Este centro cultural se convirtió momentáneamente en una experiencia inmersiva que recreaba un barrio tradicional para que los espectadores pudiéramos experimentar, desde una experiencia artística, los desafíos de vivir en sociedad, y cómo las desigualdades sociales, la cultura y la democracia están impregnadas en las construcciones del barrio, que no es otra cosa que la sociedad reconociéndose, o no, a sí misma, porque los habitantes de calle también tienen aquí un espacio.

Una línea de tiempo que comenzaba en 1797 y finalizaba en 1980 resumía rápidamente la urbanización de Bogotá, que no debería contemplar solamente la construcción de viviendas, sino también parques, huertas, espacios de cuidado, educación, comida y recreación. Aunque esta muestra estaba centrada en Bogotá, bien podía servir de inspiración para entender los procesos en Colombia e, inclusive, Latinoamérica.

La exposición “El Barrio: la ciencia de vivir juntos” finalizaba con un espacio que evocaba un vagón del metro de Bogotá, abriendo así la puerta para reflexionar sobre la movilidad.

Más allá de las reflexiones sobre cómo vivimos en sociedad en el barrio, en la localidad o la ciudad, la muestra permitió disfrutar una museografía en las que las texturas de los ladrillos, la arquitectura y las puertas de las fachadas, los sonidos que se colaban a través de las ventanas, los carteles que publicitan arriendos o inclusive las mascotas evocaron la vida de cualquier barrio.

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HOY su VIAJE por la ciudad mas cercana a las ESTRELLAS… les TRAE este…

“ANATOMÍA DE UN CAPRICHO… by F.R.P

La disección, cicatriz de la arbitrariedad. Se examina el antojo de la voluntad, voluntad de aferrarse a un acto en donde el criterio de lo esencial, lo necesario, lo adecuado es reemplazado por lo posible.

Berretín de transgresión Prometéica, revierte el orden natural de las cosas, el fuego es el botín del ego y las cenizas las huellas del trayecto. Así se esboza la nueva exposición “Un día todo dejará de Ser”.

Los espacios culturales auto-gestionados, vanguardia de la nueva curaduría artística, audaz, vehemente; promocionan el arte sin el vértigo autoritario de un marco epistémico que delimita el deber-ser del objeto artístico. Que delimita el campo semántico en el trasegar interpretativo de la obra. Buscan, por el contrario, sin caer en la ruina lacrimosa posmoderna del todo-vale; la auténtica fruición del arte. También buscan la divulgación cultural con sentido crítico y el diálogo comunitario como estrategias de mercado.

Así opera la sala expositiva “Capricho”. En donde la antinomia es la norma curatorial y museográfica. Se replantea la asimetría entre el galerista, el artista y el visitante. Se prioritiza la construcción de comunidad y el fortalecimiento del tejido social. “Capricho” opta por reemplazar el texto curatorial de corte académico y de semántica poética, por un acto de lectura pública a manera de Marco Conceptual. Aquello que solía ser un panfleto conceptualista que validaba la disonancia cognitiva entre las palabras y el objeto artístico, se torna ahora en una lectura pública de solaz, pompa inaugural. Consecuentemente, se articula un relato literario cuya “composición de lugar”, involucra iconografía y motivos temáticos que apuntan directamente a las obras disponibles en las áreas expositivas. No obstante, el comentario metatextual al arte, no solo se da por el relato literario sino también por aquello que se concierta durante tertulia crítica pública.

Flyer invitación de lectura pública “Un día todo dejará de Ser”

La obra artística luce en la aula-magna, en sala V.I.P. y en espacio exterior para obras de carácter instalativo. Se omite la taxonomía descriptiva de las fichas técnicas. Se busca el diálogo ameno entre el Mediador Cultural y el visitante para compartir herramientas críticas en la apreciación del arte. Se acciona el juego persuasivo y estratégico que invita a la adquisición de la obra. Se ofrece una agenda expositiva ágil, variada, con registro audiovisual-documental, promoción de la trayectoria de artistas, trazabilidad y avalúo de obra, y archivo de memoria cultural.

Ahora bien, la transgresión caprichosa del canon de gestión expositiva tiene su precio. Toda antinomia presenta contradicciones. La disección crítica, en tanto cartografía anatómica, delinea horribles cicatrices: Casa “Capricho”, en tanto espacio físico expositivo, no fue sujeto a procesos adecuados de refuncionalización arquitectónica. Esto es, la adaptación de un espacio existente para asignarle un uso diferente al original. Se desarticula la función real del diseño con el espacio vacío interior que se habita y se recorre. Un garaje con pinturas colgadas presenta una lectura aberrante de decodificación semiótica. Lectura en donde el visitante puede no identificar el umbral del espacio expositivo. Esto reforzado por la ausencia de la rotulación del texto curatorial y de las fichas técnicas. Adicionalmente, la forma escultórica de algunas obras artísticas posmodernas, confunden la cualidad ontológica de “lo artístico” con el arrume de escombros, cosas viejas u obsoletas.

