El 4 de junio a las 7:00 p.m. Canal Capital estrena “Artescopio”, una serie documental que explora la relación entre el arte y Bogotá, a través de la mirada de cineastas, músicos, artistas urbanos y visuales, fotógrafos, paisajistas, muralistas, ilustradores y hasta cirqueros.

Cucharita de Palo, Manu Mojito, Pablo Watusi, 1280 Almas, John Gaitán, May Rojas, Carmen Gil Vrolijk, Natalia Santa, Diana Wiesner y La Gata Cirko son los artistas que en “Artescopio” narran su forma de mirar y plasmar a Bogotá en su estética artística.

Aunque parece obvio, muchas veces se olvida que una ciudad o un barrio no significa lo mismo para todos porque cada vivencia está ligada al sentimiento, y por eso es que los lugares están más ligados a la memoria que a la historia.

Por eso, la fachada de una casa que pasa desapercibida para muchos es la inspiración para las ilustraciones de Cucharita de Palo; o los charcos que tanto nos incomodan son la materia prima de las “charcografías” del artista visual John Gaitán.

Justamente, “Artescopio” se estrena con el capítulo protagonizado por John Gaitán y es perfecto porque los televidentes podemos darnos cuenta de cómo a través de su mirada Bogotá deja de ser solamente una ciudad acelerada para convertirse en un territorio lleno de detalles invisibles que cuentan historias silenciosas.

Con diez episodios, ocho videocasts y tres especiales “Artescopio” nos permite a los televidentes redescubrir Bogotá a través del arte que transforma el paisaje cotidiano.

Los episodios

“Artescopio” propone un recorrido por una Bogotá múltiple y cambiante: desde los cerros del sur y el oriente hasta el centro, Chapinero y las periferias; una ciudad atravesada por acentos, colores, noches, sonidos y formas distintas de habitarla. Una ciudad que no puede verse ni entenderse como un solo lugar, porque está hecha de muchas ciudades que conviven al mismo tiempo.

El sonero Pablo Watusi aparece como una figura clave para comprender la riqueza ‘afrocachaca’ presente en Colombia. Su voz y su trayectoria celebra la mezcla de las raíces afro y la experiencia bogotana contemporánea. Una tradición que emociona a varias generaciones.

Por su parte, Manu Mojito, artista queer de Bogotá que a través de su obra ha logrado darles voz, rostro y visibilidad a las personas trans de la ciudad; habla sobre su trabajo que rompe estereotipos y prejuicios, convirtiéndose en una apuesta artística y política profundamente transformadora.

La serie también dedica un espacio importante al arte urbano y a las expresiones que nacen en la calle. Allí aparece May Rojas, un joven artista que viene de la periferia y del street art. Su proyecto Bogotá Colors ha logrado transformar no solo los imaginarios sobre Ciudad Bolívar y sus habitantes, sino también la relación que la propia comunidad tiene con su territorio. Actualmente, Bogotá Colors y El Paraíso se han convertido en nuevos referentes turísticos y culturales de Bogotá.

Otro de los nombres destacados son los de Carmen Gil Vrolijk, y La Quinta del Lobo, que conforman una compañía de altísimo nivel artístico. A través de las artes vivas y las nuevas tecnologías crean obras de una potencia estética única. Aunque sus propuestas parten de lo local, su calidad y lenguaje escénico les permiten dialogar con el mundo y conectar con audiencias internacionales.

El recorrido creativo continúa con La Gata Cirko, la compañía precursora del circo contemporáneo en Colombia. Gracias a su trayectoria y trabajo artístico, hoy Bogotá es un referente latinoamericano y mundial del circo contemporáneo. Durante más de veinte años han construido espectáculos que mezclan acrobacia, teatro físico y poesía visual, demostrando que el cuerpo también puede narrar historias profundas y conmovedoras.

1280 Almas, banda fundamental del rock colombiano, recuerda que desde los años 90 han retratado en sus canciones la vida urbana, las contradicciones de Bogotá y las emociones de varias generaciones. Su presencia en la serie permite entender cómo el rock también hace parte de la memoria cultural de la ciudad.

El universo íntimo y emocional de la ilustradora Lizeth León, conocida como Cucharita de Palo, ha construido uno de los retratos más bellos y sensibles de Bogotá. A través de sus ilustraciones y de su libro Fachadas Bogotanas, le rinde un homenaje amoroso a la ciudad autoconstruida, a los barrios populares y a sus habitantes. Su obra nos recuerda que la historia de Bogotá no solo habita en los grandes edificios o centros patrimoniales, sino también en las fachadas diversas, cotidianas y vivas de los barrios populares.

