Johnny López es un artista contemporáneo cuya práctica nace de una búsqueda personal y simbólica profundamente ligada al mundo onírico, la memoria y la identidad. Su formación en Europa y su experiencia como copista en el Museo del Louvre marcaron el rigor técnico de su obra, mientras que la investigación sobre culturas ancestrales latinoamericanas y sus sueños lúcidos definieron su lenguaje artístico distintivo.

Del 7 al 11 de enero de 2026 Johnny participará en LA Art Show 2026 con una propuesta escultórica representado por Verse Art Gallery de Fort Lauderdale, Florida. La presentación estará encabezada por Sidereal Eagle, una obra monumental de técnica mixta que se posiciona como pieza central del stand.

La obra principal Sidereal Eagle es una escultura de gran formato de aproximadamente 1.8 metros de altura, concebida como un tótem contemporáneo que dialoga con conceptos de identidad, memoria ancestral y lenguaje visual actual. Realizada en técnica mixta, la obra integra materiales escultóricos contemporáneos, pintura y elementos simbólicos intervenidos con los “Johnnyglifics”, el lenguaje propio desarrollado por el artista.

El águila, símbolo ancestral de visión, poder y conexión entre planos, presenta en esta obra una dualidad formal y conceptual que invita a múltiples lecturas: una mirada hacia el pasado ancestral y otra hacia el presente y el futuro. Esta dualidad representa la coexistencia de cielo y tierra, materia y espíritu, posicionando a Sidereal Eagle como un puente entre el mundo ancestral y el contemporáneo.

“La obra reflexiona sobre la identidad contemporánea como un territorio híbrido, en constante transformación, invitando al espectador a reflexionar sobre su propia mirada y origen”, explica el artista.

Además de Sidereal Eagle, el stand presenta:

• Queer Eagle: Una reinterpretación del símbolo del águila desde una perspectiva contemporánea, vinculada a conceptos de identidad, diversidad y libertad.

• Laocoön and His Nemojis: Una pieza que dialoga con la escultura clásica, reinterpretada a través del lenguaje simbólico de los Nemoji, donde la historia del arte se cruza con la cultura visual contemporánea.

LA Art Show es una de las ferias de arte contemporáneo y moderno más importantes y longevas de Estados Unidos. El evento congrega propuestas curatoriales de alcance internacional con especial énfasis en arte contemporáneo y moderno, integrando tanto espacios nacionales como internacionales que representan artistas de todo el mundo.

El lugar de exposición, Verse Art Gallery, es una galería de arte contemporáneo internacional fundada por coleccionistas y estrategas culturales con más de 30 años de experiencia en el ecosistema del arte. Con sede en Fort Lauderdale, Florida, su programa curatorial integra artistas emergentes, establecidos, blue-chip y maestros, promoviendo un diálogo intergeneracional entre tradición, contemporaneidad y mercado global.

La participación en LA Art Show 2026 busca consolidar la presencia del artista en el mercado estadounidense, fortalecer vínculos con coleccionistas, curadores e instituciones, y continuar posicionando una narrativa artística latinoamericana dentro del contexto internacional de primer nivel.

Hace varias semanas no venía aquí al blog porque, como saben, soy una mujer de “jornada redonda”, neuro divergente, aquí voy con las reflexiones desordenadas.

Los Premios Bravo fueron un estimulante poderoso para que regresara otra vez a reportar las opiniones de los acontecimientos que me nace resaltar .

Voy con el cuento de hoy por partes .

Primero les echaré el chisme de como fue mi experiencia personal durante el evento .

Después de eso les narrare lo que para mi significó el evento en si mismo al margen de ” la farandulearía” Me acompaño al evento el Colombiano Magister en comunicación y formador de oradores Raúl Diaz.

Ya saben que leerme requiere de tiempo y ” café” .

Con ustedes cinco reflexiones desordenadas y un colofón.

Por favor quédense hasta el final y háganme saber sus apreciaciones.

Reflexión 1 : Mi periodismo y Jorge Cao.

Estar cara a cara frente al gran actor cubano Jorge Cao, una eminencia.
Se dice que no hay nadie en este país aun en las generaciones actuales que al escuchar su nombre ignore quién es; indiscutiblemente estamos hablando de un maestro .Me acerqué como periodista autónoma a solicitarle la posibilidad en el futuro de realizar una entrevista en mi modesto espacio.
Con su tono cubano potente que ya conocemos, característico e intrínseco de las personas cubanas, parafraseándolo me dijo:

” Estoy muy ocupado, en medio de varias producciones y la verdad no quiero dar más entrevistas, ya estoy harto de dar entrevistas, ya no quiero hablar ni siquiera conmigo mismo”.

Para mí fue una difícil incomodidad.
No insistí.
Se supone que los periodistas de campo tenemos que estar detrás de la fuente hasta que la fuente decida darnos el beneplácito de dirigirnos la palabra.

Ese ejercicio nunca ha sido el mío; mi periodismo es entre semejantes, desde el interés mutuo sin jerarquías.
Genuinamente valoro su carrera y pienso que la sabiduría de los años y la experiencia siempre nos lleva a nuevas respuestas a las preguntas de fondo y recurrentes, fue por eso que lo consideré un personaje de valor para mi modesto espacio.

Ni siquiera quise seguirlo para pedirle una foto; entendí su mensaje.

Al rato lo vi frente a cámaras y me pregunté mentalmente si era que me hacía falta una cámara pomposa para ser digna de un trato cortés.

Les confieso que el ego me dolió un poco y lo narro sin soberbia sé que no soy una periodista “celebrity”.
Tengo claro mi lugar en el mundo y la correcta enunciación del mismo .

No soy una gata que ve al espejo a una leona. Soy una gata digna

Dicho esto , me atrevo a compartirles que muy pocas personas de diferentes esquinas de la realidad que habitamos cuando he hecho el ejercicio de invitarles a mis espacios de construcción comunicacional me han dicho que no les interesan los diálogos que propongo.
Durante años de recorrido como entrevistadora, puedo contar con los dedos a las personas que han sido descorteses para manifestar que no les interesa el diálogo conmigo.

Una de las cosas más difíciles para mí es darme cuenta que dentro del medio el clasismo es tan fuerte como en cualquier otra parte.

Y he notado que cuando tengo la oportunidad de llegar ” al campo de acción” con cámaras espectaculares y no mi modesto celular, el trato que recibo es diferente, y eso es parte de mi verdad como periodista autónoma .

Este gran actor merece todos los aplausos en pie y tiene un peso profesional tan potente que puede disminuir las intenciones de cualquier periodista y puede hacerlo sin ser juzgado o reprochado. Ya que su grandeza aboga por él.

Este hombre ha demostrado sus aportes de valor cultural para Colombia en diferentes aspectos.

Soy consiente que él ni nadie está obligado a otorgar entrevistas a todas las personas que lo pidan, tiene el derecho a negarse por las razones que sea sin ser cuestionado por el acto.

Honestamente quisiera que cuando eso le suceda a las fuentes por más grandes e importantes que sean simplemente lo expresen con cordialidad .

