“Devenir el punto que no ha caído” se llama la exposición de Espacio El Dorado que rinde tributo al tejido y su presencia en el arte contemporáneo.

El tejido, que se reevalúa continuamente gracias a nuevas miradas sale del estricto oficio artesanal para dialogar con el arte contemporáneo y crear nuevas narrativas a partir de diversas formas de pensamiento.

“Devenir el punto que no ha caído” es una exposición colectiva que reúne a 14 mujeres, en su mayoría colombianas, que, según la curaduría de Dana Camacho y Sara Campos, “exploran el textil como territorio de resistencia y transmisión de saberes entre mujeres”.

El resultado son obras elaboradas con diferentes tejidos y materiales.

La muestra “Devenir el punto que no ha caído” dialoga muy bien con otra que también se exhibe en Espacio El Dorado, “El cuerpo es la forma que toma el tiempo cuando se repite” de Luz Adriana Vera, una artista que encuentra en el tejido una relación directa con el paisaje y que, a lo largo de los años, le ha permitido transitar por el camino en el que se reencuentra con el territorio y las tradiciones familiares.

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Inspirado en “La Bachué“, obra que Rómulo Rozo en 1925, una de las primeras obras indigenistas de la historia del arte en Colombia, que representaba el mito fundacional de la cultura Muisca; Mateo López intenta hacer una adaptación de estas historias, un doble mito fundacional: el prehispánico y el del arte colombiano.

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En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25, en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Inspirados en el alfabeto experimental con el que en 1973 participó Antonio Grass en la segunda Bienal Americana de Artes Gráficas de Cali, la exposición “Maíz” de Bastarda y Juan Pablo Fajardo es muy fácil de disfrutar porque el arte se fusiona con el diseño y la arquitectura.

Cada vez que recorro este sitio me gusta pensar en cómo me gustaría habitarlo.

Y cada vez que veo una exposición, me gusta ver qué me llevaría a mi hogar.

En esta exhibición, por supuesto, el maíz aquí es protagonista en diferentes representaciones, desde la palabra, pasando por esculturas que representan mazorcas, arepas o crispetas.

Entonces, partiendo de la geometría de las letras creadas por Antonio Grass, quien se inspiró en las figuras precolombinas, Bastarda y Juan Pablo Fajardo desarrollaron una tipografía variable y mientras se cuestionan “¿para qué otra cosa sirve una tipografía?”, nos presentan enlozados y mobiliario.

En “Maíz” también participan los artistas Mateo López, Marcela Medina, Carlos Alfonso, Francisco Toquica, Jennifer Medina, María Buenaventura y David Alejandro, quienes presentan sus obras en torno al maíz.

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Fui a la exposición del primer ciclo del V Salón de Arte Joven que se puede visitar hasta el 19 de julio en la Fundación Gilberto Alzate de Bogotá, más conocida como FUGA.

En el V Salón de Arte Joven participan diez artistas y este primer ciclo exhibe el trabajo de cuatro: Catalina Fernández, Bocacalle Colectivo, Jhony Chaparro Porras y Paul Sebastian Mesa.

“¿Quién gobierna la ciudad de los muertos?” de Paul Sebastian Mesa es la exhibición que nos recibe como espectadores. Partiendo de la transformación de la biblioteca de derecho de la FUGA, que perdió parte de su patrimonio cultural, esta obra se planeta como una metáfora de historias y memorias olvidadas, temas que también exploran en el pódcast “Reinas y Cadáveres”.

En esta puesta en escena que recrea una biblioteca, podemos ver libros o archivos de periódicos viejos que conversan con fotografías de personajes contemporáneos, así como con un video y varios dibujos en los que se narran historias actuales.

Catalina Fernández les da a los artículos un nuevo estatus y lo que para muchos puede ser basura, ella los convierte en arte y repositorio de memoria gracias a la obra “El mapa y el espejo”.

La artista recolecta objetos, ya sea que le regalen o que vea por ahí olvidades, les da un nuevo significado, así que ese objeto deja de ser algo estrictamente físico para volverse en recuerdo cargado de sentimientos.

En “Tres en Cinco” de Bocacalle Colectivo las chazas o las carretas donde tradicionalmente se venden frutas son las protagonistas. Este colectivo presenta una reflexión artística sobre las economías informales, la estética popular urbana y la resiliencia de Bogotá u otras ciudades latinoamericanas.