En el capítulo dedicado a Natalia Santa, el cine aparece como una herramienta para explorar los vínculos familiares, los silencios y las emociones cotidianas. La directora colombiana comparte una mirada profundamente humana sobre las historias que construye y sobre la manera en que la memoria influye en su obra audiovisual.

“Artescopio” cierra con Diana Wiesner, una de las paisajistas más importantes del país. Su trabajo demuestra que el paisaje también puede ser una forma de arte y de transformación social. A través de proyectos ecológicos y urbanos, Wiesner propone una relación más armónica entre la ciudad, la naturaleza y las comunidades.

La artista Cucharita de Palo, una de las protagonistas de la serie “Artescopio”.

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Hasta finales de julio de 2026 se puede ver en el Claustro de San Agustín “Exvotos de la Desobediencia”, una exposición en la que la desobediencia es una forma de pensamiento: una interrupción de la indiferencia, una forma de mirar donde la dignidad de la vida no puede ser negada.

Una nueva exposición de Débora Arango se puede ver en Bogotá, esta vez en el Claustro de San Agustín, en pleno centro de la capital.

Meses después de que el Museo Santa Clara exhibiera “La huida del convento”, las acuarelas más emblemáticas de la colección de Débora Arango del Museo de Arte Moderno de Medellín, MAMM, este museo vuelve a prestar las obras que custodia de la artista.

Es por esto por lo que el Claustro de San Agustín se expone hasta julio de 2026 “Exvotos de la Desobediencia”, una muestra en la que el arte de Débora Arango dialoga con el trabajo de Alfonso Quijano, Pedro Nel Gómez y Luis Giraldo.

En “Exvotos de la Desobediencia” se pueden apreciar 20 obras de la artista realizadas entre 1940 y 1950, década en la que viajó a Estados Unidos y México.

Para entender el diálogo que propone la curadora María Belén Sáenz de Ibarra en “Exvotos de la desobediencia” toca desglosar la propuesta de cada artista.

Débora Arango es una de las pintoras y acuarelistas más importantes de Colombia, figura clave del pensamiento contemporáneo y el feminismo, por lo que su obra trasgredió los cánones estéticos al representar la desnudez y la violencia en el cuerpo femenino, o la pobreza y otros problemas sociales.

Esta exposición recuerda que una de las grandes frustraciones de Débora Arango fue la censura que le impidió dedicarse al muralismo.

Por su parte, Alfonso Quijano fue figura clave de las artes gráficas en Colombia, reconocido por las xilografías en las que abordó la violencia política, la lucha por la tierra y la desigualdad.

Y entonces, ¿cómo es que obras como “Maternidad negra” o “Familia” de Débora Arango dialogan con “La cosecha de los violentos” de Alfonso Quijano, una de las obras más emblemáticas sobre la violencia en el país realizada en 1968?

Los cuerpos cansados son testigos del desinterés y el despojo.

En “Exvotos de la Desobediencia” también se puede apreciar “Barequera en reposo”, obra de 1930 de Pedro Nel Gómez, artista influyente del arte colombiano del siglo XX, pionero del muralismo en el país; y quien fue maestro de Débora Arango.

Las obras de los maestros colombianos se articulan con las del joven Luis Hernando Giraldo, quien crea paisajes y escenas que evocan lo rural, lo íntimo y lo esencial.

Y entonces, después de recorrer varias veces la exposición, leer los textos y detallar las obras pude atender cómo “Exvotos de la Desobediencia” tiene que ver todo con la desigualdad, exclusión social y la violencia que es tan estructural que también repercute en la tierra, la memoria del cuerpo y del paisaje; y las formas de vida.

Y las denuncias de estas obras realizadas en los años 30, 40, 50, 60 y 70 del siglo pasado siguen muy vigentes en el siglo XXI.

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Michael Armitage es un artista keniano que reflexiona sobre la migración, desde quienes quieren llegar a Europa atravesando el Sahara y el Mediterráneo.

La sala de Fragmentos en la que se exhibe esta obra es grande. Muy grande. Y mi primera impresión fue pensar en que las cuatro pinturas, que son de gran formato, se perdían en la grandeza de la sala.

Sin embargo, mientras recorría el espacio y observaba las obras, fui yo quien me sentí perdida en la inmensidad, como si fuera una migrante en medio del mar.

La obra de Armitage hay que verla de cerca y de lejos. De cerca se puede apreciar la vulnerabilidad de los personajes, los detalles de los cuerpos y las texturas de la pintura; mientras que de lejos se percibe cómo los personajes se fusionan entre ellos y el mar, y el sufrimiento se hace evidente con el vacío de la sala. Por lo menos, así lo sentí yo.

Las pinturas de Michael Armitage están elaboradas en lubugo, un textil tradicional de Uganda, elaborado a partir de una corteza de árbol mediante una técnica con siglos de historia.