Los periodistas al igual que los artistas solo seguimos nuestra vocación.

Pese a obstáculos y contra todo pronostico procuramos mantener la dignidad de nuestro oficio.

No todo puede ser bello en el mundo del espectáculo; ahí también habitan seres humanos con luces y sombras, con días buenos y no tan buenos.

Es lo que siempre debemos tener presente al hacer estos ejercicios comunicacionales.

No tengo idea qué hubo en mi personalidad que desató una respuesta tan fría y descortés de parte del actor, me quedó una lección enorme: como periodista, tengo que seguir perfeccionando mi capacidad técnica para acercarme a las fuentes .

Tal vez me muera y no lo aprenda, porque yo puedo admirar muchísimo a alguien, Lo que no puedo es hacer la del paparazzi; no es mi rol.

Viene a mi memoria esta frase:

El lado B de esta parte de la historia

Emmanuel Restrepo, un joven artista de alto impacto en estas generaciones y reconocido por la serie de Netflix “La Primera Vez”, ganó en esta ocasión un premio colectivo por su participación en los elencos de “Malta” (Serie web) y “Negro” (Artes Vivas).
Mi experiencia con él fue muy especial porque sé que ha hecho un aporte sustancial a la defensa de los derechos de las personas LGTBI.
Al principio, cuando me acerqué a él, tuvo un gesto de distanciamiento.
Pensé que se debía a que no llevaba una cámara visible y mis fachas no eran tan elegantes.

No le di importancia a la situación porque entiendo lo difícil que es para las celebridades atender a tantas personas que quieren hablar con ellos.

Lo particularmente especial fue que me llamó amablemente después para preguntarme en qué podía colaborar y me ofreció disculpas espontáneamente. eso realmente me impacto ese gesto. Porque no es algo que las celebridades suelen hacer con periodistas corrientes que no son especialmente famosos.

Le indiqué mi interés en que fuera uno de mis invitados estelares para los diálogos que propongo.
Gentilmente, me dio el número de su manager y espero, en un futuro no muy lejano, poder reflexionar con él desordenadamente sobre la vida y las resistencias.



Foto Natural : Un recuerdo memorable a un lado Emmanuel Restrepo, del otro lado el comunicador magister colombiano Raúl Diaz.

Reflexión 2 :
Los periodistas también tenemos que cuestionarnos a nosotros mismos la metodología en que abordamos a nuestras fuentes.

Tal vez alguien pensará por mi manera de hacer mi trabajo que “me las doy de importante y creída”.


” Nadie se salva de los dolores causados por el ego fue inevitable reflexionar sobre mi ego profesional para confrontarme a mi misma.”

Este no es un espacio de reflexión solamente sobre el mundo exterior que me rodea y habito ; también es un espacio de autocrítica. Para tratar de construir nuevas maneras comunicacionales sociales, también es para deconstruir aquello que quizá no me he dado cuenta que debe ser deconstruido en mi labor individual como entrevistadora para la vida.




Reflexión 3 : Reflexiones desordenadas fuera del foco ” anécdotas”

¿Y que tiene que ver el Feminismo Artesanal en el ejercicio que hice?



¡Ah, la vida de una feminista artesanal luchando contra los estándares de belleza! Les cuento que ayer, justamente a partir de la experiencia que tuve con el legendario actor Jorge Cao, tuve un momento de pensamientos intrusivos.
Estos fueron algunos

¿Será que mi presentación personal no era suficiente?

¿Necesitaba una cámara pomposa para verme atractiva?

Jajaja, sí, yo también me enfrento a esos dilemas.

Me esforcé mucho para encontrar el vestuario perfecto:
ni muy elegante ni muy informal, buscando ese toque semi informal que siempre he querido para mi imagen.

Les cuento que , la verdad, no confío mucho en mi habilidad para maquillarme o peinarme y odio depender de otras personas para eso y no siempre tengo animo para ” arreglarme”.

Así que, empezaré a aceptar mi derrota en ese tema y como ejercicio de autoaceptación, publiqué fotos naturales sin cámara profesional, sin edición alguna, tal cual como se dio el momento.
Debo darle los créditos a mi compañero Raúl Díaz, quien no es fotógrafo, como ya les conté, hizo estas fotos con gran amor y compromiso.
Él ha sido mi soporte profesional en diferentes maneras durante mi reciente tiempo, aparte de mi amigo.
Estoy feliz de tener fotos memorables de este día histórico, y nadie tiene la culpa de mi estampa y mi falta de cuidado riguroso con mi aspecto físico. ( lo sigo entre risas)

¿Por qué les cuento esto? Porque mi espacio siempre está lleno de reflexiones desordenadas.
¿Creen que las mujeres sufrimos por nuestra apariencia de gratis? ¿O también les pasa a otras personas?
El vestuario es político, la belleza es política, todo lo estético es un constructo social y político.
No soy una mujer físicamente bella porque no he querido pagar el precio de esa belleza. A veces veo fotos que no me gustan, pero desafío mi autoestima publicándolas.
Son fotos naturales, sin cámara profesional, pero hechas con mucho amor por mi compañero Raúl Díaz.
Y soy feliz porque ese día necesitaba un recuerdo emocional. Mi proceso comunicacional siempre será emocional.

Reflexión 4 ¿Y los detalles del evento?

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fotografía extraída del Instagram de Carolina Cuervo .

No es poca monta lograr ser un artista integral a mi juicio.

Como a manera de chiste dijo Carolina, parafraseando: hacer todas esas cosas que denominan “artista integral” era más bien algo como un rebusque.

¿Rebuscar como sacar cosas hasta de la basura ? me hubiera encantado poder preguntarle a que se refería exactamente con esa analogía.

Opino que se necesita mucho talento y capacidades cognoscitivas y cognitivas para ser un artista integral.

Además por mucho espíritu de rebusque, si no tienes disciplina y talento, no lo puedes hacer.

Porque una cosa es que la gente quiera ser integral en el oficio y otra, es que lo pueda llevar a cabo en realidad. Una cosa es que a la gente le toque hacer muchas actividades y otra, es que realmente tenga el talento para ejecutar tantas actividades efectivamente.

Quiero exaltar a todos y cada uno de los artistas con un nombre propio, es imposible hacerlo en una sola columna.

Sin embargo, lo que más resalto es el componente de educadores para la vida que finalmente constituye el gremio de maestros, actores, guionistas, productores de contenido y todos los artistas de rigor en este país.

Me estimuló intelectualmente el conocimiento y me recordó el valor de las artes integrales.

No estoy de acuerdo en lo personal, no solamente como “opinadora” desde la barrera, sino como esa actriz que quise ser y que no fui, y que conoce las demandas del oficio.

Entiendo que se necesita mucho talento y capacidades cognoscitivas para ser un artista integral.

Una cosa es que a la gente le toque hacer muchas cosas y otra cosa es que realmente tengan los talentos para hacerlo con excelencia .

Reflexión 5 ¿Cuál es la nuez de este pastel?

