Y por eso fui al Museo Santa Clara, en Bogotá, para ver “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié”, que reúne hasta el 9 de agosto de 2026 fotografías, videos y material de archivo de acciones artísticas realizadas entre 1992 y 2006.

De María Teresa Hincapié había visto su obra fragmentada, en libros o ferias, pero no había tenido la oportunidad de estar en una muestra dedicada a ella.

Con formación teatral, finalizando los años 80 María Teresa Hincapié se dedicó a explorar la relación entre arte, vida y naturaleza a través del performance.

En los años 90 profundizó la conexión con lo sagrado, entendido más como lo ancestral y universal; no necesariamente religioso; respondiendo a la rapidez de la vida, el consumo y la coyuntura política.

Me pregunto cómo se viviría hoy una acción de María Teresa Hincapié donde la lentitud y el silencio eran protagonistas.

Hace dos décadas el Museo Santa Clara, que antes fue iglesia y alberga arte de los siglos XVII y XVIII, exhibió a María Teresa Hincapié por primera vez.

La exposición “Concordancia vital. Lo sagrado en María Teresa Hincapié” se exhibe en el coro alto, un espacio en el que tampoco había estado y que recientemente fue intervenido.

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Hace unos años, cuando el mundo estaba detenido por la pandemia, Yuli Cadavid recordó que su abuela curaba todos los males gracias al poder de las plantas, así que un cuadro médico fue el impulso para que ella decidiera recuperar ese legado que, debido al paso de los años, ya estaba difuso en la memoria de la familia.

“El proyecto empezó con la intención de recuperar las recetas de mi abuela. Empecé a conocer las plantas y sus propiedades, entendiendo que no soy boticaria, ni pretendo serlo. Simplemente, empecé a recolectar plantas para desde el arte representarlas y ver su transformación a través del color”, expresa la artista.

Yuli Cadavid, experta en arte gráfico y grabado, utiliza estos soportes para plasmar la belleza y las propiedades de las plantas. Esto se evidencia en las series “Fitoterapia básica”, de las que son protagonistas el sauco, la moringa, el jengibre, limón y eucalipto; “Gabinete de curiosidades”, en la que expone las propiedades botánicas de esas mismas plantas a través del dibujo científico. La tensión de las plantas que curan o matan se evidencia en “Las matas que curan, las curas que matan”, mientras que “Esto no tiene Invima” rinde homenaje a la tradición de curar con plantas medicinales así no esté regulado por la ciencia moderna.

La materialización de la obra de Yuli Cadavid es diversa, pues abarca desde cajas de botánica que guardan pinturas en papel de fique, dibujos al carboncillo, cajas de conservación, hasta ollas grabadas, instalaciones, herbarios; pasando por los grabados con las técnicas monotipo o aguafuerte.

Los libros intervenidos también son característicos en su obra. Se trata de libros que llegan a su taller de impresión Talante porque están siendo carcomidos por el moho o el comején, y tras un proceso de recuperación, Yuli Cadavid les ofrece una segunda posibilidad de narrar la historia de las plantas por medio de nuevos textos e imágenes que son puestas al estilo collage.

Parte de estas obras pueden apreciarse actualmente en Ocre Galería, ubicada en Bogotá, en la muestra “Escalas de cuidado” curada por Caridad Botella, en la que por primera vez el color de la naturaleza es protagonista.

“Le tenía miedo al color porque generalmente está asociado con lo decorativo, y en la historia del arte el grabado ha sido reconocido por su contraste y fuerza. Si Rembrandt elaboraba todos sus grabados en negro, ¿cómo agregarle color?”, se pregunta la artista.

Lo cierto es que las plantas tienen diferentes colores que sirven como advertencia. Es decir, cuando tienen un color específico están hablando si son cura o son veneno, y entonces este fue el punto de partida de esta muestra que le permite al espectador ver su escala de color que prepara, muchas veces, con pigmentos naturales.

La mayoría de las piezas exhibidas fueron elaboradas este 2026, aunque hay algunos libros, boticarios y ollas grabadas realizadas anteriormente. Esto posibilita tener, por decirlo de algún modo, acceso a la línea de tiempo en la que Yuli Cadavid se acerca a las plantas medicinales y sus distintas formas de interpretarlas artísticamente.

En “Escalas de cuidado” hay una vitrina en la que se exhiben los materiales de archivo, así como una foto de su abuela, las herramientas y los pigmentos que utiliza Yuli Cadavid para que las hojas, ramas y flores de borrachero, diente de león o eucalipto se puedan apreciar en distintos formatos y en diferentes técnicas.

Y mientras las plantas medicinales recuperan su lenguaje del color y la advertencia, Yuli Cadavid fortalece su práctica artística en la que conceptos como amor y cuidado están presentes, no sólo en estas obras que parten desde el conocimiento ancestral femenino, sino en otras series como “Mientras duermen” en la que habla sobre la maternidad desde la ambivalencia de dibujarse y desdibujarse.

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Hasta el 8 de junio se realiza De lo Sagrado Universal, un festival que abarca desde el performance contemporáneo hasta las músicas de los pueblos originarios de la Amazonia, desde el góspel de San Andrés hasta la danza contemporánea franco-argelina.

De lo Sagrado Universal es un encuentro de tradiciones y lenguajes artísticos que siguen la premisa de la fuerza mítica que nos atraviesa como seres humanos, lo inefable, lo que no se puede nombrar, pero que tenemos en nuestro espíritu y alma.

De lo Sagrado Universal se realiza en Bogotá, Barranquilla, Bucaramanga, Envigado, Pasto, Quibdó, Riohacha, Cartagena, Leticia y Valledupar.

La programación incluye 27 funciones de ocho compañías internacionales, y 20 artistas y compañías nacionales. Hay conciertos, danza, teatro, performances, instalaciones inmersivas, exposiciones y rituales contemporáneos de encuentro.

En Bogotá, el Festival De lo Sagrado Universal se puede disfrutar en el Centro Nacional de las Artes, Teatro Colón, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y Teatro Colsubsidio. 23 funciones de entrada libre para el público.

En el Museo Santa Clara se pueden visitar las exposiciones “Concordancia vital: lo sagrado en María Teresa Hincapié” y “Entonces llamó a un arcángel” de David Felipe Escobar.

En el Museo Nacional se puede ver la muestra “Caminos de Agua| Memorias, prácticas y resistencias del Darién”.  

En la Iglesia San Ignacio, el Teatro La Candelaria, además de la localidad de Bosa, también hay posibilidad de disfrutar De lo Sagrado Universal.

Además de las obras artísticas, De lo Sagrado Universal cuenta con actividades de mediación en Bogotá y en regiones: conversaciones, talleres y espacios de reflexión que profundizan el encuentro entre las obras y el público, y convierten la experiencia del arte en un acto colectivo y consciente.

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El 4 de junio a las 7:00 p.m. Canal Capital estrena “Artescopio”, una serie documental que explora la relación entre el arte y Bogotá, a través de la mirada de cineastas, músicos, artistas urbanos y visuales, fotógrafos, paisajistas, muralistas, ilustradores y hasta cirqueros.

Cucharita de Palo, Manu Mojito, Pablo Watusi, 1280 Almas, John Gaitán, May Rojas, Carmen Gil Vrolijk, Natalia Santa, Diana Wiesner y La Gata Cirko son los artistas que en “Artescopio” narran su forma de mirar y plasmar a Bogotá en su estética artística.

Aunque parece obvio, muchas veces se olvida que una ciudad o un barrio no significa lo mismo para todos porque cada vivencia está ligada al sentimiento, y por eso es que los lugares están más ligados a la memoria que a la historia.

Por eso, la fachada de una casa que pasa desapercibida para muchos es la inspiración para las ilustraciones de Cucharita de Palo; o los charcos que tanto nos incomodan son la materia prima de las “charcografías” del artista visual John Gaitán.

Justamente, “Artescopio” se estrena con el capítulo protagonizado por John Gaitán y es perfecto porque los televidentes podemos darnos cuenta de cómo a través de su mirada Bogotá deja de ser solamente una ciudad acelerada para convertirse en un territorio lleno de detalles invisibles que cuentan historias silenciosas.

Con diez episodios, ocho videocasts y tres especiales “Artescopio” nos permite a los televidentes redescubrir Bogotá a través del arte que transforma el paisaje cotidiano.

Los episodios

“Artescopio” propone un recorrido por una Bogotá múltiple y cambiante: desde los cerros del sur y el oriente hasta el centro, Chapinero y las periferias; una ciudad atravesada por acentos, colores, noches, sonidos y formas distintas de habitarla. Una ciudad que no puede verse ni entenderse como un solo lugar, porque está hecha de muchas ciudades que conviven al mismo tiempo.

El sonero Pablo Watusi aparece como una figura clave para comprender la riqueza ‘afrocachaca’ presente en Colombia. Su voz y su trayectoria celebra la mezcla de las raíces afro y la experiencia bogotana contemporánea. Una tradición que emociona a varias generaciones.

Por su parte, Manu Mojito, artista queer de Bogotá que a través de su obra ha logrado darles voz, rostro y visibilidad a las personas trans de la ciudad; habla sobre su trabajo que rompe estereotipos y prejuicios, convirtiéndose en una apuesta artística y política profundamente transformadora.

La serie también dedica un espacio importante al arte urbano y a las expresiones que nacen en la calle. Allí aparece May Rojas, un joven artista que viene de la periferia y del street art. Su proyecto Bogotá Colors ha logrado transformar no solo los imaginarios sobre Ciudad Bolívar y sus habitantes, sino también la relación que la propia comunidad tiene con su territorio. Actualmente, Bogotá Colors y El Paraíso se han convertido en nuevos referentes turísticos y culturales de Bogotá.

Otro de los nombres destacados son los de Carmen Gil Vrolijk, y La Quinta del Lobo, que conforman una compañía de altísimo nivel artístico. A través de las artes vivas y las nuevas tecnologías crean obras de una potencia estética única. Aunque sus propuestas parten de lo local, su calidad y lenguaje escénico les permiten dialogar con el mundo y conectar con audiencias internacionales.

El recorrido creativo continúa con La Gata Cirko, la compañía precursora del circo contemporáneo en Colombia. Gracias a su trayectoria y trabajo artístico, hoy Bogotá es un referente latinoamericano y mundial del circo contemporáneo. Durante más de veinte años han construido espectáculos que mezclan acrobacia, teatro físico y poesía visual, demostrando que el cuerpo también puede narrar historias profundas y conmovedoras.

1280 Almas, banda fundamental del rock colombiano, recuerda que desde los años 90 han retratado en sus canciones la vida urbana, las contradicciones de Bogotá y las emociones de varias generaciones. Su presencia en la serie permite entender cómo el rock también hace parte de la memoria cultural de la ciudad.

El universo íntimo y emocional de la ilustradora Lizeth León, conocida como Cucharita de Palo, ha construido uno de los retratos más bellos y sensibles de Bogotá. A través de sus ilustraciones y de su libro Fachadas Bogotanas, le rinde un homenaje amoroso a la ciudad autoconstruida, a los barrios populares y a sus habitantes. Su obra nos recuerda que la historia de Bogotá no solo habita en los grandes edificios o centros patrimoniales, sino también en las fachadas diversas, cotidianas y vivas de los barrios populares.

En el capítulo dedicado a Natalia Santa, el cine aparece como una herramienta para explorar los vínculos familiares, los silencios y las emociones cotidianas. La directora colombiana comparte una mirada profundamente humana sobre las historias que construye y sobre la manera en que la memoria influye en su obra audiovisual.

“Artescopio” cierra con Diana Wiesner, una de las paisajistas más importantes del país. Su trabajo demuestra que el paisaje también puede ser una forma de arte y de transformación social. A través de proyectos ecológicos y urbanos, Wiesner propone una relación más armónica entre la ciudad, la naturaleza y las comunidades.

La artista Cucharita de Palo, una de las protagonistas de la serie “Artescopio”.

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En Bogotá se estrena mundialmente el 4 de junio la obra “Do You remember do You no I don’t” del compositor y director alemán Heiner Goebbels.

Esta obra hace parte de la programación del festival “Lo Sagrado Universal”, que va del 4 al 8 de junio.

Es una coproducción del Centro Nacional de las Artes y Nova et Vetera, los mismos que han presentado en Colombia la obra de Brian Eno, Patti Smith, y la ópera Sun & Sea.

“Do You remember do You no I don’t” es teatro performance, es la definición de las artes vivas. Desde mi punto de vista, como sucede con cualquier expresión artística contemporánea, lo importante no es entender, sino sentir y conectarse con la propuesta.

Heiner Goebbels trabaja con 15 intérpretes, músicos, bailarines y performers, en su mayoría radicados en Colombia o vinculados al país.

Juntos presentan este teatro performance que utiliza telones, escenografía, vestuarios y otros materiales de archivos locales del teatro y la ópera que, como muchos de los archivos culturales del país, se han perdido.

Y la memoria, que a diferencia de la historia está ligada al sentimiento, es fundamental para reflexionar sobre lo que permanece, desaparece o se transforma cultural y patrimonialmente.

“Do You remember do You no I don’t” se puede ver en el Teatro Colón de Bogotá el 4 y 5 de junio a las 7:30 p.m.

Por otra parte, hasta el 20 de junio en el Edificio Taller de Bogotá se puede apreciar una exposición con las obras de Heiner Goebbels.

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Hasta finales de julio de 2026 se puede ver en el Claustro de San Agustín “Exvotos de la Desobediencia”, una exposición en la que la desobediencia es una forma de pensamiento: una interrupción de la indiferencia, una forma de mirar donde la dignidad de la vida no puede ser negada.

Una nueva exposición de Débora Arango se puede ver en Bogotá, esta vez en el Claustro de San Agustín, en pleno centro de la capital.

Meses después de que el Museo Santa Clara exhibiera “La huida del convento”, las acuarelas más emblemáticas de la colección de Débora Arango del Museo de Arte Moderno de Medellín, MAMM, este museo vuelve a prestar las obras que custodia de la artista.

Es por esto por lo que el Claustro de San Agustín se expone hasta julio de 2026 “Exvotos de la Desobediencia”, una muestra en la que el arte de Débora Arango dialoga con el trabajo de Alfonso Quijano, Pedro Nel Gómez y Luis Giraldo.

En “Exvotos de la Desobediencia” se pueden apreciar 20 obras de la artista realizadas entre 1940 y 1950, década en la que viajó a Estados Unidos y México.

Para entender el diálogo que propone la curadora María Belén Sáenz de Ibarra en “Exvotos de la desobediencia” toca desglosar la propuesta de cada artista.

Débora Arango es una de las pintoras y acuarelistas más importantes de Colombia, figura clave del pensamiento contemporáneo y el feminismo, por lo que su obra trasgredió los cánones estéticos al representar la desnudez y la violencia en el cuerpo femenino, o la pobreza y otros problemas sociales.

Esta exposición recuerda que una de las grandes frustraciones de Débora Arango fue la censura que le impidió dedicarse al muralismo.

Por su parte, Alfonso Quijano fue figura clave de las artes gráficas en Colombia, reconocido por las xilografías en las que abordó la violencia política, la lucha por la tierra y la desigualdad.

Y entonces, ¿cómo es que obras como “Maternidad negra” o “Familia” de Débora Arango dialogan con “La cosecha de los violentos” de Alfonso Quijano, una de las obras más emblemáticas sobre la violencia en el país realizada en 1968?

Los cuerpos cansados son testigos del desinterés y el despojo.

En “Exvotos de la Desobediencia” también se puede apreciar “Barequera en reposo”, obra de 1930 de Pedro Nel Gómez, artista influyente del arte colombiano del siglo XX, pionero del muralismo en el país; y quien fue maestro de Débora Arango.

Las obras de los maestros colombianos se articulan con las del joven Luis Hernando Giraldo, quien crea paisajes y escenas que evocan lo rural, lo íntimo y lo esencial.

Y entonces, después de recorrer varias veces la exposición, leer los textos y detallar las obras pude atender cómo “Exvotos de la Desobediencia” tiene que ver todo con la desigualdad, exclusión social y la violencia que es tan estructural que también repercute en la tierra, la memoria del cuerpo y del paisaje; y las formas de vida.

Y las denuncias de estas obras realizadas en los años 30, 40, 50, 60 y 70 del siglo pasado siguen muy vigentes en el siglo XXI.

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Me costó entender la película La Grazia trata del presidente de Italia, quien está a seis meses de dejar el cargo y se debate en firmar una ley y dos indultos que rozan la ética y la moral.

Aunque esta película del director Paolo Sorrentino explora “el vacío que deja el poder”, cuando la terminé de ver por primera vez sentí que no había entendido la subtrama.

Entonces, con papel y lápiz, me repetí La Grazia en Mubi porque había conceptos como la verdad, la duda y el vivir liviano que no pude describir.

El presidente Mariano De Santis, tiene seis meses para ordenar su vida, más que el país en sí.

En los primeros minutos de la película nos dejan claro que el presidente no es político, sino jurista, y que el manual de derecho penal que escribió trata sobre es escalar lo imposible, es decir, establecer la verdad.

Y es esta narrativa la que me parece maravillosa porque desde ahí se hila la relación con sus hijos, el amor hacia su esposa muerta, y la incertidumbre y la duda que le impiden dejar de pensar y pensar y llevar una vida liviana.

Constantemente, en la película le preguntan al presidente si está feliz de dejar el cargo y recuperar su libertad, y ¿de quién son nuestros días?

¿De quién son nuestros días?

No sé si la primera vez que vi La Grazia estaba cansada o pensando en otras cosas, pero no pude explicar con palabras esa vez cómo es que teje la relación entre las leyes y la humanidad. Según el presidente Mariano De Santis la ley siempre muestra le verdad de lejos, mientras que la vida muestra la verdad de cerca.

Y entonces, La Grazia es la belleza de la duda, la incertidumbre y la vida misma.

¿De quién son nuestros días? Parece una pregunta sencilla, pero pasamos tanto tiempo en hacer caso y estar pendientes de lo que piensan los demás, que nos perdemos el placer de vivir liviano.

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30 obras que el artista colombiano Mateo López ha realizado entre 2017 y 2026 se pueden apreciar en “Desdoblar el tiempo”, exposición abierta hasta el 4 de julio de 2026 en la galería Mor Charpentier de Bogotá.

Las obras de Mateo López, generalmente, están elaboradas con materiales nobles como la madera y la piedra; y metales como el hierro o el bronce.

“Desdoblar el tiempo” permite, entonces, apreciar cómo el artista ha moldeado estos materiales reciclados para crear piezas que bien pueden ser parte de procesos arquitectónicos, procesos escultóricos o, inclusive, parte de una escenografía.

Y eso se percibe al llegar a la galería ubicada en una casa antigua del barrio La Magdalena, pues en el jardín exterior hay dos esculturas, “Maíz” y “Azadón (Fémur)”, que son el abrebocas de lo exhibido en el interior, donde se exhibe la obra que da nombre a la muestra  “Desdoblar el tiempo”, impresión fotográfica que registra la bandera de la campaña libertadora cuando está siendo doblada, momento en el que “la tela se convierte en abstracción geométrica: planos de color que aparecen y desaparecen con el movimiento”, se lee en el texto curatorial.

28 obras de la exposición están ubicadas en el primer piso de Mor Charpentier y la museografía permite verlas sin seguir una ruta específica. Eso sí, ninguna obra está acompañada de ficha técnica, por lo que es recomendable coger una de las hojas impresas disponibles justo en la puerta de ingreso.

Como esta muestra “se fundamenta en la idea del doblez y la transformación material”, es posible observar lo que para el arte de Mateo López es el dibujo, la escultura y el uso de materiales reciclados que dan vida a obras de arte, pero también a objetos funcionales como lámparas, mesas o asientos.

Hay manos que sostienen hojas, ramas o hilos, un escritorio dividido por una puerta que sostiene el letrero ‘juzgado’, un traje de lino pintado con achiote, o un tronco de madera que simula la figura humana gracias a una oreja que sostiene un lápiz, entre muchas otras piezas.

Y es así como “Desdoblar el tiempo”, como todas sus obras y exposiciones, desafía los conceptos del arte.

“Desdoblar el tiempo”, permite revisar la obra de Mateo López realizadas en la última década, algunas de las cuales no se habían exhibido en Bogotá.

Actualmente, el artista exhibe en el Museo La Tertulia de Cali “Pasado futurista”, muestra que se lanzó en el marco de la Bienal internacional de Daza de Cali 2025, y que recientemente renovó la museografía porque se extendió su exhibición.

El año pasado también hizo parte de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25 con “Ballet Bachué”, proyecto que se inspira en La Bachué de Rómulo Rozo (obra que representa el mito fundacional muisca) y el ballet entendido como danza al estilo más europea.

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Para mi siempre es un placer ver o leer algo sobre el Renacimiento. A pesar de los siglos siempre hay nuevas miradas o restauraciones de obras y esto, justamente, es lo que ofrece el documental “Florencia y la Galería Uffizi” que se proyecta entre el 23 y el 27 de abril en el marzo de la temporada de arte de Cine Colombia y Cineco Anternativo.

Florencia, como cuna del Renacimiento; y la Galería Uffizi, como espacio que alberga una de las primeras y más importantes colecciones de arte, protagonizan esta experiencia cinematográfica que no compite con la experiencia presencial, sino que la complementa gracias a la participación de expertos de arte, a los primeros planos y rincones a los que no muchos tenemos acceso. Esto se cumple aun cuando el documental es de hace una década.

Como sucede en la mayoría de los documentales, el dramatizado es el recurso seleccionado para, a través de la figura de Lorenzo de Médici, encarnado por el actor inglés Simon Merrells.

El espectador de “Florencia y la Galería Uffizi” escucha en primera persona algunos detalles de lo que la familia Médici hizo por y para el arte, especialmente al comisionar obras.

Los primeros minutos de la narrativa se concentran en la explicación del tránsito entre la Edad Media y el Renacimiento, con los ejemplos de la Capilla Brancacci con sus frescos de Masolino y Masaccio; y la gran revolución a las artes que introdujeron Donatello y Brunelleschi.

A medida que Lorenzo de Médici, también conocido como Lorenzo el Magnífico, ofrece un abrebocas del Renacimiento, van apareciendo los artistas y las obras que todavía resuenan de esta época.

Además, las tomas aéreas permiten ver la magnitud de Florencia y su arquitectura, tan importante e imponente durante el Renacimiento. Rápidamente se visitan, entre otros lugares, el Ponte Vecchio, la Plaza de la Señoría o el Palacio Vecchio.

Sin embargo, este documental se centra en dos edificaciones cumbres: la catedral de Santa María del Fiore (1420 – 1436), cuya cúpula realizó el arquitecto Filippo Brunelleschi; y la Galería Uffizi (1560 – 1580) construida por Giorgio Vasari, considerado también el primer historiador del arte gracias a su publicación “Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos”.

En cuanto a las obras de arte, los realizadores dan especial importancia a “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli, “La Anunciación” de Leonardo da Vinci, “David” de Miguel Ángel o el “Escudo de Medusa” de Caravaggio, entre otras, por lo que uno puede deleitarse con los detalles imperceptibles a simple vista.

También cuenta cómo fue el proceso de restauración de “La adoración de los reyes magos” de Leonardo da Vinci.

Además de la exquisitez visual que ofrece, “Florencia y la Galería Uffizi” cuenta con la participación de reconocidos expertos como Antonio Natali, entonces director de la Galería Uffizi; Marco Ciatti, superintendente del Opificio delle Pietre Dure; y director de la Fundación Strozzi de Florencia y curador vinculado a la Royal Academy de Londres, quienes aportan una mirada especializada sobre las obras, sus procesos de creación y restauración, y su contexto histórico.

“Florencia y la Galería Uffizi” es apenas un brochazo del Renacimiento en Florencia. Un buen brochazo porque es riguroso, pero brochazo porque este periodo de tiempo es tan complejo y amplio que se necesitaría una serie documental.

En todo caso, si se quiere ahondar en el Renacimiento y saber más sobre las maravillas de la Galería Uffizi se puede navegar el sitio web que es bastante completo: https://www.uffizi.it/

De hecho, esta galería tiene planeado inaugurar este año la exposición “Magnífico 1492”, enfocada en la colección de arte de Lorenzo el Magnífico, tal como estaba inventariada en 1492, el año de su muerte.

“Florencia y la Galería Uffizi” es un documental de 2015 producido por Nexo Digital y desde su estreno ha sido proyectado en más de 2000 salas de cine de 60 países.

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Los días de ArtBo Fin de Semana me gustan porque algunos artistas abren las puertas de su estudio.

Me gusta visitar los estudios y lugares de trabajo de los artistas porque es más fluida la conversación y es más fácil preguntar y conectar con la propuesta artística. 

En esta ocasión visité el estudio de Nicolás Cadavid, un artista que, en compañía de Maravilla Galería, organizó una muestra en la que presenta su trabajo.

El paisaje, a veces suave, a veces más rudo, es el tema que en los últimos años ha trabajado Nicolás en obras, generalmente, de gran formato.

La montaña es protagonista y sin lugar a dudas tendría la pieza inspirada en el cerro que queda cerca a mi casa y a su estudio. 

Hablar con el artista me permitió entender porqué el paisaje es tan importante en su trabajo y porqué la montaña a veces es colorida, a veces oscura.

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