La Cali de los años 70 según Ever Astudillo, y la Europa de la primera mitad del siglo XX según Theo Angelopoulos son la materia prima de la nueva obra del artista Sair García: “El paso suspendido de la cigüeña”.

En el barrio El Polo de Bogotá se ubica La Casita, un espacio cultural creado por Simón y Maritza Chehebar que desde el 2015 tiene el objetivo de desarrollar proyectos de artistas colombianos que contribuyen a la consolidación de los procesos y la identidad del arte contemporáneo colombiano.

La Casita, que es un espacio cultural y no una galería de arte, invita cada año a tres artistas colombianos para que creen obras que dialoguen con una pieza de la colección Chehebar.

Con esa lógica invitaron a Sair García, quien en diálogo con la obra “Lugar No 1” de Ever Astudillo que retrata la Cali de los años 70, presenta hasta septiembre de 2026 “El paso suspendido de la cigüeña”, una muestra que se nutre de la estética de la película de Theo Angelopoulos de 1993.

La exposición “El paso suspendido de la cigüeña”, curada por Camilo Chico, propone una reflexión sobre las fronteras que construimos como sociedad y, especialmente, sobre aquellas que nos imponemos a nosotros mismos, a través de 14 pinturas, dos animaciones, una gran instalación compuesta por 350 obras en pequeño formato.

Entrevista con Sair García sobre “El paso suspendido de la cigüeña”.

¿Cómo es que “El paso suspendido de la cigüeña” se inspira tanto de la obra de Ever Astudillo como de Theo Angelopoulos?

Parto de la obra de Ever Astudillo que pertenece a la colección de La Casita, una pieza que en realidad son cuatro dibujos que habla de Cali de los años 70. En un reto interesante porque esta exposición la sustraigo del cine. La serie “El paso suspendido de la cigüeña” habla de la arqueología del oficio. El título lo adopto de la película de Theodoros Angelopoulos de 1993 que habla de las fronteras, de la imposición de fronteras mentales y físicas.

La película se desarrolla en la Europa de los años 30, durante la Segunda Guerra, cuando aparecían fronteras trazadas de un día para otro en el suelo con una línea. Entonces, lo que hago es un pequeño parangón entre lo que sucedía en la época que muestra el director en su película, y lo que yo desde la pintura traigo a la contemporaneidad.

Hablas de fronteras físicas, pero también mentales. Unas las ponen los gobernantes, otras las pone uno mismo…

Sí, bien, lo dijo Albert Camus en “El Extranjero”, que el migrante carga con su trozo de tierra debajo del brazo. Eso somos finalmente, la trashumancia humana no es de ahora, es desde la historia la humanidad; entonces tanto el humano que se queda como el que se va tendrá su historia que contar y las fronteras de las que habla Theodoros Angelopoulos en sus películas no son otra cosa que la imposición de lo que ha venido ocurriendo a través del tiempo.

Él hablaba de la Europa hace casi 100 años, pero yo hablo de la América contemporánea y la única diferencia son los protagonistas, porque finalmente las escenas son las mismas.

Esta es la periodicidad y la historia cíclica que nos que nos sigue abordando: los migrantes y la diáspora de hace 100 años seguramente no tiene absolutamente nada distinto la actual.

Lo que creo que hay que destacar es el papel que cumplen las artes para mostrar, para sacar a la luz estos temas, para decirle a la gente que la diáspora no es nueva. Theodoros Angelopoulos nos lo dice con sus películas, yo lo hago desde la pintura, eso es lo que nos corresponde (a los artistas) hacer.

Ya sabemos de dónde viene “El paso suspendido de la cigüeña”. ¿Cómo dialoga con tu obra?

Creo que la gran diferencia entre el arte que he presentado y lo que exhibo ahora es a nivel formal, porque esta muestra, en medio de todo, sigue guardando la coherencia conceptual de lo que siempre he trabajado, que son los fenómenos sociopolíticos. En este caso, es la diáspora, sólo que tomo como sustrato el cine.

Anteriormente, formalmente fue el acero el que me permitió crear obra porque el acero estaba determinado únicamente para la serie “Magdalena”, porque el acero constituye una metáfora bellísima del río.

Y “El paso suspendido de la cigüeña” tiene también una resolución interesantísima si se tiene en cuenta que, primero, es una exposición de obras secuenciales que derivan en una animación; y esta animación es el resultado de tomar dos escenas puntuales de la película “El paso suspendido de la cigüeña”, tomar escenas de 8 segundos y 10 segundos y volverla una escena pictórica, dramática y contundente de tres minutos y medio. Entonces, es una apuesta bastante osada de lo que hizo Theodoros Angelopoulos desde el cine, y lo que yo trato de hacer desde la pintura.

Me impone un reto interesantísimo, pero además de eso, hay unas pinturas que parecieran unas pantallas cinematográficas, con unas escenas cinematográficas que son, por supuesto, fotogramas intervenidos, porque me apropio y reinterpreto la imagen con una narrativa conceptual muy cercana “Magdalena”, a “Éxodos” y a las otras series anteriores que he hecho. Entonces, digamos que la gran diferencia radica en lo formal.

