291 artefactos del Museo del Oro de Bogotá están en exposición en el Museo Arqueológico de Alicante, MARQ.

La muestra invita, a través de objetos arqueológicos y creaciones de comunidades indígenas, a conocer la concepción indígena de un universo compartido por seres humanos y no humanos.

En “El oro y el universo” se pueden apreciar máscaras, artes, pectorales, seres híbridos como los famosos humanos-murciélago, o los chamanes en vuelo. También se exhiben creaciones en cerámica y piedra, entre las que sobresale una amplia diversidad de figuras de plantas y animales, algunos amenazados hoy por la destrucción de sus ecosistemas.

La museografía, o puesta en escena, le permite al visitante, por ejemplo, estar en una maloca indígena, participar en bailes rituales o escuchar melodías grabadas con flautas y ocarinas.

La exposición “El oro y el universo” es el mayor préstamo del Museo del Oro a un museo español en muchos años. La muestra está abierta hasta el 2 de mayo del 2027.

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Abel Rodríguez fue nombrado desde pequeño por la etnia nonuya como “sabedor” gracias su capacidad de reconocer y nombrar las plantas de la selva, sus usos prácticos y su relación con los animales, las personas y el territorio.

A partir de sus 40 años comenzó a dibujar sus saberes y reconstruir la memoria de la selva amazónica.

El título de la exposición, El Árbol de la Abundancia, alude al árbol del que brotaron todos los frutos existentes y que un hacha derriba, dispersando las semillas por el mundo, según la visión de varios pueblos indígenas.

Abel Rodríguez murió en 2025. Durante tres décadas produjo alrededor de 500 obras en acuarela, témpera, tinta y acrílico.

La exposición El Árbol de la Abundancia se puede ver en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Malba, hasta el 23 de agosto de 2026.

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Digna Rabia es una exposición que, a partir de obras de arte, fotografías y documentos, reflexiona sobre la rabia como creación artística, como respuesta ética y estética desde mediados del siglo pasado hasta la actualidad.

Hay obras de artistas legendarios como Cecilia Vicuña, Viki Ospina, Luis Caballero, Alipio Jaramillo o Ana María Rueda; hasta más contemporáneos como Johan Samboní, Nadia Granados, Andrés Frix o Toxicómano.

Digna Rabia tiene en cuenta tres ejes. El primero es sobre el enfoque racional y objetivo de la creación de arte moderno y contemporáneo; el segundo es sobre el papel de la imagen en la movilización social en Colombia; y el tercero es sobre la rabia como fuerza política y estética en prácticas artísticas vinculadas con la calle.

Mucho resentimiento y descontento y enojo es lo que se aprecia en esta exposición.

Digna Rabia se puede ver hasta marzo de 2027 en el Museo de Arte Miguel Urrutia, MAMU, del Banco de la República de Bogotá.

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Hace poco vi la película “Mente maestra” en Mubi.

Un carpintero de clase media estadounidense, desempleado y que alguna vez quiso ser artista planea y ejecuta con éxito el robo en el museo de Massachusetts.

“Mente maestra” se desarrolla en los años 70, cuando el robo a los museos dio paso, según la historia del arte, al mercado del arte.

Entonces, este hombre que no es admirado por su familia, organiza una banda para que, a plena luz del día, se robe pinturas de Arthur Dove, pionero del arte abstracto en Norteamérica, aunque luego se dedicó al collage.

De “Mente maestra” me gusta que Josh, el protagonista, no cumple con el prototipo de ladrón.

Así como el arte abstracto muestra el mundo de una forma no tradicional, “Mente maestra” se nutre de él para presentar este robo con una estética pausada, un ritmo que se parece más a la visita en un museo que a la adrenalina del robo y la persecución.

Hay muchos silencios y se presenta al museo como un espacio solitario al que asiste este hombre al que le gusta el arte, claramente, y uno que otro estudiante, mientras el celador duerme porque nadie se atrevería a robar un museo, ¿no?

Y surge la pregunta de cómo las pinturas se convierten en dinero en efectivo, dando paso al coleccionismo y al mercado del arte.

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En Espacio EL Dorado el artista José Ruiz presenta la exposición El Estado de las Cosas, que consta de dos partes:

1. Los Grandes Días Están por Venir: archivo de material político desde los años 50 hasta 2026.

2. Las Cosas: acumulación de cajas y productos domésticos que, como los políticos, prometen una vida más feliz, más fácil y mejor.