Flyer invitación exposición “Un día todo dejará de Ser”. Objetos artísticos y objetos prosaicos que se confunden”

Aun así, la presencia “aurática” de la cosa artística (en el sentido de W.Benjamin), aquello con lo que el visitante se topa; suscita el apetito sensible o el apetito intelectivo del observador. ¿Le gusta o no le gusta? ¿Querrá saber de qué se trata la charada artística con la que se confronta? Así pues, la artista Erika Bolaños, Con su obra “Pesa ser Barbie”, presenta muñecas de metal que se van fragmentando y se colocan cada una suspendidas sobre un textil de medias veladas templadas. Las cuatro esquinas de las medias se sostienen por patas erigidas sobre escombros. ¿Escombros de la mirada heteropatriarcal, que solo deja cuerpos erosionados, “modelados” estéticamente para solaz entretenimiento? “Moldeada” para ser replicada en una sociedad de consumo. Tal como la técnica artística de vaciado en bronce en donde se replica un modelado con un molde de cera. Sin embargo, la muñeca, no de plástico sino de pesado metal, se va fragmentando en pedazos. Va perdiendo peso y tensión sobre el textil de nylon. El objeto se vuelve lívido, el fragmento femenino deja de ser objeto-libido y se torna en escombro de la dignidad de una persona que se consumió. Dialogando con Bolaños menciona, en relación con los juegos de rol, “Jugar con la muñeca pesa, hace daño”.

¡Políticas de Identidad en el arte y la apropiación de iconos culturales como dispositivo retórico ad-nauseam! Pensaría lo mismo de la Barbie Richard Avedon, Irving Penn y Cecil Beaton quienes tipificaron con sus fotografías el canon de la supermodelo como icono fashion? ¿Sospecharía Ruth Handler y la editorial Whitman que sus paper-dolls serían los peleles, la falacia “straw-man” de lo marxista? ¿Expresaría lo mismo la bella obra de Erika Bolaños si se reemplazara la muñeca Barbie por una Monster High doll, una Bratz toy, una K-pop Demon Hunter o por una muñeca Karol-G? ¿Qué sucede si esa misma obra se hace con “+57” muñecas de plomo, menores de edad, suspendidas boca abajo en medias veladas?

Mosaico con Detalles de Obra Barbie “Pesa ser Barbie” de Erika Bolaños.

La selección de las obras por parte de la Curaduría funciona con gran coherencia. Adyacente a la pieza trinitaria de las Barbies se aprecian pinturas de tono similar. Un ícono del Espíritu Santo y un dibujo de un Ángel de la Anunciación por el artista Antonio Imedio. La primera pintura muestra una paloma, no emanando luz radial al estilo del vitral de alabastro de Gian Lorenzo Bernini, sino emanando viseras diseccionadas de su cuerpo. Sugiere un escrutinio escéptico, de inmanentismo cientificista, un escrutinio a un dogma del católicismo. Dogma figurado y ridiculizado como una carcasa, escombro mito-poético de una era pre-moderna. Paradójicamente, el acierto iconográfico dado por la analogía visual entre la mandorla y las vísceras, denota una incongruencia iconológica y teológica. Ya el jesuita Louis Richeome y el mercedario fray Juan Interián de Ayala escribieron tratados iconográficos, tridentinos, en la contrarreforma, apuntalando los temas. Lo visceral no se relaciona con el Espíritu Santo sino con la naturaleza humana de Jesús; la unión hipostática, los dogmas de la encarnación y la Theothokos. Ello sin mencionar devociones al Sagrado Corazón de Jesús (Alacoque). Ahora bien, el Espíritu Santo, representado como paloma, podría ser una analogía del evangelista para describir una Teofanía. Descripción de destellos de luz fractal, lúmenes (lm), candelas (cd), luxes (lx), emanados como golpes de flash, por las alas en descenso de una paloma. Especulación fenomenológica de lo vivido. Podría develarse el misterio con otras vertientes epistemológicas, exotéricas, reveladas; podría invocarse a la Tercera Persona en oración, mediante una Lectio Divina (Juan 1:32) o una Secuencia de Pentecostés.

En relación con el dibujo del ángel, recuerda el motivo iconográfico de la Anunciación, pero con la trompeta del apocalipsis. Lo interesante en el dibujo es la presencia simbólica de un alguien, ausente, que deja sus botas estrambóticas. Botas tipo 60´s Chic, al estilo go-go de André Courrèges. Podría especularse de manera divertida la identidad de su dueño con vericuetos argumentales al estilo de Heidegger, Shapiro y Derrida. Argumentos divertidos como en su famosa disputa en relación con las botas de Van Gogh. En el presente contexto, para no reiterar la idea de la desacralización dolosa, podría proponerse con sencillez que las botas le pertenecen a Lesley Lawson cuando era “virgen”. Cabe mencionar que en el dibujo se representa una cortina roja carmesí que hace juego con un gran terciopelo rojo en la sala expositiva.

