Volví a un set de grabación y fui feliz. Hace rato no tenía el placer de estar invitada a la grabación de una producción colombiana, hasta que en julio me dijeron que si podía ir un día a las grabaciones de la película “Policiaco sin crimen” en Bogotá.

Una casa majestuosa del barrio La Magdalena era el escenario perfecto para ambientar esta historia que se desarrolla en los años 60 y está inspirada en el cine negro. Los protagonistas Juana Arias y Saín Castro filmaban sus escenas en las que los personajes Esperanza y Calvás sostenían un diálogo acalorado.

Semanas mas tarde, me preguntaron si me gustaría ir a Tunja a presenciar otra parte del rodaje. ¡Pero claro!, ¿cómo no?

Ese viaje fue más divertido de lo que pensé. Mi trabajo consistía en presenciar algunas escenas para entender el universo de “Policiaco sin crimen” y hacer las entrevistas necesarias para redactar el primer boletín sobre la película, algo que me gusta mucho, pero el grupo con el que viajé fue fantástico.

A algunos los conocía, pero no todos eran amigos míos. Durante el camino conversamos sobre cine, música, las familias y el quehacer periodístico.

La producción de “Policiaco sin crimen” nos trató muy bien y aguantó que estuviéramos por ahí borondiando, haciendo nuestro trabajo.

“Policiaco sin crimen” es la ópera prima de Darío Vargas, quien se rodea de grandes figuras que han forjado -junto a él- la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como Rosario Lozano (diseño de producción), Rosita Cabal (diseño de vestuario), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Cuenta con la producción ejecutiva de Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

De regreso a casa redacté este boletín de prensa que comparto en este blog:

En Bogotá y Tunja se llevó a cabo el rodaje de Policiaco sin crimen, ópera prima de Darío Vargas que, inspirada en el cine negro estadounidense de los años 40 y 50, se desarrolla en Colombia a comienzos de los años 60, época en la que los detectives Calvás (Saín Castro) y Calvo (Juan Carlos Benjumea) son contratados por Esperanza (Juana Arias), una misteriosa mujer que busca a su abuelo desaparecido.

La investigación conduce a los detectives a descubrir, con la ayuda de su asistente Adelguiza Prisa (Ángela Cano), que han sido objeto de un engaño y deberán develar los motivos por los cuales la mujer los ha contratado.

“Que no haya crimen le da el tono que, creemos, debe tener la película, un tono de buen humor y de humor negro. Policiaco sin crimen está inspirada en un cine muy popular en Hollywood de los años 40 y 50, y tiene algunas revisiones actuales como Sin City o Blade Runner, películas de cine profundo, de autor, pero inversas en el sistema de Hollywood, por lo que el cine negro es, quizás, una de las expresiones más claras de lo que es buen cine”, dice Darío Vargas, reconocido director de clásicos nacionales como ¿Por qué mataron a Betty si era tan buena muchacha? o En cuerpo ajeno.

En esta película lo policial está presente sin que el crimen sea protagonista, así que la ciudad donde se desarrolla se presenta húmeda, fría, con rincones oscuros que parecen guardar secretos invisibles.

Fue así como las calles del barrio La Magdalena de Bogotá y las del centro de Tunja se tiñeron del ambiente de los 60 durante las semanas que duró el rodaje.

“Como estaban planteadas las escenas exteriores para recrear los inicios de los años 60 eran muy difíciles de realizar en Bogotá, teniendo en cuenta nuestro presupuesto de cine independiente. Por eso le propuse al director rodarlas en Tunja porque la ciudad tiene muchas edificaciones de los años 50 y 60”, comenta el productor ejecutivo Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

Fotograma “Policiaco sin crimen”: Juana Arias como Esperanza.

La experiencia de más de tres décadas en la industria audiovisual de Vargas y Guarín se complementa con el trabajo de algunos de los mejores profesionales que han impulsado la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como lo es Rosario Lozano (diseño de producción de Crónicas de una generación trágica, Bolívar soy yo o La Pola), Rosita Cabal (diseño de vestuario de Yo soy Betty, la fea; Leandro Díaz o La Vorágine), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Con este equipo, Darío Vargas y Óscar Guarín crearon una propuesta visual y estética de Policiaco sin crimen que se apoya en una paleta de colores desaturada dominada por tonos fríos (grises, verdes apagados, marrones tierra y azul petróleo), uso constante de lluvia fina y niebla suave que refuerzan el tono melancólico y ambiguo de la historia, y locaciones urbanas nostálgicas (bares con muebles de madera oscura, cafés antiguos, oficinas con escritorios pesados, y calles adoquinadas iluminadas por faroles tenues). 

El vestuario, por supuesto, está inspirado en la elegancia formal de la época, con una marcada influencia del cine negro, adaptada al contexto bogotano de principios de los 60. El maquillaje y la peluquería refuerzan esta estética con sobriedad y coherencia histórica.

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Aunque pudiera parecer que Simón Mesa en su nueva película se mofa con facilidad de los poetas en general, con sus luces y sus sombras, y con muchos de sus matices, creo que la película como toda obra de arte resiste múltiples lecturas, y que quedarse en el humor, y en el argumento mismo, es conformarse con el chiste fácil que es sólo una de sus capas y tal vez la más superficial.