¿Ya habías tenido acercamiento con la animación?

Sí, pero no las había exhibido. En el Museo de Arte Moderno se hizo una exposición que tuvo unas pequeñas animaciones, unas escenas secuenciales que respondían a la curaduría.

De ahí se empieza a desglosar esto de la secuencialidad porque en “El paso suspendido de la cigüeña”, alrededor del 90% de la exposición está por fuera de las paredes porque yo necesitaba sacar de ese contexto de colgar las obras y más bien utilizar el lenguaje cinematográfico.

La instalación está dispuesta de tal manera que se puede ver como se observan los archivos fotográficos. Las pinturas las en gran formato están exhibidas como se exhibían las pantallas publicitarias del cine de los años 40 y 50. No quería que fuera una exposición tan típica, sino salir de los esquemas y formatos para volverla más bella en su recorrido.

-> Si quieres escuchar el pódcast con Sair García, aquí.

Inclusive, en la sala donde está la animación hay seis sillas estilo cine que lo transportan a uno a la sala oscura….

Sí. Hay algo bellísimo y es que en la animación se puede ver claramente la materialidad de los soportes. Hay unos hay unos primeros planes donde se ve claramente la materia de la madera, porque aquí hay lino, hay tela normal y hay madera como soporte histórico.

En la animación, se ve se ve el grano del soporte de la madera que era lo que me interesaba, porque al final de cuentas esa gestualidad, esa expresión y esa fuerza que tiene la animación era para resaltar las 350 pinturas que componen la animación: cada pintura es un fotograma.

Realizar la animación con las pinturas era la puerta que se hacía desde la toma del cine como sustrato para el resultado.

Sair García ha expuesto en museos y galerías. ¿Qué significa exhibir en La Casita, un espacio cultural que toca visitar con cita previa?

Esta galería gusto de mi prestigio tremendo. De hecho, para nosotros (los artistas) es un honor tener esta invitación. Las exposiciones de La Casita son muy concurridas y la mía, afortunadamente, no ha sido la excepción.

La Casita es importante porque es un espacio de culto. Aquí se hacen tres muestras al año, así que cada vez que hay una exposición uno sabe que es de lo mejor.

¿Hasta cuándo está “El paso suspendido de la cigüeña”?

Hasta septiembre. Se desmonta después de ArtBo, que se realizará del 24 al 27 de septiembre en Ágora Bogotá.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

La música será a oportunidad para apoyar a las víctimas ya que el recaudo de la boletería será donado.

Este sábado 15 de agosto, a las 4:00 p. m., en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano la Orquesta Filarmónica de Bogotá, realizará el Concierto de solidaridad.

En el escenario, la Orquesta Filarmónica de Bogotá estará bajo la dirección del venezolano Enluis Montes Olivar y contará como solista con el pianista bogotano Daniel Díaz Padilla.

El programa incluye obras de Carl Maria von Weber y Piotr Ilich Chaikovski, además del Concierto para piano No. 1 de Serguéi Rajmáninov, que tendrá a Díaz Padilla como solista.

Además, el Auditorio Fabio Lozano funcionará como punto de acopio para recibir donaciones en especie durante la jornada. Se puede llevar agua potable embotellada, cobijas, colchonetas y sábanas; alimentos no perecederos como arroz, aceite, pastas, granos y leche en polvo; artículos de higiene personal como jabón, cepillos de dientes, papel higiénico, pañales y biberones; y suministros de primeros auxilios como alcohol, guantes quirúrgicos o de látex, tapabocas y gasas estériles.

Será una tarde en la que el encuentro alrededor de la música tendrá un propósito adicional: sumar esfuerzos para acompañar a las familias y comunidades afectadas por el terremoto. De esta manera, Bogotá se une para acompañar y ayudar a las víctimas del terremoto.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

La exposición, curada por Caridad Botella, trata sobre los paisajes internos que perduran a través del tiempo.

Vallejo, oriundo de Medellín, se inspira en los cerros orientales de Bogotá para recordarnos que un paisaje es un paisaje sólo cuando es apreciado por el ser humano.

Vallejo pinta estas obras a las que añade retazos de tela, cuerdas y varias texturas.

Montañas, ríos o campos son interpretados por Vallejos con varios colores, plasmando así el cambio que experimenta el paisaje con el correr de las horas del día o de los días.

“Territorios imaginados” abarca los tres pisos del MAC, que gracias a su forma circular dialoga acertadamente con esta exposición como si estuviéramos viajando por la montaña.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

#BOG27 tendrá a São Paulo (Brasil) como ciudad invitada de honor        

La Bienal, que es un evento cultural liderado por la Alcaldía y la Secretaría de Cultura, cuenta en esta ocasión con la dirección de Juan Ricardo Rincón.

