Como parte de la programación del Festival NO Convencional, “Einstein on the Beach” se pudo ver en Bogotá 50 años después de su estreno.

“Einstein on the Beach” es disruptiva. No es ni una ópera, ni una historia tradicional.

Dura 3 horas.

La música en vivo se mezcla con la historia y la escenografía que cambia frente a los espectadores.

“Einstein on the Beach” reflexiona sobre el futuro; lo que significa vivir en un mundo rodeado de tecnología y rapidez.

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La Rockera conversa con la obra de Maquiamelo, quien desde siempre ha tenido como protagonistas los rostros y las cabezas.

Actualmente, en el Museo Casa Lleras se puede ver una antología del artista que incluye las tsantas, las cabezas reducidas elaboradas por el pueblo shuar de Ecuador y que Maquiamelo retomó durante años, así como su trabajo más reciente, enfocado en la gratitud.

Hablemos de La Rockera. ¿Qué nos puedes decir de cómo llegaste a esta escultura? 

Ya venía trabajando algunas formas arquetípicas de niño, niña y la música, porque siempre ha estado muy muy involucrada en mi vida. Cuando estudiaba artes plásticas en la universidad de San Francisco el profesor de dibujo y anatomía nos ponía siempre rock. 

También tengo recuerdos de haber ido a algún Rock al Parque con mi padre, y ahora yo soy el que lleva a mi hijo. Con todo este bagaje ya venía trabajando en la idea desde hace unos cinco años porque a este festival gratuito le hace falta un icono. Sí tiene un logo, pero no un icono que represente a la comunidad rockera.

¿Cómo llegas a la figura?

En un Rock al Parque estaba viendo un grupo de España, Bala, y algunos asistentes empezaron a poguear, y había una chica que tenía sus audífonos con los taches y dije ‘guau’, se me prendió el eureka, la idea, porque sentí que esa chica representa el espíritu rockero, con su chamarra de cuero, así que la visualicé en mi mente como una chica de 17 o 18 años que es andrógino porque no se sabe su sexo.

La Rockera sigue la estética de tus esculturas…

Si bien mis seres algunos son andróginos La Rockera está inspirada en una mujer y mi objetivo es darles voz a la mujer. Lo que quiero es que la escultura tenga el ADN de Rock al Parque y por eso debe estar ubicada en el Parque Simón Bolívar porque ahí es donde nació y cada año se realiza el Festival.

Para Maquiemelo, ¿qué representa Rockera?

Para mí representa la música, el rock, las tribus urbanas. A los rockeros que los une la música.

Pienso en rock y pienso en movimiento o en una guitarra, y La Rockera está mas bien quieta, como si estuviera escuchando algo que le permite gozar en solitario.

La escultura tiene un movimiento que se refleja en el cabello ondulado, aunque la figura en sí es rígida. Por un proceso personal me metí mucho en el tema de la meditación y lo que quise representar en Rockera es a alguien que está en trance, que está con sus audífonos escuchando música, está en modo zen disfrutando el concierto, y es la actitud que tenía la chica que vi en el concierto, una chica que tenía gente a su alrededor, pero que estaba en su mundo gozando la música con los audífonos. No sé si estaba escuchando a la banda que estaba tocando o estaba escuchando otra música, el caso es que ella estaba ahí en el concierto bailando con los audífonos puestos.

Cuando la gente toque el bronce, va a sentir la vibración de la música y ahí también está reflejando el movimiento.

Los audífonos son un artículo muy ligado a las nuevas generaciones, o a las personas que están en su mundo escuchando lo que les gusta...

Los audífonos están muy estereotipados. En TransMileno, en la calle, en los conciertos y hasta en los centros comerciales se ve gente que lleva los audífonos puestos. La otra vez vi en un centro comercial a un grupo de jóvenes que se habían puesto de acuerdo en sintonizar algo… y estaban allí, moviendo sus cabezas y bailando, pero generaban ruido ni interferían a quienes estábamos en el centro comercial. Ellos estaban en su propia frecuencia modulada.

Los audífonos se han vuelto una extensión del ser humano, y sirven para respetar al vecino, también.

Hablemos del equipo que lo acompañó en la creación de La Rockera.

Una escultura monumental requiere un equipo, no la hace uno solo.

Desde mi punto de vista, es una responsabilidad crear la escultura que representa a Rock al Parque, sus 30 años de trayectoria y quienes lo hemos disfrutado. ¿Cómo lo ve Maquiamelo?

Más que un honor, que es todo un honor hacer esta escultura por los 30 años de Rock al Parque, también es una responsabilidad bastante grande. Yo me estoy jugando mi reputación como escultor y como artista; esta es la mejor escultura que he hecho en toda mi vida.

Es también mi manera de demostrar mi amor al rock y el agradecimiento de estar vivo. Me parece que la obra respira Rock al Parque y está basada en su ADN: alguien que disfruta el Festival. La obra es como un espejo y se completa hasta que el espectador la vean, la quieran, o la odien. La escultura será como el mismo rock, generará pasiones. En definitiva, la obra no es mía, es de la ciudad, de Bogotá.