Premios Bravo: Edu – comunicación y el Poder de los Contenidos Digitales

Cada vez reafirmo más mi interés por la comunicación para la vida y la resistencia. Ser audiencia y al mismo tiempo periodista en un evento magistral e histórico como los Premios Bravo es una experiencia única. Aquí, los artistas reconocen a los artistas, se exalta a los maestros no solo en Bogotá, sino en todas las ciudades del país.

Es un espacio donde los artistas muestran su parte más humana, abren su corazón y le dicen a la sociedad que hacer arte es una filosofía de vida y, desde donde yo lo veo, también una postura política.

El artista es reflejo de las realidades, incluso incómodas, de las que preferirían no hablar aquellos que quieren mantener al país con verdades a medias y sumiso en su propia ignorancia.

A los artistas les debemos mucho de los aprendizajes que en otros formatos es imposible digerir.

Los premios Bravo más que premiación

• Las puestas en escena llevan una dosis de verdad que nos cuestiona y que nos motiva a creer en la vida.

La Edu- comunicación, esa mezcla maravillosa de educación y comunicación, se trata de empoderar a las personas a través del diálogo y la participación activa. Los Premios Bravo hacen exactamente eso al reconocer a los mejores en las artes vivas, el audiovisual y la actuación solo de voz.

No solo celebran el talento, sino que también nos invitan a reflexionar sobre los contenidos que consumimos y producimos.

El Impacto de los Contenidos Digitales

En esta era digital, los Premios Bravo son más relevantes que nunca. La gala fue transmitida en vivo y a través de medios digitales, permitiendo que todos pudiéramos participar, comentar y compartir nuestras opiniones.

¡Fue como si todos hubiéramos estado allí!

Esto democratiza el acceso a la cultura y el arte, permitiendo que personas de todas las regiones del país se sientan parte de esta celebración.

Homenaje a los Grandes del Arte

Durante la semana de los Premios Bravo, se rindió homenaje a varios artistas legendarios que han dejado una huella imborrable en la actuación colombiana. Figuras como Hilda Ruiz, Beatriz Camargo, Judy Henríquez, Carlos Ramírez, Epifanio Arévalo y Kepa Amuchastegui fueron reconocidas por su invaluable contribución al teatro y la televisión.

Como dijo alguna vez Constantin Stanislavski, “El actor debe ser un observador agudo de la realidad que le rodea”. Esta observación y conexión con la realidad es lo que hace que estos artistas sean tan valiosos.

Reconocimiento a Productores y Talento Regional

No solo los actores fueron celebrados.

Productores legendarios y aquellos que trabajan fuera de Bogotá también recibieron su merecido reconocimiento. Esto es crucial, ya que destaca la diversidad y riqueza del talento colombiano, mostrando que la excelencia artística no se limita a la capital.

Traigo sobre la mesa una frase que ha sido pronunciada por diferentes voces y muy atribuida al reconocido e influyente director de teatro Peter Brook : “El teatro es un medio de explorar la naturaleza humana”.

Esta exploración es evidente en el trabajo de estos productores y artistas regionales.

In Memoriam: Recordando a los que se Fueron

La ceremonia también tuvo momentos emotivos, como el segmento “In Memoriam”, donde se recordó a los artistas que fallecieron en el último año. Este homenaje no solo honra su legado, sino que también nos recuerda la fragilidad de la vida y la importancia de celebrar a nuestros artistas mientras están con nosotros.

Mi reconocimiento enfático

A Luis Fernando Bohórquez, un artista integral cuyo trabajo he seguido de manera especial en los últimos años. Esta vez, como artista plástico, fue el cerebro detrás del diseño, elaboración y maestría del galardón entregado a cada ganador. Su aporte a la Edu comunicación, tan necesaria en nuestro país, es sustancial.

Luis Fernando, con su arte manual, le suma sensibilidad a este mundo insensible, y eso me resulta profundamente conmovedor.

Durante todo el evento, observé mucha espectacularidad de unos y otras, pero él, con su sencillez, parecía más un espectador que un protagonista.

Su humildad y dedicación reflejan la verdadera esencia del arte como herramienta de cambio y reflexión.

Espero que este reconocimiento inspire a muchos más a valorar y apoyar el arte en todas sus formas.

Colofón

Hice un juramento que me tomo muy en serio: usar mi trabajo comunicacional para tratar de hacer aportes que sirvan para mejorar el mundo que habito.

Resalto de una manera muy especial a cada artista integral y, sobre todo, a quienes han tenido la capacidad de vivir una metamorfosis adaptándose a esta modernidad tardía dentro de la dramaturgia y todas las artes vivas :

“El teatro es la vida misma, y en él encontramos la verdad que a veces la realidad nos oculta”. Una frase que escuche hace tiempo y con este evento resonó fuertemente en mi corazón

No alcanza una columna para resaltar cada acto presentado el domingo 29 de septiembre del 2024.

Solo me resta decir que el cierre en manos de la voz de la cantante, actriz y sindicalista Diana Ángel fue sublime. Acompañada por el talentoso cantante César Mora y un grupo magistral de músicos, lograron una puesta en escena impresionante.

Yo soy de la corriente de periodistas que considera que transparencia con su audiencia es indicar si hay relaciones cercanas con las fuentes.

A la única persona en este ejercicio que conozco un poco de cerca es a Diana Ángel una mujer que conocí a principios de mi carrera y siempre me ha dado de su luz.

Tenia varios años sin verla a los ojos y nuevamente la escuche decirme:

“hazlo por ti”

Y bueno, es cierto no soy periodista por otras personas lo hago por mi.

Porque amo mi lugar desde el periodismo.

La participación de Diana fue la ultima presentación y había ya cansancio en el auditorio aun así muchos la escuchamos y gozamos su voz mientras otra gente decidía ” ir saliendo” .

La interpretación de “Canela” fue un momento solemne y emotivo, donde cada nota y cada palabra resonaron con la fuerza de la resistencia y la esperanza.

Lastimosamente no tenia equipo para grabar su espectacular participación sin embargo dejo este vinculo para que disfruten el tema de cierre en premios Bravo

Fue el broche de oro perfecto para una noche llena de arte, reflexión y celebración.

Diana es una historia de mujer que espero narrar desde mi lugar pronto.

¡Gracias!

Nuestra CASA EDITORIAL, dedicada hace AÑOS y SIN CENSURAS ni RESTRICCIONES de ningún TIPO, TOMAMOS como LEÍ MOTIV, IMPULSAR, VISIBILIZAR y APOYAR EMPRENDIMIENTOS de todo tipo en SERIO… y HOY nuestro MAGO de la PLUMA y el PINCEL nos trae…

Pandora y la Etimología de la Esperanza

Texto por: Francisco Rodríguez-Prada

Pinturas por: Federico Lozano Del Moral

Foto 1. Pandora, bienvenida a casa 4444. Cortesía de Jesús Muñoz

La etimología de la Esperanza se articula no de morfemas gramaticales sino de afijos pictóricos y fonemas cromáticos. Estos, en tanto palabras poéticas e imágenes artísticas, refieren a conceptos declamados en aquellas Teodiceas trágicas. Teodiceas que pretendían responder el misterio del mal en la vida y en la obra del artista.