Este colectivo transforma lo cotidiano en arte y lo materializa con una serie de artículos y estructuras elaboradas con materiales que alguna vez fueron alimentos como la fibra de cáscara de coco, caléndula o eucalipto.

Y finalmente, en “Dos es a uno; estructura sensorial de páramo” Jhony Chaparro Porras invita a reconocer lo invisible de la naturaleza, como las ondinas, aquellos seres elementales del agua que pasan desapercibidos.

En la sala oscura el sentido del oído cobra fuerza mientras que, por lo menos yo, intentaba darles vida a las ondinas.

El V Salón de Arte Joven explora el vínculo entre juventud, creación y legado con estas obras que conversan con el pasado, el presente y la memoria en construcción constante.

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Me gusta el trabajo de la artista Clemencia Echeverri, así que esperaba encontrar videoinstalaciones de gran formato, pero cuando entré a la sala, que es bastante larga, quedé un poco decepcionada.

Pensaba que la muestra me iba a hacer sentir la inmensidad de los páramos, pero la sala se sentía un poco vacía.

“Fiebre”, de Clemencia Echeverri, continúa la exploración que la artista colombiana lleva a cabo entre las prácticas humanas y el territorio.

Por su parte, Eulalia De Valdenebro reflexiona sobre el discurso que sitúa al ser humano en el centro del mundo. Su obra “Ángelus” responde a los incendios que tuvieron lugar en los páramos de Colombia a inicio de 2024.

En ambas obras uno ve y escucha el paisaje que cambia.

Luego de recorrer la exposición “Páramos” me sentí en la mente de alguien que quiere recordar y honrar el páramo, y esa majestuosidad está en la memoria de cada uno.

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Hasta el 29 de agosto el artista Gabriel Zea expone “El sueño del unicornio” en 12:00 Galería de Bogotá. Por medio de collages y metáforas de animales (unicornios y gatos gordos) el artista propone una reflexión sobre personas y empresas que lideran y se benefician del actual sistema económico; y la relación de la gente con estos sistemas.

Los collages realizados a partir de imágenes generadas por inteligencia artificial, que fueron impresas en impresora de punto y en papel antiguo y reciclado, son las piezas principales de “El sueño del unicornio”, exposición que Gabriel Zea presenta en 12:00 Galería de Bogotá hasta el 29 de agosto de 2024.

Estos collages de gran formato, que recuerdan los tapices del Renacimiento, conversan con piezas más pequeñas, elaboradas también en papel reciclado, en las que se pueden ver dos series de dibujos que exploran el mundo de los billetes y las monedas.

Entrevista con Gabriel Zea sobre “El sueño del unicornio” y su papel e interés en la difusión y comunicación cultural.

Cuéntame de “El sueño del unicornio”. ¿En qué se trata la exposición?

G.Z. Esta exposición continúa con mis investigaciones alrededor de la economía que adelanto desde hace muchos años.

Está esa exposición está centrada en dos temas principales: el primero es intentar entender y jugar con unas metáforas que se han ido creando en los sistemas económicos para hacerlos más fácil de entender a las personas del común. Son unas metáforas que básicamente son animales, aunque representan a empresas y a personas dentro del sistema.

¿Y cuáles son esas metáforas?

G.Z. Uno es el unicornio y el otro son los gatos gordos. Los unicornios son empresas que han tenido una capitalización muy grande en las primeras rondas de financiamiento, y los gatos gordos son personas que tienen mucho dinero, personas que acumulan mucho capital y, pues… que son gordos y se dedican a descansar.

Hay todo un zoológico de estas metáforas, pero Con María Adelaida Samper, la curadora de la exposición, decidimos centrarnos en estos dos animales porque tienen relación: los unicornios, principalmente, casi siempre son startups, empresas dedicadas como al mundo digital y; por otro lado, los gatos tienen que ver bastante con internet, ¿no?

¿Cómo materializas toda esta investigación en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Las piezas son bidimensionales. Básicamente uso el collage, que es una técnica que he venido utilizando durante mucho tiempo, pero sobre todo desde mi exposición anterior que fue el año pasado en Otro Espacio, en la que utilicé collages realizados con papeles de contabilidad y papeles viejos que han sido impresos en impresora de punto.

