La exposición titulada “Más allá del rostro” es una retrospectiva del artista que comienza por las obras más recientes: cuadros con rostros de tonalidades pastel, o esculturas en bronce. 

La gratitud es muy importante en la obra reciente de Maquiamelo, por lo que en el jardín de Casa Lleras dispuso un lugar especial para escribir aquello por lo que queremos agradecer.

Con este concepto dialoga la serie Ciudadano Kane, que recuerda que aquello que da sentido a la vida y a la identidad humana no siempre es la riqueza material o el poder.

Los rostros y las cabezas no siempre portaron colores alegres, y eso queda claro al recorrer la muestra, pues se pueden ver las tsantas, las cabezas reducidas elaboradas por el pueblo shuar de Ecuador y que Maquiamelo retomó durante años.

En el segundo piso de Casa Lleras están exhibidas las obras dedicadas a celebridades y artistas, que tienen un toque más oscuro y fantasmagórico, así como las cadaveras con tintes taxonómicos que forjó en un principio la obra de Maquiamelo. 

Curada por Alexandra Correa, “Más allá del rostro” propone una reflexión sobre la memoria, la identidad, la vulnerabilidad, la naturaleza y aquello que permanece oculto detrás de la apariencia.

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Cuatro de los cinco proyectos artísticos están inspirados en conceptos como patrimonio, arquitectura y progreso; y tres revisan el legado del arquitecto Gastón Lelarge.

Lucas Gallego y Carolina Borrero exhiben en “Lo que soporta la montaña” las consecuencias de la explotación que sufrieron los cerros orientales desde el siglo XVI hasta el XX, época en las que piedras y madera fueron llevadas al centro de la ciudad para la construcción del Capitolio Nacional. La majestuosidad de la edificación contrasta con la erosión de las montañas y el deterioro de la calidad de vida de sus habitantes. Mientras recorremos la sala nos rodeamos de columnas elaboradas con materiales restantes.

Muy parecida es la propuesta de Sebastián Sandoval, quien en “Studio GL” presenta su visión de cómo la arquitectura deja de preservar para dar paso a la transformación urbana. Toma como ejemplo la casa Nemesio Camacho y por medio de esculturas y un video refleja cómo rápidamente la tecnología genera planos que fácilmente nos permiten olvidar el patrimonio.

Y María Luisa Sanin presenta “Metrópolis 2027” en referencia del trabajo del arquitecto Gastón Lelarge al insertar imágenes de sus edificios icónicos en escenarios de ciencia ficción.

Siguiendo con el tema de la urbanización, el progreso y el futuro, en “Armas de negación aérea” Lina Henao plantea la complejidad de la violencia que generan la renovación de un barrio o un territorio. La pala de una retroexcavadora, tierra y cemento, un letrero que recuerda la propiedad privada y audios de los años 50 recuerdan que desde siempre se advierte la necesidad de la transformación ciudadana.

Por su parte, en “Fábrica” César Faustino de recurre a los lenguajes teatrales que han sido adoptados por las artes plásticas y la sala oscura recuerda a los teatros del mundo del Renacimiento Italiano.

El segundo ciclo de la VIII Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Fuga está abierto hasta el 5 de septiembre.

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La Cali de los años 70 según Ever Astudillo, y la Europa de la primera mitad del siglo XX según Theo Angelopoulos son la materia prima de la nueva obra del artista Sair García: “El paso suspendido de la cigüeña”.

En el barrio El Polo de Bogotá se ubica La Casita, un espacio cultural creado por Simón y Maritza Chehebar que desde el 2015 tiene el objetivo de desarrollar proyectos de artistas colombianos que contribuyen a la consolidación de los procesos y la identidad del arte contemporáneo colombiano.

La Casita, que es un espacio cultural y no una galería de arte, invita cada año a tres artistas colombianos para que creen obras que dialoguen con una pieza de la colección Chehebar.

Con esa lógica invitaron a Sair García, quien en diálogo con la obra “Lugar No 1” de Ever Astudillo que retrata la Cali de los años 70, presenta hasta septiembre de 2026 “El paso suspendido de la cigüeña”, una muestra que se nutre de la estética de la película de Theo Angelopoulos de 1993.