La escultura tiene como objetivo rendirles tributo y memoria a todas esas bandas, a las pequeñas, a las grandes, a las distritales, a las locales, a las internacionales que han tocado en Rock al Parque.

Dices que la obra es de Rock al Parque y de Bogotá. ¿Cómo se prepara un artista para dejar vivir una obra?

Espero que la gente la vea más como un gesto de cariño y amor, que la vean como parte del Rock. Pero, obviamente, como escultor uno se enfrenta a dejarla libremente. Hay gente que amará la escultura, otra gente la criticará, pero este diálogo es esencial. Como artista debo asumir que la obra ya no me pertenece y espero que se vean representadas todas las bandas que se han subido a la tarima y los rockeros que han gozado con la música.

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La programación incluye conferencias, conversaciones y encuentros con artistas e investigadores.

Hasta el 27 de septiembre el Museo de Artes Visuales exhibe “Senso/grafías” con artistas nacionales e internacionales.

Hay propuestas de Ximena Díaz, Célin Jiang, TomoKo Mukaiyama, Valentina Ruiz, Jason Castro, Ruth Martínez, Elina Zazulia, Juan Miceli y Xinlyu Wang.

Archivos, inteligencia artificial, diseño, cambio climático, medios digitales e investigación-creación son algunos temas explorados.

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“Sujeto a cambios” es la exposición inaugural, que convoca a los artistas Gonzalo García, Alejandro Sánchez, Javier Vanegas y Jerónimo Villa, artistas con proyectos consolidados que, aunque con distintos puntos de vista y materiales, exploran la superficie, los medios y las formas múltiples de construir imagen.

Trama Gallery está ubicada en una casa de Quinta Camacho, en la Calle 69 # 10ª, donde funcionó en los años 70 y 80 la Galería Belarca.

Así se retoma un nuevo espacio cultural y artístico, aunque con otro punto de vista.

Trama tiene como objetivo funcionar como una red que conecta a artistas con curadores, instituciones, coleccionistas y otros agentes culturales, apoyando la circulación y el desarrollo de obra en Colombia y el extranjero.

A través de un programa expositivo enfocado e iniciativas colaborativas, la galería busca construir relaciones sostenidas entre las prácticas artísticas contemporáneas, las personas y los contextos.

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En el Museo del Oro se presentó la Orquesta de un Paisaje Sonoro, una improvisación y arte sonoro que recrea sonidos de naturaleza y atmósferas inmersivas.

Desde mi punto de vista, este tipo de propuestas hay que vivirlas, sentirlas y experimentarlas, más que tratar de entenderlas.

El Festival NO Convencional reúne a artistas colombianos e internacionales: estreno mundial de Movimientos sociales: Giangrandi + Velandia, ópera de tres horas en la que el público puede entrar y salir; concierto inmersivo en el Planetario; o un cine concierto construido a partir de los Screen Tests de Andy Warhol, entre otros

Algunos escenarios son Proyecto Kinder, Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Planetario de Bogotá o los Columbarios del Cementerio Central.

La idea no buscar respuestas frente a la incertidumbre, sino crear encuentros capaces de alterar, aunque sea por un momento, nuestra manera habitual de percibir el tiempo, el espacio y el mundo que nos rodea.

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La exposición titulada “Más allá del rostro” es una retrospectiva del artista que comienza por las obras más recientes: cuadros con rostros de tonalidades pastel, o esculturas en bronce. 

La gratitud es muy importante en la obra reciente de Maquiamelo, por lo que en el jardín de Casa Lleras dispuso un lugar especial para escribir aquello por lo que queremos agradecer.

Con este concepto dialoga la serie Ciudadano Kane, que recuerda que aquello que da sentido a la vida y a la identidad humana no siempre es la riqueza material o el poder.

Los rostros y las cabezas no siempre portaron colores alegres, y eso queda claro al recorrer la muestra, pues se pueden ver las tsantas, las cabezas reducidas elaboradas por el pueblo shuar de Ecuador y que Maquiamelo retomó durante años.

En el segundo piso de Casa Lleras están exhibidas las obras dedicadas a celebridades y artistas, que tienen un toque más oscuro y fantasmagórico, así como las cadaveras con tintes taxonómicos que forjó en un principio la obra de Maquiamelo. 

Curada por Alexandra Correa, “Más allá del rostro” propone una reflexión sobre la memoria, la identidad, la vulnerabilidad, la naturaleza y aquello que permanece oculto detrás de la apariencia.

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Realizados entre 1810 y 1820, durante la invasión napoleónica de España y la Guerra de la Independencia, los grabados se dividen en tres secciones: Los hechos de la guerra, La hambruna y Los caprichos enfáticos.

Utilizando la técnica de en tinta y aguafuerte, Goya representó lo que vio y conoció de la guerra. Los primeros grabados se parecen más al fotorreportaje, mientras que los últimos son más fantásticos ya que cuestiona los intereses de los líderes y el fanatismo del pueblo.

