Cuenta de Resultados, Huella M está específicamente adaptado al entorno museístico, incorporando indicadores que reflejan tanto el impacto cultural como el educativo de los museos. Además, incluyo la dimensión comunicacional como un eje estratégico para fortalecer la transparencia institucional.

He aplicado Huella M en tres museos españoles de distinta escala (nacional, autonómica y local), lo que me ha permitido validar su utilidad como modelo replicable. Mi intención es que Huella M sirva como punto de partida para que los museos no solo diagnostiquen su situación en sostenibilidad, sino también para que avancen con pasos firmes hacia una gestión más consciente, inclusiva y comprometida con su entorno.

¿De dónde nació tu interés por crear conciencia en los museos que son agentes sostenibles?

Los museos, como instituciones que protegen y conservan el arte y patrimonio, deben ser ejemplos para que otras organizaciones y personas asuman los retos de la sostenibilidad.

La investigación arrojó inicialmente que no existía ningún modelo que permitiera hacerlo, por lo cual trabajé en el diseño de las dimensiones y sus indicadores a aplicar. Me apoyé en los Grobal Report Indicators (GRI), que son conocidos internacionalmente, pero hacía falta también medir acciones e iniciativas con impacto cultural y comunicacional, que son vitales en los museos. Así creé esas dos dimensiones y comencé a estructurar los indicadores necesarios. Nacieron así las cinco dimensiones del modelo.

¿Al principio de tu investigación, cómo encontraste la situación entre instituciones museales y sostenibilidad?

La sostenibilidad en los museos sigue estando en una situación crítica. Hoy en día, muchos equipos directivos aún no comprenden la relevancia que tiene que los museos asuman un rol protagónico en la transformación hacia un modelo de desarrollo sostenible. Existe una gran falta de liderazgo sensibilizado con este tema, sumada a una carencia preocupante de profesionalización en áreas clave como la comunicación y la sostenibilidad. A esto se suman las limitaciones presupuestarias que enfrentan gran parte de los museos, lo que dificulta aún más su capacidad para actuar frente a estos retos.

Durante mi trabajo con museos en España, México y Argentina —gracias a las estancias de investigación que realicé en estos países— me encontré con una realidad común: los museos desarrollan numerosas iniciativas valiosas vinculadas con la cultura, el rescate de tradiciones o el impulso del desarrollo local, pero rara vez las comunican. Estas acciones se quedan como buenas experiencias internas, sin documentación, sin medición ni visibilidad, lo que impide que puedan ser replicadas o valoradas por otras instituciones. Además, descubrí prácticas de gestión muy alineadas con la sostenibilidad que ni siquiera eran reconocidas como tales por los propios museos. Esto responde, en parte, a la ausencia de un sistema común de indicadores que oriente su acción.

Ahora estoy en el proceso de darlo a conocer para que más museos puedan aplicarlo, pero es un trabajo contracorriente: aún hay quienes siguen creyendo que sostenibilidad es solo reducir el uso de agua, energía o papel. Como mucho, se habla de sostenibilidad económica, pero siguen ignorándose dimensiones fundamentales como la social, la comunicacional y la cultural. Esa es precisamente mi tarea: ayudar a los museos a cambiar esa visión reduccionista y acompañarlos hacia un modelo de gestión sostenible, real y transversal.

‘Huella M’ es un manual detallado, integral y sistemático para gestionar la sostenibilidad. ¿Me puedes dar un ejemplo?

Sí, Huella M funciona como un manual detallado porque propone un sistema de indicadores dividido en cinco dimensiones: ambiental, comunicacional, cultural, económica y social. Por ejemplo, si un museo quiere saber si está siendo sostenible en lo ambiental, Huella M no se queda solo en decir “ahorra energía” o “usa menos papel”, sino que le da al museo indicadores específicos como cuánta energía consumen sus instalaciones, si esa energía es renovable, si el agua que usan puede reutilizarse, cómo miden sus emisiones de CO₂, e incluso si sus proveedores cumplen criterios ambientales.

