En sus obras e instalaciones, el vacío es importante porque le permite al espectador apreciar cómo el espacio se habita, y cómo la luz y la sombra son también parte de las piezas.

Es de las pocas veces que he visto que una exposición se acomoda perfectamente al espacio del Museo de Artes Visuales de la Tadeo.

Trama Espacial invita a caminar, a jugar con la luz y la sombra de las obras, a rodearlas, pero sin tocarlas.

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El Museo Guggenheim de Nueva York rinde homenaje al pop con una exposición que recuerda cómo este movimiento artístico tomó elementos de la publicidad, la reproducción o la copia y los medios de comunicación, algo terrible en ese entonces para los puristas, para convertir lo banal en extraño y espectacular.

Como dato curioso, el Guggenheim fue el encargado de presentar al público estadounidense el arte pop en 1963 con la exposición “Seis pintores y el objeto”. Fue la primera muestra del arte pop en Nueva York.

Entonces, este 2026 este museo retoma parte de su colección para exhibir obras realizadas de 1960 hasta la actualidad, y se puede el trabajo de legendarios como Andy Warhol o Richard Hamilton, y más actuales como Lucia Hierro o Maurizio Cattelan, famoso por su banano en la pared.

La exposición Guggenheim Pop, que estará hasta enero de 2027 le permite al espectador ofrece perspectivas de identidad, la cultura de internet y la vida cotidiana en la cultura popular.

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Tras investigar el archivo de la familia Alzate, que en el siglo XIX engañó a museos arqueológicos europeos con piezas con estética prehispánica; Rosario López se permite crear algo nuevo a partir de la copia.

En “Ficciones de Barro” se mezclan y se confunden las originales de la Colección Alzate con las que Rosario López elaboró en conjunto con la comunidad indígena Cubay Jejenava del Vaupés, dando así continuidad al proyecto que la artista adelanta desde hace años en la Amazonía colombiana.

En “Ficciones de Barro” se pueden apreciar textiles y piezas de barro, además de una línea de tiempo relacionada con arqueología, arte y falsedad que inicia en 1870 y finaliza en 2026.

Además de copia y original, la muestra propone una reflexión sobre la verdad o falsedad de las historias que nos cuentan y contamos, no solamente las institucionales e históricas.

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291 artefactos del Museo del Oro de Bogotá están en exposición en el Museo Arqueológico de Alicante, MARQ.

La muestra invita, a través de objetos arqueológicos y creaciones de comunidades indígenas, a conocer la concepción indígena de un universo compartido por seres humanos y no humanos.

En “El oro y el universo” se pueden apreciar máscaras, artes, pectorales, seres híbridos como los famosos humanos-murciélago, o los chamanes en vuelo. También se exhiben creaciones en cerámica y piedra, entre las que sobresale una amplia diversidad de figuras de plantas y animales, algunos amenazados hoy por la destrucción de sus ecosistemas.

La museografía, o puesta en escena, le permite al visitante, por ejemplo, estar en una maloca indígena, participar en bailes rituales o escuchar melodías grabadas con flautas y ocarinas.

La exposición “El oro y el universo” es el mayor préstamo del Museo del Oro a un museo español en muchos años. La muestra está abierta hasta el 2 de mayo del 2027.

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Abel Rodríguez fue nombrado desde pequeño por la etnia nonuya como “sabedor” gracias su capacidad de reconocer y nombrar las plantas de la selva, sus usos prácticos y su relación con los animales, las personas y el territorio.

A partir de sus 40 años comenzó a dibujar sus saberes y reconstruir la memoria de la selva amazónica.

El título de la exposición, El Árbol de la Abundancia, alude al árbol del que brotaron todos los frutos existentes y que un hacha derriba, dispersando las semillas por el mundo, según la visión de varios pueblos indígenas.

Abel Rodríguez murió en 2025. Durante tres décadas produjo alrededor de 500 obras en acuarela, témpera, tinta y acrílico.

La exposición El Árbol de la Abundancia se puede ver en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Malba, hasta el 23 de agosto de 2026.

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Digna Rabia es una exposición que, a partir de obras de arte, fotografías y documentos, reflexiona sobre la rabia como creación artística, como respuesta ética y estética desde mediados del siglo pasado hasta la actualidad.