Juguemos con las palabras y con las imágenes para explicar la idea anterior. La palabra “spes” en latín significa esperanza. Se entiende este concepto como la posibilidad de que aquello que se desea, SEA alcanzable, aunque no se tenga los medios para conseguirlo. Ciertas religiones animistas y teístas dotan a entes naturales o a ciertos conceptos (como el concepto de la esperanza), con esencia espiritual, voluntad y agencia para actuar. Ello, en su necesidad de mediar, transigir o de controlar ritualmente a aquellas potencias que se representan. Así pues, Hesíodo, en su poema de las Teogonías, caracteriza a la esperanza como una diosa llamada Elpis (conocida y adorada como Spes por los Romanos durante las guerras Púnicas). En el mito de Pandora, después de que el mal es liberado inexorablemente en el mundo, Esperanza, también es liberada para consolar a los hombres. Los artesanos, artistas y poetas se ponen en la tarea de figurar artísticamente, a veces con representación antropomórfica aquello que se entiende como esperanza. El objeto (artístico) creado por el artesano en el ámbito ritual, religioso, mágico, cultural, e incluso terapéutico, es aquello en lo que se discurre.

Explíquele a un niño la ontología de la esperanza, sin aquél haber sufrido inmensamente, ni posteriormente haber esperado el bien tan anhelado. Aquellas experiencias humanas se aprenden empíricamente con vivencias extremas. Vivencias extremas a veces traumáticas que dejan daños irreparables en la sicología y en la fisiología de las personas. No obstante, los símbolos, las artes visuales, la literatura, la música, el cine; nos enseñan y nos conmueven con aquello tan abstracto, en tanto figura e imagen, pero tan entrañable y visceral en tanto vivencia humana. La genialidad de Hesíodo estaría no solo en su técnica (tekhne, techne), sino en la capacidad de articular aquella pulsión humana de la esperanza en sistemas de símbolos artísticos, historias poéticas y teodiceas. El autor, habría necesariamente sufrido y posteriormente anhelado el bien en su propia vida para expresarlo en su poesía.

Se comenta que las mejores obras son creadas por autores que por su bagaje han experimentado vivencias existenciales que prefiguran motivos artísticos de verosimilitud conmovedora. Vivencias paradigmáticas a toda persona que alguna vez haya elaborado episodios de amor, traición, sacrificio, humillación, belleza, honor, guerra, muerte, vejación, derrota etc. El arte sería producto de la relación intersubjetiva del autor con aquellas circunstancias o personas que injirieron en el contenido de su obra. Con negra ironía se señala cómo la miseria humana padecida por Dostoievski habilitó su genialidad creadora. Innumerables datos biográficos patéticos ilustran aquello: Desde sus hemorroides, su ludopatía, su epilepsia criptogénica, sus fiebres, sus depresiones, su hipocondría, hasta sus obsesiones. La manera de lidiar con lo anterior potenció su obra literaria. Se establece una relación intrínseca entre la vida privada del autor y el contenido de la obra. Aquello deplorable de una vida degenerada no necesariamente hace que la obra del autor sea objeto degenerante. Por el contrario, con bastante frecuencia se elogia el contenido y la forma de la obra de Dostoievski. La representación pesimista del mundo elaborada en sus novelas, y la caracterización radical de los personajes antagónicos y sus disputas; invitan a reflexionar en torno a ideales de la Verdad y la Bondad. La experiencia profunda, interesante y memorable que se tiene al leer su prosa manifiesta el ideal de la Belleza. La unidad dada por la interacción de la Verdad, la Bondad y la Belleza es lo que se conoce en la filosofía escolástica como las propiedades Trascendentales del ser. Los Trascendentales operan a través de la razón humana. El lector de la obra de Dostoievski juzga La Verdad con la Razón Teorética (qué se entiende en sus novelas usando el pensamiento y la lógica. ¿Identifica el lector aquellas circunstancias tétricas como verosímiles?). La Bondad se juzga con la Razón Práctica (qué hacen los personajes de la novela en el ámbito ético y político. ¿Qué haría el lector si fuera uno de ellos?). La Belleza se juzga con la Razón Estética (¿qué experimentó empíricamente el lector al relacionarse con el arte literario de Dostoievski? ¿Buscaría nuevamente aquella experiencia estética? ¿La belleza está en la forma o el contenido de la obra de Dostoievski?). Podría decirse que toda cosa existente, o cada ser, contiene o participa en mayor o menor medida de los Trascendentales descritos anteriormente.

Cambiemos de contexto para verificar lo anterior. ¿Aquello deplorable y degenerado en la vida de un autor, hace que su obra sea objeto degenerante? ¿Podría suceder lo contrario? Se emiten juicios de valor sobre la vida de los autores y sus obras bajo marcos axiológicos específicos. A continuación, podrá juzgar el avezado lector, con la Razón Práctica, casos de autores polémicos para dilucidar sobre el tema: ¿Qué tienen en común los siguientes autores y sus obras?: El escritor Vladimir Nabokov, el pintor Balthus, el músico Michael Jackson, el cineasta Luc Besson y el filósofo Michael Foucault? Sin duda alguna, todos tienen obras celebradas, indiscutiblemente sobresalientes en su especificidad disciplinar. Esbocemos con brocha gorda la complejidad de la miseria humana.

El escritor Vladimir Nabokov, en sus memorias autobiográficas “Resumen de Habla”, devela que a sus ocho años (1907), fue víctima de abuso infantil por parte de su tío Ruka (Vasily Rukavishnikov). Aquella experiencia traumática inspira su célebre obra “Lolita”, “El hechicero” y “Fuego Pálido”. Tío Ruka era un hombre “muy elegante, histriónico, solía usar abrigos color gris-pera, decoraba la solapa con un delicado clavel rosado. Gustaba de declamar poesía en francés antiguo. Después de la cena, en las noches de verano, estando a solas con el pequeño Nabokov, solía sentarlo en sus piernas, acariciarlo atrevidamente y canturrearle en susurros palabras traviesas al oído. […] Esto, mientras le producía cosquillas en el cachete con sus bigotes puntiagudos y encerados. […] Años después, en la celebración de los quince años de Vladimir, tío Ruka anuncia con pompa que el adolescente sería el heredero de su fortuna”. La verosimilitud de la novela Lolita y el sorprendente giro argumental no son más que el espejo de la realidad.

