La exposición titulada “Más allá del rostro” es una retrospectiva del artista que comienza por las obras más recientes: cuadros con rostros de tonalidades pastel, o esculturas en bronce. 

La gratitud es muy importante en la obra reciente de Maquiamelo, por lo que en el jardín de Casa Lleras dispuso un lugar especial para escribir aquello por lo que queremos agradecer.

Con este concepto dialoga la serie Ciudadano Kane, que recuerda que aquello que da sentido a la vida y a la identidad humana no siempre es la riqueza material o el poder.

Los rostros y las cabezas no siempre portaron colores alegres, y eso queda claro al recorrer la muestra, pues se pueden ver las tsantas, las cabezas reducidas elaboradas por el pueblo shuar de Ecuador y que Maquiamelo retomó durante años.

En el segundo piso de Casa Lleras están exhibidas las obras dedicadas a celebridades y artistas, que tienen un toque más oscuro y fantasmagórico, así como las cadaveras con tintes taxonómicos que forjó en un principio la obra de Maquiamelo. 

Curada por Alexandra Correa, “Más allá del rostro” propone una reflexión sobre la memoria, la identidad, la vulnerabilidad, la naturaleza y aquello que permanece oculto detrás de la apariencia.

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Realizados entre 1810 y 1820, durante la invasión napoleónica de España y la Guerra de la Independencia, los grabados se dividen en tres secciones: Los hechos de la guerra, La hambruna y Los caprichos enfáticos.

Utilizando la técnica de en tinta y aguafuerte, Goya representó lo que vio y conoció de la guerra. Los primeros grabados se parecen más al fotorreportaje, mientras que los últimos son más fantásticos ya que cuestiona los intereses de los líderes y el fanatismo del pueblo.

Hoy puede parecer normal ver estas imágenes de guerra, pero en el siglo XIX abundaban las pinturas con personajes heroicos y las victorias de los ejércitos que fueron fundamentales para la consolidación del nuevo orden político y social.

Recomiendo tomarse el tiempo necesario para apreciar los detalles de los grabados y las frases que Goya escribió en cada uno de ellos.

Los grabados de Goya están acompañados de siete poemas de autores de distintos países escritos entre 1923 y 2022, entre los que están Pido al dolor que persevere de Piedad Bonnett, Casa de Warsan Shire o La Guerra de Miguel Hernández, entre otros.

“Los desastres de la guerra” estará abierta hasta enero de 2027 y durante estos meses se llevarán a cabo tres acciones corales y de memoria organizadas junto a Presencias – Sonidos & Ecos.

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Durante dos décadas, Proyecto Tesis ha permitido la visualización del arte joven colombiano. Ver el trabajo de los artistas que recién se gradúan nos permite tener un acercamiento a los temas que les importa e impacta, así como a los formatos y técnicas que prefieren para materializarlos.

Todas las obras exhibidas conforman el Banco de Tesis, el cual alberga el panorama de las artes en Colombia en el siglo XXI.

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Cuatro de los cinco proyectos artísticos están inspirados en conceptos como patrimonio, arquitectura y progreso; y tres revisan el legado del arquitecto Gastón Lelarge.

Lucas Gallego y Carolina Borrero exhiben en “Lo que soporta la montaña” las consecuencias de la explotación que sufrieron los cerros orientales desde el siglo XVI hasta el XX, época en las que piedras y madera fueron llevadas al centro de la ciudad para la construcción del Capitolio Nacional. La majestuosidad de la edificación contrasta con la erosión de las montañas y el deterioro de la calidad de vida de sus habitantes. Mientras recorremos la sala nos rodeamos de columnas elaboradas con materiales restantes.

Muy parecida es la propuesta de Sebastián Sandoval, quien en “Studio GL” presenta su visión de cómo la arquitectura deja de preservar para dar paso a la transformación urbana. Toma como ejemplo la casa Nemesio Camacho y por medio de esculturas y un video refleja cómo rápidamente la tecnología genera planos que fácilmente nos permiten olvidar el patrimonio.

Y María Luisa Sanin presenta “Metrópolis 2027” en referencia del trabajo del arquitecto Gastón Lelarge al insertar imágenes de sus edificios icónicos en escenarios de ciencia ficción.

Siguiendo con el tema de la urbanización, el progreso y el futuro, en “Armas de negación aérea” Lina Henao plantea la complejidad de la violencia que generan la renovación de un barrio o un territorio. La pala de una retroexcavadora, tierra y cemento, un letrero que recuerda la propiedad privada y audios de los años 50 recuerdan que desde siempre se advierte la necesidad de la transformación ciudadana.

