Hasta el 29 de agosto el artista Gabriel Zea expone “El sueño del unicornio” en 12:00 Galería de Bogotá. Por medio de collages y metáforas de animales (unicornios y gatos gordos) el artista propone una reflexión sobre personas y empresas que lideran y se benefician del actual sistema económico; y la relación de la gente con estos sistemas.

Los collages realizados a partir de imágenes generadas por inteligencia artificial, que fueron impresas en impresora de punto y en papel antiguo y reciclado, son las piezas principales de “El sueño del unicornio”, exposición que Gabriel Zea presenta en 12:00 Galería de Bogotá hasta el 29 de agosto de 2024.

Estos collages de gran formato, que recuerdan los tapices del Renacimiento, conversan con piezas más pequeñas, elaboradas también en papel reciclado, en las que se pueden ver dos series de dibujos que exploran el mundo de los billetes y las monedas.

Entrevista con Gabriel Zea sobre “El sueño del unicornio” y su papel e interés en la difusión y comunicación cultural.

Cuéntame de “El sueño del unicornio”. ¿En qué se trata la exposición?

G.Z. Esta exposición continúa con mis investigaciones alrededor de la economía que adelanto desde hace muchos años.

Está esa exposición está centrada en dos temas principales: el primero es intentar entender y jugar con unas metáforas que se han ido creando en los sistemas económicos para hacerlos más fácil de entender a las personas del común. Son unas metáforas que básicamente son animales, aunque representan a empresas y a personas dentro del sistema.

¿Y cuáles son esas metáforas?

G.Z. Uno es el unicornio y el otro son los gatos gordos. Los unicornios son empresas que han tenido una capitalización muy grande en las primeras rondas de financiamiento, y los gatos gordos son personas que tienen mucho dinero, personas que acumulan mucho capital y, pues… que son gordos y se dedican a descansar.

Hay todo un zoológico de estas metáforas, pero Con María Adelaida Samper, la curadora de la exposición, decidimos centrarnos en estos dos animales porque tienen relación: los unicornios, principalmente, casi siempre son startups, empresas dedicadas como al mundo digital y; por otro lado, los gatos tienen que ver bastante con internet, ¿no?

¿Cómo materializas toda esta investigación en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Las piezas son bidimensionales. Básicamente uso el collage, que es una técnica que he venido utilizando durante mucho tiempo, pero sobre todo desde mi exposición anterior que fue el año pasado en Otro Espacio, en la que utilicé collages realizados con papeles de contabilidad y papeles viejos que han sido impresos en impresora de punto.

A partir de esos experimentos construí estas nuevas piezas en las que cada fragmento del collage, cada imagen es generada por inteligencia artificial que después edito e imprimo en impresoras de punto; y con estas imágenes construyo los collages finales.

Me parece curioso que tu investigación es muy actual, la materializas en formatos artísticos muy clásicos…

G.Z. Sí, es algo que justamente estamos intentando entender con María Adelaida Samper, nos hemos preguntado mucho sobre eso. En el proceso de realización hay unas estrategias de corte surrealista o Dadá como el collage. Sí hay algo técnico que va hacia atrás en la historia, pero que tiene unos contrapuntos con temas muy de ahora, muy actuales.

Como las figuras generadas con inteligencia artificial…

G.Z. Exacto, son formas de hacer muy, muy tradicionales en la historia del arte, pero con cosas como muy del momento, tal vez tiene que ver con los tiempos de las piezas. Es decir, los papeles que utilizo vienen del reciclaje, entonces son papeles que tal vez el más nuevo podrá tener, no sé, 20 años, una cosa así… Son papeles que ya no se utilizan, que no están en circulación, que no se producen.

Por otro lado, está el sistema de impresión que, podemos decir, es arcaico, que ya no es masivo o cotidiano.

Todo esto mira hacia atrás, pero la fuente de las imágenes y la investigación es muy del momento y ese tránsito de tiempos les da una característica muy especial a las imágenes porque las texturas de los papeles son especiales, no son comunes actualmente, porque no es el papel cotidiano.  

¿Y esa textura especial la ve o percibe el espectador?