Porque si bien la película nos muestra de entrada a un poeta fracasado de 54 años que vive con su mamá, que abandonó su hija para poder dedicarse a ver pasar las nubes, que se sustenta de andar prestando cinco mil pesos cada tanto, y que según el director en una entrevista para El País del 28 de agosto, es la personificación de sus propios temores, este personaje, Óscar Restrepo, encarnado por Ubeimar Ríos, actor natural, y poeta fuera de la pantalla, podría ser cualquier persona, y siento que el filme más que satirizar la condición de cierto tipo de artista, o de los artistas caídos en el fracaso y en el alcohol, nos habla con profundidad de la condición humana, de nuestra innegable fragilidad, y del nefasto inconveniente de nacer en Colombia, en cualquier momento de su historia, y más en la posteridad de los carteles del narcotráfico.

Pues si es indiscutible que en Colombia ha habido todo tipo de poetas, los nadaístas que luego fueron uribistas, por ejemplo, o evangélicos, lo que es peor; los que intentaron sobornar a un juez enviándole un fajo de billetes en una caja llena de libros de poesía… entre otros tristes ejemplos de nuestra fauna nacional, es de conocimiento popular, diríase universal, que los poetas como tal son inofensivos. Como queda demostrado en la película, son ellos mismos sus peores enemigos y sólo podrían hacerse daño a sí mismos y su existencia etérea no podría ser uno de los problemas estructurales de Colombia…

Nadie vive de la poesía, pero de los poetas sí se alimenta el desencanto, la depresión y el sinsentido. Doy fe. Algunos se han dedicado a ser profesores, y por más desprestigio que ellos mismos sientan por este oficio, bastaría recordarles que poetas y profesores de colegio, también lo fueron el ya mítico César Vallejo, Gabriela Mistral, Idea Villarino, Antonio Machado y hasta Nicanor Parra, dentro de una lista interminable, y que aunque hayan muerto de hambre, literalmente, o en el exilio, con todos sus laureles, no los mató la poesía, sino la guerra y la precariedad en que viven los artistas, la impotencia intrínseca de los creadores de no poder subsistir de su arte, impotencia que lleva a Óscar Restrepo al alcoholismo y a la desilusión. Circunstancias que han llevado a millares de personas en general en el país a vivir también en ese desencanto, porque en Colombia la desesperanza no distingue de oficios o profesiones, porque la violencia nos ha castigado por igual.

Un poeta, asimismo, cuestiona con elegancia a los burócratas, y creo que los cuestiona más que a los poetas mismos. Quién que la haya visto no habrá asociado a los gestores del festival de poesía que en ella aparecen con el director de la Casa de Poesía Silva, institución fundada por la inmensa María Mercedes Carranza en homenaje de José Asunción Silva, nada más y nada menos, patrono de la película, y que hoy en día es un nido de corrupción como la peor oficina de cualquier politiquero, donde le han adeudado por años los pagos a sus trabajadores, y donde la poesía dejó de ser hace tiempo el espíritu que se pasea por sus instalaciones sagradas para darle paso al fantasma del dinero, pues su encargado, al parecer, no heredó ni una sola raya del tigre de su padre.

Por otro lado, es de destacar que Medellín en la cinta aparezca sin armas y sin narcos, y que Mesa nos narre otra realidad, aunque también violenta, pero sí alejada de los lugares comunes de nuestro cine. La película fue rodada en formato de 16 milímetros y es un poema visual, nada tan poético como ver a Medellín con el grano de lo analógico. La película, visualmente hablando, es un poema.

Una elegía, si se piensa en que Yurlady y Daniela representan a miles de jovencitas de la ciudad abandonadas por sus padres, y por el Estado, que viven en condiciones de hacinamiento deplorables, y que a pesar de todo tienen conciencia de que su salvación nada tiene que ver con la poesía, ni con el sueño de ser grandes poetas, o sea: su salvación nada tiene que ver con la educación, sino con la posibilidad tangible de ver a sus familias en paz, en tranquilidad, obteniendo su mínimo vital y, ojalá, y esto ya es una plegaria mía, aleladas de la terrible exposición al turismo sexual.

En fin, Un poeta narra el drama de los artistas en general en medio del desencanto como consecuencia de las condiciones sociopolíticas de un país de arpías como Colombia, y desvela su humanidad, mostrándonos cuán frágiles son, y nos recuerda que dentro de ellos pueden cohabitar ángeles y demonios, y que algunos son nada más que demonios, por talentosos y reconocidos que sean. Los poetas que organizan recitales para acosar a las jovencitas. Los padres que abandonan a sus hijas o hijos. Su problema no es ser poetas, es ser hombres, u hombres violentos.

En mi caso, pese a todo, prefiero celebrar la vida de todos los anónimos Óscar Restrepo que hay en el país, viviendo de los oficios más disímiles en sus propios pueblos, alejados del asqueroso mundillo literario. Prefiero celebrar la vida de todas las anónimas Yurlady que escriben poemas, en sus pupitres de colegio, sobre las sábanas que se secan en sus patios, y sobre los colores de su habitación de comuna en la loma, sin esperar protagonismo de ningún tipo, y no celebrar nunca a los burócratas que, sean poetas o no, viven de nuestra sangre. A los burócratas que sin acercarse en lo más mínimo a la grandeza de García Márquez sí viven convencidos de ser como él.

Y, como esta reseña sólo la leen poetas, porque en Colombia a nadie le importan los poetas, salvo a ellos mismos, me despido con estos versos de José Emilio Pacheco que, creo, encierran bien lo que les he querido decir hasta ahora: “Dijo Cernuda que ningún país/ ha soportado a sus poetas vivos./ Pero está bien así:/ ¿No es peor destino/ ser el Poeta Nacional/ a quien saludan todos en la calle?”

Albeiro Guiral
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Mi amiga Litza me invitó a escribir el boletín de prensa y aquí lo comparto:

Bogotá con sus luces y sombras, con los reflejos del agua encharcada, con las calles que guardan los misterios de la noche, con los muros que generan segmentación y con ella las diferentes realidades, protagoniza la nueva película colombiana Tres lunas nuevas, que llega a los cines a partir del 21 de agosto.

Este largometraje de ficción, ópera prima del director Rodrigo Dimaté, cuenta tres historias de jóvenes que viven en San Luis (vía La Calera), Kennedy y el centro de Bogotá. Alex (16) no va al colegio y pasa su día por ahí, en aparente libertad, haciendo lo que le dijeron que no hiciera; Steven (20) intenta mantener un trabajo, pero siempre hay un amigo, una fiesta, un problema; y Kevin (23) quiere huir de la droga y la violencia, esperando, en medio de continuos fracasos, un milagro.

Los protagonistas de cada relato son testigos del caos y el frenetismo. Toman consciencia de su realidad sin dejar de estar expuestos, hasta el crucial momento en que deben resistir o ceder al remolino, a un destino repetido por muchos, a la violencia natural que recorre las calles y callejuelas como fluido vital que moviliza y posibilita todo.

“Este proyecto empezó a tener una motivación desde los barrios y sus problemáticas, y un tema muy importante de fondo es el tema de la droga, específicamente el bazuco, que es la salida al vacío que hay en la juventud, a la falta de oportunidades, al no futuro, a la imposibilidad de los sueños”, expresa Rodrigo Dimaté.

La estética y el discurso de las calles de Bogotá

“Esta película se cuenta desde el barrio y las calles de Bogotá, lo que tiene lugar allí y que como ciudadanos generalmente no miramos”, dice la productora María Jimena Barreto.

En Tres lunas nuevas se exhibe Bogotá y sus espacios a través de un recorrido por diferentes barrios, en donde sale a relucir la violencia que permea las relaciones con la familia y los amigos, dando paso a la traición y el desencanto.

Estéticamente, recurre a la ficción para representar cómo se piensa y se muestra el barrio a partir de la creación de los personajes, sus conflictos y situaciones, que se narran con el discurso, el guion y la música. Los conocedores del rap, por ejemplo, reconocerán las letras de Pedro Alemán, Lancelot y Askoman, así como  la aparición en escena del emblemático Fumas Bolívar.

Otro aspecto importante y diferencial de Tres lunas nuevas es que cuenta con el trabajo de jóvenes actores profesionales como Marlon Rodríguez (Alex), Elkin Caro (Steven), Juan Diego Mosquera (John). Así mismo, participan actores reconocidos del teatro: Diego Barragán, Juan Manuel Combariza, Fabián Martínez, Fabián Velandia, Isis González y Sirley Martínez y otros actores no profesionales como Martha Correa (Cecilia), reconocida por su interpretación en La vendedora de rosas, y Tito Gómez, protagonista de La mujer del animal.

Tres lunas nuevas es el primer largometraje de Rodrigo Dimaté, cineasta y docente que durante más de una década ha impulsado iniciativas artísticas a través de una mirada estética que surge de las realidades locales, las dinámicas sociales y los encuentros entre el cine y la literatura.

En ese contexto, la película responde al interés del director y la productora María Jimena Barreto de continuar la investigación sobre los jóvenes que viven en barrios de la periferia bogotana, un proceso que comenzaron hace varios años de la mano de la productora Quó Cine, con la que realizaron los cortometrajes Vida de un rey, Los asesinos y Asunto fractal.

Esta exploración continúa con Tres lunas nuevas: historias que llevan la marca de la ciudad, en la que palpitan emociones y contradicciones; mientras que la luna nueva, invisible, es rasgo de la noche oscura y quizás un rasgo que representa a los protagonistas de la película, escondidos en las esquinas, también invisibles. 

Tres lunas nuevas es una película de Quó Cine, en asocio con Baal Cine y Radiola Films. Con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Proimágenes Colombia. La distribución en Colombia está a cargo de Danta Cine.

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No recordaba nada sobre el secuestro de los diputados del Valle (11 de abril de 2002), aparte de la noticia en sí del secuestro por parte de las Farc. Una pena porque en ese tiempo yo vivía en Cali y trabajaba en el noticiero regional NotiPacífico.