A partir de esos experimentos construí estas nuevas piezas en las que cada fragmento del collage, cada imagen es generada por inteligencia artificial que después edito e imprimo en impresoras de punto; y con estas imágenes construyo los collages finales.

Me parece curioso que tu investigación es muy actual, la materializas en formatos artísticos muy clásicos…

G.Z. Sí, es algo que justamente estamos intentando entender con María Adelaida Samper, nos hemos preguntado mucho sobre eso. En el proceso de realización hay unas estrategias de corte surrealista o Dadá como el collage. Sí hay algo técnico que va hacia atrás en la historia, pero que tiene unos contrapuntos con temas muy de ahora, muy actuales.

Como las figuras generadas con inteligencia artificial…

G.Z. Exacto, son formas de hacer muy, muy tradicionales en la historia del arte, pero con cosas como muy del momento, tal vez tiene que ver con los tiempos de las piezas. Es decir, los papeles que utilizo vienen del reciclaje, entonces son papeles que tal vez el más nuevo podrá tener, no sé, 20 años, una cosa así… Son papeles que ya no se utilizan, que no están en circulación, que no se producen.

Por otro lado, está el sistema de impresión que, podemos decir, es arcaico, que ya no es masivo o cotidiano.

Todo esto mira hacia atrás, pero la fuente de las imágenes y la investigación es muy del momento y ese tránsito de tiempos les da una característica muy especial a las imágenes porque las texturas de los papeles son especiales, no son comunes actualmente, porque no es el papel cotidiano.  

¿Y esa textura especial la ve o percibe el espectador?

G.Z. Sí se alcanza a notar. Hay cosas ahí que uno no reconoce en el papel, además que no son papeles tradicionales en la práctica artística (no tienen gran contenido de algodón), entonces sí hay algo que uno nota diferente.   

Aparte de los unicornios y los gatos gordos, ¿qué otras piezas hay en “El sueño del unicornio”?

G.Z. Hay unas obras que son un complemento que sentía que debía tener. Los collages hablan del sistema grande que a la gente le toca relacionarse sí o sí, como las aplicaciones o inclusive el WhatsApp, que en su momento fue un unicornio y es un tema bien abstracto.

También presento, entonces, unas piezas con otros aspectos del sistema económico con el que nos relacionamos todo el tiempo; que son dos series de dibujos en papel: uno explora el mundo de los billetes y el otro las monedas.

La serie de los billetes son dibujos de patrones guilloché que se diseñaron, inicialmente, como patrones de seguridad en billetes y documentos, los cuales eran muy difíciles de producir al final del siglo XIX y principios del siglo XX; pero hoy en día son muy fáciles de producir, entonces no son tan seguros. Este patrón se sigue utilizando, pero más como cuestión decorativa.

Por otra parte, la serie de monedas son unos frottage (cuando se frota un lápiz sobre una hoja puesta sobre un objeto) realizados a partir de fragmentos de monedas que crean patrones que se van extendiendo de diferentes maneras en las hojas.

¿Tu práctica artística, cómo está con la difusión cultural, ya que eres muy juicioso con la producción podcasts?

Me interesan muchísimo las comunicaciones en las artes porque tenemos una falta de público muy grande y muchas veces las exposiciones terminan siendo para los amigos o el grupo muy cercano de personas que conoce la actividad artística y, pues, claramente eso un problema que tiene varias repercusiones, pero, sobre todo, es que hay mucha energía y es el trabajo de una gran red de personas (que va más allá del artista) y al final es complicadísimo que la vean 50 o 100 personas.  

Por otro lado, en la ciudad hay mucha oferta de eventos de artes contemporáneas de muy buena calidad que el público se está perdiendo porque no sabe o porque le interesa.

Entonces, me interesa como ayudar un poco a difundir lo que está pasando en la escena local y por eso creé el pódcast Interviús y más recientemente Extra, que son cápsulas sobre exposiciones del mes.

Aparte de la difusión, también hay una cuestión de registro histórico que me parece importante porque, muchas veces, estamos tan enfocados en la producción o la exposición que se olvida registrar y con el paso del tiempo nos damos cuenta de que no hay archivo de los eventos artísticos que se realizaron; y eso es un problema.

