La Cali de los años 70 según Ever Astudillo, y la Europa de la primera mitad del siglo XX según Theo Angelopoulos son la materia prima de la nueva obra del artista Sair García: “El paso suspendido de la cigüeña”.

En el barrio El Polo de Bogotá se ubica La Casita, un espacio cultural creado por Simón y Maritza Chehebar que desde el 2015 tiene el objetivo de desarrollar proyectos de artistas colombianos que contribuyen a la consolidación de los procesos y la identidad del arte contemporáneo colombiano.

La Casita, que es un espacio cultural y no una galería de arte, invita cada año a tres artistas colombianos para que creen obras que dialoguen con una pieza de la colección Chehebar.

Con esa lógica invitaron a Sair García, quien en diálogo con la obra “Lugar No 1” de Ever Astudillo que retrata la Cali de los años 70, presenta hasta septiembre de 2026 “El paso suspendido de la cigüeña”, una muestra que se nutre de la estética de la película de Theo Angelopoulos de 1993.

La exposición “El paso suspendido de la cigüeña”, curada por Camilo Chico, propone una reflexión sobre las fronteras que construimos como sociedad y, especialmente, sobre aquellas que nos imponemos a nosotros mismos, a través de 14 pinturas, dos animaciones, una gran instalación compuesta por 350 obras en pequeño formato.

Entrevista con Sair García sobre “El paso suspendido de la cigüeña”.

¿Cómo es que “El paso suspendido de la cigüeña” se inspira tanto de la obra de Ever Astudillo como de Theo Angelopoulos?

Parto de la obra de Ever Astudillo que pertenece a la colección de La Casita, una pieza que en realidad son cuatro dibujos que habla de Cali de los años 70. En un reto interesante porque esta exposición la sustraigo del cine. La serie “El paso suspendido de la cigüeña” habla de la arqueología del oficio. El título lo adopto de la película de Theodoros Angelopoulos de 1993 que habla de las fronteras, de la imposición de fronteras mentales y físicas.

La película se desarrolla en la Europa de los años 30, durante la Segunda Guerra, cuando aparecían fronteras trazadas de un día para otro en el suelo con una línea. Entonces, lo que hago es un pequeño parangón entre lo que sucedía en la época que muestra el director en su película, y lo que yo desde la pintura traigo a la contemporaneidad.

Hablas de fronteras físicas, pero también mentales. Unas las ponen los gobernantes, otras las pone uno mismo…

Sí, bien, lo dijo Albert Camus en “El Extranjero”, que el migrante carga con su trozo de tierra debajo del brazo. Eso somos finalmente, la trashumancia humana no es de ahora, es desde la historia la humanidad; entonces tanto el humano que se queda como el que se va tendrá su historia que contar y las fronteras de las que habla Theodoros Angelopoulos en sus películas no son otra cosa que la imposición de lo que ha venido ocurriendo a través del tiempo.

Él hablaba de la Europa hace casi 100 años, pero yo hablo de la América contemporánea y la única diferencia son los protagonistas, porque finalmente las escenas son las mismas.

Esta es la periodicidad y la historia cíclica que nos que nos sigue abordando: los migrantes y la diáspora de hace 100 años seguramente no tiene absolutamente nada distinto la actual.

Lo que creo que hay que destacar es el papel que cumplen las artes para mostrar, para sacar a la luz estos temas, para decirle a la gente que la diáspora no es nueva. Theodoros Angelopoulos nos lo dice con sus películas, yo lo hago desde la pintura, eso es lo que nos corresponde (a los artistas) hacer.

Ya sabemos de dónde viene “El paso suspendido de la cigüeña”. ¿Cómo dialoga con tu obra?

Creo que la gran diferencia entre el arte que he presentado y lo que exhibo ahora es a nivel formal, porque esta muestra, en medio de todo, sigue guardando la coherencia conceptual de lo que siempre he trabajado, que son los fenómenos sociopolíticos. En este caso, es la diáspora, sólo que tomo como sustrato el cine.

Anteriormente, formalmente fue el acero el que me permitió crear obra porque el acero estaba determinado únicamente para la serie “Magdalena”, porque el acero constituye una metáfora bellísima del río.

Y “El paso suspendido de la cigüeña” tiene también una resolución interesantísima si se tiene en cuenta que, primero, es una exposición de obras secuenciales que derivan en una animación; y esta animación es el resultado de tomar dos escenas puntuales de la película “El paso suspendido de la cigüeña”, tomar escenas de 8 segundos y 10 segundos y volverla una escena pictórica, dramática y contundente de tres minutos y medio. Entonces, es una apuesta bastante osada de lo que hizo Theodoros Angelopoulos desde el cine, y lo que yo trato de hacer desde la pintura.