Por su parte, en “Fábrica” César Faustino de recurre a los lenguajes teatrales que han sido adoptados por las artes plásticas y la sala oscura recuerda a los teatros del mundo del Renacimiento Italiano.

El segundo ciclo de la VIII Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Fuga está abierto hasta el 5 de septiembre.

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En el Museo del Oro de Bogotá está la exposición “Trazos sobre piedra. Pinturas milenarias en la serranía de La Lindosa” que nos permite aproximarnos y apreciar el arte rupestre de la Amazonía, que tiene gran valor histórico, patrimonial y cultural.

El arte rupestre es la manifestación gráfica más antigua de la humanidad, así que estos dibujos o grabados sobre la roca —petroglifos— dan cuenta de formas de pensamiento y manifestaciones culturales del pasado, específicamente de quienes vivieron en la serranía La Lindosa, ubicada en el departamento del Guaviare.

Con reproducciones de gran tamaño, “Trazos sobre piedra” exhibe el arte rupestre y la diversidad de cada uno de los pueblos. Hay escenas de danza, pesca o cacería, pero también formas de objetos y figuras de animales, cuerpos humanos, líneas y espirales.

La serranía de La Lindosa alberga tres de los conjuntos rupestres más impresionantes de la Amazonía.

En el Nuevo Tolima los murales se despliegan sobre amplias mesetas con escenas densamente superpuestas.

En el Raudal del Guayabero las figuras emergen sobre muros verticales que se elevan junto al río, marcando un lugar de tránsito y poder ceremonial.

Y en Cerro Azul los paneles se extienden a lo largo de farallones con representaciones de animales, humanos y geometrías que dialogan con el paisaje que lo rodea.

La exposición “Trazos sobre piedra” está abierta hasta noviembre de 2026. Quienes no pueden ir al Museo del Oro de Bogotá pueden ver la exposición en el sitio web cultural del Banco de la República: https://www.banrepcultural.org/exposiciones/trazos-sobre-piedra

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Este centro cultural se convirtió momentáneamente en una experiencia inmersiva que recreaba un barrio tradicional para que los espectadores pudiéramos experimentar, desde una experiencia artística, los desafíos de vivir en sociedad, y cómo las desigualdades sociales, la cultura y la democracia están impregnadas en las construcciones del barrio, que no es otra cosa que la sociedad reconociéndose, o no, a sí misma, porque los habitantes de calle también tienen aquí un espacio.

Una línea de tiempo que comenzaba en 1797 y finalizaba en 1980 resumía rápidamente la urbanización de Bogotá, que no debería contemplar solamente la construcción de viviendas, sino también parques, huertas, espacios de cuidado, educación, comida y recreación. Aunque esta muestra estaba centrada en Bogotá, bien podía servir de inspiración para entender los procesos en Colombia e, inclusive, Latinoamérica.

La exposición “El Barrio: la ciencia de vivir juntos” finalizaba con un espacio que evocaba un vagón del metro de Bogotá, abriendo así la puerta para reflexionar sobre la movilidad.

Más allá de las reflexiones sobre cómo vivimos en sociedad en el barrio, en la localidad o la ciudad, la muestra permitió disfrutar una museografía en las que las texturas de los ladrillos, la arquitectura y las puertas de las fachadas, los sonidos que se colaban a través de las ventanas, los carteles que publicitan arriendos o inclusive las mascotas evocaron la vida de cualquier barrio.

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La Cali de los años 70 según Ever Astudillo, y la Europa de la primera mitad del siglo XX según Theo Angelopoulos son la materia prima de la nueva obra del artista Sair García: “El paso suspendido de la cigüeña”.

En el barrio El Polo de Bogotá se ubica La Casita, un espacio cultural creado por Simón y Maritza Chehebar que desde el 2015 tiene el objetivo de desarrollar proyectos de artistas colombianos que contribuyen a la consolidación de los procesos y la identidad del arte contemporáneo colombiano.

La Casita, que es un espacio cultural y no una galería de arte, invita cada año a tres artistas colombianos para que creen obras que dialoguen con una pieza de la colección Chehebar.

Con esa lógica invitaron a Sair García, quien en diálogo con la obra “Lugar No 1” de Ever Astudillo que retrata la Cali de los años 70, presenta hasta septiembre de 2026 “El paso suspendido de la cigüeña”, una muestra que se nutre de la estética de la película de Theo Angelopoulos de 1993.