A veces el ritmo es tan fuerte que el registro nunca sucede por varias razones, así que es una tarea más por hacer, pero no es tan fácil porque en este medio artístico algo se queda sin hacer y, generalmente, es el registro.

Por eso me interesa generar el registro de lo que sucede en el medio, por si algún día alguien lo necesita.

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Esta obra de Santiago Montoya y “Corona de plátanos y bananos” de Richard Harrison Bravo dan la bienvenida al espectador de esta muestra que parte de la novela “La Vorágine” de José Eustasio Rivera, que este 2024 cumple 100 años, “para reflexionar sobre quiénes somos, la denuncia del horror de los olvidados, la apropiación y dominación del territorio, así como los procesos que atraviesan la definición de una identidad”, temas muy trabajados en todas las artes.

“Daño colateral” de Santiago Montoya.

“Nación Vorágine” reúne obra contemporánea de quienes han recorrido, pensado, habitado y cuestionado tanto el territorio como sus habitantes.

De hecho, gran parte de las piezas expuestas pertenecen a la Colección Proyecto Bachué, que incluye obra colombiana del XIX, XX y XXI de diferentes formatos, hasta mapas y documentos.

Bachué, vale referenciar, es la diosa y madre primigenia del pueblo Muisca, pero también es una obra de Rómulo Rozo que durante mucho tiempo no fue valorada lo suficiente por romper el molde y no copiar o imitar el arte europeo.

Y si de romper el molde se trata, en “Nación Vorágine” se puede ver obra de la artista Misak Julieth Morales, quien reflexiona en “Gran pechera” y “Resistencia II” sobre la identidad cultural femenina en el contexto indígena colombiano.

Rosemberg Sandoval, quien siempre ha hecho de su trabajo una denuncia política colombiana, participa con “Emberá – Chamí”, una instalación de botas pantaneras de color negro que tienen incrustadas astillas que bien puede parecer madera, pero en realidad son huesos humanos.

“Emberá – Chamí” de Rosemberg Sandoval.

También está presente Diana Marcela Buitrón con “Amígdalas pecuniarias”, una instalación de mazorcas de cacao envueltas en papel de monedas de chocolate en la que plantea la problemática de las semillas nativas que fueron “certificadas”.

“Amígdalas pecuniarias” de Diana Marcela Buitrón y al fondo
la obra de Julieth Morales.

“Nación Vorágine”, abierta al público hasta el 22 de mayo en el Centro Cívico de la Universidad de Los Andes, conversa con la exposición “Tierra de promisión” de Espacio El Dorado que parte del ideal de país “más biodiverso” y “potencia de vida” para poner de manifiesto que, en últimas, estas promesas nos han nublado la conversación sobre la sociedad que realmente somos.

“Las dos exposiciones plantean una reflexión sobre la condición de Colombia como un país que no ha logrado una identidad nacional que nos una y tampoco ha logrado un control territorial. La no presencia en el territorio es la causa que de la violencia que hemos tenido durante los dos siglos de independencia”, dice el curador José Darío Gutiérrez.

Gutiérrez recuerda que en 1921 José Eustasio Rivera publica “Tierra de promisión”, “una oda a la belleza del territorio y la naturaleza; es una expresión bastante romántica e ideal, pero cuando visita el territorio se da cuenta que es agreste, salvaje y donde la condición humana, en vez de enaltecerla como su sueño en ‘Tierra de promisión’, se degrada y llega a las condiciones de esclavitud y barbarie”.

En esta curaduría hay de todo para ver. Desde un grabado de Alexander Von Humboldt de 1810, pasando por la serie de 1971 de Umberto Giangrandi sobre el uso excesivo de la fuerza y las detenciones arbitrarias; hasta las fotografías de Federico Ríos en las que explora el paisaje colombiano transformado por el conflicto.

Si algo me gusta de estas dos exposiciones es que las obras son fuertes, pero no violentas en sí, y creo que aquí es donde uno entiende la ‘poética en el arte’.

Edison Quiñones, por ejemplo, desde 2007 recoge casquillos de bala que deja el conflicto armado en el Cauca y con todos las que tiene ha elaborado piezas de diferentes tamaños con el mapa del departamento.

“Cauca. Variación #3” de Edison Quiñones.