Y sobre Sigifredo López, debo admitir con vergüenza, que no tenía claro en qué había quedado su proceso con la justicia, aunque trabajaba en El Espectador…

Esto fue lo primero que pensé cuando Litza y Lizzeth me permitieron ver “El doble secuestro de Sigifredo López” para que redactara el boletín de prensa de esta película que se estrena en salas el 17 de julio.

Me vi el documental dos veces y mi conclusión es que como sociedad no entendemos el poder de la información y el peligro de las noticias falsas.

“El doble secuestro de Sigifredo López” es una película documental dirigida por Alejandro Bernal Rueda, con la investigación de Sofía Villamil y la producción de DYNAMO en cabeza de la productora Vivian Valencia, con la producción ejecutiva de Diego Ramírez Schrempp y Andrés Calderón.

El propósito del director es narrar una historia reciente de Colombia a partir de la reconstrucción de este secuestro colectivo del que sólo sobrevivió Sigifredo López. Y lo hace de una forma espectacular porque, por supuesto, cuenta con la voz del político; pero también de los familiares de los diputados, políticos, periodistas, analistas políticos y mucho material de archivo de medios de comunicación y de las Farc.

Para reflexionar los mensajes de Sigifredo sobre la vida, el cómo mantenerse con vida, el tiempo vivido y perdido junto a los seres queridos, la humanidad y la dignidad.

Sorprendente ver el video de las Farc en el que documental cómo se prepararon para el secuestro, cómo lo llevaron a cabo y cómo mantuvieron a estos hombres en la selva.

Asombroso ver, así mismo, el transcurso del país durante cuatro periodos presidenciales (Andrés Pastrana, Álvaro Uribe y Juan Manuel Santos) y el uso del lenguaje en cada uno de ellos.

Desesperanzador ver el trabajo de las familias para que esta ‘noticia’ local que trascendió a nivel nacional no dejara de serlo, aún cuando Uribe se negó al ‘Intercambio humanitario’.

Aterrador ver el discurso de la Fiscalía cuando, diez años después del secuestro (2012), acusó a Sigifredo López de ser cómplice de la guerrilla en la planeación del secuestro.

Frustrante ver cómo los medios de comunicación se prestan -o quedan atrapados- en el poder de la información, la palabra y la imagen, y emiten y emiten un montón de información que, fácilmente, se convierte en una noticia falsa… como se demostró en el caso de Sigifredo López.

Impactante ver que una noticia falsa no la desmiente casi nadie y cómo una noticia deja de ser noticia.

“El doble secuestro de Sigifredo López” no es una película política. Desde mi punto de vista es una mirada retrospectiva de las últimas dos décadas de Colombia desde la memoria de Sigifredo López, su familia y los familiares de los otros políticos; desde la mirada de los políticos colombianos y las Farc que ante cámara explican las decisiones del gobierno y la guerrilla; y las muchas horas de material de archivo Es una lección preciosa de historia gracias a los aportes del periodista Jorge Cardona y la escritora Olga Behar.

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El 12 de junio se estrena la película colombiana “Estancia”, una película de la que me encantó escribir. Desde que superé el miedo a la hoja en blanco, disfruto mucho el proceso de escritura y así me cueste resolver un párrafo o la fluidez del texto, me encanta que mi cerebro piense cómo solucionarlo.

“Estancia” es de esas obras que no me dio lidia.

Primero me vi la película sin tener ningún contexto. Mi amiga Litza (y Lizzeth) me encargaron el boletín de prensa y entonces una mañana la vi.

Todo en esta película documental es maravilloso. La forma como se presentan los personajes, la estética, los pocos diálogos, el silencio y, por supuesto, la casa hermosa que, aunque en un principio no sabía dónde se ubicaba, me recordó mucho a las de San Antonio de Cali o a las casonas de Teusaquillo o Quinta Camacho de Bogotá.

Luego, en la reunión que definió la estrategia de comunicación, el director Andrés Carmona Rivera y el productor Mauricio Carmona Rivera (el primero comunicador audiovisual y multimedial; y el segundo artista plástico e historiador) ofrecieron detalles del valor de la memoria de Estancia, esta casa de 1860 que se resiste a dejar el Parque Bolívar de Medellín, y de los habitantes que protagonizan el filme.

Uno de los referentes del director es el fotógrafo Fernell Franco, quien en las últimas décadas del siglo pasado retrató los interiores de ciertos lugares de Cali que alguna vez fueron habitadas por gente con buenos recursos económicos y que luego pertenecieron a las clases populares.

Este dato fue fundamental para mí porque me permitió entender la profundidad que para los realizadores tiene la memoria que, a diferencia de la historia, es personal y está cargada de sentimientos.

Entender la importancia de Estancia, las diferentes épocas de Medellín de las que ha sido testigo, muchas de las cuales comparte con los protagonistas Guillermo, Álvaro, Raúl y Javier; me facilitó escribir sobre esta película que trata sobre el placer de envejecer como se quiere.