La exposición “El paso suspendido de la cigüeña”, curada por Camilo Chico, propone una reflexión sobre las fronteras que construimos como sociedad y, especialmente, sobre aquellas que nos imponemos a nosotros mismos, a través de 14 pinturas, dos animaciones, una gran instalación compuesta por 350 obras en pequeño formato.

Entrevista con Sair García sobre “El paso suspendido de la cigüeña”.

¿Cómo es que “El paso suspendido de la cigüeña” se inspira tanto de la obra de Ever Astudillo como de Theo Angelopoulos?

Parto de la obra de Ever Astudillo que pertenece a la colección de La Casita, una pieza que en realidad son cuatro dibujos que habla de Cali de los años 70. En un reto interesante porque esta exposición la sustraigo del cine. La serie “El paso suspendido de la cigüeña” habla de la arqueología del oficio. El título lo adopto de la película de Theodoros Angelopoulos de 1993 que habla de las fronteras, de la imposición de fronteras mentales y físicas.

La película se desarrolla en la Europa de los años 30, durante la Segunda Guerra, cuando aparecían fronteras trazadas de un día para otro en el suelo con una línea. Entonces, lo que hago es un pequeño parangón entre lo que sucedía en la época que muestra el director en su película, y lo que yo desde la pintura traigo a la contemporaneidad.

Hablas de fronteras físicas, pero también mentales. Unas las ponen los gobernantes, otras las pone uno mismo…

Sí, bien, lo dijo Albert Camus en “El Extranjero”, que el migrante carga con su trozo de tierra debajo del brazo. Eso somos finalmente, la trashumancia humana no es de ahora, es desde la historia la humanidad; entonces tanto el humano que se queda como el que se va tendrá su historia que contar y las fronteras de las que habla Theodoros Angelopoulos en sus películas no son otra cosa que la imposición de lo que ha venido ocurriendo a través del tiempo.

Él hablaba de la Europa hace casi 100 años, pero yo hablo de la América contemporánea y la única diferencia son los protagonistas, porque finalmente las escenas son las mismas.

Esta es la periodicidad y la historia cíclica que nos que nos sigue abordando: los migrantes y la diáspora de hace 100 años seguramente no tiene absolutamente nada distinto la actual.

Lo que creo que hay que destacar es el papel que cumplen las artes para mostrar, para sacar a la luz estos temas, para decirle a la gente que la diáspora no es nueva. Theodoros Angelopoulos nos lo dice con sus películas, yo lo hago desde la pintura, eso es lo que nos corresponde (a los artistas) hacer.

Ya sabemos de dónde viene “El paso suspendido de la cigüeña”. ¿Cómo dialoga con tu obra?

Creo que la gran diferencia entre el arte que he presentado y lo que exhibo ahora es a nivel formal, porque esta muestra, en medio de todo, sigue guardando la coherencia conceptual de lo que siempre he trabajado, que son los fenómenos sociopolíticos. En este caso, es la diáspora, sólo que tomo como sustrato el cine.

Anteriormente, formalmente fue el acero el que me permitió crear obra porque el acero estaba determinado únicamente para la serie “Magdalena”, porque el acero constituye una metáfora bellísima del río.

Y “El paso suspendido de la cigüeña” tiene también una resolución interesantísima si se tiene en cuenta que, primero, es una exposición de obras secuenciales que derivan en una animación; y esta animación es el resultado de tomar dos escenas puntuales de la película “El paso suspendido de la cigüeña”, tomar escenas de 8 segundos y 10 segundos y volverla una escena pictórica, dramática y contundente de tres minutos y medio. Entonces, es una apuesta bastante osada de lo que hizo Theodoros Angelopoulos desde el cine, y lo que yo trato de hacer desde la pintura.

Me impone un reto interesantísimo, pero además de eso, hay unas pinturas que parecieran unas pantallas cinematográficas, con unas escenas cinematográficas que son, por supuesto, fotogramas intervenidos, porque me apropio y reinterpreto la imagen con una narrativa conceptual muy cercana “Magdalena”, a “Éxodos” y a las otras series anteriores que he hecho. Entonces, digamos que la gran diferencia radica en lo formal.

¿Ya habías tenido acercamiento con la animación?

Sí, pero no las había exhibido. En el Museo de Arte Moderno se hizo una exposición que tuvo unas pequeñas animaciones, unas escenas secuenciales que respondían a la curaduría.

De ahí se empieza a desglosar esto de la secuencialidad porque en “El paso suspendido de la cigüeña”, alrededor del 90% de la exposición está por fuera de las paredes porque yo necesitaba sacar de ese contexto de colgar las obras y más bien utilizar el lenguaje cinematográfico.

La instalación está dispuesta de tal manera que se puede ver como se observan los archivos fotográficos. Las pinturas las en gran formato están exhibidas como se exhibían las pantallas publicitarias del cine de los años 40 y 50. No quería que fuera una exposición tan típica, sino salir de los esquemas y formatos para volverla más bella en su recorrido.

-> Si quieres escuchar el pódcast con Sair García, aquí.

Inclusive, en la sala donde está la animación hay seis sillas estilo cine que lo transportan a uno a la sala oscura….

Sí. Hay algo bellísimo y es que en la animación se puede ver claramente la materialidad de los soportes. Hay unos hay unos primeros planes donde se ve claramente la materia de la madera, porque aquí hay lino, hay tela normal y hay madera como soporte histórico.

En la animación, se ve se ve el grano del soporte de la madera que era lo que me interesaba, porque al final de cuentas esa gestualidad, esa expresión y esa fuerza que tiene la animación era para resaltar las 350 pinturas que componen la animación: cada pintura es un fotograma.

Realizar la animación con las pinturas era la puerta que se hacía desde la toma del cine como sustrato para el resultado.

Sair García ha expuesto en museos y galerías. ¿Qué significa exhibir en La Casita, un espacio cultural que toca visitar con cita previa?

Esta galería gusto de mi prestigio tremendo. De hecho, para nosotros (los artistas) es un honor tener esta invitación. Las exposiciones de La Casita son muy concurridas y la mía, afortunadamente, no ha sido la excepción.

La Casita es importante porque es un espacio de culto. Aquí se hacen tres muestras al año, así que cada vez que hay una exposición uno sabe que es de lo mejor.

¿Hasta cuándo está “El paso suspendido de la cigüeña”?

Hasta septiembre. Se desmonta después de ArtBo, que se realizará del 24 al 27 de septiembre en Ágora Bogotá.

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En sus obras e instalaciones, el vacío es importante porque le permite al espectador apreciar cómo el espacio se habita, y cómo la luz y la sombra son también parte de las piezas.

Es de las pocas veces que he visto que una exposición se acomoda perfectamente al espacio del Museo de Artes Visuales de la Tadeo.

Trama Espacial invita a caminar, a jugar con la luz y la sombra de las obras, a rodearlas, pero sin tocarlas.

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Tras investigar el archivo de la familia Alzate, que en el siglo XIX engañó a museos arqueológicos europeos con piezas con estética prehispánica; Rosario López se permite crear algo nuevo a partir de la copia.

En “Ficciones de Barro” se mezclan y se confunden las originales de la Colección Alzate con las que Rosario López elaboró en conjunto con la comunidad indígena Cubay Jejenava del Vaupés, dando así continuidad al proyecto que la artista adelanta desde hace años en la Amazonía colombiana.

En “Ficciones de Barro” se pueden apreciar textiles y piezas de barro, además de una línea de tiempo relacionada con arqueología, arte y falsedad que inicia en 1870 y finaliza en 2026.

Además de copia y original, la muestra propone una reflexión sobre la verdad o falsedad de las historias que nos cuentan y contamos, no solamente las institucionales e históricas.

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Abel Rodríguez fue nombrado desde pequeño por la etnia nonuya como “sabedor” gracias su capacidad de reconocer y nombrar las plantas de la selva, sus usos prácticos y su relación con los animales, las personas y el territorio.

A partir de sus 40 años comenzó a dibujar sus saberes y reconstruir la memoria de la selva amazónica.

El título de la exposición, El Árbol de la Abundancia, alude al árbol del que brotaron todos los frutos existentes y que un hacha derriba, dispersando las semillas por el mundo, según la visión de varios pueblos indígenas.

Abel Rodríguez murió en 2025. Durante tres décadas produjo alrededor de 500 obras en acuarela, témpera, tinta y acrílico.

