La exposición “Cartografías expandidas” reúne cinco proyectos independientes que exploran el grafiti y arte callejero: Coloquio Stencilero, Diez01, Magic Toys Graffiti, Peregrino Print Lab y Postal Expo Vintage.

La muestra reflexiona sobre el papel de estos colectivos que muchas veces trabajan al margen de instituciones culturales tradicionales.

“Cartografías expandidas” es curada por Carolina Sanz, quien documenta e investiga el grafiti América Latina.

Hasta el 12 de agosto en la sala Street Lab del Centro Colombo Americano de Bogotá.

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Inspirados en el alfabeto experimental con el que en 1973 participó Antonio Grass en la segunda Bienal Americana de Artes Gráficas de Cali, la exposición “Maíz” de Bastarda y Juan Pablo Fajardo es muy fácil de disfrutar porque el arte se fusiona con el diseño y la arquitectura.

Cada vez que recorro este sitio me gusta pensar en cómo me gustaría habitarlo.

Y cada vez que veo una exposición, me gusta ver qué me llevaría a mi hogar.

En esta exhibición, por supuesto, el maíz aquí es protagonista en diferentes representaciones, desde la palabra, pasando por esculturas que representan mazorcas, arepas o crispetas.

Entonces, partiendo de la geometría de las letras creadas por Antonio Grass, quien se inspiró en las figuras precolombinas, Bastarda y Juan Pablo Fajardo desarrollaron una tipografía variable y mientras se cuestionan “¿para qué otra cosa sirve una tipografía?”, nos presentan enlozados y mobiliario.

En “Maíz” también participan los artistas Mateo López, Marcela Medina, Carlos Alfonso, Francisco Toquica, Jennifer Medina, María Buenaventura y David Alejandro, quienes presentan sus obras en torno al maíz.

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A Tamayo lo conocí en RTVC, cuando él lideraba a los productores delegados de Señal Colombia y yo, desde la Coordinación de Comunicaciones, me encargaba de gestionar ante los periodistas los contenidos de Señal Colombia.

La pasión por las artes plásticas nos unió este 2025 ya que Tamayo expone su obra “Esos 3 orgasmos en Usaquén” en la exposición “Sintaxis”, que repasa 60 años del arte abstracto en Colombia.

No conocía el MAC. Me encantó. Su diseño curvo permite ver las obras desde diferentes perspectivas y matices de luces, algo maravilloso.

Curada por Sebastián Jiménez Cortés, “Sintaxis” exhibe obras de artistas pioneros de la abstracción en Colombia y que hacen parte de la colección del MAC, y obras de artistas jóvenes o emergentes que en la actualidad trabajan el arte abstracto, cinético, geométrico, informalista o expresionista.

En 1960 los artistas Eduardo Ramírez Villamizar, Enrique Grau, Alejandro Obregón, Fernando Botero o Armando Villegas fueron pioneros en el arte abstracto.

Hoy por hoy, artistas como Mauricio Tamayo, Giovanni Randazzo o Camila Barreto trabajan con este lenguaje expresivo.

“Sintaxis” se puede ver hasta el 12 de julio en el MAC, ubicado en el barrio Minuto de Dios de Bogotá.

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Me gusta el trabajo de la artista Clemencia Echeverri, así que esperaba encontrar videoinstalaciones de gran formato, pero cuando entré a la sala, que es bastante larga, quedé un poco decepcionada.

Pensaba que la muestra me iba a hacer sentir la inmensidad de los páramos, pero la sala se sentía un poco vacía.

“Fiebre”, de Clemencia Echeverri, continúa la exploración que la artista colombiana lleva a cabo entre las prácticas humanas y el territorio.

Por su parte, Eulalia De Valdenebro reflexiona sobre el discurso que sitúa al ser humano en el centro del mundo. Su obra “Ángelus” responde a los incendios que tuvieron lugar en los páramos de Colombia a inicio de 2024.

En ambas obras uno ve y escucha el paisaje que cambia.

Luego de recorrer la exposición “Páramos” me sentí en la mente de alguien que quiere recordar y honrar el páramo, y esa majestuosidad está en la memoria de cada uno.

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Obras de gran formato elaboradas con la técnica de acrílico, óleo y resina conforman esta muestra que continúa el proceso investigativo relacionado con la violencia histórica que se ha ejercido contra las mujeres, y que Carolina Convers ha materializado en las series “Deshaciendo patrones” y “Al borde del feminicidio”.