Me impone un reto interesantísimo, pero además de eso, hay unas pinturas que parecieran unas pantallas cinematográficas, con unas escenas cinematográficas que son, por supuesto, fotogramas intervenidos, porque me apropio y reinterpreto la imagen con una narrativa conceptual muy cercana “Magdalena”, a “Éxodos” y a las otras series anteriores que he hecho. Entonces, digamos que la gran diferencia radica en lo formal.

¿Ya habías tenido acercamiento con la animación?

Sí, pero no las había exhibido. En el Museo de Arte Moderno se hizo una exposición que tuvo unas pequeñas animaciones, unas escenas secuenciales que respondían a la curaduría.

De ahí se empieza a desglosar esto de la secuencialidad porque en “El paso suspendido de la cigüeña”, alrededor del 90% de la exposición está por fuera de las paredes porque yo necesitaba sacar de ese contexto de colgar las obras y más bien utilizar el lenguaje cinematográfico.

La instalación está dispuesta de tal manera que se puede ver como se observan los archivos fotográficos. Las pinturas las en gran formato están exhibidas como se exhibían las pantallas publicitarias del cine de los años 40 y 50. No quería que fuera una exposición tan típica, sino salir de los esquemas y formatos para volverla más bella en su recorrido.

-> Si quieres escuchar el pódcast con Sair García, aquí.

Inclusive, en la sala donde está la animación hay seis sillas estilo cine que lo transportan a uno a la sala oscura….

Sí. Hay algo bellísimo y es que en la animación se puede ver claramente la materialidad de los soportes. Hay unos hay unos primeros planes donde se ve claramente la materia de la madera, porque aquí hay lino, hay tela normal y hay madera como soporte histórico.

En la animación, se ve se ve el grano del soporte de la madera que era lo que me interesaba, porque al final de cuentas esa gestualidad, esa expresión y esa fuerza que tiene la animación era para resaltar las 350 pinturas que componen la animación: cada pintura es un fotograma.

Realizar la animación con las pinturas era la puerta que se hacía desde la toma del cine como sustrato para el resultado.

Sair García ha expuesto en museos y galerías. ¿Qué significa exhibir en La Casita, un espacio cultural que toca visitar con cita previa?

Esta galería gusto de mi prestigio tremendo. De hecho, para nosotros (los artistas) es un honor tener esta invitación. Las exposiciones de La Casita son muy concurridas y la mía, afortunadamente, no ha sido la excepción.

La Casita es importante porque es un espacio de culto. Aquí se hacen tres muestras al año, así que cada vez que hay una exposición uno sabe que es de lo mejor.

¿Hasta cuándo está “El paso suspendido de la cigüeña”?

Hasta septiembre. Se desmonta después de ArtBo, que se realizará del 24 al 27 de septiembre en Ágora Bogotá.

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En Espacio EL Dorado el artista José Ruiz presenta la exposición El Estado de las Cosas, que consta de dos partes:

1. Los Grandes Días Están por Venir: archivo de material político desde los años 50 hasta 2026.

2. Las Cosas: acumulación de cajas y productos domésticos que, como los políticos, prometen una vida más feliz, más fácil y mejor.

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La muestra “Air”, abierta hasta agosto de 2026, exhibe la instalación de gran formato “Air Package on a Ceiling” concebida para interiores por Chirsto y Jeanne-Claude en 1968.

Por limitaciones técnicas no se pudo exhibir, así que ahora se puede ver por primera vez.

En los años 60, Christo y Jeanne-Claude exploraron con su propuesta artística el aire, como algo invisible, intangible y esencial, el cual envolvían y sellaban en paquetes transparentes de polietileno atados con cuerda.

La exposición cuenta con material de archivo y con la obra “Automóvil envuelto: Volvo, modelo PV-544 (1981)”, que no se había expuesto en 30 años.

Christo y Jeanne-Claude crearon monumentales obras de arte público efímeras que transformaban paisajes utilizando materiales cotidianos.

-> Información e imágenes cortesía de Imagen cortesía de la galería Gagosian de Londres. https://gagosian.com/exhibitions/2026/christo-air/

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La historia sigue al director del museo de Estocolmo, quien sufre un robo mientras organiza la campaña publicitaria de la nueva exposición que pretende generar reflexiones sobre cómo la sociedad debe cuidarse y protegerse entre sí.

La obra se instala gracias a los trabajadores y nunca al artista.

La trama cuestiona la distribución de los recursos, la empatía y la urgencia del arte en ser viral digitalmente para llamar la atención del público.