El pintor Balthus, célebre por sus pinturas transgresoras de muchachas jóvenes, a veces víctimas, a veces soñadoras, romantiza la sexualización de mujeres en temprana adolescencia caracterizando el desorden mental de la hebefilia. Su primera exposición pública en 1934, acogida por la Vanguardia Surrealista, fue un éxito y un escándalo. En aquella coyuntura la infame pintura “Lección de Guitarra” fue comprada por el magnate griego Stravros Niarchos. Cuatro años después fue realizada la icónica pintura “Thérèse Soñando”. Actualmente hace parte de la colección permanente en el museo MET de Nueva York a pesar de las más de 9000 firmas que solicitan su remoción. Esto por la crisis suscitada por el cambio de paradigma moral en la sexualización de los menores de edad. Los biógrafos de Balthus señalan una relación directa entre los temas pictóricos de las muchachas soñadoras con la propia madre del autor. Baladine Klossowska, artsita polaca de origen judío, fue la amante del poeta Rainer Maria Rilke. Balthus fue el hijo ilegítimo de aquella relación. No obstante, Rilke le dedica al joven pintor su poema “Narciso” cuya “Única tarea era contemplarse a sí mismo”. Los biógrafos del pintor lo caracterizan con extravagancia delirante. Lo acusan de mitómano y estrafalario: “El artista dice con frecuencia que desearía permanecer siempre como un niño”. “El artista dice que sus propias pinturas carecen de contenido erótico”. Se hace llamar a sí mismo el Conde de Rola y construye alrededor suyo un personaje de leyenda. Aduce que supuestamente es descendiente del poeta Lord Byron, pero también de la familia real Romanov a través de su abolengo Stanislaw, último rey polaco y duque de Lituania. En sus biografías no se mencionan episodios de abuso sexual, ni existen registros de relaciones abusivas con sus musas retratadas. Por el contrario, existe archivo fotográfico que da razón de su relación con las modelos (serie “For Balthus” de Duane Michals, 1969). Sus detractores lo acusan ferozmente de parafílico mientras que sus apologetas lo caracterizan como hombre de familia que vivió felizmente casado sus últimos cuarenta años de vida con su esposa Setsuko y su hija. Setsuko declara que la esencia del trabajo artístico de su esposo es “el Eros como naturaleza divina y última verdad”. ¿Cómo ha de interpretarse esto, como paganismo animista en la era moderna? ¿Puede encontrarse belleza en el contenido de su obra, o en la figuración pictórica de sus imágenes de acuerdo con la Razón Estética? Sí, totalmente, aunque se pierde la unidad con los Trascendentales de la Verdad y la Bondad haciendo perturbador y pervertido el contenido su obra.

El cantante, compositor, bailarín Michael Jackson con su impresionante carrera de cuarenta años, ícono de la cultura musical Pop norteamericana, cuenta con 500 millones de copias de álbumes vendidos e innumerables galardones: Canciones destacadas en las listas Billboard, Grammys, Brit Awards, Golden Globes, inclusiones en los Hall of Fame. Comenzó su carrera comercial en 1968 compartiendo escenario con sus hermanos los Jackson 5. En 1971 emprendió su carrera en solitario. Somos partícipes del reconocimiento que obtuvo a nivel mundial en 1982 con el insuperable álbum Thriller, y los subsiguientes discos Bad y Dangerous. Se recuerda por su espectacular música, sus videos comerciales, sus coreografías, su apariencia excéntrica, su moda, las cirugías estéticas, sus relaciones afectivas y los enfermizos escándalos mediáticos. ¿Podrían identificarse elementos de los Trascendentales de la Bondad y la Belleza en el periplo de su vida y de su obra? Quizá, dirían muchos, pero sin la Verdad se desdibuja por completo la bondad y la belleza. Se pierde la unidad. Michael Jackson y sus hermanos sufrieron de violencia en su infancia por parte de su padre quién los disciplinaba a correazos durante los ensayos musicales. Siendo Michael el menor de los hijos varones sufrió en extremo, además se mofaban recurrentemente de su nariz “regordeta”. A los nueve años fue introducido a la actividad sexual al tener que cantar con sus hermanos en clubes nocturnos. Compartían escenario con mujeres de striptease y con Drag Queens. Fue testigo de las prácticas sexuales de sus hermanos con prostitutas y con “groupies” de la banda. La actriz infantil Tatum O’Neal fue su primera novia. Ulteriormente, con fama internacional, Michael Jackson contó con icónicas parejas como Brooke Shields y Lisa Marie Presley. Esta última, junto con Elizabeth Taylor, lo apoyaron con su adicción a la benzodiazepina y en sus impases legales por los supuestos abusos sexuales a menores de edad en el infame “Rancho Never Land”. El nauseabundo escándalo mediático sucedió entre los años 1993 y 2003. Intrigas de prensa amarillista involucrando víctimas violadas, falsos testigos, psiquiatras, detectives expertos en pedofilia, pruebas forenses, órdenes de cateo, extorsiones, difamaciones y hasta traición por parte de su hermana, arruinaron la carrera del artista. Se optó por llegar a un acuerdo de conciliación remunerando a las víctimas sin nunca admitir culpabilidad. Michael Jackson continuó su vida junto con toda la industria que lucraba promocionando su carrera. En el 2009 muere accidentalmente de un paro cardiaco inducido por sobredosis de proponol y benzodiazepina. Se logran ventas de 35 millones de álbumes a nivel mundial a razón de su muerte. En el 2013 vinieron demandas póstumamente por abuso infantil en contra del Emporio Jackson. ¿Verdad, Bondad, Belleza?

“You know I’m bad, I’m bad, ya’ kwow it, I’m bad […], tu, tu, tu , TU, TU […] Who’s bad!”

La carrera del autor Luc Besson se gesta en el movimiento francés “Cinéma du look” y ya para la década de los noventa nos presenta sus muy emocionantes películas comerciales. Entra en la escena Hollywoodense con el filme La Femme Nikita con la cual obtiene el galardón Globo de Oro por Mejor película de lengua extranjera. Con las muy memorables y divertidas películas Leon: El Profesional y el Quinto Elemento, obtiene fama internacional. En el 2018, durante la tormenta mediática suscitada por la actriz Asia Argento y el movimiento #MeToo, se develan escándalos de asalto sexual en la industria cinematográfica. Besson resulta salpicado con denuncias de violación por parte de la actriz Sand Van Roy, protagonista de la adaptación que el director hizo del cómic Valerian et Laureline del ilustrador Jean-Claude Mézières. Adicionalmente, se señalan implacablemente sus conductas hebefilicas con el desarrollo del personaje que Natalie Portman interpreta en el filme Leon: El Profesional. Portman, debutando en su carrera como actriz, debe caracterizar a una preadolescente de 13 años que se enamora de un sicario de cuarenta años. Se destaca la escena de la seducción en donde Portman parodia a Marylin Monroe cantándole el cumpleaños a J.F.K. (1962). Otra escena se editó para la versión norteamericana en donde el personaje de Portman le manifiesta al sicario su deseo de perder la virginidad con él. Por último, los padres de Portman le exigen a Besson la exclusión de una escena de desnudo en la ducha. En la película se conservaron escenas en donde se aprecia a la preadolescente Portman semidesnuda. Bajo el escrutinio del #MeToo se identifica la relación de Besson con la actriz Maïwenn. Se conocieron cuando la actriz contaba tan solo con doce años. A los quince comenzaron su relación afectiva, aquello de acuerdo con las leyes de consentimiento sexual de la república francesa. Contraen matrimonio y forman una familia con su hija Shanna. En aquél entonces, Maïwenn señala que la historia romántica del filme Leon: El Profesional, “se inspira en su relación con Besson” y no tanto influenciado por la literatura de Nebokov. ¿El romantizar la sexualización de mujeres en temprana adolescencia en el cine es una promoción de la hebefilia? Opuesto sería el caso de Nebokov, cuya obra podría propiciar la reflexión en torno a los tabús del matrimonio y la sexualidad. Esto desde una mirada transversal a los valores de diversas culturas no occidentales. Se reflexiona también si aquellas culturas, desde las ciencias jurídicas, consideran al infante como sujeto de derecho. El caso de Besson puede explicarse por el desarrollo de las leyes Estatutarias de Consentimiento Sexual francesas y los conta-valores de la revolución sexual del Mayo Francés.