Hay obras de artistas legendarios como Cecilia Vicuña, Viki Ospina, Luis Caballero, Alipio Jaramillo o Ana María Rueda; hasta más contemporáneos como Johan Samboní, Nadia Granados, Andrés Frix o Toxicómano.

Digna Rabia tiene en cuenta tres ejes. El primero es sobre el enfoque racional y objetivo de la creación de arte moderno y contemporáneo; el segundo es sobre el papel de la imagen en la movilización social en Colombia; y el tercero es sobre la rabia como fuerza política y estética en prácticas artísticas vinculadas con la calle.

Mucho resentimiento y descontento y enojo es lo que se aprecia en esta exposición.

Digna Rabia se puede ver hasta marzo de 2027 en el Museo de Arte Miguel Urrutia, MAMU, del Banco de la República de Bogotá.

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Hace poco vi la película “Mente maestra” en Mubi.

Un carpintero de clase media estadounidense, desempleado y que alguna vez quiso ser artista planea y ejecuta con éxito el robo en el museo de Massachusetts.

“Mente maestra” se desarrolla en los años 70, cuando el robo a los museos dio paso, según la historia del arte, al mercado del arte.

Entonces, este hombre que no es admirado por su familia, organiza una banda para que, a plena luz del día, se robe pinturas de Arthur Dove, pionero del arte abstracto en Norteamérica, aunque luego se dedicó al collage.

De “Mente maestra” me gusta que Josh, el protagonista, no cumple con el prototipo de ladrón.

Así como el arte abstracto muestra el mundo de una forma no tradicional, “Mente maestra” se nutre de él para presentar este robo con una estética pausada, un ritmo que se parece más a la visita en un museo que a la adrenalina del robo y la persecución.

Hay muchos silencios y se presenta al museo como un espacio solitario al que asiste este hombre al que le gusta el arte, claramente, y uno que otro estudiante, mientras el celador duerme porque nadie se atrevería a robar un museo, ¿no?

Y surge la pregunta de cómo las pinturas se convierten en dinero en efectivo, dando paso al coleccionismo y al mercado del arte.

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En Espacio EL Dorado el artista José Ruiz presenta la exposición El Estado de las Cosas, que consta de dos partes:

1. Los Grandes Días Están por Venir: archivo de material político desde los años 50 hasta 2026.

2. Las Cosas: acumulación de cajas y productos domésticos que, como los políticos, prometen una vida más feliz, más fácil y mejor.

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La muestra “Air”, abierta hasta agosto de 2026, exhibe la instalación de gran formato “Air Package on a Ceiling” concebida para interiores por Chirsto y Jeanne-Claude en 1968.

Por limitaciones técnicas no se pudo exhibir, así que ahora se puede ver por primera vez.

En los años 60, Christo y Jeanne-Claude exploraron con su propuesta artística el aire, como algo invisible, intangible y esencial, el cual envolvían y sellaban en paquetes transparentes de polietileno atados con cuerda.

La exposición cuenta con material de archivo y con la obra “Automóvil envuelto: Volvo, modelo PV-544 (1981)”, que no se había expuesto en 30 años.

Christo y Jeanne-Claude crearon monumentales obras de arte público efímeras que transformaban paisajes utilizando materiales cotidianos.

-> Información e imágenes cortesía de Imagen cortesía de la galería Gagosian de Londres. https://gagosian.com/exhibitions/2026/christo-air/

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La historia sigue al director del museo de Estocolmo, quien sufre un robo mientras organiza la campaña publicitaria de la nueva exposición que pretende generar reflexiones sobre cómo la sociedad debe cuidarse y protegerse entre sí.

La obra se instala gracias a los trabajadores y nunca al artista.

La trama cuestiona la distribución de los recursos, la empatía y la urgencia del arte en ser viral digitalmente para llamar la atención del público.

Lo que más me gusta de The Square es que derriba la premisa de que la obra debe soportarse por sí misma

Si en el arte contemporáneo conceptual no sabes qué es lo que pretende el artista, es difícil conectar con la reflexión… que, de todas formas, en este caso el cuidado y la protección, está ligado a la ética y los valores personales.

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