La violencia siempre ha estado presente en todas las artes colombianas, y es realmente abrumador que nos hayamos acostumbrado a ella; pero desde el punto de vista de la estética me gusta ver cómo cada artista se las arregla para plasmarla y materializarla.

Ahora, si nos vamos a la naturaleza y paisajismo, Leonel Castañeda aporta “Sin título. De la serie Historia Natural”, una instalación con ramas secas y un estante que alberga una colección de aves disecadas que fue desechada y él retomó con el objetivo de repensar las formas en cómo se exploraron y catalogaron los recursos naturales en el siglo XVII para el desarrollo de la farmacia, el lujo y lo exótico.

Santiago Vélez retoma la problemática de la minería ilegal en los páramos con “Tanques de cianuración, de la serie Agua – Oro” -expuesta en “Nación Vorágine”-.

Por el mismo sentido va la obra “Oro – 18gr – Río” en la que Consuelo Gómez habla sobre la explotación de tierras y desplazamiento forzoso de los indígenas Emberá que habitaban cerca del río La Vieja.

“Oro – 18gr – Río” de Consuelo Gómez.

Y sin el ánimo de la esperanza aparece “Primera lección” de Bernardo Romero en la que desglosa el escudo de Colombia con las frases “No hay cóndores / No hay abundancia / No hay libertad / No hay canal / No hay escudo, no hay patria”.

El reto de nosotros los espectadores y ciudadanos es no perder la fe y tomar acción para que el círculo vicioso se acabe. Podemos elegir mejores líderes, podemos elegir qué medios de comunicación consumir, podemos elegir con quién nos relacionamos, podemos elegir no ser pasivos.

En algún momento debemos dejar de ser como la serigrafía de Juan Camilo Uribe en la que el Sagrado Corazón ratifica tristemente “Esta es Colombia”.

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Seguramente ya has leído que Artbo 2023 no se realiza en Corferias, sino en el centro de convenciones Ágora. Yo te quiero decir que el espacio es maravilloso en varios aspectos: es más espacioso, tiene varios niveles, hay donde sentarse y descansar, y los baños son de fácil acceso y limpios, algo fundamental para mí.

La instalación de gran formato “Los santos inocentes” de Mapa Teatro recibe a los espectadores. Un cuarto oscuro en cuyo interior se puede apreciar una variación de esta instalación performática que se inspira en las celebraciones decembrinas del Pacífico colombiano. Sobre este cuarto hay una gran escultura tipo piñata que, parece, se encarga de dar la bienvenida y acompañar a los visitantes.

En el primer piso también está un cuadro gigante de Carlos Jacanamijoy y las esculturas en madera de eucalipto de Jaime Miranda-Bambarén.

Todas las obras de gran formato hacen parte de Sitio, la sección que permite apreciar estos trabajos que por su dimensión no caben en cualquier lugar.

El segundo nivel de Ágora está dedicado a una de las secciones que más me gustó, Artecámara que, con la curaduría del Equipo Transhistor(ia) propone “Movimientos planetarios, mundos posibles” por medio de obras que “permiten conectarnos de una forma más directa con la realidad y actualidad”.

En este nivel vale la pena hacer con calma el recorrido y apreciar los planteamientos que van desde la reflexión por los alimentos transgénicos, las nubes de ceniza que flotan sobre las grandes extensiones de cultivos de caña y que impacta a trabajadores y habitantes, o las empresas que cerraron tras la apertura económica y dejaron sin pensión a los trabajadores.

Tejidos, actos en vivo, textiles, fotografías, cerámica, pintura o gráfica son algunas de las técnicas que se pueden ver en esta sección.

El tercer piso también está muy chévere porque dedica espacio al Diseño, una novedad en Artbo 2023, y el Libro de artista, en donde se pueden ver todas esas expresiones alternas a las que se dedica un artista, colectivo o galería, como las impresiones gráficas, camisetas, mochilas o agendas.

Yo compré varios artículos y, aunque fui sola, sé que este piso y el segundo los disfrutaría mucho mi hija porque no están dedicados exclusivamente a los coleccionistas de arte que, se espera, compren obras de miles de dólares.