Pintorescas fotografías del filósofo Michael Foucault junto con Sartre, muestran aquellos pensadores arengando con histrionismo extravagante durante el Mayo Francés. Sus detractores los descalifican con argumentos “ad hominem” tachándolos de fantoches y de frívolos. El joven Edward Said se decepciona de sus héroes ante su pasividad sepulcral al no apoyar la causa palestina. Por un lado, Sartre, paladín de la descolonización de Argelia, parecía interesarse más por el huevo con mayonesa que en el estado colonialista israelí y el Nakba de 1948. Por otro lado, Said, debió aguantarse horas y horas a Beauvoir usando su ridículo turbante de pepas al desglosar la taxonomía del ajuar femenino árabe no con poca frugalidad: (chadah, burka, hijab, niqab, shayla, al-amira, khimar). Aquellos argumentos denotaban nada más que su racismo en contra del medio oriente. En cuanto al muy destacado Foucault, si el joven Edward Said hubiese sabido sobre su turismo sexual pedofílico en el Magreb, nunca hubiera aceptado la hospitalidad de su lúcido anfitrión. En efecto, meses antes del Mayo del 68, presumiblemente, el presidente de Túnez Habib Bourguiba, delega a Michael Foucault una cátedra en la Universidad de Túnez. Allí, Foucault, heroicamente, es partícipe de intensos debates intelectuales y de activismo político radical en contra de la deshumanización. PERO…. Entre tanto, por las noches, (según el ensayista francés Guy Sorman), mantenía relaciones sexuales con niños de nueve años en el cementerio de la ciudad Sidi Bou Said a cambio de dinero. ¡Inverosímil y dantesco! Irónicamente, las teorías críticas de Foucault son celebradas por la relación que se establece entre el poder, el conocimiento y la -norma-lidad de la sexualidad. El filósofo se ve obligado a escapar de Túnez después de una zurra apoteósica que le propina la policía de Beji Caid Essebsi y su régimen “Panóptico”. Según todo lo anterior, nada era de extrañarse que en 1977-79, Foucault, Sartre y otros destacados intelectuales franceses, firmaran peticiones para derogar y abolir la ley “Affaire de Versailles”, sobre el consentimiento y el asalto sexual a niños, como también las relaciones sodomitas con menores de edad. Ahora bien, poner en escrutinio las supuestas acciones del señor Foucault bajo las premisas de los Trascendentales del ser (Bondad, Verdad, Belleza); resulta más que una charada risible, una idiotez de mala fe. Los héroes de la Posmodernidad en su afán de destrozar los errores y los horrores de la Modernidad, deconstruyen el logocentrismo, los metarelatos y denuncian la biopolítica de las élites globalistas. Ya, siglos antes, en la Ilustración, no el enciclopedismo francés sino el terror jacobino sepulta con sangre el legado escolástico. Antes de eso, los nominalistas consideraban los Trascendentales del ser como invenciones caprichosas de Dominicos y de curas borrachos. ¿Qué implicaciones tiene lo anterior? Que, para alguien tan, pero tan, pera TAN inteligente, educado y erudito como Michael Foucault, la Verdad, la Bondad y la Belleza sencillamente NO existen. Lo anterior se corrobora apreciando su obra, sus acciones, y su legado cultural.

…Y, los Dioses, al ver que los hombres robaron el fuego del conocimiento del bien y del mal, mandan su castigo. ¡Ábrase la caja de Pandora exclaman!… y todas las plagas y los males poblaron el mundo. No obstante, lo último que se pierde es la Esperanza…

Tienen en común los autores Nabokov, Balthus, Jackson, Besson y Foucault la relación intrínseca entre las experiencias personales y el contenido de sus obras. Algunos fueron víctimas en su infancia, otros victimarios, aquellos otros transgredieron el límite de lo prohibido. Prohibido no por un marco axiológico sino por la degradación de lo humano. Supieron hacer del arte un bien, belleza, a pesar del mal y la falsedad de la miseria humana. Hesíodo y otros tantos hacen de los símbolos herramientas conmovedoras para expresar aquello entrañable y visceral de nuestras vivencias. El arte como esperanza de lo humano, de aquello se trata.

El arte de Federico Lozano es la etimología de la Esperanza. Repito. El arte de Federico Lozano es la etimología de la Esperanza. Entiéndase arte como la posibilidad de que aquello que se desea, SEA alcanzable, aunque no se tenga los medios para conseguirlo. Esto es lo qué es y de aquello se trata la esperanza. La conmovedora obra pictórica semi-figurativa de Federico Lozano, tal como la etimología lo indica, da origen a la palabra esperanza, da razón de su existencia, de su significación y de su forma. Sus lienzos, como la caja de Pandora, contienen y entretejen el periplo de su vida. Lo pictórico como un proceso cosmético, metafórico, esconde o devela sus triunfos, sus heridas, como bellas y conmovedoras capas de piel. Da razón de ello articulando una iconografía idiosincrática, consistente en tiernos dibujos infantiles, símbolos connotativos kitsch de recuerdos de la infancia. Superpuestos a estas imágenes, aplica densas pinceladas de pigmento, intercaladas con collage, stickers, parches y colores exquisitamente yuxtapuestos como un tejido epidérmico de lo humano:

Video 2. Declaraciones de Federico Lozano. Archivo particular del artista.

Federico Lozano (n.1993), artista plástico bogotano, debuta en Colombia con su primera exposición individual “Pandora”, después de ocho años de estancia artística en Londres, Reino Unido. Federico cuenta con un bagaje de experiencias culturales inigualables que articulan su particular sensibilidad artística. Su periplo comienza en la exposición Mr. America del 2009, en donde a sus dieciséis años aprecia la obra de Warhol en el Museo de Arte Miguel Urrutia. Inspirado por sus héroes Warhol y Alexander McQueen, explora estudios de Moda comprendiendo el rigor del diseño y el poder simbólico del glamur en la cultura. Rápidamente se da cuenta que el oficio de la confección y el patronaje no era lo suyo. Por sus aptitudes innatas creativas y su amor por la plástica y el color, decide estudiar Arte en la Universidad de los Andes. Estancia corta que le deja importantes herramientas metodológicas en lo pictórico y que habilitaría sus competencias disciplinares para completar un Foundation Degree en Arte y Diseño en Oxford. Posteriormente, adquiere valiosas herramientas conceptuales estudiando Bellas Artes en Leeds Art University, logra exponer sus obras en varias ciudades del Reino Unido y en Nueva York. Su aproximación multidisciplinar al arte, única, le permitió no solo explorar su obra pictórica sino también trabajar en el mundo de la moda como promotor comercial y maquillador de la galardonada empresa multinacional de cosméticos Fenty. Empresa de la afamada artista musical Rihanna. Aquella coyuntura le permitió sortear el difícil periodo de la pandemia del Covid-19 y continuar evolucionando su propuesta artística incursionando en el dibujo y el collage digital. Finalmente, regresa a Colombia para continuar con su carrera y consolidar su vida privada con su pareja y con su familia.