El comité curatorial está conformado por Magalí Arriola y José Esparza Chong Cuy como curadores en jefe; acompañados por María Paula Bastidas y Juliana Steiner Fraser como curadoras asociadas; y Elkin Rubiano como curador de programas públicos y mediación.

Actualmente, hay convocatorias abiertas con el fin de impulsar el arte bogotano.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

Las funciones son gratis, van desde la 1:00 p.m. hasta las 8:00 p.m. e incluye películas realizadas en este siglo como “El rojo más puro”, “La libertad es mi causa”, “Basta mamá”, “Caracas Avenue”, “Kalibre 35”, “Selva”, “Satanás”, “Litigante” y “Perros de niebla”.

La película más viejita es “La mujer del piso alto”, una producción de 1996.

Para celebrar el cumpleaños de Bogotá viendo cine gratis en la Cinemateca es necesario reclamar las boletas antes de la función. Sólo así se asegura la silla en la sala.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

En sus obras e instalaciones, el vacío es importante porque le permite al espectador apreciar cómo el espacio se habita, y cómo la luz y la sombra son también parte de las piezas.

Es de las pocas veces que he visto que una exposición se acomoda perfectamente al espacio del Museo de Artes Visuales de la Tadeo.

Trama Espacial invita a caminar, a jugar con la luz y la sombra de las obras, a rodearlas, pero sin tocarlas.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

El Museo Guggenheim de Nueva York rinde homenaje al pop con una exposición que recuerda cómo este movimiento artístico tomó elementos de la publicidad, la reproducción o la copia y los medios de comunicación, algo terrible en ese entonces para los puristas, para convertir lo banal en extraño y espectacular.

Como dato curioso, el Guggenheim fue el encargado de presentar al público estadounidense el arte pop en 1963 con la exposición “Seis pintores y el objeto”. Fue la primera muestra del arte pop en Nueva York.

Entonces, este 2026 este museo retoma parte de su colección para exhibir obras realizadas de 1960 hasta la actualidad, y se puede el trabajo de legendarios como Andy Warhol o Richard Hamilton, y más actuales como Lucia Hierro o Maurizio Cattelan, famoso por su banano en la pared.

La exposición Guggenheim Pop, que estará hasta enero de 2027 le permite al espectador ofrece perspectivas de identidad, la cultura de internet y la vida cotidiana en la cultura popular.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

Tras investigar el archivo de la familia Alzate, que en el siglo XIX engañó a museos arqueológicos europeos con piezas con estética prehispánica; Rosario López se permite crear algo nuevo a partir de la copia.

En “Ficciones de Barro” se mezclan y se confunden las originales de la Colección Alzate con las que Rosario López elaboró en conjunto con la comunidad indígena Cubay Jejenava del Vaupés, dando así continuidad al proyecto que la artista adelanta desde hace años en la Amazonía colombiana.

En “Ficciones de Barro” se pueden apreciar textiles y piezas de barro, además de una línea de tiempo relacionada con arqueología, arte y falsedad que inicia en 1870 y finaliza en 2026.

Además de copia y original, la muestra propone una reflexión sobre la verdad o falsedad de las historias que nos cuentan y contamos, no solamente las institucionales e históricas.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

291 artefactos del Museo del Oro de Bogotá están en exposición en el Museo Arqueológico de Alicante, MARQ.

La muestra invita, a través de objetos arqueológicos y creaciones de comunidades indígenas, a conocer la concepción indígena de un universo compartido por seres humanos y no humanos.

En “El oro y el universo” se pueden apreciar máscaras, artes, pectorales, seres híbridos como los famosos humanos-murciélago, o los chamanes en vuelo. También se exhiben creaciones en cerámica y piedra, entre las que sobresale una amplia diversidad de figuras de plantas y animales, algunos amenazados hoy por la destrucción de sus ecosistemas.

La museografía, o puesta en escena, le permite al visitante, por ejemplo, estar en una maloca indígena, participar en bailes rituales o escuchar melodías grabadas con flautas y ocarinas.

La exposición “El oro y el universo” es el mayor préstamo del Museo del Oro a un museo español en muchos años. La muestra está abierta hasta el 2 de mayo del 2027.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

Abel Rodríguez fue nombrado desde pequeño por la etnia nonuya como “sabedor” gracias su capacidad de reconocer y nombrar las plantas de la selva, sus usos prácticos y su relación con los animales, las personas y el territorio.

A partir de sus 40 años comenzó a dibujar sus saberes y reconstruir la memoria de la selva amazónica.

El título de la exposición, El Árbol de la Abundancia, alude al árbol del que brotaron todos los frutos existentes y que un hacha derriba, dispersando las semillas por el mundo, según la visión de varios pueblos indígenas.

Abel Rodríguez murió en 2025. Durante tres décadas produjo alrededor de 500 obras en acuarela, témpera, tinta y acrílico.

La exposición El Árbol de la Abundancia se puede ver en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Malba, hasta el 23 de agosto de 2026.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte