Para mi siempre es un placer ver o leer algo sobre el Renacimiento. A pesar de los siglos siempre hay nuevas miradas o restauraciones de obras y esto, justamente, es lo que ofrece el documental “Florencia y la Galería Uffizi” que se proyecta entre el 23 y el 27 de abril en el marzo de la temporada de arte de Cine Colombia y Cineco Anternativo.

Florencia, como cuna del Renacimiento; y la Galería Uffizi, como espacio que alberga una de las primeras y más importantes colecciones de arte, protagonizan esta experiencia cinematográfica que no compite con la experiencia presencial, sino que la complementa gracias a la participación de expertos de arte, a los primeros planos y rincones a los que no muchos tenemos acceso. Esto se cumple aun cuando el documental es de hace una década.

Como sucede en la mayoría de los documentales, el dramatizado es el recurso seleccionado para, a través de la figura de Lorenzo de Médici, encarnado por el actor inglés Simon Merrells.

El espectador de “Florencia y la Galería Uffizi” escucha en primera persona algunos detalles de lo que la familia Médici hizo por y para el arte, especialmente al comisionar obras.

Los primeros minutos de la narrativa se concentran en la explicación del tránsito entre la Edad Media y el Renacimiento, con los ejemplos de la Capilla Brancacci con sus frescos de Masolino y Masaccio; y la gran revolución a las artes que introdujeron Donatello y Brunelleschi.

A medida que Lorenzo de Médici, también conocido como Lorenzo el Magnífico, ofrece un abrebocas del Renacimiento, van apareciendo los artistas y las obras que todavía resuenan de esta época.

Además, las tomas aéreas permiten ver la magnitud de Florencia y su arquitectura, tan importante e imponente durante el Renacimiento. Rápidamente se visitan, entre otros lugares, el Ponte Vecchio, la Plaza de la Señoría o el Palacio Vecchio.

Sin embargo, este documental se centra en dos edificaciones cumbres: la catedral de Santa María del Fiore (1420 – 1436), cuya cúpula realizó el arquitecto Filippo Brunelleschi; y la Galería Uffizi (1560 – 1580) construida por Giorgio Vasari, considerado también el primer historiador del arte gracias a su publicación “Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos”.

En cuanto a las obras de arte, los realizadores dan especial importancia a “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli, “La Anunciación” de Leonardo da Vinci, “David” de Miguel Ángel o el “Escudo de Medusa” de Caravaggio, entre otras, por lo que uno puede deleitarse con los detalles imperceptibles a simple vista.

También cuenta cómo fue el proceso de restauración de “La adoración de los reyes magos” de Leonardo da Vinci.

Además de la exquisitez visual que ofrece, “Florencia y la Galería Uffizi” cuenta con la participación de reconocidos expertos como Antonio Natali, entonces director de la Galería Uffizi; Marco Ciatti, superintendente del Opificio delle Pietre Dure; y director de la Fundación Strozzi de Florencia y curador vinculado a la Royal Academy de Londres, quienes aportan una mirada especializada sobre las obras, sus procesos de creación y restauración, y su contexto histórico.

“Florencia y la Galería Uffizi” es apenas un brochazo del Renacimiento en Florencia. Un buen brochazo porque es riguroso, pero brochazo porque este periodo de tiempo es tan complejo y amplio que se necesitaría una serie documental.

En todo caso, si se quiere ahondar en el Renacimiento y saber más sobre las maravillas de la Galería Uffizi se puede navegar el sitio web que es bastante completo: https://www.uffizi.it/

De hecho, esta galería tiene planeado inaugurar este año la exposición “Magnífico 1492”, enfocada en la colección de arte de Lorenzo el Magnífico, tal como estaba inventariada en 1492, el año de su muerte.

“Florencia y la Galería Uffizi” es un documental de 2015 producido por Nexo Digital y desde su estreno ha sido proyectado en más de 2000 salas de cine de 60 países.

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Los días de ArtBo Fin de Semana me gustan porque algunos artistas abren las puertas de su estudio.

Me gusta visitar los estudios y lugares de trabajo de los artistas porque es más fluida la conversación y es más fácil preguntar y conectar con la propuesta artística. 

En esta ocasión visité el estudio de Nicolás Cadavid, un artista que, en compañía de Maravilla Galería, organizó una muestra en la que presenta su trabajo.

El paisaje, a veces suave, a veces más rudo, es el tema que en los últimos años ha trabajado Nicolás en obras, generalmente, de gran formato.

La montaña es protagonista y sin lugar a dudas tendría la pieza inspirada en el cerro que queda cerca a mi casa y a su estudio. 

Hablar con el artista me permitió entender porqué el paisaje es tan importante en su trabajo y porqué la montaña a veces es colorida, a veces oscura.

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“Devenir el punto que no ha caído” se llama la exposición de Espacio El Dorado que rinde tributo al tejido y su presencia en el arte contemporáneo.

El tejido, que se reevalúa continuamente gracias a nuevas miradas sale del estricto oficio artesanal para dialogar con el arte contemporáneo y crear nuevas narrativas a partir de diversas formas de pensamiento.

“Devenir el punto que no ha caído” es una exposición colectiva que reúne a 14 mujeres, en su mayoría colombianas, que, según la curaduría de Dana Camacho y Sara Campos, “exploran el textil como territorio de resistencia y transmisión de saberes entre mujeres”.

El resultado son obras elaboradas con diferentes tejidos y materiales.