Foto 3. Ilustración digital. Archivo particular del artista

Para la exposición “Pandora”, la obra de Federico Lozano es acogida en la sala expositiva del Museo de la Sociedad de Cirugía de Bogotá – Fundación Universitaria de Ciencias de la Salud FUCS y Hospital de San José. Federico da razón del poder transformador del arte en el marco de la salud mental. Sus piezas dialogan con la colección permanente dando razón del ethos del museo. El autor confronta recuerdos dolorosos dejando de lado la interrelación entre la memoria y la identidad. Logra aquello reelaborando una narración de la historia de sí mismo. Hace del símbolo plástico en sus pinturas un agente significante de cambio. Entreteje cuidadosamente exquisitas imágenes a manera de snapshots. Relatan anécdotas puntuales de su vida articuladas visualmente como iconos pictóricos, a veces como dibujos legibles, otras como collage fotográfico o escritura manuscrita. Todos esos recursos denotativos y connotativos. La acción catártica de pintar es en sí misma un proceso terapéutico: Al extenderse la mancha “tachista” y percibirse la explosión del color y la materialidad de la textura; suceden procesos sinestésicos en la mente del artista. A veces pinta directamente con las manos. Se alivian sus emociones y se despeja aquello truncado del pensamiento. El acto pictórico libera dopamina motivando la acción creativa. Después del arduo trabajo llega la validación serotonínica al corroborar el autor que es capaz de hacer cosas importantes. En un tercer momento, la validación se prolonga a lo largo del tiempo, cuando la otra gente reconoce el valor único de su obra y por ende el valor mismo de él como persona. Por último, se resignifican los recuerdos traumáticos, se recompone la percepción, el relato de sí mismo y su misma identidad.

Foto 4. Nada es Sagrado. Cortesía de Jesús Muñoz

En la pintura Nada es Sagrado (2024), Federico Lozano establece una analogía entre su cuerpo (su persona) y el cuerpo pictórico del lienzo con sus múltiples capas anatómicas. La epidermis de pigmento presenta un personaje, un ícono de lo infantil, un peluche pintarrajeado recuerdo presente de la infancia perdida. Es presentado por un aura festiva, piñata decorada con guirnaldas de flores, alegres parches de ositos y unicornios, todo ello unificado bajo collage y densas tramas de pigmentos cuidadosamente yuxtapuestos. La analogía entre el cuerpo, su cuerpo y las capas pictóricas se da en aquellas huellas del pasado, el bagaje que carga la persona, circunstancias viscerales. Así mismo, la superposición de las capas pictóricas, dan razón de las etapas y de los tiempos de elaboración del cuadro. El autor cubre y repinta aquello efímero de sus emociones y de sus pensamientos tal como el envejecimiento en el transcurrir del tiempo.

Foto 5. Osito Rojo y Rosado. Cortesía de Jesús Muñoz

En la pintura Osito Rojo y Rosado (2024), el observador es confrontado ineludiblemente con una gran imagen agresiva y apática, mamarrachada de un muñeco de peluche. Los signos convencionales en los gestos del rostro del personaje denotan emociones de ira mientras que el color rojo, sus genitales y los escurridos pictóricos evocan sangre y violencia. Esto es complementado con densas capas de elementos significantes, elementos como palabras manuscritas que informan con sarcasmo pensamientos del autor. Federico Lozano continúa la tradición de artistas como Basquiat que hacen del lienzo un simulacro del graffiti aplicando grafismos de palabras y personajillos irreverentes. Encuentra también referentes en artistas contemporáneos como Szalbocs Bozo quién pinta personajes cartoon en amplios campos cromáticos, personajes inspirados en dibujos infantiles.

Foto 6. Detalles de collage. Archivo particular del artista

El autor entiende que la plástica pictórica no comprende única y exclusivamente en la aplicación de la carga de pigmento en la superficie del lienzo. Tampoco por aquellas configuraciones semióticas derivadas del problema figurativo de la representación. El artista se preocupa por intercalar elementos visuales como textura matérica con sus pesos visuales y valores cromáticos; como también, elementos significantes que de alguna manera contribuyen a expresar las ideas y contenidos de su obra. Se recolectan elementos para articular el collage tanto análogo como digital. Consecuentemente, se apropia de fotografías que reconfigura icónicamente juntando y recontextualizando partes de diferentes imágenes. En otros momentos intervine irreverentemente rayando con dibujo la imagen fotográfica. Se vale también del uso del software para configurar digitalmente imágenes, imprimirlas e introducirlas entre las capas pictóricas y los textos escritos o esgrafiados. Procede con el juego de develar u ocultar aquello que quiere que sea explícito o ilegible. Todo esto informa al observador aspectos de su pensamiento recurriendo a la ironía y el humor.

Foto 7. Sabores de raspao para escapar la normalidad. Pintura completa y detalle. Cortesía de Jesús Muñoz

En la pintura Sabores de raspao para escapar la normalidad (2024), se hace evidente los procesos de connotación dados por lo evocativo del título dejando a la imaginación del observador el significado de la obra. Esto ya que difícilmente se podrá conocer la intencionalidad del autor y la dimensión anecdótica que antecede a la obra. Dado lo anterior, cobra gran relevancia lo forma plástica, estética, matérica de lo pictórico en sí mismo. Esto sin la intromisión sofista de un texto que etiquete el sentido de la obra. Para la presente obra, el artista trasciende la bidimensionalidad de la superficie pictórica agregando lana de oveja entorchada y pigmentada. También cristales swarovski y escarcha como elementos que podrían connotan otros sentidos en procesos metafóricos de asociación. Por ejemplo, la lana podría evocar abrigo, y suavidad por la cualidad y uso del material, pero por analogía visual podría parecer el hielo y el melado del raspado. Los cristales y la escarcha en la obra de Federico Lozano de alguna manera aluden irónicamente al poder simbólico del glamur desde lo kitsch.

