Ella, junto a otras artistas como Marlene Hoffmann y Stella Bernal fueron pioneras en recurrir al tejido como expresión artística, tras haber estudiado en el Colegio Mayor de Cundinamarca y en Cranbrook Academy of Art en Michigan (Estados Unidos) con profesores conocedores y orientados por la Bauhaus.

Olga de Amaral tiene 92 años y es una de las artistas colombianas que ha logrado mantener vigente el interés por su trabajo tanto en el país como en el extranjero.

Su obra está expuesta en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET), este 2024 participó por segunda ocasión en la Bienal de Venecia y a mediados de mayo su obra “Pueblo X” (2013) se subastó en Sotheby’s por 698.500 dólares, cuando había sido valorada por 250.000 dólares. Según esta casa de subasta, esta obra elaborada con oro, acrílico y yeso sobre lino no se había comercializado antes y esta venta significa un aumento del 25% del valor de la obra.

Con todo ese bagaje la obra de Olga de Amaral llega a la Galería Duque Arango de Medellín, donde se puede apreciar hasta el 29 de junio “La contemporaneidad de lo ancestral”, muestra que reúne 24 obras de gran formato de las series “Nébula”, “Umbra”, “Alquimia y “Sol”.

“Nébula”, por ejemplo, es la única realizada con papel japonés como soporte y en la que los metales preciosos brillan por su ausencia.

Otra obra incluida, “Umbra”, o sea, sombra, hace referencia a la penumbra que, en relación con las artes plásticas enriquece las cualidades de la forma y el espacio al tiempo que realza el volumen y las texturas.

Y así como los alquimistas buscaban transmutar la materia, en “Alquimia” Olga de Amaral transmuta materiales como el oro en arte, en algo más valioso que el oro, porque es producto del ingenio humano.

“La contemporaneidad de lo ancestral” es una gran posibilidad de ver la obra de Amaral, importante figura en el desarrollo del arte textil y la abstracción de la posguerra en Latinoamérica, cuya técnica incorporan fibras, pintura, yeso y metales preciosos transformando el textil de dos dimensiones a objetos tridimensionales y por ende creando obras que van más allá de la clasificación.

El uso del oro por Olga de Amaral, inspirado en las historias entrelazadas de la cultura prehispánica con el arte colonial, dona a su trabajo una presencia a la vez sensual y ancestral.

Su obra está fuertemente influenciada por su exploración de la cultura colombiana y su propia identidad. La arquitectura, las matemáticas, el paisaje y la diversidad sociocultural de Colombia aparecen en las formas que logra con el uso de las fibras textiles y los metales.

Olga de Amaral ha exhibido en museos importantes, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Paris, Francia y el Museo de Arte Moderno de Kioto, Japón.

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La motivación de Sair García para estudiar Bellas Artes fue dejar memoria, a través del arte, de la barbarie que padeció la zona en la que creció.

Tras su paso por las aulas de la Universidad Nacional de Colombia sus preguntas se transformaron en apuestas plásticas que encontraron en el petróleo, madera, acero y óleo su medio de expresión. Su premisa principal fue la memoria, abordando estos flagelos con respeto tanto formal como conceptual, hacia quienes lamentablemente forman parte del creciente colectivo de víctimas de la violencia del país.

Tras un trabajo de 10 años, el artista inaugura “Volar el río”, exposición que es presentada como el cierre de “Magdalena”, la serie pictórica de mayor alcance y duración de García.

“Es un homenaje no solo a las víctimas, que son muchísimas, sino a la resistencia y resiliencia de las poblaciones tanto ribereñas como a la colombiana en general, que, a pesar de caer mil veces, vuelve y se levanta, y pesca, y siembra, y pare hijos, en un pleno acto de fe por este pedazo de tierra tan maltratado y herido.  Por su parte, Magdalena es una catarsis de toda una vida de sucesos, recuerdos, añoranzas, dolores, lutos, duelos y muchas alegrías, no solo míos sino de otros, resultó ser una autobiografía de mis vivencias y el resumen del sentir de una gran nación y de un conglomerado de pueblos y culturas que quisimos hablar y nunca fuimos escuchados, ante las barbaries, el atropello, asesinatos con el silencio y la indiferencia”, dice el artista.

En “Volar el río” también se puede apreciar también la primera exhibición pública de dos series que vienen consolidándose desde el año 2020.

Se trata de “República”, un proyecto escultórico que retoma el elemento de la platanera que tradicionalmente ha sido asociada a nociones como tercer mundo, violencia y monopolio, para reivindicarla como símbolo no solo de identidad colectiva sino de resistencia; y “Funerales celestes”, que presenta a su vez una instalación de 500 chulos o gallinazos elaborados en una aleación de metal; en ella, la bandada de aves se halla suspendida a pleno vuelo. Aquellos animales considerados de mal agüero ofrecen la posibilidad de repensar no solo dicha idea, sino también los rituales que han enmarcado la muerte en culturas que lejos de considerar esta ave como un mal presagio, la ven como el vehículo para alcanzar el cielo.

Eduardo Serrano, curador de “Volar el río”, comenta “García ha logrado transmitir artísticamente la esencia, el carácter de la Nueva Venecia, mezcla de tragedia y poesía, de dolor y resiliencia, enmarcados en un atractivo paisaje donde la naturaleza ha sido generosa y le ha conferido una importancia ecológica reconocida.  Esta serie sobre el Magdalena ha cumplido fielmente su propósito como arte, puesto que en su desarrollo ha consolidado un lenguaje singular y efectivo para transmitir dolores y esperanzas, hechos y circunstancias que sería difícil comunicar con palabras”.

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Esta muestra de Javier Caraballo es presentada como una “protesta infantil” con el fin de “crear conciencia social”, pues el artista expone reproducciones de obras maestras realizadas por artistas consagrados que son intervenidas por niños.

Es decir, piezas de Andy Warhol, Fernando Botero o Jean-Michel Basquiat, calificadas como obras maestras por los historiadores del arte, son reinterpretadas por niños gracias a un “proceso de investigación-creación” que Caraballo realizó con menores de edad en poblaciones menos favorecidas.

“Por medio de estos dibujos y pinturas que los niños hacían, encontré mensajes implícitos de una problemática social que nos rodea a todos, la falta de oportunidades, la violencia, el maltrato infantil y ver que estos infantes por medio de estos trazos “ingenuos” dan un mensaje de un contexto que los rodea, para mí como artista es un compromiso social hacer ver esta forma de comunicar de la población infantil”, dice el artista.

Para muchos este trabajo puede ser una falta de respeto o un despropósito, pero el curador, historiador y crítico Eduardo Serrano explica que “las obras de gran formato de Javier Caraballo, que reproducen muchas de las pinturas más admiradas de la historia pueden, en un primer momento, parecer un sacrilegio. Pero si se tiene en cuenta que Caraballo no toca los originales, simplemente los duplica, y que lo hace con evidente respeto y admiración, más que un atentado representa un homenaje”.

Así que, usando el recurso de la apropiación, Javier Caraballo realiza un trabajo con la clara intención de producir emoción y despertar sentimientos y recuerdos cálidos en el observador.

“Se trata simplemente de recurrir a ellas para hacer diferentes propuestas, para recontextualizarlas y convertirlas en parte de una nueva forma de expresión”, agrega Serrano.

Según la Galería Duque Arango, Caraballo presenta al mismo tiempo tres atmósferas distintas en sus pinturas: la primera hace referencia a la historia del arte y al virtuosismo con el que fueron realizadas las reconocidas obras; la segunda comprende las simplificaciones típicas del dibujo infantil en las que  hay ausencia de estrictas reglas técnicas, de perspectiva y de volúmenes; y la tercera y más importante: establece el universo creativo y de pensamiento del artista, que no solo invita al espectador a sumergirse en sus obras, sino también a recuperar desde la experiencia tranquila y contemplativa, la manera fantástica, vivaz, curiosa y honrada de interpretar el mundo y la vida propios de la corta edad.