Ahora, en “Delirios en el horizonte” reflexiona sobre las amenazas y los ataques que la derecha ejerce sobre las mujeres.

Como es característico en la obra de Carolina Convers, las figuras están suspendidas entre dos planos de pigmentos que aluden a un horizonte, a unos paisajes en las que sobresalen partes de figuras femeninas, medias cabezas, manos y brazos… como si estuvieran suspendidos.

En otras obras, las figuras se ven como levitando en geometrías abstractas.

En palabras del historiador de arte Christian Padilla, estos recortes en las figuras con conceptuales porque siguen esperando el cambio, los derechos, la equidad y el progreso…. Así que “Delirios en el horizonte” presenta el futuro prometido como un delirio.

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“Oscura es la habitación donde dormimos” es la obra de Francesc Torres de 2007 con la que documentó la excavación de una fosa común de la Guerra Civil española en Villamayor de los Montes (Burgos, España).

“Desclasificar pasados”, por su parte, recopila uno de los proyectos forenses más grandes de Colombia: la fosa común del Globo B del Cementerio Central de Bogotá, inaugurado en 1836.

Aquí están expuestos un montón de archivos que narran la historia de esta fosa desde el lenguaje burocrático y administrativo.

Este trabajo de Francesc Torres se ha mostrado en varias partes del mundo, pero según él “No es hasta ahora, aquí en Bogotá, que este proyecto vuelve a tener un contexto absolutamente ideal”.

Entre tantas cifras de muertes se desvanece la humanidad, pero “Exhumar la memoria” me recordó que no es necesario saber exactamente quién es quién porque el dolor y la atrocidad es universal.

“Exhumar la memoria” es uno de los vestigios de la FILBo 2025, pues esta exposición está organizada por el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, el Ministerio de Cultura de España y Acción Cultural Española.

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La muestra es el resultado de cuatro años investigación de María Camila Montalvo Senior, quien durante sus recorridos por la Amazonía y Orinoquía ha conocido a hacedores y creadores indígenas que se relacionan diariamente con los elementos de la tierra y animales.

La exposición reúne a artistas académicos, artesanas y pescadores. Como espectadores somos testigos de ese diálogo que conecta arquitecturas animales y humanas en las obras realizadas en diferentes técnicas como: telares, dibujos, videos, esculturas o fotografías.

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Hasta el 29 de agosto el artista Gabriel Zea expone “El sueño del unicornio” en 12:00 Galería de Bogotá. Por medio de collages y metáforas de animales (unicornios y gatos gordos) el artista propone una reflexión sobre personas y empresas que lideran y se benefician del actual sistema económico; y la relación de la gente con estos sistemas.

Los collages realizados a partir de imágenes generadas por inteligencia artificial, que fueron impresas en impresora de punto y en papel antiguo y reciclado, son las piezas principales de “El sueño del unicornio”, exposición que Gabriel Zea presenta en 12:00 Galería de Bogotá hasta el 29 de agosto de 2024.

Estos collages de gran formato, que recuerdan los tapices del Renacimiento, conversan con piezas más pequeñas, elaboradas también en papel reciclado, en las que se pueden ver dos series de dibujos que exploran el mundo de los billetes y las monedas.

Entrevista con Gabriel Zea sobre “El sueño del unicornio” y su papel e interés en la difusión y comunicación cultural.

Cuéntame de “El sueño del unicornio”. ¿En qué se trata la exposición?

G.Z. Esta exposición continúa con mis investigaciones alrededor de la economía que adelanto desde hace muchos años.

Está esa exposición está centrada en dos temas principales: el primero es intentar entender y jugar con unas metáforas que se han ido creando en los sistemas económicos para hacerlos más fácil de entender a las personas del común. Son unas metáforas que básicamente son animales, aunque representan a empresas y a personas dentro del sistema.

¿Y cuáles son esas metáforas?

G.Z. Uno es el unicornio y el otro son los gatos gordos. Los unicornios son empresas que han tenido una capitalización muy grande en las primeras rondas de financiamiento, y los gatos gordos son personas que tienen mucho dinero, personas que acumulan mucho capital y, pues… que son gordos y se dedican a descansar.

Hay todo un zoológico de estas metáforas, pero Con María Adelaida Samper, la curadora de la exposición, decidimos centrarnos en estos dos animales porque tienen relación: los unicornios, principalmente, casi siempre son startups, empresas dedicadas como al mundo digital y; por otro lado, los gatos tienen que ver bastante con internet, ¿no?