La exposición El Árbol de la Abundancia se puede ver en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Malba, hasta el 23 de agosto de 2026.

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En Espacio EL Dorado el artista José Ruiz presenta la exposición El Estado de las Cosas, que consta de dos partes:

1. Los Grandes Días Están por Venir: archivo de material político desde los años 50 hasta 2026.

2. Las Cosas: acumulación de cajas y productos domésticos que, como los políticos, prometen una vida más feliz, más fácil y mejor.

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Y por eso fui al Museo Santa Clara, en Bogotá, para ver “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié”, que reúne hasta el 9 de agosto de 2026 fotografías, videos y material de archivo de acciones artísticas realizadas entre 1992 y 2006.

De María Teresa Hincapié había visto su obra fragmentada, en libros o ferias, pero no había tenido la oportunidad de estar en una muestra dedicada a ella.

Con formación teatral, finalizando los años 80 María Teresa Hincapié se dedicó a explorar la relación entre arte, vida y naturaleza a través del performance.

En los años 90 profundizó la conexión con lo sagrado, entendido más como lo ancestral y universal; no necesariamente religioso; respondiendo a la rapidez de la vida, el consumo y la coyuntura política.

Me pregunto cómo se viviría hoy una acción de María Teresa Hincapié donde la lentitud y el silencio eran protagonistas.

Hace dos décadas el Museo Santa Clara, que antes fue iglesia y alberga arte de los siglos XVII y XVIII, exhibió a María Teresa Hincapié por primera vez.

La exposición “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié” se exhibe en el coro alto, un espacio en el que tampoco había estado y que recientemente fue intervenido.

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Hace unos años, cuando el mundo estaba detenido por la pandemia, Yuli Cadavid recordó que su abuela curaba todos los males gracias al poder de las plantas, así que un cuadro médico fue el impulso para que ella decidiera recuperar ese legado que, debido al paso de los años, ya estaba difuso en la memoria de la familia.

“El proyecto empezó con la intención de recuperar las recetas de mi abuela. Empecé a conocer las plantas y sus propiedades, entendiendo que no soy boticaria, ni pretendo serlo. Simplemente, empecé a recolectar plantas para desde el arte representarlas y ver su transformación a través del color”, expresa la artista.

Yuli Cadavid, experta en arte gráfico y grabado, utiliza estos soportes para plasmar la belleza y las propiedades de las plantas. Esto se evidencia en las series “Fitoterapia básica”, de las que son protagonistas el sauco, la moringa, el jengibre, limón y eucalipto; “Gabinete de curiosidades”, en la que expone las propiedades botánicas de esas mismas plantas a través del dibujo científico. La tensión de las plantas que curan o matan se evidencia en “Las matas que curan, las curas que matan”, mientras que “Esto no tiene Invima” rinde homenaje a la tradición de curar con plantas medicinales así no esté regulado por la ciencia moderna.

La materialización de la obra de Yuli Cadavid es diversa, pues abarca desde cajas de botánica que guardan pinturas en papel de fique, dibujos al carboncillo, cajas de conservación, hasta ollas grabadas, instalaciones, herbarios; pasando por los grabados con las técnicas monotipo o aguafuerte.

Los libros intervenidos también son característicos en su obra. Se trata de libros que llegan a su taller de impresión Talante porque están siendo carcomidos por el moho o el comején, y tras un proceso de recuperación, Yuli Cadavid les ofrece una segunda posibilidad de narrar la historia de las plantas por medio de nuevos textos e imágenes que son puestas al estilo collage.

Parte de estas obras pueden apreciarse actualmente en Ocre Galería, ubicada en Bogotá, en la muestra “Escalas de cuidado” curada por Caridad Botella, en la que por primera vez el color de la naturaleza es protagonista.

“Le tenía miedo al color porque generalmente está asociado con lo decorativo, y en la historia del arte el grabado ha sido reconocido por su contraste y fuerza. Si Rembrandt elaboraba todos sus grabados en negro, ¿cómo agregarle color?”, se pregunta la artista.

Lo cierto es que las plantas tienen diferentes colores que sirven como advertencia. Es decir, cuando tienen un color específico están hablando si son cura o son veneno, y entonces este fue el punto de partida de esta muestra que le permite al espectador ver su escala de color que prepara, muchas veces, con pigmentos naturales.