“Una carta de amor” y “Tacones y un Ángel” por Antonio Imedio

¡La gran sala V.I.P.! El museógrafo de “Capricho”, opta por el uso del terciopelo rojo para indicar con sentido del humor y estética kitsch, la jerarquía e importancia de las obras que se presentan en su interior. El espacio expositivo es cubierto por un telón de Red-Velvet denotando espectacularidad dramática. Un asfixiante campo cromático carmesí y spot-lights envuelven una pintura y unas fotos. Se altera la percepción y la connotación de las obras.

Se observa la obra de María Prieto “Saying goodbye to boats”: Fotos organizadas en una retícula. ¡Que emoción arte secuencial! No. No se tratan de imágenes en paneles narrativos relacionando eventos por causalidad. No es un storyboard ni un cómic. ¿Podría la yuxtaposición de bloques cromáticos e imágenes crear una nueva imagen gigante al estilo de los foto-collages de David Hockney? No. ¿Entonces? Al analizar cada una de las fotos se destaca una composición similar. Encuadre para Plano Medio Corto. Mujer de espaldas, vestida de oscuro, brazo levantado y pintura naïf. Escena pictórica azul, de velero navegando al horizonte. Océano y mar. En la foto, el cuadro es superpuesto a 6 locaciones diferentes cuya textura contrasta con el azúl del bastidor. Predomina una paleta cromática de triada. Las 6 fotos se repiten y van cubriendo la pared como cartelismo urbano. Pone a viajar no el barco sino al bastidor por locaciones populares. En una de las fotos, se superpone el velero y el mar azul, sobre otra bahía de otra pintura marina. Ello, y la negra silueta hierática femenina, recuerda pinturas surrealistas de René Magritte. Pinturas en donde posa con su barquito azul y la representación obstinada de su presencia, de su autorretrato de gorrito, pero ocultando el rostro. ¿Será que la postura de la mujer y el gesto postizo del brazo son hieráticos? No. ¿Es unívoco el gesto de despedida del brazo? Podría ser el saludo al Fürer. Podría ser la bienvenida plebeya al Acorazado Potemkin (obvio que no). La pose forzada del brazo parece de publicidad de depilación de axila. ¡Tampoco! !Ya sé! ¿El Red Velvet hará parte de la obra? ¿Se expresaría que la artista hace “viajar” su obra por burdos espacios expositivos y hace de su acción un espectáculo teatral? No lo sé. Se agotó el análisis y queda sorna más no respuesta. Quizá se trate solo de “Arte Contemporáneo” cuya virtud es la ironía del “No Ser” y la polisemia.

Antes de salir de la sala V.I.P se encuentra una pintura abstracta, azul grisácea, con rayones gestuales horizontales que abarcan todo el lienzo. La obra se titula “Sohbet. Encuentros en la orilla del rio” de Juan Marín. Se destaca hermosa textura lograda con “técnicas pictóricas de materia y de carga” (¿parafina, yeso, creta y pigmento?). Se identifican como punto focal, dos girasoles secos, sepultados en embadurne viscoso de barniz oscuro. La muerte. El Red Velvet invade y cubre un segmento del área compositiva del lienzo. Altera y contrasta la percepción del cuadro por el principio de “contraste simultáneo”. Afecta el campo cromático. La falta de fichas técnicas confunde; ¿Será que la pintura del girasol, el Terciopelo Rojo y las fotos del barquito Naïf hacen parte de la misma obra instalativa? No. Son de diferentes autores. Paradójicamente, sigue funcionando de manera coherente la idea curatorial que expresa la idea de aquello efímero que ya no será jamás.

Obra fotos despedida

Toda transgresión tiene un precio. “Capricho”, como su nombre lo dice, desborda los cánones convencionales necesarios para que el montaje expositivo transmita con legibilidad la información y la percepción de la obra de los artistas. No obstante, la construcción del sentido que se le da al conjunto de las obras es muy bueno. Ello sin desdibujar los contrapuntos polisémicos dados por la lectura individual de cada obra de arte expuesta y su problematización en tertulia pública.

El Equipo Vibrante de Galería Capricho son: La Directora Ejecutiva Sofía Stocker Tobler, el Curador David Muñoz Velásquez, y el Director Artístico Ángel Farías Huertas. Con gran solemnidad le invitan a la exposición: “Un día todo dejará de Ser”, en donde la libación, el tributo y el sacrifico se articulan mediante la apreciación de la obra de arte y la celebración religiosa de su presencia. Agosto 15 al 23 en “Capricho”. Cra. 51a # 5 – 63. Chapinero, Bogotá.”

Y como todo lo bueno llega al FINAL de este relato SALVAJE aquí va un aperitivo del PERFORMANCE en el CAPRICHO… by SOFIA STOCKER TOBLER & FRIENDS…porque hay cosas que NO TIENEN PRECIO… Para TODO lo demás existe MASTERCARD, VISA, AMEX, DINNERS o NEQUI o DAVIPLATA , para poder comprar alguna de estás OBRAS…

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CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

La Cali de los años 70 según Ever Astudillo, y la Europa de la primera mitad del siglo XX según Theo Angelopoulos son la materia prima de la nueva obra del artista Sair García: “El paso suspendido de la cigüeña”.

En el barrio El Polo de Bogotá se ubica La Casita, un espacio cultural creado por Simón y Maritza Chehebar que desde el 2015 tiene el objetivo de desarrollar proyectos de artistas colombianos que contribuyen a la consolidación de los procesos y la identidad del arte contemporáneo colombiano.

La Casita, que es un espacio cultural y no una galería de arte, invita cada año a tres artistas colombianos para que creen obras que dialoguen con una pieza de la colección Chehebar.

Con esa lógica invitaron a Sair García, quien en diálogo con la obra “Lugar No 1” de Ever Astudillo que retrata la Cali de los años 70, presenta hasta septiembre de 2026 “El paso suspendido de la cigüeña”, una muestra que se nutre de la estética de la película de Theo Angelopoulos de 1993.

La exposición “El paso suspendido de la cigüeña”, curada por Camilo Chico, propone una reflexión sobre las fronteras que construimos como sociedad y, especialmente, sobre aquellas que nos imponemos a nosotros mismos, a través de 14 pinturas, dos animaciones, una gran instalación compuesta por 350 obras en pequeño formato.

Entrevista con Sair García sobre “El paso suspendido de la cigüeña”.

¿Cómo es que “El paso suspendido de la cigüeña” se inspira tanto de la obra de Ever Astudillo como de Theo Angelopoulos?

Parto de la obra de Ever Astudillo que pertenece a la colección de La Casita, una pieza que en realidad son cuatro dibujos que habla de Cali de los años 70. En un reto interesante porque esta exposición la sustraigo del cine. La serie “El paso suspendido de la cigüeña” habla de la arqueología del oficio. El título lo adopto de la película de Theodoros Angelopoulos de 1993 que habla de las fronteras, de la imposición de fronteras mentales y físicas.

La película se desarrolla en la Europa de los años 30, durante la Segunda Guerra, cuando aparecían fronteras trazadas de un día para otro en el suelo con una línea. Entonces, lo que hago es un pequeño parangón entre lo que sucedía en la época que muestra el director en su película, y lo que yo desde la pintura traigo a la contemporaneidad.

Hablas de fronteras físicas, pero también mentales. Unas las ponen los gobernantes, otras las pone uno mismo…

Sí, bien, lo dijo Albert Camus en “El Extranjero”, que el migrante carga con su trozo de tierra debajo del brazo. Eso somos finalmente, la trashumancia humana no es de ahora, es desde la historia la humanidad; entonces tanto el humano que se queda como el que se va tendrá su historia que contar y las fronteras de las que habla Theodoros Angelopoulos en sus películas no son otra cosa que la imposición de lo que ha venido ocurriendo a través del tiempo.

Él hablaba de la Europa hace casi 100 años, pero yo hablo de la América contemporánea y la única diferencia son los protagonistas, porque finalmente las escenas son las mismas.

Esta es la periodicidad y la historia cíclica que nos que nos sigue abordando: los migrantes y la diáspora de hace 100 años seguramente no tiene absolutamente nada distinto la actual.

Lo que creo que hay que destacar es el papel que cumplen las artes para mostrar, para sacar a la luz estos temas, para decirle a la gente que la diáspora no es nueva. Theodoros Angelopoulos nos lo dice con sus películas, yo lo hago desde la pintura, eso es lo que nos corresponde (a los artistas) hacer.

Ya sabemos de dónde viene “El paso suspendido de la cigüeña”. ¿Cómo dialoga con tu obra?

Creo que la gran diferencia entre el arte que he presentado y lo que exhibo ahora es a nivel formal, porque esta muestra, en medio de todo, sigue guardando la coherencia conceptual de lo que siempre he trabajado, que son los fenómenos sociopolíticos. En este caso, es la diáspora, sólo que tomo como sustrato el cine.

Anteriormente, formalmente fue el acero el que me permitió crear obra porque el acero estaba determinado únicamente para la serie “Magdalena”, porque el acero constituye una metáfora bellísima del río.

Y “El paso suspendido de la cigüeña” tiene también una resolución interesantísima si se tiene en cuenta que, primero, es una exposición de obras secuenciales que derivan en una animación; y esta animación es el resultado de tomar dos escenas puntuales de la película “El paso suspendido de la cigüeña”, tomar escenas de 8 segundos y 10 segundos y volverla una escena pictórica, dramática y contundente de tres minutos y medio. Entonces, es una apuesta bastante osada de lo que hizo Theodoros Angelopoulos desde el cine, y lo que yo trato de hacer desde la pintura.

Me impone un reto interesantísimo, pero además de eso, hay unas pinturas que parecieran unas pantallas cinematográficas, con unas escenas cinematográficas que son, por supuesto, fotogramas intervenidos, porque me apropio y reinterpreto la imagen con una narrativa conceptual muy cercana “Magdalena”, a “Éxodos” y a las otras series anteriores que he hecho. Entonces, digamos que la gran diferencia radica en lo formal.

¿Ya habías tenido acercamiento con la animación?

Sí, pero no las había exhibido. En el Museo de Arte Moderno se hizo una exposición que tuvo unas pequeñas animaciones, unas escenas secuenciales que respondían a la curaduría.

De ahí se empieza a desglosar esto de la secuencialidad porque en “El paso suspendido de la cigüeña”, alrededor del 90% de la exposición está por fuera de las paredes porque yo necesitaba sacar de ese contexto de colgar las obras y más bien utilizar el lenguaje cinematográfico.

La instalación está dispuesta de tal manera que se puede ver como se observan los archivos fotográficos. Las pinturas las en gran formato están exhibidas como se exhibían las pantallas publicitarias del cine de los años 40 y 50. No quería que fuera una exposición tan típica, sino salir de los esquemas y formatos para volverla más bella en su recorrido.

-> Si quieres escuchar el pódcast con Sair García, aquí.

Inclusive, en la sala donde está la animación hay seis sillas estilo cine que lo transportan a uno a la sala oscura….

Sí. Hay algo bellísimo y es que en la animación se puede ver claramente la materialidad de los soportes. Hay unos hay unos primeros planes donde se ve claramente la materia de la madera, porque aquí hay lino, hay tela normal y hay madera como soporte histórico.

En la animación, se ve se ve el grano del soporte de la madera que era lo que me interesaba, porque al final de cuentas esa gestualidad, esa expresión y esa fuerza que tiene la animación era para resaltar las 350 pinturas que componen la animación: cada pintura es un fotograma.

Realizar la animación con las pinturas era la puerta que se hacía desde la toma del cine como sustrato para el resultado.

Sair García ha expuesto en museos y galerías. ¿Qué significa exhibir en La Casita, un espacio cultural que toca visitar con cita previa?

Esta galería gusto de mi prestigio tremendo. De hecho, para nosotros (los artistas) es un honor tener esta invitación. Las exposiciones de La Casita son muy concurridas y la mía, afortunadamente, no ha sido la excepción.

La Casita es importante porque es un espacio de culto. Aquí se hacen tres muestras al año, así que cada vez que hay una exposición uno sabe que es de lo mejor.

¿Hasta cuándo está “El paso suspendido de la cigüeña”?

Hasta septiembre. Se desmonta después de ArtBo, que se realizará del 24 al 27 de septiembre en Ágora Bogotá.

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“Mis SÁBADOS DE CINE..: EPISODIO 3… by A.M.C

“LA MALA COSTUMBRE

 Alana S.  Portero

Seix Barral, 2024

252 pgs

A ninguna persona normal debe pasar inadvertido lo mal que lo suele pasar en la vida, peor que la mayoría, el personal del colectivo LGTBI, y dentro del mismo, las personas Trans llevan la peor parte, son un grupo realmente vulnerable. Tenía alguna noticia sobre este libro, y al verlo en la biblioteca de mi ciudad, decidí cogerlo.

Está siendo todo un fenómeno editorial y social, y a diferencia de otros, tiene calidad de sobra. Veamos, Alana es una chica trans, que nació en el barrio de San Blas, que estudió historia medieval, que se viene dedicando al mundo del teatro, la animación  sociocultural y la escritura, y esta es su  primera novela.

La protagonista de esta novela, al igual que la autora, nació en San Blas, donde pasó su infancia y adolescencia, en los 80 y 90. Como sabe cualquier persona nacida antes de 1978 o así, esos fueron los años de la heroína, el caballo, los yonquis a mansalva tirados en medio de la calle, muriendo a chorro, de sida, de sobredosis. Y la protagonista, Alex ( de la que no es muy difícil averiguar que tiene muchos puntos en común con la autora), desde muy pronto se da cuenta de que no se siente a gusto en un cuerpo de hombre, que se siente mujer, vaya, tiene disforia de género.

Alex vive en un humilde piso, con padres obreros, vecinos lo mismo, y todo rodeado de los problemas que comentábamos antes. Entre toda esa marginalidad no tardan en aparecer mujeres trans, como su vecina, Margarita, con la que no contactará hasta muchos años después, cuando tenga ya una enfermedad terminal, y Eugenia, la Moraíta, que hace la calle en otras barriadas madrileñas, y que la acogerá como a un hijo. Alex ama, lee, estudia, bebe, se droga, vive, en definitiva, amparada en un núcleo familiar muy unido, pero al que no se atreve a desvelar su secreto, que, de seguro, para sus padres no será tal. Así que vive, en apariencia, dentro de un cerrado armario, en ese barrio obrero tan digno y solidario que, a la autora, le inoculó su conciencia de clase desde el principio. Alex, como decimos, estudia, trabaja, en apariencia está cómoda dentro de su armario, pero, claro, tiene sus dudas, sus miedos, sus problemas de autoaceptación.

No es la novela nada explícita en cuanto a sexo y relaciones, sí lo es al describir la miseria y lo cutre de un barrio marginal hace 30, 40 años, y se hace duro de leer. Tampoco es una confesión a corazón abiero a lo Juan Goytisolo en coto vedado y En los reinos de taifa, verdadera literatura confesional gay, no, el libro es, en ese sentido, incluso algo ñoño, y ahí creo que yerra un poco el tiro. Quizá habría quedado mucho mejor una pieza totalmente autobiográfica y confesional a tumba abierta, descriptiva, dolida. Pero aun así es un bello testimonio de sufrimiento, de vértigo, dividido en cortos capítulos, con una  prosa absorbente. 

Apenas sabía nada de este mundo, sin duda duro, glacial, solitario, que una ley aprobada recientemente en este país intenta, de algún modo, si eso es posible, acompañar. Me gustaría que la gente como Alana sintiera muchas de nuestras manos tendidas.”

Se nota que su MUNDO; nos referimos al ANTONIO MEROÑO CAMPILLO; pertenece a otra GALAXIA… esa à la que nuestros LECTORES se montaron a cabalgar como un JINETE sin DISFRAZ…

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CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

La música será a oportunidad para apoyar a las víctimas ya que el recaudo de la boletería será donado.

Este sábado 15 de agosto, a las 4:00 p. m., en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano la Orquesta Filarmónica de Bogotá, realizará el Concierto de solidaridad.

En el escenario, la Orquesta Filarmónica de Bogotá estará bajo la dirección del venezolano Enluis Montes Olivar y contará como solista con el pianista bogotano Daniel Díaz Padilla.

El programa incluye obras de Carl Maria von Weber y Piotr Ilich Chaikovski, además del Concierto para piano No. 1 de Serguéi Rajmáninov, que tendrá a Díaz Padilla como solista.

Además, el Auditorio Fabio Lozano funcionará como punto de acopio para recibir donaciones en especie durante la jornada. Se puede llevar agua potable embotellada, cobijas, colchonetas y sábanas; alimentos no perecederos como arroz, aceite, pastas, granos y leche en polvo; artículos de higiene personal como jabón, cepillos de dientes, papel higiénico, pañales y biberones; y suministros de primeros auxilios como alcohol, guantes quirúrgicos o de látex, tapabocas y gasas estériles.

Será una tarde en la que el encuentro alrededor de la música tendrá un propósito adicional: sumar esfuerzos para acompañar a las familias y comunidades afectadas por el terremoto. De esta manera, Bogotá se une para acompañar y ayudar a las víctimas del terremoto.

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Pero si no conocen la leyenda, cuya versión más temprana se encuentra (hasta donde sabemos) en el capítulo III de la Vita Martini de Sulpicio Severo (s. IV), aquí se las cuento. Martín de Tours, que en ese punto de su biografía es todavía un soldado del ejército romano, se encuentra con un hombre pobre y desnudo, sufriendo las inclemencias del invierno a las puertas de Amiens, en lo que hoy es Francia. Sus acompañantes, al ver a este pobre hombre, ni siquiera se inmutan; pero Martín, quien a esas alturas ya ha dado varias muestras de ser una persona caritativa, decide cortar su capa en dos y compartir una mitad con el mendigo. Por qué no le dio la totalidad de la capa es un punto en el que varias versiones de la leyenda discrepan. Sulpicio explica el gesto por el hecho de que Martín ya no tenía otra cosa que compartir, pero otras variaciones apelan a explicaciones diferentes. El punto es relativamente menor, pero es significativo porque, hasta donde puedo ver, todas estas versiones presentan motivos independientes de la voluntad de Martín para explicar la división de la capa en dos. No es, pues, que Martín estuviera apegado a su capa (o a la mitad que decide conservar); es que no podía deshacerse totalmente de ella.

El giro filosóficamente interesante de la historia se da poco después del encuentro entre Martín y el mendigo. Esa misma noche, cuenta Sulpicio, Martín tiene un sueño. En él, Cristo se le presenta vistiendo la mitad de la capa que Martín le entregó al mendigo, rodeado de una multitud de ángeles, y dice: “Martín, siendo todavía catecúmeno, me ha vestido con esta capa”. Es entonces cuando descubrimos que el mendigo, en realidad, no era meramente un mendigo; era también el mismísimo Hijo del Hombre. Sulpicio interpreta esta declaración a la luz del pasaje de Mateo 25:40: “En verdad les digo que cuanto hicieron a uno de estos hermanos míos más pequeños, a mí me lo hicieron”. La interpretación de Sulpicio es bastante directa: los pobres, hambrientos, sedientos, exiliados, presos, etc., sostienen una relación íntima con Jesús, de tal suerte que el trato que les concedemos y el que le damos a Cristo no son cosas independientes. Esto, dicho sea de paso, hace eco a la xenia, la institución helénica que mencioné al comienzo, pues en al menos algunas de sus expresiones, el deber de hospitalidad se entiende a partir de la posibilidad de que los extranjeros resulten ser dioses disfrazados — y nunca conviene desatender las necesidades de un dios, por más miserable o insignificante que parezca.

El sueño, por supuesto, es un evento preñado de consecuencias para Martín. Lejos de sentirse exaltado por su generosidad, Martín reconoce en lo sucedido una muestra de la bondad de Dios, se bautiza y, aunque no abandona inmediatamente el ejército, se interna en el camino que terminaría convirtiéndolo en obispo de la ciudad de Tours y en uno de los santos más importantes y venerados de la Galia tardorromana.

En lo que me concierne, no poseo una formación cristiana particularmente sólida y soy, lo confieso, un hombre de poca fe. Así que lo que me mueve al compartir la historia del encuentro de Martín y el mendigo no es un deseo evangelizante, o siquiera uno edificante. La leyenda me parece llamativa porque encuentro en ella una tensión entre dos maneras distintas de concebir el valor de la compasión. Y creo que una buena manera de hacer visible esa tensión es preguntándonos: ¿por qué, a la luz de la leyenda, compartir la capa fue una buena acción?

Una respuesta natural, que no me parece hacer violencia al texto, es que la compasión es buena porque no sabemos, a ciencia cierta, qué influencia sobre nosotros pueden tener en el futuro las personas que hoy ignoramos. Al fin de cuentas, nada excluye que la ayuda de estas personas pueda resultar crucial a la hora de obtener un empleo o, como es el caso de Martín, a la hora del juicio final. En este sentido, atender a las necesidades del prójimo es bueno porque es prudente o conveniente: nos permite ahorrarnos penas en tiempos venideros o, si tenemos la suerte de Martín, granjearnos la estima de personas que pueden revelarse instrumentales en nuestra búsqueda de magnos bienes, como el de no perecer. Sugerir esta concepción de la caridad es, en mi opinión, uno de los efectos narrativos más naturales de la historia de Martín, así como una interpretación muy plausible de la función filosófica de la identificación tardía del mendigo con Cristo.

Sin embargo, algunos lectores sentirán, y creo que con buenas razones, que este tipo de justificación del valor de la compasión es demasiado cercano a una pedestre gestión de riesgos, a una lógica de contador (sin ánimo de ofender). Claro, si el mendigo es Jesús, es útil, conveniente, etc., congraciarse con él — mejor no ofender al mero mero. Pero esta lógica implica que el valor de ser misericordiosos debe variar en función de la identidad del objeto de misericordia. Si el mendigo fuera simplemente un mendigo, alguien que, para nuestros propósitos vitales, es irrelevante, ¿qué razón tendría Martín para ayudarlo? ¿Qué utilidad o conveniencia podría encontrar en ello? Es más, observemos que, si hacemos descansar el valor de la acción de Martín en esta clase de cálculos de interés, parece que no solamente destruiremos la admirabilidad de su acción, sino su naturaleza compasiva. Actuar por misericordia y actuar por conveniencia son cosas que juegan en órdenes morales muy, muy diferentes.

Así pues, existe, sospecho, una tensión, quizá una inconsistencia narrativa, entre la enseñanza moral que parece desprenderse de la leyenda de Sulpicio y el mecanismo que la propia leyenda emplea para vehicularla — en particular, los móviles que parecen animar a su protagonista. Pero esto no es realmente lo más interesante del relato de San Martín de Tours. Lo más interesante es que esta tensión nos obliga a examinar con cuidado la estructura misma de la misericordia. Y eso es algo que me propongo aclarar junto a ustedes en una próxima entrega. ¡Evohé!

IG: @pater_doloroso

Les decíamos en la PRESENTACIÓN; de este FANTÁSTICO AUTOR; aquello que “La VIDA te da SORPRESAS…SOR PRESA… jamás ..! A menos que la RELIGIOSA cometa algún DELITO… EXTRAIDO producto de largas sesiones GASTRONÓMICAS que nos llevaron a recorrer la COLOMBIA y otros paises entre ellos la península IBÉRICA con el célebre COCINERO VIAJERO… quien hizo lo mas MÁGICO de sus recetas, presentarnos à la eminencia GRIS de la FAMILIA el HERMANO CONSENTIDO de ELLOS… y HOY de nuestros LECTORES pues nos lo pidieron y aquí lo traemos… el ANTONIO MEROÑO CAMPILLO…

Quien empiezó a regalarnos sus OBRAS LITERARIAS, verdaderas JOYAS de COLECCIÓN las que Uds tienen el lujo de CONOCER… HOY nos aporta su..:

“Mis SÁBADOS DE CINE..: EPISODIO 2… by A.M.C

EL NOMBRE EN EL MURO

 Hervé Le Tellier

El nombre en el muro (Le nom sur le mur)

Seix Barral, 2026,189 pgs.

Traducción de Pablo Martín Sánchez

 Vieja historia la de la resistencia francesa (en general, europea) al nazismo durante la Segunda Guerra Mundial. En el caso al que nos referimos, Francia, al igual que en todos sitios, hubo miedo, compadreo con los ocupantes, colaboración, y sí, unos pocos que tuvieron valor y se echaron al monte y, todo hay que decirlo, recibieron bastante apoyo de una población que, mayoritariamente, tenía miedo, lo cual no era para menos.

Le Tellier reconstruye, con brevedad y concisión, la  peripecia de André Chaix, un resistente de la zona del Drome, fallecido en combate con apenas veinte años. 

El caso francés es paradigmático en los años que van de 1940 a 1944. Ocupada con celeridad, los nazis dejaron el gobierno títere de Petain, pero de Gaulle y unos  pocos  lograron escapar y organizar la lucha desde Inglaterra. Entre los resistentes claro es que había gaullistas, pero también socialistas, comunistas, anarquistas y muchos republicanos españoles, que fueron los que entraron en  París con la famosa “Nueve” de Le Clerc.

El joven Chaix era hijo de panadero, ayudaba a sus padres en el negocio, iba a casarse, pero su vida se vio truncada, como la de  tantos millones de personas, por la barbarie nazi. Letellier aprovecha el texto para denunciar el fascismo, hoy tristemente de vuelta. Le Pen padre, fundador de lo que fue el Frente Nacional, estuvo rodeado al principio en su asqueroso partido de “colaborateurs”, gente que había estado incluso en las SS. Hoy, su hija intenta blanquear un partido que no deja de ser heredero de aquellos gangsters.

Ignoro lo que tienen en el cerebro todos esos jóvenes que,  hoy, se empeñan en que el franquismo fue una buena cosa y Abascal, la persona que va a solucionar todos sus problemas de trabajo, vivienda, universidad, etc. Lo que sí tengo claro es que se ha hecho todo lo posible por vaciar los planes de estudios del bachillerato de contenido,  y se los he dejado inermes ante el lavado de cerebro de medios de comunicación y redes sociales. Este libro de Le Tellier es muy necesario, y muchos como él que deberían venir, para que no olvidemos nunca lo que fue toda esa barbarie y enviemos al basurero de la Historia a sus herederos.”

Esta nueva pluma descubierta gracias al COCINERO VIAJERO, quien nos APORTÓ este verdadero TENOR LITERARIO que seguirá dejandonos sus NOTAS, dignas del TEATRO COLÓN de BUENOS AIRES, ARGENTINA.

CHAPEAU… Mr ANTONIO MEROÑO CAMPILLO…

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Y no se olvide de seguirnos en el…

CONTINUARÁ…

CON JABÓN…! NO COMO PILATOS PORFIS

La exposición, curada por Caridad Botella, trata sobre los paisajes internos que perduran a través del tiempo.

Vallejo, oriundo de Medellín, se inspira en los cerros orientales de Bogotá para recordarnos que un paisaje es un paisaje sólo cuando es apreciado por el ser humano.

Vallejo pinta estas obras a las que añade retazos de tela, cuerdas y varias texturas.

Montañas, ríos o campos son interpretados por Vallejos con varios colores, plasmando así el cambio que experimenta el paisaje con el correr de las horas del día o de los días.

“Territorios imaginados” abarca los tres pisos del MAC, que gracias a su forma circular dialoga acertadamente con esta exposición como si estuviéramos viajando por la montaña.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

#BOG27 tendrá a São Paulo (Brasil) como ciudad invitada de honor        

La Bienal, que es un evento cultural liderado por la Alcaldía y la Secretaría de Cultura, cuenta en esta ocasión con la dirección de Juan Ricardo Rincón.

El comité curatorial está conformado por Magalí Arriola y José Esparza Chong Cuy como curadores en jefe; acompañados por María Paula Bastidas y Juliana Steiner Fraser como curadoras asociadas; y Elkin Rubiano como curador de programas públicos y mediación.

Actualmente, hay convocatorias abiertas con el fin de impulsar el arte bogotano.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte

Las funciones son gratis, van desde la 1:00 p.m. hasta las 8:00 p.m. e incluye películas realizadas en este siglo como “El rojo más puro”, “La libertad es mi causa”, “Basta mamá”, “Caracas Avenue”, “Kalibre 35”, “Selva”, “Satanás”, “Litigante” y “Perros de niebla”.

La película más viejita es “La mujer del piso alto”, una producción de 1996.

Para celebrar el cumpleaños de Bogotá viendo cine gratis en la Cinemateca es necesario reclamar las boletas antes de la función. Sólo así se asegura la silla en la sala.

liartedialogosobrearte@gmail.com / @LiarteconArte