¿Cómo materializas toda esta investigación en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Las piezas son bidimensionales. Básicamente uso el collage, que es una técnica que he venido utilizando durante mucho tiempo, pero sobre todo desde mi exposición anterior que fue el año pasado en Otro Espacio, en la que utilicé collages realizados con papeles de contabilidad y papeles viejos que han sido impresos en impresora de punto.

A partir de esos experimentos construí estas nuevas piezas en las que cada fragmento del collage, cada imagen es generada por inteligencia artificial que después edito e imprimo en impresoras de punto; y con estas imágenes construyo los collages finales.

Me parece curioso que tu investigación es muy actual, la materializas en formatos artísticos muy clásicos…

G.Z. Sí, es algo que justamente estamos intentando entender con María Adelaida Samper, nos hemos preguntado mucho sobre eso. En el proceso de realización hay unas estrategias de corte surrealista o Dadá como el collage. Sí hay algo técnico que va hacia atrás en la historia, pero que tiene unos contrapuntos con temas muy de ahora, muy actuales.

Como las figuras generadas con inteligencia artificial…

G.Z. Exacto, son formas de hacer muy, muy tradicionales en la historia del arte, pero con cosas como muy del momento, tal vez tiene que ver con los tiempos de las piezas. Es decir, los papeles que utilizo vienen del reciclaje, entonces son papeles que tal vez el más nuevo podrá tener, no sé, 20 años, una cosa así… Son papeles que ya no se utilizan, que no están en circulación, que no se producen.

Por otro lado, está el sistema de impresión que, podemos decir, es arcaico, que ya no es masivo o cotidiano.

Todo esto mira hacia atrás, pero la fuente de las imágenes y la investigación es muy del momento y ese tránsito de tiempos les da una característica muy especial a las imágenes porque las texturas de los papeles son especiales, no son comunes actualmente, porque no es el papel cotidiano.  

¿Y esa textura especial la ve o percibe el espectador?

G.Z. Sí se alcanza a notar. Hay cosas ahí que uno no reconoce en el papel, además que no son papeles tradicionales en la práctica artística (no tienen gran contenido de algodón), entonces sí hay algo que uno nota diferente.   

Aparte de los unicornios y los gatos gordos, ¿qué otras piezas hay en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Hay unas obras que son un complemento que sentía que debía tener. Los collages hablan del sistema grande que a la gente le toca relacionarse sí o sí, como las aplicaciones o inclusive el WhatsApp, que en su momento fue un unicornio y es un tema bien abstracto.

También presento, entonces, unas piezas con otros aspectos del sistema económico con el que nos relacionamos todo el tiempo; que son dos series de dibujos en papel: uno explora el mundo de los billetes y el otro las monedas.

La serie de los billetes son dibujos de patrones guilloché que se diseñaron, inicialmente, como patrones de seguridad en billetes y documentos, los cuales eran muy difíciles de producir al final del siglo XIX y principios del siglo XX; pero hoy en día son muy fáciles de producir, entonces no son tan seguros. Este patrón se sigue utilizando, pero más como cuestión decorativa.

Por otra parte, la serie de monedas son unos frottage (cuando se frota un lápiz sobre una hoja puesta sobre un objeto) realizados a partir de fragmentos de monedas que crean patrones que se van extendiendo de diferentes maneras en las hojas.

¿Tu práctica artística, cómo está con la difusión cultural, ya que eres muy juicioso con la producción podcasts?

Me interesan muchísimo las comunicaciones en las artes porque tenemos una falta de público muy grande y muchas veces las exposiciones terminan siendo para los amigos o el grupo muy cercano de personas que conoce la actividad artística y, pues, claramente eso un problema que tiene varias repercusiones, pero, sobre todo, es que hay mucha energía y es el trabajo de una gran red de personas (que va más allá del artista) y al final es complicadísimo que la vean 50 o 100 personas.  

Por otro lado, en la ciudad hay mucha oferta de eventos de artes contemporáneas de muy buena calidad que el público se está perdiendo porque no sabe o porque le interesa.

Entonces, me interesa como ayudar un poco a difundir lo que está pasando en la escena local y por eso creé el pódcast Interviús y más recientemente Extra, que son cápsulas sobre exposiciones del mes.

Aparte de la difusión, también hay una cuestión de registro histórico que me parece importante porque, muchas veces, estamos tan enfocados en la producción o la exposición que se olvida registrar y con el paso del tiempo nos damos cuenta de que no hay archivo de los eventos artísticos que se realizaron; y eso es un problema.

A veces el ritmo es tan fuerte que el registro nunca sucede por varias razones, así que es una tarea más por hacer, pero no es tan fácil porque en este medio artístico algo se queda sin hacer y, generalmente, es el registro.

Por eso me interesa generar el registro de lo que sucede en el medio, por si algún día alguien lo necesita.

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Siete lonas largas me recibieron en la sala de exposición. Las diferentes tonalidades de azul y ocre me situaron en una playa, pero la verdad es que estas ‘aguaaurografías’ (técnica artística creada por Fernando Cruz) evocan las aguas de la cuenca del río Bogotá.

Al leer la ficha técnica supe que estas obras fueron creadas con agua del río a lo largo de su trayectoria, como el Páramo de Guacheneque, el Humedal La Conejera o el Salto del Tequendama.

Como no sabía cuál es el recorrido del río Bogotá, me acerqué al mapa que recopila los sitios en los que se elaboró el proyecto “Pulsos del río Bogotá”, una fusión entre arte, ciencia y comunidad realizada entre el colectivo entre—ríos, comunidades de la cuenca, el artista Fernando Cruz y el ingeniero civil Luis Alejandro Camacho.

“Pulsos del río Bogotá” se puede ver hasta finales de julio en la Galería Sextante de Bogotá.

En estos momentos en que los residentes de Bogotá y algunas zonas de Cundinamarca sufrimos los racionamientos, es muy pertinente generar la conversación sobre el agua desde un punto de vista que se aleja de lo político, y que supera las cifras o los niveles de los embalses.

Sin embargo, es importante aclarar que esta muestra no responde a la inmediatez, sino que se trabaja desde 2023 con comunidades y organizaciones del Páramo de Guacheneque, Suesca, Sesquilé, Suba, El Charquito y el Salto del Tequendama.

El objetivo es poner en diálogo la medición de calidad del río y la creación de imágenes con sus aguas; pero más que retratar el paisaje o el agua en sí misma, el fin es que los espectadores sintamos “el alma” y “los pulsos” del río; y entendamos que todas nuestras acciones se reflejan en la calidad de este río que está conectado con todo el país.

El texto del ingeniero Luis Alejandro Camacho es fundamental para entender, según su conocimiento, que el río Bogotá no está muerto ya que tiene “pulsos de vida”.

“Los pulsos del río Bogotá son claros. Los hemos medido y nos dan la esperanza, pero también la certeza de que el río está vivo, de que vive desde todas partes de la cuenca, que revive a pesar de la contaminación que le producimos en algunos momentos y en forma difusa a lo largo de su recorrido. Los cuidadores de los ríos, los ribereños, los científicos, los artistas, dan fe de la vida del rio y de sus fuentes de agua, aquellas que lo conforman”, escribe.

Y para hacer más didáctico el asunto, la exposición se nutre de varios carteles de colores que, bajo el título “Cómo cuidar un río”, conta de varios capítulos (por así decirlo): ¡Nace el río!, Gira el agua, Antiguo cuerpo anfibio, Sembrar el río, Salta el Bogotá. Éstos se complementan con otros desplegables que narran la vida del ecosistema en El Salto del Tequendama, Suesca, Villapinzón, Sesquilé, Suba y El Charquito. Estos desplegables se pueden consultar en https://entre-rios.net/como-cuidar-un-rio/

Me parece fascinante lo que la naturaleza sigue generando en los artistas, y cómo cada uno traduce esa inspiración en un proceso poético.

Las aguas del Río Bogotá, por ejemplo, también fueron fundamentales en la instalación “Cualquiera que bebiere de esta agua volverá a tener sed” que Paulo Licona presentó en SGR Galería y, aunque la puesta en escena era sombría, un bolero nos recordaba a los espectadores que su propuesta era sobre la muerte, pero también sobre la vida del Río Bogotá.

-> Video “Cualquiera que bebiere de esta agua volverá a tener sed”.

Otro ejemplo reciente es el de Leonel Vásquez, quien en 2023 exhibió “Templo del agua: río Bogotá” en NC-Arte, una propuesta sonora a partir de los sentimientos y palabras que el agua y el Río Bogotá a través de su cuenta genera en nuestras gargantas.

“Templo del agua: río Bogotá”, que también fue curada por Lisa Blackmore, respondía igualmente a una investigación de entre-ríos sobre el reconocimiento de los cuerpos humanos y los cuerpos de agua como “sujetos activos que producen formas estéticas, transforman paisajes y modelan la memoria”; y el resultado artístico fueron esculturas que generan sonidos a partir de las gotas de agua, o flautas que emiten una especie de melodía a partir de la turbulencia que se genera por el contacto entre agua, aire, espacio y cuerpo.

-> Video “Templo del agua: río Bogotá”.

En “Pulsos del Río Bogotá”, la parte artística la pone Fernando Cruz, quien en junto a diversas comunidades de la cuenca realizó talleres en los que se crearon las ‘aguaaurografías’, unas en lona y otras en algodón, con el agua del río tomada en varios puntos de la cuenca.

En cada una varía el autor, la intención, el lugar, su clima, químicos del cianotipo utilizados en distintos tiempos y orden, el tiempo, el agua y sus contenidos naturales.

Los participantes de los talleres, que tienen una relación previa con el colectivo entre—ríos, siguieron las pautas del artista ycrearon imágenes del río desde sus riberas, colinas, humedales y nacederos, inspirándose en estos ecosistemas y las emociones que despierta la cuenca. Mezclada su agua con químicos y aplicada en papel artesanal hecho por Taller Arte Dos Gráfico, el río se revela en retratos abstractos y coloridos, que evocan sus formas y flujos diversos.

“Pulsos del Río Bogotá” se complementa con un documental que retrata paisajes del río desde su nacimiento hasta el Salto del Tequendama, así como los testimonios acerca de los retos que enfrenta la descontaminación del río, y los sueños y las resistencias que sostienen sus cuidadores.

Esta fusión entre arte, ciencia y comunidad tendrá, además, un conversatorio el 4 de julio a las 2:00 p.m. en la Galería Sextante (carrera 14 # 75-35).

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Ella, junto a otras artistas como Marlene Hoffmann y Stella Bernal fueron pioneras en recurrir al tejido como expresión artística, tras haber estudiado en el Colegio Mayor de Cundinamarca y en Cranbrook Academy of Art en Michigan (Estados Unidos) con profesores conocedores y orientados por la Bauhaus.

Olga de Amaral tiene 92 años y es una de las artistas colombianas que ha logrado mantener vigente el interés por su trabajo tanto en el país como en el extranjero.

Su obra está expuesta en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET), este 2024 participó por segunda ocasión en la Bienal de Venecia y a mediados de mayo su obra “Pueblo X” (2013) se subastó en Sotheby’s por 698.500 dólares, cuando había sido valorada por 250.000 dólares. Según esta casa de subasta, esta obra elaborada con oro, acrílico y yeso sobre lino no se había comercializado antes y esta venta significa un aumento del 25% del valor de la obra.

Con todo ese bagaje la obra de Olga de Amaral llega a la Galería Duque Arango de Medellín, donde se puede apreciar hasta el 29 de junio “La contemporaneidad de lo ancestral”, muestra que reúne 24 obras de gran formato de las series “Nébula”, “Umbra”, “Alquimia y “Sol”.

“Nébula”, por ejemplo, es la única realizada con papel japonés como soporte y en la que los metales preciosos brillan por su ausencia.

Otra obra incluida, “Umbra”, o sea, sombra, hace referencia a la penumbra que, en relación con las artes plásticas enriquece las cualidades de la forma y el espacio al tiempo que realza el volumen y las texturas.

Y así como los alquimistas buscaban transmutar la materia, en “Alquimia” Olga de Amaral transmuta materiales como el oro en arte, en algo más valioso que el oro, porque es producto del ingenio humano.

“La contemporaneidad de lo ancestral” es una gran posibilidad de ver la obra de Amaral, importante figura en el desarrollo del arte textil y la abstracción de la posguerra en Latinoamérica, cuya técnica incorporan fibras, pintura, yeso y metales preciosos transformando el textil de dos dimensiones a objetos tridimensionales y por ende creando obras que van más allá de la clasificación.

El uso del oro por Olga de Amaral, inspirado en las historias entrelazadas de la cultura prehispánica con el arte colonial, dona a su trabajo una presencia a la vez sensual y ancestral.

Su obra está fuertemente influenciada por su exploración de la cultura colombiana y su propia identidad. La arquitectura, las matemáticas, el paisaje y la diversidad sociocultural de Colombia aparecen en las formas que logra con el uso de las fibras textiles y los metales.

Olga de Amaral ha exhibido en museos importantes, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Paris, Francia y el Museo de Arte Moderno de Kioto, Japón.

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