Desde mi punto de vista el segundo y tercer nivel permiten que la gente pueda acercase a la propuesta artística sin la presión de comprar, y percibir un poco la dinámica de esas otras obras que no son maestras, son de uso diario, pero que son igual de importantes en el trabajo de los artistas.

El cuarto y quinto nivel recopila la antigua experiencia Artbo ya que están dedicados a esas obras importantes y representativas de artistas que tienen trayectoria o ya están consolidados. Aquí se tiene la posibilidad de ver obras representativas, recientes o de vanguardia.

Ir a Artbo no es solamente para ver o comprar obra. La feria está diseñada para poder escuchar lo que hay detrás del trabajo y esto se puede hacer escuchando a los mediadores, a los galeristas o al mismo artista. Aquí no hay pena de preguntar, es la oportunidad perfecta para decir ‘cuéntame tu historia’. Si uno se programa, puede asistir a charlas o conferencias programadas.

Y otra cosa muy chévere de esta semana en Bogotá es que los museos, espacios culturales y galerías aprovechan todo el impacto Artbo para estrenar exposiciones o unirse a los circuitos.

Este jueves 23, por ejemplo, hay actividades en Chapinero central y Teusaquillo de 9:00 a. m. a 12:00 m. con visitas guiada a la exposición “Sin tu luz vivo triste” del artista Kevin Simón Mancera en Nueveochenta y “En simultáneo” en Salón Comunal. A las 8:00 p. m. hay visita guiada a la exposición temporal “Trabar la lengua: hablar de arte en Colombia” en el Museo Nacional de Colombia.

El viernes 24 el circuito se realiza en Chapinero norte con visitas guiadas a la exposición “Tic-tac” de Miller Lagos en Galería Espacio Continuo, “La multiplicación de los cuadros” de Álvaro Barrios en El Museo; “La resta de las partes” de Carlos Castro y “Profecías incompletas” de Pablo Mora en Galería La Cometa; “La fibra del tiempo” en Montenegro Art Projects; “Maestro Samudio” de Antonio Samudio y “Olvidándote de mí” de Powerpaola en Sextante; y “Naturalezas muertas” de Carlos Alarcón en Beatriz Esguerra Arte.

El sábado 25 de noviembre está dedicado a Teusaquillo y La Macarena con visitas guiadas a “Buscando el dorado” en Espacio El Dorado, “Naturaleza doméstica o un lugar para el autoaprendizaje” de Nicolás París en Mor Charpentier, “Desing house Colombia” en NC-Arte y “Altares del suelo se animan con fuego” de Carlos Alfonso en Casas Riegner.

El domingo 26 las visitas guiadas son para “White fence: veladuras de fragilidad” de Rosario López en Bodega Piloto, “Un recuerdo similar a un silencio del mundo” de Hernando Velandia en la Galería Santa Fe, “Estructura sinfín: metro series” de Mauricio Carmona (nominado al XII Premio Luis Caballero) en Estación de la Sabana; y “Forest mind sobre la interconexión de la vida” de Ursula Biemann en el Claustro San Agustín.

En Espacio Odeón, la Luis Ángel Arango, el Claustro de la Universidad del Rosario, la Biblioteca Nacional de Colombia, la Sala de Arte Bancolombia, Pasaje peatonal Calle 63, y en San Felipe también hay exposiciones para ver.

De hecho, Open San Felipe realiza su tradicional festival el 24, 25 y 26 de noviembre con 76 galerías, espacios de industrias creativas y gastronómicos.

Y este 2023 la Feria del Millón vuelve a coincidir en fechas con la semana del arte en Bogotá, así que entre el 23 y 26 de noviembre se lleva a cabo en un edificio ubicado en la calle 77a No. 11-60, una ‘oficina para la cultura’ en la que 99 artistas exponen su obra.

Este 2023 en la Feria del Millón se puede ver el trabajo del proyecto de Serpentine Gallery de Londres, uno de los espacios artísticos más prestigiosos del mundo; y de Carlos Caicedo (1929-2015), uno de los reporteros gráficos más destacados del país. Y para los amantes de la vanguardia, está “Voltaje: salón de arte y tecnología”.

Así que si no puedes ir a Ágora o no te gusta desplazarte, puedes aprovechar y disfrutar las diferentes opciones de arte que hay entre el 23 y 26 de noviembre en Bogotá.

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