“En esta serie trato de idealizar a los niños que se vean con oportunidades creando un discurso entre una obra existente yuxtapuesta con el dibujo de un niño y una niña, donde un acto ingenuo de travesura rayando o interviniendo con estos trazos infantiles las grandes obras maestras para comunicar y hacer conciencia como un acto de protesta de la población infantil”, concluye Javier Caraballo.

Compuesta por 33 obras, “Polifonía visual” se puede ver hasta el 31 de mayo en Medellín.

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Guayasamín (1919 – 1999) es uno de los más influyentes de la plástica latinoamericana del siglo XX y su trabajo se nutre de los “acontecimientos de la sociedad, invitándonos a reflexionar sobre el dolor y la esperanza, esta última que no debemos perder”, sostiene el curador Miguel González.

32 obras del artista ecuatoriano llegan a la Galería Duque Arango como un acontecimiento “imperdible”, en palabras del curador, pues “la obra del maestro es patrimonio nacional del estado ecuatoriano, es decir que, si un coleccionista posee un Guayasamín y esa obra en Ecuador, por ley esa pieza no puede salir (del país)”.

Entonces, el público puede apreciar piezas provenientes de España, Panamá, Estados Unidos, México y diversas ciudades de Colombia que recogen la “tradición del expresionismo, del Picasso de los años treinta sobre todo en el Guernica y sus derivados, pero preponderantemente de todas las apuestas que se estaban produciendo en Latinoamérica en las primeras décadas del siglo XX”, subraya González.

Oswaldo Guayasamín plasmó artísticamente una posición frente a las crueldades e injusticias de una sociedad que discrimina a la gente con menos recursos económicos, a los indígenas, a los afrodescendientes y a los débiles.

En la década de los 60 produjo importantes series de pinturas, entre ellas “Mujeres llorando”, rostros conmovedores que hablan del dolor y desesperanza, y en las que, con colores fúnebres como el negro y gris, el espectador puede ver sus rostros angustiados, sino manos implorantes.

Otras series que destaca el curador de “Dolor y esperanza” es “El grito”, “Desesperados” y “La espera”, donde los cuerpos de los personajes se ofrecen en distintas composiciones incluida un hombre boca abajo que enseña sus brazos y costillas, también cuadros donde se pueden ver representaciones masculinas con brazos implorantes y entre sus piernas el sexo.

Sin embargo, es “La Edad de la ira” la serie considerada como uno de los más importantes manifiestos políticos a través de la plástica en la segunda mitad del siglo XX, pues en “ella hay además de ira, llanto, angustia, miedo y cabezas de la montaña aullante”.

En este conjunto de obras, según Miguel González, “se expresa no solo un mundo físico deformado y caricaturizado, sino una alegoría a la violencia moral, al ámbito del sufrimiento, la opresión, en seres atormentados, premonitorios del deterioro, la orfandad y la muerte”.

Dice González que “La Edad de la ira” viajó por todo el mundo y llegó a Cali a inicio de los años 70 con motivo del Festival del Arte, por lo que un coleccionista de esa ciudad adquirió una pieza.

“He pintado durante medio siglo como si gritara desesperadamente. Y mi grito se añadió a todos los otros gritos que exprimen humillación y angustia en la época en la que vivimos”, dijo en 1976 sobre su obra Oswaldo Guayasamín, quien en 1999 (año en que murió) recibió el premio de la UNESCO por “su vida entera obrando por la paz”.

En “Dolor y esperanza”, se puede apreciar una escena campesina fechada en 1947, igualmente representaciones de figuras humanas características de su peculiar expresionismo, al tiempo que hay ejemplos de paisajes y bodegones, otro tema que el artista trató con su particular estilo.

El curador recuerda que en el nuevo milenio la sociedad humanidad continúa estremecida por un número creciente de acontecimientos dramáticos y las desigualdades parecen cada vez más radicalizarse, razón por la cual la obra contestataria de Guayasamín puede seguir vigente y conmoviendo.

Crédito fotos y videos:  cortesía Galería Duque Arango.

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