La exposición “El paso suspendido de la cigüeña”, curada por Camilo Chico, propone una reflexión sobre las fronteras que construimos como sociedad y, especialmente, sobre aquellas que nos imponemos a nosotros mismos, a través de 14 pinturas, dos animaciones, una gran instalación compuesta por 350 obras en pequeño formato.

Entrevista con Sair García sobre “El paso suspendido de la cigüeña”.

¿Cómo es que “El paso suspendido de la cigüeña” se inspira tanto de la obra de Ever Astudillo como de Theo Angelopoulos?

Parto de la obra de Ever Astudillo que pertenece a la colección de La Casita, una pieza que en realidad son cuatro dibujos que habla de Cali de los años 70. En un reto interesante porque esta exposición la sustraigo del cine. La serie “El paso suspendido de la cigüeña” habla de la arqueología del oficio. El título lo adopto de la película de Theodoros Angelopoulos de 1993 que habla de las fronteras, de la imposición de fronteras mentales y físicas.

La película se desarrolla en la Europa de los años 30, durante la Segunda Guerra, cuando aparecían fronteras trazadas de un día para otro en el suelo con una línea. Entonces, lo que hago es un pequeño parangón entre lo que sucedía en la época que muestra el director en su película, y lo que yo desde la pintura traigo a la contemporaneidad.

Hablas de fronteras físicas, pero también mentales. Unas las ponen los gobernantes, otras las pone uno mismo…

Sí, bien, lo dijo Albert Camus en “El Extranjero”, que el migrante carga con su trozo de tierra debajo del brazo. Eso somos finalmente, la trashumancia humana no es de ahora, es desde la historia la humanidad; entonces tanto el humano que se queda como el que se va tendrá su historia que contar y las fronteras de las que habla Theodoros Angelopoulos en sus películas no son otra cosa que la imposición de lo que ha venido ocurriendo a través del tiempo.

Él hablaba de la Europa hace casi 100 años, pero yo hablo de la América contemporánea y la única diferencia son los protagonistas, porque finalmente las escenas son las mismas.

Esta es la periodicidad y la historia cíclica que nos que nos sigue abordando: los migrantes y la diáspora de hace 100 años seguramente no tiene absolutamente nada distinto la actual.

Lo que creo que hay que destacar es el papel que cumplen las artes para mostrar, para sacar a la luz estos temas, para decirle a la gente que la diáspora no es nueva. Theodoros Angelopoulos nos lo dice con sus películas, yo lo hago desde la pintura, eso es lo que nos corresponde (a los artistas) hacer.

Ya sabemos de dónde viene “El paso suspendido de la cigüeña”. ¿Cómo dialoga con tu obra?

Creo que la gran diferencia entre el arte que he presentado y lo que exhibo ahora es a nivel formal, porque esta muestra, en medio de todo, sigue guardando la coherencia conceptual de lo que siempre he trabajado, que son los fenómenos sociopolíticos. En este caso, es la diáspora, sólo que tomo como sustrato el cine.

Anteriormente, formalmente fue el acero el que me permitió crear obra porque el acero estaba determinado únicamente para la serie “Magdalena”, porque el acero constituye una metáfora bellísima del río.

Y “El paso suspendido de la cigüeña” tiene también una resolución interesantísima si se tiene en cuenta que, primero, es una exposición de obras secuenciales que derivan en una animación; y esta animación es el resultado de tomar dos escenas puntuales de la película “El paso suspendido de la cigüeña”, tomar escenas de 8 segundos y 10 segundos y volverla una escena pictórica, dramática y contundente de tres minutos y medio. Entonces, es una apuesta bastante osada de lo que hizo Theodoros Angelopoulos desde el cine, y lo que yo trato de hacer desde la pintura.

Me impone un reto interesantísimo, pero además de eso, hay unas pinturas que parecieran unas pantallas cinematográficas, con unas escenas cinematográficas que son, por supuesto, fotogramas intervenidos, porque me apropio y reinterpreto la imagen con una narrativa conceptual muy cercana “Magdalena”, a “Éxodos” y a las otras series anteriores que he hecho. Entonces, digamos que la gran diferencia radica en lo formal.

¿Ya habías tenido acercamiento con la animación?

Sí, pero no las había exhibido. En el Museo de Arte Moderno se hizo una exposición que tuvo unas pequeñas animaciones, unas escenas secuenciales que respondían a la curaduría.

De ahí se empieza a desglosar esto de la secuencialidad porque en “El paso suspendido de la cigüeña”, alrededor del 90% de la exposición está por fuera de las paredes porque yo necesitaba sacar de ese contexto de colgar las obras y más bien utilizar el lenguaje cinematográfico.