Pongo un caso concreto: en uno de los museos donde apliqué el modelo, identificamos que ya hacían actividades educativas sobre reciclaje y medio ambiente, pero no las medían ni las vinculaban con su estrategia general. Con Huella M pudieron clasificarlas dentro de la dimensión ambiental y social, medir el impacto, y además comunicarlo adecuadamente, lo cual también fortaleció su transparencia. Esto transformó una simple actividad aislada en una acción sostenible documentada, replicable y reconocida por la institución.

Ese es el valor de Huella M: convierte lo que antes eran buenas intenciones dispersas en estrategias concretas con indicadores claros, medibles y comunicables.

¿Por qué enfocarse en las cinco dimensiones clave: ambiental, comunicacional, cultural, económica y social?

Decidí enfocar Huella M en cinco dimensiones —ambiental, comunicacional, cultural, económica y social— porque los modelos de sostenibilidad tradicionales no se ajustan del todo a la realidad de los museos. Muchos se centran en lo ambiental o lo financiero, pero dejan fuera elementos esenciales del funcionamiento museístico, como su impacto cultural o su rol como agentes educativos y comunicadores.

La dimensión ambiental, por supuesto, es clave: mide consumos de energía, agua, residuos, emisiones, etc. Pero entendí que, si no se comunica lo que se hace, se pierde gran parte del valor. Por eso incorporé una dimensión comunicacional, que permite visibilizar las acciones, fomentar la transparencia y conectar con los públicos. Lo cultural es el corazón del museo: conservar, proteger y transmitir el patrimonio, las tradiciones y las identidades. Eso debía medirse también. La dimensión económica asegura la viabilidad del museo, y la social evalúa su impacto en la comunidad, la inclusión, la participación ciudadana y el trabajo con grupos vulnerables.

Estas cinco dimensiones me permiten ofrecer una mirada integral, adaptada a la naturaleza de los museos, para que puedan avanzar en sostenibilidad sin dejar fuera ninguna de las responsabilidades que asumen como instituciones culturales.

¿Por qué enfocarse en las cinco dimensiones clave: ambiental, comunicacional, cultural, económica y social?

Decidí enfocar Huella M en cinco dimensiones —ambiental, comunicacional, cultural, económica y social— porque los modelos de sostenibilidad tradicionales no se ajustan del todo a la realidad de los museos. Muchos se centran en lo ambiental o lo financiero, pero dejan fuera elementos esenciales del funcionamiento museístico, como su impacto cultural o su rol como agentes educativos y comunicadores.

La dimensión ambiental, por supuesto, es clave: mide consumos de energía, agua, residuos, emisiones, etc. Pero entendí que, si no se comunica lo que se hace, se pierde gran parte del valor. Por eso incorporé una dimensión comunicacional, que permite visibilizar las acciones, fomentar la transparencia y conectar con los públicos. Lo cultural es el corazón del museo: conservar, proteger y transmitir el patrimonio, las tradiciones y las identidades. Eso debía medirse también. La dimensión económica asegura la viabilidad del museo, y la social evalúa su impacto en la comunidad, la inclusión, la participación ciudadana y el trabajo con grupos vulnerables.

Estas cinco dimensiones me permiten ofrecer una mirada integral, adaptada a la naturaleza de los museos, para que puedan avanzar en sostenibilidad sin dejar fuera ninguna de las responsabilidades que asumen como instituciones culturales.

‘Huella M’ es sólo para museos o ¿también puede aplicarse a otras entidades o espacios culturales?

Es un modelo que, aunque se ha testeado en museos, es aplicable a cualquier institución o empresa de la industria cultural, porque todas tienen impacto en las cinco dimensiones que se miden con la herramienta.

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La exposición “Cartografías expandidas” reúne cinco proyectos independientes que exploran el grafiti y arte callejero: Coloquio Stencilero, Diez01, Magic Toys Graffiti, Peregrino Print Lab y Postal Expo Vintage.

La muestra reflexiona sobre el papel de estos colectivos que muchas veces trabajan al margen de instituciones culturales tradicionales.

“Cartografías expandidas” es curada por Carolina Sanz, quien documenta e investiga el grafiti América Latina.

Hasta el 12 de agosto en la sala Street Lab del Centro Colombo Americano de Bogotá.

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