Comparto aquí el boletín de prensa y de verdad, no dudes en ver “Estancia”.

En el Parque Bolívar de Medellín una casa resiste al paso del tiempo, la gentrificación e ideales de progreso. La Estancia, construida en la década de 1860 por Pastor Restrepo, pionero de la fotografía en el país, es una casa que se ha mantenido en pie a pesar de los procesos de renovación urbana de la ciudad, y que ha sido testigo de la transformación del paisaje urbano, así como de las historias de vida de quienes la han habitado.

Varias de estas historias protagonizan Estancia, la ópera prima de Andrés Carmona Rivera que, con la producción de Mauricio Carmona Rivera, llega a las salas de cine de Colombia a partir del 12 de junio. Así mismo, hace parte de la nueva edición del Ciclo Rosa que se realiza en la Cinemateca de Bogotá entre el 18 y el 30 de junio; y en Medellín el 2 de julio en el Colombo Americano.

A la selección del Ciclo Rosa no sólo llegan por la narrativa de género diverso y otras masculinidades, sino porque Estancia es una producción cinematográfica que visibiliza la vida de hombres mayores que en un inquilinato se permiten vivir una vejez autónoma, vital y que reivindica la diferencia en una sociedad tradicional.

Guillermo y Álvaro, pareja por más de 50 años, recuerdan una ciudad soterrada donde la homosexualidad ha sido silenciada. Raúl, actual pareja de Guillermo, pareciera no encontrar salida a su infierno cotidiano de amargura. Javier, la antípoda de este documental polifónico, es un místico que usa kimono, es mormón y vendedor multinivel.

“‘Estancia’ es una película fraternal que celebra la vida. A pesar del tránsito hacia lo inevitable, la muerte, este relato coral habla sobre otras formas de compañía y de vejez porque la Estancia no es un ancianato, no es un lugar donde hay un médico o enfermera que cuida; es un lugar al margen donde estos hombres se cuidan entre ellos. Esta casa es como la madre que acoge y les permite ser lo que quieran”, dice el director Andrés Carmona Rivera.

Estancia es una película coral que narra historias personales y de ciudad porque, gracias a los diálogos en primera persona, se reconstruye la Medellín que durante las décadas del 60 y 70 acogía bares como “Sayonara”, “Donde las águilas se atreven”, “El Grillón” o “La Whiskería”. Así se devela una  ciudad poco conocida y explorada para la generación actual, ya que poco se habla de aquellos bares gays multitudinarios de la segunda mitad del siglo pasado.

Toda la película sucede dentro de la Estancia. El mundo exterior se vislumbra por las ventanas que permiten divisar la catedral, el árbol de caucho del Parque Bolívar o escuchar el sonido ambiente y el caos urbano del centro de la ciudad. “No importa si se reconoce la iglesia o los rasgos del lugar; esta casa podría estar en una plaza, un barrio o una ciudad cualquiera de Colombia, resistiendo a los procesos de renovación urbana y a los nuevos modelos de vivienda en altura”.

La memoria como fuente de inspiración

Inspirado en el trabajo del fotógrafo Fernell Franco, quien desde 1970 capturó los espacios interiores de diversos lugares en la ciudad de Cali, donde retrató a las clases populares y la llegada de nuevos habitantes a estas viejas casonas que antes pertenecieron a élite –dando cuenta así del fenómeno urbano y de los procesos de modernización de la ciudad–; el director de Estancia, Andrés Carmona Rivera, decidió emprender este proyecto fílmico en el que gracias a la observación atenta y la lente de su cámara, logró capturar la atmósfera del lugar y la peculiaridad de cada uno de sus habitantes, quienes paulatinamente le abrieron las puertas de sus habitaciones y de sus vidas, en un viaje a través del tiempo y la memoria, donde la altura de la cámara, los planos largos y contemplativos fueron indispensables para la producción de este documental inmersivo y silente.

“Nosotros partimos de la memoria o la desmemoria de Medellín, una ciudad que ha arrasado con los vestigios y lugares de encuentro y acogida, como los cines, bares y cafés de la ciudad a lo largo de su historia. Nos preguntamos ¿a dónde están yendo estas personas? ¿Qué pierde la ciudad al darles la espalda y al desplazarlos de sus espacios habitados?”, añade el director.

Y eso, justamente, es uno de los valores de Estancia. Los diálogos, lo que se ve a través de las ventanas, y ciertos espacios de la casa, como las habitaciones o las escaleras, le permiten al espectador reconstruir la historia gracias a las conversaciones de estos protagonistas que cuentan los pormenores más íntimos de sus vidas.

Álvaro, quien describe la casa como un laberinto sin posibilidad de fuga, comenzó a acumular objetos de manera descomunal tras un accidente. Es poético, visionario y delirante.

Guillermo es quien tiende puentes entre los distantes habitantes de esta casa. Su habitación es el lugar de encuentro donde se discute, se rememora y, sobre todo, se bebe.

Raúl es hospitalario, inconforme y melancólico. Aún le duele profundamente la muerte de su madre y dice que el único placer que le queda en la vida es fumar.