La mayoría de las piezas exhibidas fueron elaboradas este 2026, aunque hay algunos libros, boticarios y ollas grabadas realizadas anteriormente. Esto posibilita tener, por decirlo de algún modo, acceso a la línea de tiempo en la que Yuli Cadavid se acerca a las plantas medicinales y sus distintas formas de interpretarlas artísticamente.

En “Escalas de cuidado” hay una vitrina en la que se exhiben los materiales de archivo, así como una foto de su abuela, las herramientas y los pigmentos que utiliza Yuli Cadavid para que las hojas, ramas y flores de borrachero, diente de león o eucalipto se puedan apreciar en distintos formatos y en diferentes técnicas.

Y mientras las plantas medicinales recuperan su lenguaje del color y la advertencia, Yuli Cadavid fortalece su práctica artística en la que conceptos como amor y cuidado están presentes, no sólo en estas obras que parten desde el conocimiento ancestral femenino, sino en otras series como “Mientras duermen” en la que habla sobre la maternidad desde la ambivalencia de dibujarse y desdibujarse.

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Hasta finales de julio de 2026 se puede ver en el Claustro de San Agustín “Exvotos de la Desobediencia”, una exposición en la que la desobediencia es una forma de pensamiento: una interrupción de la indiferencia, una forma de mirar donde la dignidad de la vida no puede ser negada.

Una nueva exposición de Débora Arango se puede ver en Bogotá, esta vez en el Claustro de San Agustín, en pleno centro de la capital.

Meses después de que el Museo Santa Clara exhibiera “La huida del convento”, las acuarelas más emblemáticas de la colección de Débora Arango del Museo de Arte Moderno de Medellín, MAMM, este museo vuelve a prestar las obras que custodia de la artista.

Es por esto por lo que el Claustro de San Agustín se expone hasta julio de 2026 “Exvotos de la Desobediencia”, una muestra en la que el arte de Débora Arango dialoga con el trabajo de Alfonso Quijano, Pedro Nel Gómez y Luis Giraldo.

En “Exvotos de la Desobediencia” se pueden apreciar 20 obras de la artista realizadas entre 1940 y 1950, década en la que viajó a Estados Unidos y México.

Para entender el diálogo que propone la curadora María Belén Sáenz de Ibarra en “Exvotos de la desobediencia” toca desglosar la propuesta de cada artista.

Débora Arango es una de las pintoras y acuarelistas más importantes de Colombia, figura clave del pensamiento contemporáneo y el feminismo, por lo que su obra trasgredió los cánones estéticos al representar la desnudez y la violencia en el cuerpo femenino, o la pobreza y otros problemas sociales.

Esta exposición recuerda que una de las grandes frustraciones de Débora Arango fue la censura que le impidió dedicarse al muralismo.

Por su parte, Alfonso Quijano fue figura clave de las artes gráficas en Colombia, reconocido por las xilografías en las que abordó la violencia política, la lucha por la tierra y la desigualdad.

Y entonces, ¿cómo es que obras como “Maternidad negra” o “Familia” de Débora Arango dialogan con “La cosecha de los violentos” de Alfonso Quijano, una de las obras más emblemáticas sobre la violencia en el país realizada en 1968?

Los cuerpos cansados son testigos del desinterés y el despojo.

En “Exvotos de la Desobediencia” también se puede apreciar “Barequera en reposo”, obra de 1930 de Pedro Nel Gómez, artista influyente del arte colombiano del siglo XX, pionero del muralismo en el país; y quien fue maestro de Débora Arango.

Las obras de los maestros colombianos se articulan con las del joven Luis Hernando Giraldo, quien crea paisajes y escenas que evocan lo rural, lo íntimo y lo esencial.

Y entonces, después de recorrer varias veces la exposición, leer los textos y detallar las obras pude atender cómo “Exvotos de la Desobediencia” tiene que ver todo con la desigualdad, exclusión social y la violencia que es tan estructural que también repercute en la tierra, la memoria del cuerpo y del paisaje; y las formas de vida.

Y las denuncias de estas obras realizadas en los años 30, 40, 50, 60 y 70 del siglo pasado siguen muy vigentes en el siglo XXI.

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