Hoy puede parecer normal ver estas imágenes de guerra, pero en el siglo XIX abundaban las pinturas con personajes heroicos y las victorias de los ejércitos que fueron fundamentales para la consolidación del nuevo orden político y social.

Recomiendo tomarse el tiempo necesario para apreciar los detalles de los grabados y las frases que Goya escribió en cada uno de ellos.

Los grabados de Goya están acompañados de siete poemas de autores de distintos países escritos entre 1923 y 2022, entre los que están Pido al dolor que persevere de Piedad Bonnett, Casa de Warsan Shire o La Guerra de Miguel Hernández, entre otros.

“Los desastres de la guerra” estará abierta hasta enero de 2027 y durante estos meses se llevarán a cabo tres acciones corales y de memoria organizadas junto a Presencias – Sonidos & Ecos.

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Durante dos décadas, Proyecto Tesis ha permitido la visualización del arte joven colombiano. Ver el trabajo de los artistas que recién se gradúan nos permite tener un acercamiento a los temas que les importa e impacta, así como a los formatos y técnicas que prefieren para materializarlos.

Todas las obras exhibidas conforman el Banco de Tesis, el cual alberga el panorama de las artes en Colombia en el siglo XXI.

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Cuatro de los cinco proyectos artísticos están inspirados en conceptos como patrimonio, arquitectura y progreso; y tres revisan el legado del arquitecto Gastón Lelarge.

Lucas Gallego y Carolina Borrero exhiben en “Lo que soporta la montaña” las consecuencias de la explotación que sufrieron los cerros orientales desde el siglo XVI hasta el XX, época en las que piedras y madera fueron llevadas al centro de la ciudad para la construcción del Capitolio Nacional. La majestuosidad de la edificación contrasta con la erosión de las montañas y el deterioro de la calidad de vida de sus habitantes. Mientras recorremos la sala nos rodeamos de columnas elaboradas con materiales restantes.

Muy parecida es la propuesta de Sebastián Sandoval, quien en “Studio GL” presenta su visión de cómo la arquitectura deja de preservar para dar paso a la transformación urbana. Toma como ejemplo la casa Nemesio Camacho y por medio de esculturas y un video refleja cómo rápidamente la tecnología genera planos que fácilmente nos permiten olvidar el patrimonio.

Y María Luisa Sanin presenta “Metrópolis 2027” en referencia del trabajo del arquitecto Gastón Lelarge al insertar imágenes de sus edificios icónicos en escenarios de ciencia ficción.

Siguiendo con el tema de la urbanización, el progreso y el futuro, en “Armas de negación aérea” Lina Henao plantea la complejidad de la violencia que generan la renovación de un barrio o un territorio. La pala de una retroexcavadora, tierra y cemento, un letrero que recuerda la propiedad privada y audios de los años 50 recuerdan que desde siempre se advierte la necesidad de la transformación ciudadana.

Por su parte, en “Fábrica” César Faustino de recurre a los lenguajes teatrales que han sido adoptados por las artes plásticas y la sala oscura recuerda a los teatros del mundo del Renacimiento Italiano.

El segundo ciclo de la VIII Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Fuga está abierto hasta el 5 de septiembre.

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En el Museo del Oro de Bogotá está la exposición “Trazos sobre piedra. Pinturas milenarias en la serranía de La Lindosa” que nos permite aproximarnos y apreciar el arte rupestre de la Amazonía, que tiene gran valor histórico, patrimonial y cultural.

El arte rupestre es la manifestación gráfica más antigua de la humanidad, así que estos dibujos o grabados sobre la roca —petroglifos— dan cuenta de formas de pensamiento y manifestaciones culturales del pasado, específicamente de quienes vivieron en la serranía La Lindosa, ubicada en el departamento del Guaviare.

Con reproducciones de gran tamaño, “Trazos sobre piedra” exhibe el arte rupestre y la diversidad de cada uno de los pueblos. Hay escenas de danza, pesca o cacería, pero también formas de objetos y figuras de animales, cuerpos humanos, líneas y espirales.

La serranía de La Lindosa alberga tres de los conjuntos rupestres más impresionantes de la Amazonía.

En el Nuevo Tolima los murales se despliegan sobre amplias mesetas con escenas densamente superpuestas.

En el Raudal del Guayabero las figuras emergen sobre muros verticales que se elevan junto al río, marcando un lugar de tránsito y poder ceremonial.

Y en Cerro Azul los paneles se extienden a lo largo de farallones con representaciones de animales, humanos y geometrías que dialogan con el paisaje que lo rodea.

La exposición “Trazos sobre piedra” está abierta hasta noviembre de 2026. Quienes no pueden ir al Museo del Oro de Bogotá pueden ver la exposición en el sitio web cultural del Banco de la República: https://www.banrepcultural.org/exposiciones/trazos-sobre-piedra

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