La instalación está dispuesta de tal manera que se puede ver como se observan los archivos fotográficos. Las pinturas las en gran formato están exhibidas como se exhibían las pantallas publicitarias del cine de los años 40 y 50. No quería que fuera una exposición tan típica, sino salir de los esquemas y formatos para volverla más bella en su recorrido.

-> Si quieres escuchar el pódcast con Sair García, aquí.

Inclusive, en la sala donde está la animación hay seis sillas estilo cine que lo transportan a uno a la sala oscura….

Sí. Hay algo bellísimo y es que en la animación se puede ver claramente la materialidad de los soportes. Hay unos hay unos primeros planes donde se ve claramente la materia de la madera, porque aquí hay lino, hay tela normal y hay madera como soporte histórico.

En la animación, se ve se ve el grano del soporte de la madera que era lo que me interesaba, porque al final de cuentas esa gestualidad, esa expresión y esa fuerza que tiene la animación era para resaltar las 350 pinturas que componen la animación: cada pintura es un fotograma.

Realizar la animación con las pinturas era la puerta que se hacía desde la toma del cine como sustrato para el resultado.

Sair García ha expuesto en museos y galerías. ¿Qué significa exhibir en La Casita, un espacio cultural que toca visitar con cita previa?

Esta galería gusto de mi prestigio tremendo. De hecho, para nosotros (los artistas) es un honor tener esta invitación. Las exposiciones de La Casita son muy concurridas y la mía, afortunadamente, no ha sido la excepción.

La Casita es importante porque es un espacio de culto. Aquí se hacen tres muestras al año, así que cada vez que hay una exposición uno sabe que es de lo mejor.

¿Hasta cuándo está “El paso suspendido de la cigüeña”?

Hasta septiembre. Se desmonta después de ArtBo, que se realizará del 24 al 27 de septiembre en Ágora Bogotá.

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La música será a oportunidad para apoyar a las víctimas ya que el recaudo de la boletería será donado.

Este sábado 15 de agosto, a las 4:00 p. m., en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano la Orquesta Filarmónica de Bogotá, realizará el Concierto de solidaridad.

En el escenario, la Orquesta Filarmónica de Bogotá estará bajo la dirección del venezolano Enluis Montes Olivar y contará como solista con el pianista bogotano Daniel Díaz Padilla.

El programa incluye obras de Carl Maria von Weber y Piotr Ilich Chaikovski, además del Concierto para piano No. 1 de Serguéi Rajmáninov, que tendrá a Díaz Padilla como solista.

Además, el Auditorio Fabio Lozano funcionará como punto de acopio para recibir donaciones en especie durante la jornada. Se puede llevar agua potable embotellada, cobijas, colchonetas y sábanas; alimentos no perecederos como arroz, aceite, pastas, granos y leche en polvo; artículos de higiene personal como jabón, cepillos de dientes, papel higiénico, pañales y biberones; y suministros de primeros auxilios como alcohol, guantes quirúrgicos o de látex, tapabocas y gasas estériles.

Será una tarde en la que el encuentro alrededor de la música tendrá un propósito adicional: sumar esfuerzos para acompañar a las familias y comunidades afectadas por el terremoto. De esta manera, Bogotá se une para acompañar y ayudar a las víctimas del terremoto.

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La exposición, curada por Caridad Botella, trata sobre los paisajes internos que perduran a través del tiempo.

Vallejo, oriundo de Medellín, se inspira en los cerros orientales de Bogotá para recordarnos que un paisaje es un paisaje sólo cuando es apreciado por el ser humano.

Vallejo pinta estas obras a las que añade retazos de tela, cuerdas y varias texturas.

Montañas, ríos o campos son interpretados por Vallejos con varios colores, plasmando así el cambio que experimenta el paisaje con el correr de las horas del día o de los días.

“Territorios imaginados” abarca los tres pisos del MAC, que gracias a su forma circular dialoga acertadamente con esta exposición como si estuviéramos viajando por la montaña.

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#BOG27 tendrá a São Paulo (Brasil) como ciudad invitada de honor        

La Bienal, que es un evento cultural liderado por la Alcaldía y la Secretaría de Cultura, cuenta en esta ocasión con la dirección de Juan Ricardo Rincón.

El comité curatorial está conformado por Magalí Arriola y José Esparza Chong Cuy como curadores en jefe; acompañados por María Paula Bastidas y Juliana Steiner Fraser como curadoras asociadas; y Elkin Rubiano como curador de programas públicos y mediación.

Actualmente, hay convocatorias abiertas con el fin de impulsar el arte bogotano.

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