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En un mundo donde los sueños suelen morir antes de nacer, Camilo Capera, más conocido como “Capera”, ha decidido hacer de los suyos una obra de arte. Con tan solo 25 años, este joven oriundo de Ataco (Tolima), ha pasado de pintar murales escolares en un pueblo olvidado, a retratar a celebridades como Carin León, Karina Garcia, Christian Nodal, Cristiano Ronaldo, Maluma, Karol G, David Escobar, (Dim de Piso 21); entre muchos otros.

Pero lo que realmente conmueve no son sus retratos, sino la historia que hay detrás de cada pincelada.

Capera creció en una familia humilde, rodeado de paisajes hermosos y deseos profundos, de hacer algo que impactara no solo su vida, si no también la de sus seres queridos. Su madre quien le enseñó a no rendirse, le mostró que el talento sin perseverancia no llega lejos, y que el amor por lo que uno hace puede abrir puertas que el dinero no puede tocar.

A pesar de los retos a nivel económico, su familia apostó por su talento. Su padre incluso llegó a endeudarse para que su hijo tuviera una oportunidad en la vida militar, sin saber que el arte ya lo había elegido mucho años atrás. No fue admitido, y así empezó una etapa dura: trabajos mal pagados, sueños en pausa, arte escondido.

Del anonimato al óleo de Frida Kahlo

La pandemia lo dejó sin opciones. Fue entonces cuando, sin formación profesional y con un celular prestado, abrió su cuenta de Instagram (@_capera) empezó a subir sus obras a redes sociales, sin likes, sin vistas, pero con fe, hasta que el algoritmo lo conecto con una persona que le pidió algo que cambiaria su vida:  una pintura de Frida Kahlo. Un pedido en óleo; el cual no sabía cómo hacerlo, pero aceptó el reto, y lo logró. Esa fue su primera venta real, y el inicio de su carrera como artista.

Desde entonces, no ha parado. Pintando rostros conocidos, de sus seguidores y clientes y , ha hecho del color su voz, y del pincel su mejor aliado.

Una segunda oportunidad: el milagro en Bogotá

Pero como en toda historia que vale la pena contar, la oscuridad volvió a tocar su puerta. En 2023, buscando oportunidades en Bogotá, fue víctima de un brutal ataque que lo dejó al borde de la muerte. Días de hospital, cirugías, lágrimas, oraciones. Y contra todo pronóstico, vivió.

“Dios me devolvió la vida con un propósito”, dice hoy con la voz entrecortada. “Y ese propósito es inspirar a través de mi arte”.

Hoy, Capera vive de su talento. Trabaja junto a su esposa, su compañera fiel desde los comienzos. Su historia ya ha tocado el corazón de más de 100,000 mil seguidores en redes sociales, y ahora sueña con llegar a todos los rincones del mundo. Espera con su arte tocar las almas que necesiten recordar que todo es posible si uno cree y sigue lo que Dios va poniendo en su camino.

En su camino, se cruzo con Julian Cabezas Triana, quien se convirtió en su liado y Project Manager para llevar su arte al mundo entero. Juntos crearon el portal web capera.art, una nueva propuesta en línea donde personas de cualquier parte del planeta pueden adquirir las obras del artista. Una apuesta donde las personas pueden hacer a través de inteligencia artificial una imagen próxima de cómo va quedar su pieza de arte una vez finalizada y que ha generado una facturación de más de $10.000 USD en sus primeros 6 meses.

“Con Dios por delante, esfuerzo y disposición… siempre es posible llegar a la cima”

Capera es un testimonio de grandeza y victoria que, a pesar de las adversidades, el talento, la imaginación, la lucha, pero sobre todo el amor por lo que hacemos puede abrir puertas inimaginables. Su historia es una fuente de inspiración para todos aquellos que como meta principal esta alcanzar sus sueños, demostrando que, con Dios por delante, esfuerzo y disposición siempre es posible llegar a la cima. Desea además que su contenido transformador y emotivo, llegue a miles de usuarios motivándolos así ha ser personas capaces de dar una milla extra para cumplir sus sueños.

Por supuesto, aquí la escucha es la forma de estar presente en el mundo.

Para mí, no es tan importante leer o entender todo, como sí lo es sentir y dejarse llevar por los versos, la música y los filmes.

“À L’écoute / A la escucha” tiene tres secciones. En cualquier parte, uno escucha las piezas creadas junto a Patti Smith, Willem Dafoe, Natalia Lafourcade y Jean-Luc Godard.

“À L’écoute / A la escucha” se puede disfrutar hasta el 22 de junio en la Sala Fanny Mikey del Centro Nacional de las Artes, Bogotá, hace parte de la programación del Festival NO Convencional.

La entrada es libre por orden de llegada, con inscripción al ingresar.

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Comisariada por Antonio Monegal, rinde homenaje a la contribución del arte del cómic a la recuperación de la memoria histórica en España.

Para ello, se presenta una selección de libros que representan algunos de los hitos más emblemáticos de las narrativas gráficas sobre la Guerra Civil, el exilio y los deportados a campos de concentración, la posguerra y la Dictadura, hasta la transición democrática.

El cómic ha sido un medio que ha hecho llegar a un público amplio, a veces a través de la ficción y otras mediante el testimonio y la documentación, las voces y experiencias olvidadas de aquel período.

Se exponen, por orden cronológico de la primera edición, selecciones de Carlos Giménez, ‘36-39 Malos tiempos’ (2007-09), Antonio Altarriba, ‘El arte de volar’ (2009), Sento Llobell, ‘Dr. Uriel’ (2017), Ana Penyas, ‘En transición’ (2017), Carlos Hernández y Ioannes Ensis, ‘Deportado 4443’ (2017), Javier de Isusi, Asylum
(2017), Ximo Abadía, ‘Frank’ (2020), Teresa Valero, ‘Contrapaso’ (2021) y Paco Roca, ‘El abismo del olvido’ (2023).

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Una noche de marzo subastaron objetos, muebles, obra gráfica y arte elaborado entre los siglos XVIII y XXI.

La Independencia es una de las tres casas de subasta que conozco en Bogotá y su diferencial, me pareció, es el público joven que asistió y participó en la puja.

En esta ocasión no tuve paleta y me enfoqué en observar lo más top según los pujadores: el arte internacional y el de artistas colombianos no tan mayores.

De La Independencia me gustan mucho los objetos decorativos, me recuerdan a una tía y a mi mamá, y los muebles. Me parecen preciosos.

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La puesta en escena es desafiante y la forma de verla también. Como espectadores nos podíamos ubicar en cualquier palco del Teatro Colón y desde allí apreciar el performance, pero también todo lo que sucede en esta playa improvisada en la que no sólo estaban los artistas.

Parta del espectáculo, para mí, fue ver qué estaban haciendo los artistas y los personajes extras. Varios leyeron el periódico El espectador, un par jugaron con sus perritos, otros comieron, jugaron cartas y se tomaron fotos.

Sun and Sea ganó el León de Oro en la Bienal de Arte de Venecia en 2019, y tras haberse presentado en Asia, Europa y Estados Unidos llegó a Bogotá para inaugurar el Festival NO Convencional, que presenta espectáculos atípicos en lugares inesperados.

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Desde hace décadas Abel Rodríguez dibuja su saber y apoya investigaciones científicas. Al mundo del arte ingresó cuando un espacio cultural de Bogotá le abrió sus puertas para exhibir su trabajo y así fue como sus dibujos fueron considerados obras.

Curiosamente, Abel Rodríguez tiene más reconocimiento en el extranjero, aunque la galería bogotana Instituto de Visión trabaja desde hace un tiempo para rescatar y visibilizar su trabajo.

Así que en este libro editado por Davivienda y Seguros Bolívar podemos leer y ver su conocimiento botánico.

Davivienda me ofreció la oportunidad de entrevistar a Abel Rodríguez y me impactó porque es un hombre de pocas palabras y nunca dio una advertencia sobre cómo tratar a la naturaleza. Él confía en el actuar de cada persona.

Este libro está acompañado de un documental dirigido por Simón Hernández, así que mientras el libro recupera la historia de don Abel a través de las pinturas, el audiovisual recupera la historia a través de los testimonios de la gente de la comunidad.

En estos primeros meses de 2025 la obra de Abel Rodríguez se puede ver en exposiciones del Museo del Banco de la República de Bogotá y La Tertulia de Cali.

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Hasta febrero de 2025 parte de este trabajo se puede ver en la muestra “Darién” de la galería de Bogotá Espacio El Dorado.

La muestra “Darién” comienza con un mapa del continente americano que nos permite dimensionar la complejidad de la migración porque por el llamado Tapón del Darién transitan personas que llegan desde países tan lejanos como Bangladesh y Afganistán.

Algunas fotos nos sitúan en las fronteras, otras en las lanchas y por supuesto en la selva llena de barro.

Hay una sección que nos permite a los espectadores ver a las personas durante el tránsito migratorio y luego en su lugar de residencia en Estados Unidos.

“Darién”, además de la exposición en Espacio El Dorado, cuenta con un fotolibro en el que Federico Ríos relata los viajes que él mismo ha hecho con los migrantes desde Brasil hasta Estados Unidos.

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