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La muestra “Air”, abierta hasta agosto de 2026, exhibe la instalación de gran formato “Air Package on a Ceiling” concebida para interiores por Chirsto y Jeanne-Claude en 1968.

Por limitaciones técnicas no se pudo exhibir, así que ahora se puede ver por primera vez.

En los años 60, Christo y Jeanne-Claude exploraron con su propuesta artística el aire, como algo invisible, intangible y esencial, el cual envolvían y sellaban en paquetes transparentes de polietileno atados con cuerda.

La exposición cuenta con material de archivo y con la obra “Automóvil envuelto: Volvo, modelo PV-544 (1981)”, que no se había expuesto en 30 años.

Christo y Jeanne-Claude crearon monumentales obras de arte público efímeras que transformaban paisajes utilizando materiales cotidianos.

-> Información e imágenes cortesía de Imagen cortesía de la galería Gagosian de Londres. https://gagosian.com/exhibitions/2026/christo-air/

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La historia sigue al director del museo de Estocolmo, quien sufre un robo mientras organiza la campaña publicitaria de la nueva exposición que pretende generar reflexiones sobre cómo la sociedad debe cuidarse y protegerse entre sí.

La obra se instala gracias a los trabajadores y nunca al artista.

La trama cuestiona la distribución de los recursos, la empatía y la urgencia del arte en ser viral digitalmente para llamar la atención del público.

Lo que más me gusta de The Square es que derriba la premisa de que la obra debe soportarse por sí misma

Si en el arte contemporáneo conceptual no sabes qué es lo que pretende el artista, es difícil conectar con la reflexión… que, de todas formas, en este caso el cuidado y la protección, está ligado a la ética y los valores personales.

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Y por eso fui al Museo Santa Clara, en Bogotá, para ver “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié”, que reúne hasta el 9 de agosto de 2026 fotografías, videos y material de archivo de acciones artísticas realizadas entre 1992 y 2006.

De María Teresa Hincapié había visto su obra fragmentada, en libros o ferias, pero no había tenido la oportunidad de estar en una muestra dedicada a ella.

Con formación teatral, finalizando los años 80 María Teresa Hincapié se dedicó a explorar la relación entre arte, vida y naturaleza a través del performance.

En los años 90 profundizó la conexión con lo sagrado, entendido más como lo ancestral y universal; no necesariamente religioso; respondiendo a la rapidez de la vida, el consumo y la coyuntura política.

Me pregunto cómo se viviría hoy una acción de María Teresa Hincapié donde la lentitud y el silencio eran protagonistas.

Hace dos décadas el Museo Santa Clara, que antes fue iglesia y alberga arte de los siglos XVII y XVIII, exhibió a María Teresa Hincapié por primera vez.

La exposición “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié” se exhibe en el coro alto, un espacio en el que tampoco había estado y que recientemente fue intervenido.

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Hace unos años, cuando el mundo estaba detenido por la pandemia, Yuli Cadavid recordó que su abuela curaba todos los males gracias al poder de las plantas, así que un cuadro médico fue el impulso para que ella decidiera recuperar ese legado que, debido al paso de los años, ya estaba difuso en la memoria de la familia.

“El proyecto empezó con la intención de recuperar las recetas de mi abuela. Empecé a conocer las plantas y sus propiedades, entendiendo que no soy boticaria, ni pretendo serlo. Simplemente, empecé a recolectar plantas para desde el arte representarlas y ver su transformación a través del color”, expresa la artista.

Yuli Cadavid, experta en arte gráfico y grabado, utiliza estos soportes para plasmar la belleza y las propiedades de las plantas. Esto se evidencia en las series “Fitoterapia básica”, de las que son protagonistas el sauco, la moringa, el jengibre, limón y eucalipto; “Gabinete de curiosidades”, en la que expone las propiedades botánicas de esas mismas plantas a través del dibujo científico. La tensión de las plantas que curan o matan se evidencia en “Las matas que curan, las curas que matan”, mientras que “Esto no tiene Invima” rinde homenaje a la tradición de curar con plantas medicinales así no esté regulado por la ciencia moderna.