G.Z. Sí se alcanza a notar. Hay cosas ahí que uno no reconoce en el papel, además que no son papeles tradicionales en la práctica artística (no tienen gran contenido de algodón), entonces sí hay algo que uno nota diferente.   

Aparte de los unicornios y los gatos gordos, ¿qué otras piezas hay en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Hay unas obras que son un complemento que sentía que debía tener. Los collages hablan del sistema grande que a la gente le toca relacionarse sí o sí, como las aplicaciones o inclusive el WhatsApp, que en su momento fue un unicornio y es un tema bien abstracto.

También presento, entonces, unas piezas con otros aspectos del sistema económico con el que nos relacionamos todo el tiempo; que son dos series de dibujos en papel: uno explora el mundo de los billetes y el otro las monedas.

La serie de los billetes son dibujos de patrones guilloché que se diseñaron, inicialmente, como patrones de seguridad en billetes y documentos, los cuales eran muy difíciles de producir al final del siglo XIX y principios del siglo XX; pero hoy en día son muy fáciles de producir, entonces no son tan seguros. Este patrón se sigue utilizando, pero más como cuestión decorativa.

Por otra parte, la serie de monedas son unos frottage (cuando se frota un lápiz sobre una hoja puesta sobre un objeto) realizados a partir de fragmentos de monedas que crean patrones que se van extendiendo de diferentes maneras en las hojas.

¿Tu práctica artística, cómo está con la difusión cultural, ya que eres muy juicioso con la producción podcasts?

Me interesan muchísimo las comunicaciones en las artes porque tenemos una falta de público muy grande y muchas veces las exposiciones terminan siendo para los amigos o el grupo muy cercano de personas que conoce la actividad artística y, pues, claramente eso un problema que tiene varias repercusiones, pero, sobre todo, es que hay mucha energía y es el trabajo de una gran red de personas (que va más allá del artista) y al final es complicadísimo que la vean 50 o 100 personas.  

Por otro lado, en la ciudad hay mucha oferta de eventos de artes contemporáneas de muy buena calidad que el público se está perdiendo porque no sabe o porque le interesa.

Entonces, me interesa como ayudar un poco a difundir lo que está pasando en la escena local y por eso creé el pódcast Interviús y más recientemente Extra, que son cápsulas sobre exposiciones del mes.

Aparte de la difusión, también hay una cuestión de registro histórico que me parece importante porque, muchas veces, estamos tan enfocados en la producción o la exposición que se olvida registrar y con el paso del tiempo nos damos cuenta de que no hay archivo de los eventos artísticos que se realizaron; y eso es un problema.

A veces el ritmo es tan fuerte que el registro nunca sucede por varias razones, así que es una tarea más por hacer, pero no es tan fácil porque en este medio artístico algo se queda sin hacer y, generalmente, es el registro.

Por eso me interesa generar el registro de lo que sucede en el medio, por si algún día alguien lo necesita.

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La muestra, que se puede visitar entre el 9 de marzo y el 9 de abril de 2024, combina las visiones artísticas de cinco fotógrafos de diversos orígenes que, de acuerdo con la galería, “ofrecen una perspectiva distinta sobre el tiempo y el espacio, conectando a sus sujetos y espectadores en un diálogo contemplativo”.

Uno de los artistas seleccionados es el colombiano Alfonso Bonilla, quien con su trabajo rinde homenaje a los tiempos hipermodernos al tejer historias intrincadas de escenas cotidianas, creando narrativas convincentes dentro de cada fotografía.

Bonilla participa con “Asincronías” de la serie “Reciclarte” o “Recycling Art” y con “WTC” de la serie “NYC”.

En sus palabras, “Asincronías” se refiere al esfuerzo que hace en este momento la humanidad para combatir la contaminación, así que la pieza invita a generar conciencia medioambiental a través de “una reinterpretación con cientos de fotografías de elementos susceptibles de ser transformados y que a la vez son un reflejo de nuestra indiferencia como protagonistas en esta sociedad”.

“WTC”, por su parte, hace alusión al World Trade Center de Nueva York y se convierte en “testimonio artístico que aborda la problemática migratoria global”.

El espectador se enfrenta a diferentes colores vivos, inspirados en esta ciudad estadounidense, que se entrelazan con el objetivo de reflejar la complejidad y diversidad de sentimientos generados por el desplazamiento forzado.