Foto 8. Coca-cola, Wellbutrin, Marlboro Lights, Hot Guys, Cerdos y Galletas de Chocolate. Cortesía de Jesús Muñoz

Otra faceta no poco relevante en la obra de Federico Lozano se aprecia en la obra “Coca-cola, Wellbutrin, Marlboro Lights, Hot Guys, Cerdos y Galletas de Chocolate”. (2024). En esta obra el autor hace uso del dibujo como recurso narrativo de diferentes momentos anecdóticos. Lo explícito y lo denotativo de los dibujos deja de lado la ambigüedad del significado propiciando la construcción de sentido en las imágenes dadas. En tanto al estilo, se ve la influencia del arte Pop (Warhol), por la representación colorida de las etiquetas y los rótulos de marcas de productos comerciales. Se continúa el juego y el simulacro en la creación de personajes cartoon emulando los dibujos de los niños, pero revirtiendo sus signos. Se contrapone la inocencia infantil con imágenes homoeróticas, fármacos antidepresivos y medicinas para bajar de peso. También la nicotina, la sacarosa y efigies de artistas de la cultura pop. Dado el contexto de la obra se infiere que el relato presente en el cuadro es autobiográfico. Cobra dimensiones dramáticas cuando en diálogo con el artista se corrobora que la elaboración de la pintura fue mediada por fármacos en intervalos de estados de conciencia alterada. Continúa la idea metafórica del cuerpo pictórico y del cuerpo humano que alberga bajo su piel el químico Wellbutrín, como también se alberga bajo la capa pictórica el cartón original del empaque del fármaco Ozempic. En relación con la disposición de los dibujos y la idea narrativa, Federico Lozano indica su influencia de la artista Esther Pearl Watson que realiza ilustraciones humorísticas atendiendo a recuerdos de infancia o a episodios escritos en su diario personal.

Foto 9. Detalles de las firmas del artista Federico Lozano. Cortesía de Jesús Muñoz

Por último, un comentario de la dimensión de Federico Lozano como persona. El autor de la presente reseña tuvo el privilegio y la alegría de entrevistar en persona al artista. Destaca bellamente su honestidad, sencillez y amabilidad. Ello inspiró la idea de contraponer los Trascendentales del Ser (Bondad, Verdad, Belleza y Unidad) con la fragilidad de la condición humana, sus dramas, sus heridas, sus pecados, pero siempre mediados por la grandeza de la bondad y el poder expresivo de la obra de arte. La idea original de enmarcar la obra de Federico Lozano dentro del mito de Pandora nace del diálogo del artista con el curador Jesús Muñoz y quizá en honor a la perrita adoptada de Federico llamada Pandora. Para terminar, me dio la impresión de que Federico admira al difunto diseñador de modas Alexander McQueen no solo por su talento extraordinario sino por su sensibilidad y drama humano. McQueen sufría de depresión al igual que Federico. Se cuenta que “las últimas palabras de McQueen antes de suicidarse fueron –Cuiden a mis perritos-”.

La exposición Pandora podrá verse del 17 de mayo al 19 de julio del 2024 en la sala expositiva del Museo de la Sociedad de Cirugía de Bogotá – Fundación Universitaria de Ciencias de la Salud FUCS y Hospital de San José.

Calle 10 # 18 – 75, Bogotá, Colombia.

El Museo de la Sociedad de Cirugía de Bogotá es un centro cultural vibrante que ofrece un espacio para la exploración de las ciencias y la expresión artística. Con sus exposiciones temporales ofrece lo mejor del arte contemporáneo, que junto a su colección permanente y la imponente arquitectura del Hospital de San José, narra la rica historia de la institución.

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CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

Pues la vida cambia y a mi esposo y a mi hija se les facilitaba la vida viviendo en la ciudad, así que emprendí la búsqueda de un nuevo hogar. Curiosamente, fue en una clase que tuve en Espacio El Dorado donde encontré mi nuevo hogar y ya llevamos cuatro años en estas.

¿La verdad? Amo vivir aquí. Amo la cercanía a todo, amo el contraste cultural y social.

Aunque no siempre lo puedo cumplir, programo mi agenda para ir al Centro Nacional de las Artes Delia Zapata, a los museos, a las galerías. Por eso, cuando me enteré de que se inauguró el XII Premio Luis Caballero consulté la programación, la cual está muy chévere porque las exposiciones tienen varias actividades de apoyo.

El Premio Luis Caballero reconoce desde 1996 el trabajo de artistas colombianos de larga trayectoria y es uno de los estímulos más importantes para la creación y circulación del arte en Bogotá. En esta versión, las obras de los ocho artistas nominados circulan en la Galería Santa Fe, la Estación de la Sabana, Espacio Odeón, el Exploratorio Casa Museo Jorge Eliécer Gaitán y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC).

“En esta décimo segunda versión del Premio Luis Caballero los visitantes encontrarán obras realizadas en diversos medios como la fotografía, el video, el sonido, la escultura, el dibujo, el performance y la instalación”, dice Mauricio Galeano, director del Instituto Distrital de las Artes (Idartes), quien agrega que los proyectos nominados configuran un ciclo de intervenciones artísticas que presta atención a las cualidades espaciales, sociales, geográficas, históricas, políticas y/o arquitectónicas-urbanas de los espacios que las albergan.

Programación del XII Premio Luis Caballero (julio de 2023 a enero de 2024)

1. “Cuerpos glaciares: ancestros hídricos de una extinción futura” de Natalia Castañeda Arbeláez: 13 de julio a 25 de agosto, Galería Santa Fe.

En este proyecto, la artista visual e investigadora toma los glaciares y sus vestigios como objeto de observación de antiguas aguas congeladas. Su objetivo es plantear cuestionamientos para sensibilizar a la gente como testigos de una extinción inminente.

Actividades relacionadas

* Taller de poética glaciar y otros cuidados, viernes 4 de agosto a las 3:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

* Cartografiar territorios desde el afecto, viernes 18 de agosto a las 2:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

* Laboratorio Cartografiar territorios desde el afecto, viernes 18 de agosto a las 3:00 p.m. en la Galería Santa Fe.

2. “Barrio (indagación sobre las estructuras sólidas y las economías estables)” de Alejandro Sánchez: 13 de julio al 25 de agosto de 2023, Galería Santa Fe.

Con esta obra el autor busca que los pobladores y ciudadanos del país, especialmente de Bogotá, puedan generar inquietudes e intereses acerca de las distancias sociales y diferencias económicas que componen el país.

Actividades relacionadas

* Líderes comunales, sábado 5 de agosto a las 4:00 p.m. en la Galería Santa Fe. Charla con los líderes comunales que apoyaron la intervención en cada una de sus ciudades (Cartagena, Buenaventura, Bogotá).

3. “Mayoral de acero: destajo” de Sandra Rengifo: 14 de septiembre al 22 de octubre de 2023, Galería Santa Fe.
4. “Los Caídos” de Juan Covelli: 5 de octubre al 4 de noviembre de 2023, Espacio Odeón.
5. “Minuta” de Alejandro Salcedo: 12 de octubre al 26 de noviembre de 2023, Casa Museo Jorge Eliecer Gaitán.
6. “Cacofonía del silencio floreciente de la memoria” de Edinson Quiñones: 26 de octubre al 3 de diciembre de 2023, Museo de Arte Contemporáneo.
7. “Estructura sinfín: metro series” de Mauricio Carmona: 28 de octubre al 26 de noviembre de 2023, Estación de la Sabana.
8. “Un recuerdo similar a un silencio del mundo” de Hernando Velandia: 17 de noviembre al 28 de enero de 2024, Galería Santa Fe.

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