Lo que más me gusta de The Square es que derriba la premisa de que la obra debe soportarse por sí misma

Si en el arte contemporáneo conceptual no sabes qué es lo que pretende el artista, es difícil conectar con la reflexión… que, de todas formas, en este caso el cuidado y la protección, está ligado a la ética y los valores personales.

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30 obras que el artista colombiano Mateo López ha realizado entre 2017 y 2026 se pueden apreciar en “Desdoblar el tiempo”, exposición abierta hasta el 4 de julio de 2026 en la galería Mor Charpentier de Bogotá.

Las obras de Mateo López, generalmente, están elaboradas con materiales nobles como la madera y la piedra; y metales como el hierro o el bronce.

“Desdoblar el tiempo” permite, entonces, apreciar cómo el artista ha moldeado estos materiales reciclados para crear piezas que bien pueden ser parte de procesos arquitectónicos, procesos escultóricos o, inclusive, parte de una escenografía.

Y eso se percibe al llegar a la galería ubicada en una casa antigua del barrio La Magdalena, pues en el jardín exterior hay dos esculturas, “Maíz” y “Azadón (Fémur)”, que son el abrebocas de lo exhibido en el interior, donde se exhibe la obra que da nombre a la muestra  “Desdoblar el tiempo”, impresión fotográfica que registra la bandera de la campaña libertadora cuando está siendo doblada, momento en el que “la tela se convierte en abstracción geométrica: planos de color que aparecen y desaparecen con el movimiento”, se lee en el texto curatorial.

28 obras de la exposición están ubicadas en el primer piso de Mor Charpentier y la museografía permite verlas sin seguir una ruta específica. Eso sí, ninguna obra está acompañada de ficha técnica, por lo que es recomendable coger una de las hojas impresas disponibles justo en la puerta de ingreso.

Como esta muestra “se fundamenta en la idea del doblez y la transformación material”, es posible observar lo que para el arte de Mateo López es el dibujo, la escultura y el uso de materiales reciclados que dan vida a obras de arte, pero también a objetos funcionales como lámparas, mesas o asientos.

Hay manos que sostienen hojas, ramas o hilos, un escritorio dividido por una puerta que sostiene el letrero ‘juzgado’, un traje de lino pintado con achiote, o un tronco de madera que simula la figura humana gracias a una oreja que sostiene un lápiz, entre muchas otras piezas.

Y es así como “Desdoblar el tiempo”, como todas sus obras y exposiciones, desafía los conceptos del arte.

“Desdoblar el tiempo”, permite revisar la obra de Mateo López realizadas en la última década, algunas de las cuales no se habían exhibido en Bogotá.

Actualmente, el artista exhibe en el Museo La Tertulia de Cali “Pasado futurista”, muestra que se lanzó en el marco de la Bienal internacional de Daza de Cali 2025, y que recientemente renovó la museografía porque se extendió su exhibición.

El año pasado también hizo parte de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25 con “Ballet Bachué”, proyecto que se inspira en La Bachué de Rómulo Rozo (obra que representa el mito fundacional muisca) y el ballet entendido como danza al estilo más europea.

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“Devenir el punto que no ha caído” se llama la exposición de Espacio El Dorado que rinde tributo al tejido y su presencia en el arte contemporáneo.

El tejido, que se reevalúa continuamente gracias a nuevas miradas sale del estricto oficio artesanal para dialogar con el arte contemporáneo y crear nuevas narrativas a partir de diversas formas de pensamiento.

“Devenir el punto que no ha caído” es una exposición colectiva que reúne a 14 mujeres, en su mayoría colombianas, que, según la curaduría de Dana Camacho y Sara Campos, “exploran el textil como territorio de resistencia y transmisión de saberes entre mujeres”.

El resultado son obras elaboradas con diferentes tejidos y materiales.

La muestra “Devenir el punto que no ha caído” dialoga muy bien con otra que también se exhibe en Espacio El Dorado, “El cuerpo es la forma que toma el tiempo cuando se repite” de Luz Adriana Vera, una artista que encuentra en el tejido una relación directa con el paisaje y que, a lo largo de los años, le ha permitido transitar por el camino en el que se reencuentra con el territorio y las tradiciones familiares.

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Inspirado en “La Bachué“, obra que Rómulo Rozo en 1925, una de las primeras obras indigenistas de la historia del arte en Colombia, que representaba el mito fundacional de la cultura Muisca; Mateo López intenta hacer una adaptación de estas historias, un doble mito fundacional: el prehispánico y el del arte colombiano.