Cada panel de “WTC” funciona como una capa simbólica que recuerda que Nueva York es “epicentro de importantes movimientos migratorios” que se debate entre la lucha por la libertad y la búsqueda de un hogar en tierras lejanas.

En “Reflexiones” Alfonso Bonilla expone junto a John Bernhard (Suiza), quien captura la esencia de la vida urbana de Houston, centrándose en los habitantes de las calles y su entorno; Luvia Lazo (México), quien retrata el espíritu y la cultura de los pueblos oaxaqueños con profundidad y autenticidad; Bogdan Mihai (Rumania), quien con su serie “Herencia” documenta la decadente grandeza de un histórico spa termal rumano símbolo de una sociedad en proceso de cambio; y Carlos Ocando (Venezuela), quien busca la armonía en los paisajes urbanos explorando el concepto de reflejos en su obra.

Sobre la Bienal de FotoFest

FotoFest es una organización de artes contemporáneas y educación que se dedica a avanzar en la fotografía y la cultura visual a través de la presentación de exposiciones, programas públicos, publicaciones y currículos. La exploración de la sociedad, la cultura y la vida contemporánea a través de la lente de la fotografía y los medios relacionados es central en la misión de FotoFest que se lleva a cabo en Houston, Estados Unidos.

Este 2024 se realiza entre el 9 de marzo y el 21 de abril en Sawyer Yards y otros lugares en toda la ciudad, y el tema central “Critical Geography”, que propone reexaminar las comprensiones occidentales y tradicionales de la geografía mientras explora ámbitos espaciales cambiantes y emergentes.

“Critical Geography” toma su nombre de la subdisciplina de la geografía que cuestiona y desafía las estructuras de poder, la desigualdad y las ideologías dominantes que dan forma a los patrones espaciales.

La exposición explora cómo el espacio, el lugar y las comunidades están influenciados por fuerzas sociales, económicas y políticas. Mediante el análisis crítico de estas dinámicas, las obras en la exposición buscan provocar conversaciones en torno a la justicia social, la sostenibilidad ambiental y el cambio transformador.

“Critical Geography” presenta una gama diversa de prácticas basadas en imágenes, desde fotógrafos y narradores que arrojan luz sobre la opresión sistémica, la violencia y las preocupaciones ambientales urgentes, hasta artistas y creadores de imágenes que utilizan la cartografía, las redes sociales y la tecnología para explorar la desigualdad en contextos coloniales y poscoloniales.

Imágenes: cortesía Alfonso Bonilla.

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A lo largo del año se inauguraron varias exposiciones en diferentes ciudades y en junio pasado el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Mambo, lanzó el libro que recopila los momentos más importantes de su carrera.

Una calle real con su nombre se suma a esta serie de homenajes para este artista, uno de los representantes más importantes de Colombia en las artes plásticas; último pintor vivo nacido en la década de los años 20, único sobreviviente de la generación de grandes referentes del arte como Alejandro Obregón, Enrique Grau, Edgar Negret y Eduardo Ramírez Villamizar.

Por su cumpleaños 94, el pasado 14 de diciembre, en Neira, Caldas, se renombró la calle principal en honor al maestro: Calle Real de Neira David Manzur Londoño.

Este evento liderado por las autoridades departamentales y municipales contó también con una eucaristía celebrada en la misma Iglesia donde fue bautizado 94 años atrás, además de un concierto de la Orquesta Sinfónica de Neira y fuegos artificiales.

La inauguración de la Calle Real de Neira David Manzur Londoño fue el último evento en una serie de celebraciones que se llevaron a cabo este 2023 con el objetivo de conmemorar el aniversario 70 de su primera exhibición individual en el Museo Nacional.

Los festejos empezaron en enero con un concierto en Barichara, Santander, donde reside el maestro Manzur, luego con una serie de exposiciones en varias ciudades del país terminando en el Museo de Arte Moderno de Cartagena y la Casa Santiago Botero en la misma ciudad.

Por otra parte, la diseñadora Lina Cantillo diseñó una colección completa inspirándose en la obra del Maestro.

Así mismo, en el marco de las celebraciones la Galería Duque Arango llevó a la Feria de Arte de Miami una obra monumental realizada especialmente para la ocasión por el Maestro llamada “Dama de Piedra” donde David Manzur muestra su constante búsqueda de la evolución en su obra.