Javier, por su parte, lleva una vida muy distinta. Entregado a sus creencias religiosas, está obsesionado con el orden, la limpieza y las buenas costumbres.

“‘Estancia’ no busca encasillar a sus protagonistas. Por el contrario, nos interesa entenderlos desde su diversidad, sus deseos y experiencias. Lo que comenzó por una pregunta por la desmemoria de Medellín, derivó en un retrato de la masculinidad en la vejez. La historia de amor entre Álvaro, Guillermo y Raúl fue un bello hallazgo que transformó la película y que nos ha permitido preguntarnos acerca de una sociedad que ha silenciado y ocultado muchas historias de vida en una sociedad tan compleja como la antioqueña, que ha tendido a negar e incluso a perseguir la alteridad”, comenta el productor Mauricio Carmona Rivera.

Para comprender estos problemas desde una perspectiva histórica, para los realizadores fue fundamental la obra de Guillermo Correa, quien lleva muchos años investigando la historia de la homosexualidad en Medellín y reconstruye, en obras como Raros, estas memorias que han sido invisibilizadas entre 1890 y 1980.

Estancia es el primer largometraje de Policéfalo Films, la casa productora de Andrés Carmona Rivera, comunicador audiovisual y multimedial; y Mauricio Carmona Rivera, artista plástico e historiador. Las artes visuales, la fotografía y la videoinstalación han marcado sus trayectorias artísticas que están muy cargadas de reflexiones alrededor de la memoria.

Estancia llega a salas de cine en Colombia a partir del 12 de junio tras su paso por el 63 Festival Internacional de Cine de Cartagena, el 15 Festival de Cine Al Este, donde recibió el premio a Mejor Película en la competencia Vidas Cruzadas (Lima, Perú), Cinemancia Festival (Medellín, Colombia), 23 EDOC Festival internacional de cine documental (Quito, Ecuador), Villa del Cine (Villa de Leyva, Colombia), 26 Muestra Internacional Documental de Bogotá (Bogotá, Colombia), Mostra de cinema colombià de Barcelona, (Barcelona, España), Salón Internacional de la Luz (Bogotá, Colombia), Festival Internacional de Cine de las Alturas (San Salvador de Jujuy, Argentina) y Festival Render (Lima, Perú). Próximamente tendrá su estreno en México en el Festival Resistimos y participará en el Festival de Cine Etnográfico de Ecuador de la FLACSO (Quito, Ecuador).

Estancia es una película de Policéfalo Films en coproducción con RTVCPlay. Ha contado con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Proimágenes Colombia, Filmedellín y la Universidad de Antioquia. La distribución en Colombia está a cargo de Danta Cine.

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Dedico este blog al proceso de escritura del boletín de prensa de la película “La Fuga” del director Diego Espinosa.

Confieso que la primera vez que vi la película no me gustó, pero porque no la entendí. Tal vez no le puse la atención suficiente para entender la propuesta cinematográfica que narra en primera persona la historia de Rodrigo Quintero, un hombre que enfrenta en el presente las consecuencias de ciertas acciones y decisiones del pasado.

Tras volverla a ver y luego de conversar con el director Diego Espinosa, para mí “La Fuga” es una película sobre la capacidad que tenemos los seres humanos para huir o enfrentar la realidad, para creer lo que queremos creer, para usar la imaginación y no morir de tedio en el día a día.

Por eso, quiero compartir el boletín de prensa que escribí:

En cines de Colombia se puede ver ‘La Fuga’ del director Diego Espinosa. Una película colombiana protagonizada por Hernán Méndez, inspirada en hechos reales, rodada en las ciudades de Pereira, Cartago y Buenaventura; y ambientada en Panamá en 1989.

En salas de cine de Colombia se puede ver La Fuga, película dirigida por Diego Espinosa y protagonizada por el reconocido actor Hernán Méndez, quien le da vida a Rodrigo Quintero, un comerciante pereirano que se va a Panamá huyendo de la extorsión de un corrupto expolicía.

Sin embargo, las cosas no salen como espera. Es privado de su libertad en la Cárcel Nacional de Panamá, en plena dictadura del general Manuel Antonio Noriega. El sargento Lino, director de la prisión, amparado por el corrupto gobierno militar, empieza a extorsionarlo con la amenaza de ser extraditado a los Estados Unidos, lo que lleva a Rodrigo a sus límites físicos y racionales, y a que en su mente solo quede espacio para planear y ejecutar su fuga.

Esta película colombiana fue rodada en las ciudades de Pereira, Cartago y Buenaventura. Está ambientada en Panamá de 1989, y es una versión libre inspirada en un fragmento del libro Historias de Berlón: El Diplomático, de Bernardo Londoño, que relata lo que le sucedió a un hombre colombiano en una cárcel de Panamá durante el mandato del general Noriega.

“La Fuga no es una biografía, no es una recreación, ni la adaptación del libro. Es un drama que, a partir de lo escrito en unas páginas de la obra, se fue nutriendo de elementos de ficción gracias a la investigación y revisión de documentos históricos y periodísticos elaborados entre 1987 y 1990”, explica el director Diego Espinosa.

La investigación previa, inclusive, contó con la asesoría de dos personas que vivieron y conocieron por experiencia propia lo que sucedió en las cárceles de Panamá en esa época.

Sobre Rodrigo Quintero hay que decir que es un hombre que cometió errores en el pasado, pero no es un criminal declarado. De hecho, tiene como premisa nunca atentar contra la vida de nadie; pero al estar en riesgo su dignidad asume que “los principios son una cuestión del presente” y decide volver a empezar, cargando con las consecuencias de su experiencia.

“A pesar de que la película está construida en el onirismo, un lugar sin tiempo y sin espacio, Rodrigo Quintero me ofrecía entender lo complejo que somos los seres humanos y las contradicciones a las que nos sometemos permanentemente al querer dar lo mejor de nosotros, y cuidarnos de que eso mejor no sea peor”, argumenta el actor Hernán Méndez.

Añade que el principal reto que le ofreció el personaje fue trasladarse a aquella época tan difícil que vivió la sociedad colombiana y el entorno que rodea a Rodrigo Quintero, “un hombre que estaba buscando salir adelante con diferentes dificultades, siendo la principal la ambición, algo que creo tenemos todos los seres humanos, pero dadas las circunstancias en las que él se estaba moviendo, esas ambiciones se volvían peligrosas”.

Este filme no pretende hacer apología al narcotráfico, ni a la corrupción. El objetivo es, más bien, abordar cinematográficamente temáticas contemporáneas desde una sociedad cosmopolita, liberal y abierta donde las realidades humanas y sociales se desbordan como representación de un universo local, pero a la vez fiel imagen latinoamericana y universal.

El resultado es una película que apuesta por una narrativa no tan recurrente en el cine colombiano, como la historia de un hombre que en el presente debe responder, por ciertas acciones no tan legales de su pasado, ante el Sargento Lino, interpretado por el actor Weimar Delgado, quien seguramente también lucha por sobrevivir desbordando la misión de su trabajo.

Con un tono sombrío con aires impresionistas, el director apuesta por las cámaras subjetivas y los horizontes caídos para transmitirle al espectador la idea de estar ‘sumergido’ dentro de la mente del personaje de Rodrigo. Esto se siente aún más con el guion escrito en primera persona, ya que es el mismo protagonista quien narra la historia desde su visión.

“Con la estética del impresionismo busqué los elementos perfectos para acompañar el sufrimiento del protagonista. Los colores lavados, los espacios sombríos y en general, toda la dirección de arte apunta a recrear el realismo de la época”, sostiene el realizador.

El montaje deja de lado la cronología, juega con las temporalidades de los sucesos y se nutre con imágenes de archivo de noticias como cuando Estados Unidos invadió a Panamá con el fin de capturar al general Manuel Antonio Noriega y juzgarlo por los delitos de extorsión y narcotráfico.

El drama y la incertidumbre que desgarran a Rodrigo Quintero y a otros cuantos personajes que lo acompañan se refuerza con los colores fríos, típicos de la cárcel y el hospital –los dos escenarios principales– que transmiten en la gran pantalla la sensación de angustia e incertidumbre de este viaje onírico en el que todos son prisioneros de su realidad.

La Fuga es una película de Lluvia Producciones con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, Proimágenes Colombia y Commerk, Ron Viejo de Caldas y Msm Producciones. Es distribuida por Alternavista.

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“Un nuevo amanecer” es la nueva película de Priscila Padilla, directora que ha dedicado su cine a narrar historias femeninas.

“Un nuevo amanecer” hace parte de un tríptico cinematográfico que aborda el cuerpo de las mujeres en diferentes contextos. El primer documental, “La eterna noche de las doce lunas”, es la historia del cuerpo de las mujeres en la cultura Wayuu; “Un grito en el silencio” presenta la ablación genital femenina en la cultura Embera Chamí; y “Un nuevo amanecer” aborda el cuerpo de las mujeres en contextos de guerra y la paz.

“Un nuevo amanecer” es el documental más personal e íntima de Priscila Padilla porque al abrirnos su corazón y mostrarnos su álbum familiar nos recuerda que el arte puede cambiar vidas.

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En salas de cine de Colombia se proyecta “Semilla del desierto”, la ópera prima de Sebastián Parra R. quien plasma aquí un universo atemporal y desértico en el que una joven pareja decide contrabandear gasolina para cambiar su vida.

Esta película se rodó en La Guajira, pero al verla uno siente que ese desierto puede ser cualquier lugar de Latinoamérica, cualquier lugar donde los niños deben tomar decisiones de adultos.

La estética de “Semilla del desierto” está cargada de mucha arena, de música fusión latina, de óxido, carros corroídos y telas polvorientas que, para mí, es la representación del infierno.

“Semilla del desierto” nace de la reinterpretación de las vivencias del director durante su niñez. El resultado es un filme sobre la pérdida de la inocencia, las contradicciones y el sufrimiento como parte integral de la existencia humana.

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Como caleña me identifiqué mucho con las conversaciones en las que recuerdan la brisa caleña, la importancia de bailar salsa, el Blanco del Valle y la rumba en Juanchito.

“La fianza” se puede ver en cines de Cine Colombia desde este 10 de abril y si eres de los que todavía te gusta ver una buena película en la gran pantalla, te la recomiendo.

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Cuando vi por primera vez la película, ya que me encargaron escribir el boletín de prensa, no la entendí. Me costó adaptarme al ritmo y a la propuesta cinematográfica, pero luego de procesarla y entrevistar con su director y el productor Samuel Moreno Álvarez, entendí que “Positivo Negativo” nace de lo más profundo de David Aguilera Cogollo y plasma un momento en la vida de un pueblo que tiene sus propias dinámicas y en el que la gente vive de forma muy distinta a como se vive en Cali o Bogotá, ciudades en las que he vivido.

Si algo he aprendido en este camino de escribir sobre las historias de los otros, especialmente cuando se trata de un boletín de prensa, es que no importa demasiado cómo percibo yo la obra, sino cómo la percibe el creador y qué es lo que quiere comunicar.

Obvio, no es conveniente narrar lo que no es. Pero, lo más bonito de este trabajo es que cada día ratifico que la crítica o el periodismo no debe ser para destruir obras; sino para transmitir lo que motivó a un artista a realizar algo, y cómo ese algo encontró el camino a la materialización. Puede que guste o no, pero me parece importante contar lo que hay detrás de cada proyecto.

En este blog quiero compartir el segundo boletín de prensa que se compartió con los periodistas sobre “Positivo Negativo”.

Los relatos populares del Caribe colombiano cobran vida en “Positivo Negativo”, la ópera prima del director David Aguilera Cogollo, quien plasma en pantalla, parte de la idiosincrasia de Nariño Gallinazo, corregimiento de Lorica, (Córdoba), pueblo en donde pasaba las vacaciones cuando finalizaba sus estudios en Barranquilla.

En este lugar del Valle del Sinú, de la mano de sus abuelos y primos, el realizador conoció otras formas de vida, como la de Ángel, un hombre de 80 años que gracias a los poderes del monte ha sido más fuerte y ha podido conquistar mujeres. Sin embargo, estos poderes se han salido de control y lo tienen atormentado por el mal uso que les dio en el pasado, y ahora que Ángel está por morir, sabe que para descansar en paz debe entregarlos, pero nadie los quiere, solo un nieto parece interesado en recibirlos.

David Aguilera Cogollo cree “importante que la gente del Caribe se represente a sí misma”, así que cuando Ángel le propuso “hacer una película sobre el descontrol de sus capacidades sobrenaturales”, vio la oportunidad perfecta para hacer memoria sobre los secretos y conocimientos de una zona rural que, aunque sigue existiendo, desaparecen a medida que pasa el tiempo.

Ángel no siempre estuvo disponible para contar su historia ante la cámara, por lo que el director y el productor Samuel Moreno Álvarez decidieron alejarse del guion escrito, desde el que generalmente parte un filme, y dar paso a otras fuentes de inspiración como los colores y sonidos del territorio.

“Dilatamos eso de contar una historia, lo llevamos a la más mínima expresión y nos concentramos en la experiencia visual y sonora que podría ser nuestra película. En este documental no intentamos mostrar la realidad, no tal cual como se ve y se oye, si no como la sentimos. Inclusive, puede ser la realidad desde la perspectiva de un poeta o una persona que es asediada por los espíritus del monte”, comenta el productor Samuel Moreno Álvarez.

Tomar esta decisión cinematográfica les permitió ser partícipes del acontecer del corregimiento Nariño Gallinazo como la Fiesta de la Candelaria, el corte del palo en Lorica y hasta la inundación del pueblo.

Es decir, “Positivo Negativo” no cuenta una historia cronológica o lineal sobre Ángel, sino que presenta el entorno donde él vive. Esto le permite al espectador “hacer parte de una experiencia cinematográfica, un viaje a través de imágenes y sonidos que interpelan al que los ve, así que es el espectador quien termina descubriendo o tejiendo la historia cuando se imagina habitando ese lugar o agregando el plano que hace falta”, afirma el productor.

En “Positivo Negativo” todo se muestra en imágenes y sonidos, ningún narrador explica lo que sucede y los diálogos escasean, excepto la narración cruda que Ángel hace frente a cámara de ‘Conjuro’ de Raúl Gómez Jattin, poeta de Cereté, Córdoba, quien escribió sobre la realidad cruda de la zona y de quien el protagonista toma prestadas sus palabras para decir “Los habitantes de mi aldea dicen que soy un hombre despreciable y peligroso. Y no andan muy equivocados”.

El viaje cinematográfico que David Aguilera Cogollo propone en “Positivo Negativo” está asociado al interés del director de contar las historias que conoce, y al gusto de perpetuar, gracias al archivo audiovisual, parte de la cultura, los relatos, los personajes y los paisajes que el pasar del tiempo y las situaciones socioculturales van borrando.

“Positivo Negativo” es una producción de Trópico Atómico Films SAS (Colombia), con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, Proimágenes Colombia. La distribución en Colombia es de Danta Cine.

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