-> BOG25: borondo por la Bienal de Arte de Bogotá

En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25, en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Inspirados en el alfabeto experimental con el que en 1973 participó Antonio Grass en la segunda Bienal Americana de Artes Gráficas de Cali, la exposición “Maíz” de Bastarda y Juan Pablo Fajardo es muy fácil de disfrutar porque el arte se fusiona con el diseño y la arquitectura.

Cada vez que recorro este sitio me gusta pensar en cómo me gustaría habitarlo.

Y cada vez que veo una exposición, me gusta ver qué me llevaría a mi hogar.

En esta exhibición, por supuesto, el maíz aquí es protagonista en diferentes representaciones, desde la palabra, pasando por esculturas que representan mazorcas, arepas o crispetas.

Entonces, partiendo de la geometría de las letras creadas por Antonio Grass, quien se inspiró en las figuras precolombinas, Bastarda y Juan Pablo Fajardo desarrollaron una tipografía variable y mientras se cuestionan “¿para qué otra cosa sirve una tipografía?”, nos presentan enlozados y mobiliario.

En “Maíz” también participan los artistas Mateo López, Marcela Medina, Carlos Alfonso, Francisco Toquica, Jennifer Medina, María Buenaventura y David Alejandro, quienes presentan sus obras en torno al maíz.

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Fui a la exposición del primer ciclo del V Salón de Arte Joven que se puede visitar hasta el 19 de julio en la Fundación Gilberto Alzate de Bogotá, más conocida como FUGA.

En el V Salón de Arte Joven participan diez artistas y este primer ciclo exhibe el trabajo de cuatro: Catalina Fernández, Bocacalle Colectivo, Jhony Chaparro Porras y Paul Sebastian Mesa.

“¿Quién gobierna la ciudad de los muertos?” de Paul Sebastian Mesa es la exhibición que nos recibe como espectadores. Partiendo de la transformación de la biblioteca de derecho de la FUGA, que perdió parte de su patrimonio cultural, esta obra se planeta como una metáfora de historias y memorias olvidadas, temas que también exploran en el pódcast “Reinas y Cadáveres”.

En esta puesta en escena que recrea una biblioteca, podemos ver libros o archivos de periódicos viejos que conversan con fotografías de personajes contemporáneos, así como con un video y varios dibujos en los que se narran historias actuales.

Catalina Fernández les da a los artículos un nuevo estatus y lo que para muchos puede ser basura, ella los convierte en arte y repositorio de memoria gracias a la obra “El mapa y el espejo”.

La artista recolecta objetos, ya sea que le regalen o que vea por ahí olvidades, les da un nuevo significado, así que ese objeto deja de ser algo estrictamente físico para volverse en recuerdo cargado de sentimientos.

En “Tres en Cinco” de Bocacalle Colectivo las chazas o las carretas donde tradicionalmente se venden frutas son las protagonistas. Este colectivo presenta una reflexión artística sobre las economías informales, la estética popular urbana y la resiliencia de Bogotá u otras ciudades latinoamericanas.

Este colectivo transforma lo cotidiano en arte y lo materializa con una serie de artículos y estructuras elaboradas con materiales que alguna vez fueron alimentos como la fibra de cáscara de coco, caléndula o eucalipto.

Y finalmente, en “Dos es a uno; estructura sensorial de páramo” Jhony Chaparro Porras invita a reconocer lo invisible de la naturaleza, como las ondinas, aquellos seres elementales del agua que pasan desapercibidos.

En la sala oscura el sentido del oído cobra fuerza mientras que, por lo menos yo, intentaba darles vida a las ondinas.

El V Salón de Arte Joven explora el vínculo entre juventud, creación y legado con estas obras que conversan con el pasado, el presente y la memoria en construcción constante.

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Me gusta el trabajo de la artista Clemencia Echeverri, así que esperaba encontrar videoinstalaciones de gran formato, pero cuando entré a la sala, que es bastante larga, quedé un poco decepcionada.

Pensaba que la muestra me iba a hacer sentir la inmensidad de los páramos, pero la sala se sentía un poco vacía.

“Fiebre”, de Clemencia Echeverri, continúa la exploración que la artista colombiana lleva a cabo entre las prácticas humanas y el territorio.

Por su parte, Eulalia De Valdenebro reflexiona sobre el discurso que sitúa al ser humano en el centro del mundo. Su obra “Ángelus” responde a los incendios que tuvieron lugar en los páramos de Colombia a inicio de 2024.

En ambas obras uno ve y escucha el paisaje que cambia.

Luego de recorrer la exposición “Páramos” me sentí en la mente de alguien que quiere recordar y honrar el páramo, y esa majestuosidad está en la memoria de cada uno.

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