Para terminar, el director Salvador Arbeláez Jaramillo realizó un corto sobre el inicio de las celebraciones del pasado enero que será proyectado en Cine Colombia en diciembre de este año.

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En este caso, los historiadores e investigadores y la familia fueron los encargados de recopilar los momentos más importantes, para ellos, de la vida y obra de Luciano Jaramillo para escribir este libro que se nutre de un ensayo visual que explora tres grandes momentos de su producción artística, respetando el tránsito fluido, libre y recurrente que siempre tuvo entre el oficio de la pintura y el oficio del dibujo.

Lo primero que hay que decir de Luciano Jaramillo es que se dio a conocer en la década del 50 del siglo XX, fue representante del neoexpresionismo y se destacó por su intensidad expresiva y emotiva, repleta de iconografías locales, identificadas popularmente mediante la imagen mediática de los mitos modernos de su tiempo: reinas de belleza, ciclistas, futbolistas y héroes históricos como Simón Bolívar. Además, de simbologías personales como perros, palomas, payasos tristes y familias viendo televisión.

Fue influenciado por Buffet, Obregón, Bacon o Goya, pero en la escena del arte colombiano, que estaba marcada por el muralismo mexicano y el indigenismo, Luciano Jaramillo aportó una propuesta refrescante.

“Fue un artista que se caracterizó por su diferencia, por ser distinto a los demás y uno encuentra en muchos artículos y en muchas referencias esa caracterización. Esa diferencia estaba, lógicamente, determinada por el tipo de obra que hacía, que se le puede llamar nueva figuración; era una tendencia un estilo de la representación del ser humano, pero no de una manera realista y con toda la perfección del cuerpo; sino todo lo contrario, una manera que transforma el cuerpo, transforma la gestualidad, transforma las facciones y casi que raya con lo monstruoso, lo caricaturesco que da cuenta de una preocupación por la condición humana”, dice el artista e historiador del arte Nicolás Gómez Echeverri.

Como sucede con muchos artistas o buenos trabajadores no todos son valorados o reconocidos y, aunque este pintor caldense sí protagonizó varias notas periodísticas en vida, su nombre quedó un poco en el olvido o siendo recordado por su círculo más cercano.

Por eso, de la mano de Sylvia Suárez Segura y Nicolás Gómez Echeverri, quienes investigaron y escribieron una completa y extensa cronología de su vida, así como un ensayo histórico e interpretativo, Luciano Jaramillo ingresa a la colección homenaje a los Grandes Maestros del Arte Colombiano de Davivienda y Seguros Bolívar y darle un lugar en la historia del arte colombiano.

“Luciano Jaramillo, como todo buen artista, va a tener una permanencia, como parte de la cultura visual, no necesariamente solo de los artistas… y esa mirada que hace a la banalidad de esos mundos sociales y esas élites, yo creo, que hoy está más vigente que nunca”, expresa la curadora e investigadora independiente Sylvia Suárez Segura, para quien el libro es muy importante porque permite encadenar buena parte de la obra de este artista en una sola plataforma y, espera, pueda contribuir a darle visibilidad a Luciano Jaramillo.

¿Quién es Luciano Jaramillo?

Es uno de los más destacados artistas colombianos del siglo XX. Inició su formación temprana como autodidacta, en 1956, y con escasos 16 años, realizó su primera exposición individual en la sala Gregorio Velázquez de la Biblioteca Nacional y fue presentado por Gabriel Giraldo Jaramillo como “el más joven de los maestros”. Convencido de que quería hacerse artista, en 1957 viajó a París para realizar estudios de pintura.

En agosto de 1958 regresó a Colombia y centró su trabajo creador en la expresión humana, alejándose de las vanguardias que se imponían en esa época. A lo largo de su carrera, resistió con valentía a la complacencia de las tendencias de su tiempo, tanto a la abstracción de los años cincuenta y sesenta, como a la figuración hiperrealista de los años setenta.

Su gran preocupación fue el hombre. Mediante la deformación de cuerpos y objetos proponía reflexiones sobre la condición humana, muchas veces asociadas a las ironías y paradojas de la identidad nacional o la desigualdad social, constituyéndose como un referente nacional de la denuncia a través del arte.

A lo largo de 25 años de trabajo constante y coherente, como artista independiente encontró su lugar gracias a una mirada excepcional de la realidad y la apreciación de su momento histórico; representó a Colombia en diversos certámenes internacionales y fue un artista admirado por sus colegas, maestros y alumnos.

Estudiosos del arte moderno en Colombia se han preguntado durante años, por qué en la década de los sesenta del siglo XX, Luciano Jaramillo no disfrutó del nombre y la gloria que tuvieron otros artistas contemporáneos suyos en la escena plástica nacional e, incluso, el por qué su obra fue invisibilizada por ciertos sectores.

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“De un mismo árbol”, que se estrena en salas de cine de Bogotá, Medellín, Cali, Manizales y Barranquilla este 16 de noviembre, parte del trabajo de Santiago Cárdenas Arroyo, uno de los artistas colombianos más representativos del arte contemporáneo, gran referente del arte pop, hiperrealismo y expresionismo abstracto.

Sabía del legado de él y de su hermano Juan Cárdenas, pero no sabía que en la familia Cárdenas Fischer hay 24 miembros dedicados a la pintura, arquitectura, fotografía, escultura o el cine. Por otro lado, conozco el trabajo de Paola Baldión en la cinematografía, pero no sabía de su legado familiar. Todo un descubrimiento para mí.

De hecho, la directora Claudia Fischer es una de las integrantes de la familia, un plus porque le permite narrar en primera persona todo sobre este legado familiar que comenzó, según cuentan, con Marina Cárdenas y Esther Cárdenas.

La película documental es un homenaje a Santiago Cárdenas y la influencia de su trabajo en la familia y en esa narrativa el espectador puede percatarse de diferentes posturas y conceptos frente al arte y a las diferentes expresiones artísticas. Es un álbum cinematográfico familiar, pero también un álbum de la historia del arte colombiano.

Alberto, Margarita y Santiago Cárdenas Arroyo; Memo, Claudia y Juan Fischer Muñoz; Ana María Cárdenas Ávila; Guillermo y Nicolás Cárdenas Fischer; Alejandro Fischer Cárdenas; Camilo Cárdenas VanWien y Paola Baldión Fischer hablan frente a cámara sobre su trabajo y la relación familiar.

En cada testimonio es posible percatarse del concepto y dedicación que hay en el trabajo, el manejo de la técnica, pero también de la época, ciudad y país que marcan dicho trabajo.

Cada uno tiene posturas, visiones de mundo y estéticas particulares a las que llegaron, en algunos casos, luego de entender que no es genuino repetir o copiar la obra de Santiago Cárdenas.

Pocos son los documentales sobre artistas colombianos, así que es bien interesante ver este en el que cada artista expresa en primera persona su mundo lleno de color, forma, textura y sombras que hacen parte del espacio físico y la historia familiar que está entrelazada con la historia del arte colombiano.

Quienes vivimos en Bogotá tenemos la oportunidad de ver la obra de la familia Cárdenas Fischer en vivo, ya que hasta el 2 de diciembre de 2023 (de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., entrada libre) en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) la exposición “DUMA: de un mismo árbol”, una curaduría de Claudia Fischer que incluye videos, pinturas, fotografías, fotogramas, trabajos en madera y poemas.

“De un mismo árbol”, que se puede ver en salas de cine nacional a partir del 16 de noviembre, se ha presentado en el Festival Internacional de las Artes Cinematograficas de San Cristobal (2023), la Selección oficial del Latino Iberian Film Festival Yale (2023), Cinemaking International Film Festival en Bangladesh (2023), la sexta edición FilmArte en Berlín (2023); y ganó el Premio Mejor Largometraje Documental en el Art Film Awards en Macedonia (2023).

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Paul Guerrero está iniciando una maestría en Londres y para reunir fondos organizó, con el apoyo de Plart, Alexandra Romero y Miler Lagos la exposición “Anotaciones” que se puede ver hasta los primeros días de octubre en Al Romero (San Felipe, Bogotá).

Los trabajos exhibidos en “Anotaciones” son el resultado de años de exploración y búsqueda. Aunque en el fondo hay algo político, su trabajo no es una manifestación directa sobre los acontecimientos del país.

Cada obra “aborda una pregunta en específico, cada una de ellas surge desde mi inquietud por el objeto y los territorios hacia donde en caminamos nuestra existencia, atendiendo especialmente a la idea de felicidad y perfección contemporáneos. El conjunto abarca aproximadamente seis años de trabajo, diferentes lenguajes, diferentes acentos”.

“Ocaso”, una de las series expuestas, responde a la preocupación de Paul Guerrero por el paisaje y por la pintura; es un ejercicio tradicional de pintura de tratar de realizar un cuadro tal y como lo hizo un gran artista, y preguntándose si por el hecho de ‘copiar’ la receta se produce una obra maestra.

Escogió obras tradicionales y conocidas en la historia del arte, estudio muy bien la composición y luego recorrió Bogotá en busca de locaciones que tuvieran la misma perspectiva de las pinturas.

En esta serie se destacan “Tarde de domingo en el Parque Simón Bolívar”, basada en la obra “Trde de domingo en la isla” de George Seurat; o “Búhos ausentes”, inspirada en “Noctámbulos” de Edward Hopper.

Otra obra expuesta en “Anotaciones” es “Puerto Libertador”, un circuito cuya electricidad alumbra una lámpara. Este trabajo hace referencia al municipio de Córdoba donde se dice que está el yacimiento de cobre más grande del mundo sin explotar.

“Lo que hice fue registrar ese paisaje que eventualmente va a desaparecer. No es un mensaje político sobre acabar las minas, sino una reflexión porque uno hace parte de ese circuito, porque la luz con la que estoy alumbrando esta sala viene de los hilos de cobre”, comenta Paul Guerrero sobre esta obra que refleja el pasado en el paisaje que no existirá, el presente que se refleja en las láminas de cobre y el futuro, la mina.

“Dispersión” es otro proyecto que tiene como referencia el tiempo, pues está elaborada con papel del periódico El Tiempo. En una cara donde están las noticias el artista eliminó cuidadosamente la tinta y dibujó una nube.

Y si de noticias e información se trata, la serie “Resistencia” perfecta porque nace del ejercicio de entender cómo las imágenes se cargan de información, pero también sobre cómo producir algo que pueda sostener el peso.

Múltiples dibujos realizados en papel, que tras un pequeño tratamiento conserva la curvatura deseada, tienen imágenes de líderes y situaciones que fácilmente son recordadas por quien las ve, a pesar de no tener ninguna descripción.

El artista se pregunta sobre la relación de la gente con la obra y la confianza, porque la invitación es subirse a esta obra que parece la mesa de centro de una sala.

“Me interesa eso de que el texto deja de leerse para verse, aunque también funciona como archivo. Uno no ve la imagen, sino que ve la referencia y sobre eso construye el discurso. Pero si uno abstrae eso, en última solo hay una imagen”, concluye este artista que se apasiona por la alusión pictórica a partir del texto y la perseverancia del dibujo.

La obra de Paul Guerrero se puede ver en https://paulwgleon.com/ o https://linktr.ee/plart.co

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La Facultad de Artes-ASAB (Universidad Distrital Francisco José de Caldas) está ubicada en el Palacio La Merced y allí se puede ver la muestra “Co-Habitar” en la que 18 jóvenes presentan obras que recogen, en su mayoría, la experiencia de la pandemia.

Eso se refleja, no sólo porque estos chicos estudiaron virtualmente, sino porque en los textos que acompañan cada proyecto se puede leer en varios que el encierro detonó depresión o ansiedad.  Me gustó leer que eso. No porque me alegre de lo que vivieron o sintieron, sino porque me parece absolutamente genial que por lo menos esta generación tiene las agallas de expresar públicamente la complejidad de la salud mental y que decidan hacer algo material, una obra de arte, sobre eso.

El dibujo, el tejido y la instalación fueron las técnicas usadas, y libretas de apuntes y bocetos acompañan las obras finalizadas.

La memoria y la necesidad de recordar las vivencias personales también son temas que vi varias veces. Me encantó “Prácticas para no olvidar” de Nana Cáceres, quien explora a través del dibujo la conexión entre la memoria y la estructura del pensamiento.

Daniela Torres presenta “Felicia debe salir – yo concepto a yo observadora”, una instalación e ilustración digital en las que se ve una mesa de trabajo con una libreta, una lámpara encendida, crayones y un cuento.

En “Érase una vez los funerales míos. Sombra” Sergio Andrés Pineda recurre a la videoinstalación para compartir los pensamientos que genera la depresión y la sombra es la interpretación de lo que “conlleva no poder expresar lo que se siente”.

Michelle Ladino trata otro tema complejo como lo es el acoso sexual contra las mujeres en la calle y usa los carteles para presentar “El miedo me culpa, me culpo”.

En la instalación “Metamorfosis” Alma Pérez pone en escena la exploración con la que las prácticas artísticas le han ayudado a construir y reconstruir su identidad.

La forma de habitar los espacios comunes de la casa y el cuarto fueron el punto de partida de los proyectos de Sebastián Rojas, quien en “Una casa en movimiento” exhibe la actividad que tuvo en el cuarto de chécheres de su casa cuando buscaba más espacio durante el confinamiento; y en la instalación “Habitar la habitación” Freyder Tarriba presenta el resultado de su investigación sobre habitar el espacio.

La naturaleza, la relación con el medio ambiente, las basuras o la violencia sufrida en la familia también fueron temas de los proyectos, muchos de ellos instalaciones.

Al recorrer “Co-Habitar” pensé mucho en el arte que se producirá en los próximos años en manos de esta generación joven porque si cada época del mundo ha marcado el estilo, ¿qué nos espera en esta pospandemia? ¿Será que las inquietudes de estos estudiantes perdurarán en sus siguientes obras o serán efímeras?

Algo que me gusta mucho es la instalación (aunque es difícil de comprar y tener en un apartamento) y la primera persona como punto de partida para la inspiración, investigación y materialización de la obra. Creo que durante muchas décadas nos enfocamos en la tercera persona y me encanta hablar desde el alma y el corazón de temas tan populares como la pandemia y los sentimientos.

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Su estilo figurativo, dice la curadora Bélgica Rodríguez, está cargado de “los horrores de la guerra civil española y de la Segunda Guerra Mundial”, así como de la literatura y el teatro, artes que le dieron material suficiente para “abordar la figura y el espacio en códigos representacionales”.

Durante este año David Manzur protagoniza eventos en diferentes ciudades para festejar sus siete décadas dedicadas al arte. Uno de esos eventos tuvo lugar en el Museo de Arte de Bogotá, Mambo, donde se lanzó el libro editado por Skira y escrito por Eugenio Viola, Curador del Mambo y curador del Pabellón de Italia en la pasada Bienal de Venecia.

“El texto es muy importante y no quise que lo tradujeran para no quitar ni una coma de lo que Eugenio (Viola) escribió.  Para mí, es un análisis personal y es un poco la radiografía de lo que soy, con lo bueno y lo malo, con los aciertos y los desaciertos (…) porque en el transcurso del trabajo que uno tiene altibajos. Con mis 94 años, espero que sepan lo agradecido que estoy porque el arte es para la gente, y siempre he dicho que la gente que mira un cuadro es la que termina el cuadro”, comentó el artista durante la presentación.

Por su parte, el curador Eugenio Viola dijo que para David Manzur “la pintura tiene sobre todo un valor epistemológico y ha dedicado toda su vida al oficio de la pintura. Conocí el trabajo de David Manzur cuando me mudé a Colombia. Se ha creado entre nosotros un vínculo fuerte y especial fundamentado en la estima y afecto mutuos. Por eso acepté con gusto y orgullo ser el único autor en escribir en su catálogo monográfico, el cual contiene setenta años de trabajo coherente, siempre fiel a sí mismo, incansable, destinado a indagar en áreas y territorios del medio más persistente de la historia del arte, el cual ha sido durante demasiado tiempo considerado inadecuado para contar las laceraciones y angustias de nuestra contemporaneidad”.

En Colombia, el libro David Manzur está disponible en las tiendas del Mambo, donde también hay varios artículos alusivos a la obra del artista. El ejemplar también se puede encontrar en Amazon y la página oficial de la editorial Skira.

Artículos alusivos a la obra de David Manzur.

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