La materialización de la obra de Yuli Cadavid es diversa, pues abarca desde cajas de botánica que guardan pinturas en papel de fique, dibujos al carboncillo, cajas de conservación, hasta ollas grabadas, instalaciones, herbarios; pasando por los grabados con las técnicas monotipo o aguafuerte.

Los libros intervenidos también son característicos en su obra. Se trata de libros que llegan a su taller de impresión Talante porque están siendo carcomidos por el moho o el comején, y tras un proceso de recuperación, Yuli Cadavid les ofrece una segunda posibilidad de narrar la historia de las plantas por medio de nuevos textos e imágenes que son puestas al estilo collage.

Parte de estas obras pueden apreciarse actualmente en Ocre Galería, ubicada en Bogotá, en la muestra “Escalas de cuidado” curada por Caridad Botella, en la que por primera vez el color de la naturaleza es protagonista.

“Le tenía miedo al color porque generalmente está asociado con lo decorativo, y en la historia del arte el grabado ha sido reconocido por su contraste y fuerza. Si Rembrandt elaboraba todos sus grabados en negro, ¿cómo agregarle color?”, se pregunta la artista.

Lo cierto es que las plantas tienen diferentes colores que sirven como advertencia. Es decir, cuando tienen un color específico están hablando si son cura o son veneno, y entonces este fue el punto de partida de esta muestra que le permite al espectador ver su escala de color que prepara, muchas veces, con pigmentos naturales.

La mayoría de las piezas exhibidas fueron elaboradas este 2026, aunque hay algunos libros, boticarios y ollas grabadas realizadas anteriormente. Esto posibilita tener, por decirlo de algún modo, acceso a la línea de tiempo en la que Yuli Cadavid se acerca a las plantas medicinales y sus distintas formas de interpretarlas artísticamente.

En “Escalas de cuidado” hay una vitrina en la que se exhiben los materiales de archivo, así como una foto de su abuela, las herramientas y los pigmentos que utiliza Yuli Cadavid para que las hojas, ramas y flores de borrachero, diente de león o eucalipto se puedan apreciar en distintos formatos y en diferentes técnicas.

Y mientras las plantas medicinales recuperan su lenguaje del color y la advertencia, Yuli Cadavid fortalece su práctica artística en la que conceptos como amor y cuidado están presentes, no sólo en estas obras que parten desde el conocimiento ancestral femenino, sino en otras series como “Mientras duermen” en la que habla sobre la maternidad desde la ambivalencia de dibujarse y desdibujarse.

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Hasta el 8 de junio se realiza De lo Sagrado Universal, un festival que abarca desde el performance contemporáneo hasta las músicas de los pueblos originarios de la Amazonia, desde el góspel de San Andrés hasta la danza contemporánea franco-argelina.

De lo Sagrado Universal es un encuentro de tradiciones y lenguajes artísticos que siguen la premisa de la fuerza mítica que nos atraviesa como seres humanos, lo inefable, lo que no se puede nombrar, pero que tenemos en nuestro espíritu y alma.

De lo Sagrado Universal se realiza en Bogotá, Barranquilla, Bucaramanga, Envigado, Pasto, Quibdó, Riohacha, Cartagena, Leticia y Valledupar.

La programación incluye 27 funciones de ocho compañías internacionales, y 20 artistas y compañías nacionales. Hay conciertos, danza, teatro, performances, instalaciones inmersivas, exposiciones y rituales contemporáneos de encuentro.

En Bogotá, el Festival De lo Sagrado Universal se puede disfrutar en el Centro Nacional de las Artes, Teatro Colón, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y Teatro Colsubsidio. 23 funciones de entrada libre para el público.

En el Museo Santa Clara se pueden visitar las exposiciones “Concordancia vital: lo sagrado en María Teresa Hincapié” y “Entonces llamó a un arcángel” de David Felipe Escobar.

En el Museo Nacional se puede ver la muestra “Caminos de Agua| Memorias, prácticas y resistencias del Darién”.  

En la Iglesia San Ignacio, el Teatro La Candelaria, además de la localidad de Bosa, también hay posibilidad de disfrutar De lo Sagrado Universal.

Además de las obras artísticas, De lo Sagrado Universal cuenta con actividades de mediación en Bogotá y en regiones: conversaciones, talleres y espacios de reflexión que profundizan el encuentro entre las obras y el público, y convierten la experiencia del arte en un acto colectivo y consciente.

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