La muestra “Devenir el punto que no ha caído” dialoga muy bien con otra que también se exhibe en Espacio El Dorado, “El cuerpo es la forma que toma el tiempo cuando se repite” de Luz Adriana Vera, una artista que encuentra en el tejido una relación directa con el paisaje y que, a lo largo de los años, le ha permitido transitar por el camino en el que se reencuentra con el territorio y las tradiciones familiares.

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Hace unas décadas, Bogotá reunía, cada dos años, lo mejor del teatro, el circo y la danza durante Semana Santa.

Quienes no vivíamos en la ciudad nos programábamos para viajar y ser partícipes del Festival Iberoamericano de Teatro que, bajo la dirección de Fanny Mikey, nos daba la posibilidad de ver espectáculos que difícilmente llegaban al país.

Durante muchas de las ediciones del Iberoamericano yo vivía en Cali y añoraba estar en Bogotá para gozar la oferta cultural de esa época, una época en la que los conciertos de artistas internacionales no llenaban la agenda como estos días; una época en la que el estadio El Campín no lo prestaban para conciertos y en los que ni siquiera había debutado el Circo del Sol en el país. Y ni hablar de la oferta cultural caleña.

En fin. Cuando en 2008 me vine a vivir a Bogotá fui muy feliz porque justo a los meses comenzó el Iberoamericano. Yo disfrutaba mucho cada cubrimiento porque era nueva en mi trabajo, nueva en El Espectador, nueva en Bogotá y nos invitaban conjuntamente con Lucho, mi esposo, así que era fantástico.

Mi primer Iberoamericano como periodista de El Espectador, en 2008.

Con el tiempo me alejé del Iberoamericano y del Teatro. No recuerdo exactamente qué sucedió que nos separó el camino. Tal vez fueron los turnos .com que cubrí en Semana Santa, o que con el tiempo me afiancé en la escritura y cubrimiento del cine, la televisión y las artes plásticas.

La cosa es que dejé de ir a teatro, pero la vida y sus sorpresas me devuelven a la escena porque tengo el privilegio de ser la jefe de prensa del FIAV Bogotá, el Festival Internacional de Artes Vivas.

El FIAV Bogotá no es el mismo Iberoamericano. Las diferencias van desde el presupuesto (el FIAV se realiza con dineros del Ministerio de Cultura, la Secretaría de Cultura de Bogotá y la Cámara de Comercio de Bogotá) hasta la apertura hacia las artes vivas, las que suceden aquí y ahora, las que reúnen en un mismo espacio y lugar a artistas y espectadores.

El reto para mí ha sido reencontarme con este término contemporáneo que abarca, teatro, danza, performance, circo y clown tanto clásico como vanguardista.

He leído y leído una y otra vez las reseñas para conocer obra por obra, agrupación por agrupación y cada una de las propuestas. He visto fotos, he visto videos. He hablado con los curadores y escucho atentamente cada entrevista que ofrecen para nutrir mi universo y poderme acercar mejor a los periodistas.

Conceptualmente ya tengo una idea de qué es y será el FIAV Bogotá. Pero estoy segura que cuando empiece el Festival será de otra forma que mi mente no se alcanza a imaginar porque, como sucede en las artes, una cosa es la palabra y otra es la puesta en escena. De hecho, así me pasó en la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25.

De hecho, la semana pasada tuve la oportunidad de ver un ensayo de una obra que, al leerla, no me llamó la atención, pero al ver a los actores en el escenario la cosa cambió.

Por ahora, pienso que los espectáculos de gran formato, la danza y las obras que reflexionan sobre la humanidad son los que me gustaría ver. Sin embargo, sé que lo mejor es dejarme sorprender de las propuestas que vienen de todos los continentes.

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El video muestra la persecución entre un globo y una aguja, así que, por medio de esta metáfora visual, Leo Vinz presenta un universo en el que la música sirve como guion para una trama de suspenso y resiliencia porque, a veces, el acto más valiente es simplemente mantenerse entero y seguir flotando.

“Todos libramos una lucha interna en la que se enfrentan nuestros deseos y los malos pensamientos. Lo difícil no es huir, sino proteger lo que llevamos dentro sin que explote. Bienvenidos a ‘Campos de Colores’”, expresa Leo Vinz, quien con esta propuesta quiere explorar y relatar las múltiples emociones humanas.

“Hay momentos en los que nos sentimos raros y no sabemos muy bien qué nos pasa. Por eso, quiero contar que por más situaciones buenas o malas que tengamos, hay una vida tras nosotros que de una u otra forma nos muestra lo positivo y bonito de quienes somos y de quienes nos rodean”, agrega el artista.

“Campos de colores” es una fábula visual sobre resistencia y fragilidad que se enmarca en el Verbopop, concepto estético con el que Leo Vinz define su identidad sonora y propuesta musical. Más que una etiqueta rígida, es un concepto estético que él describe como pop con densidad narrativa; es decir, canciones que mantienen la accesibilidad melódica del pop, pero que se distinguen por una carga lírica inusualmente rica y detallada.

En este proyecto, Leo Vinz es el director creativo que orquesta la fusión entre la composición musical y la narrativa; mientras que la composición visual, animación y dirección de arte estuvo a cargo de Juan Esteban García. Yura Mate, por su parte, fue la ilustradora que logró traducir la visión sonora en experiencia de alta sensibilidad.

“Campos de colores” es el más reciente lanzamiento de Leo Vinz, quien ya completa una década como cantautor y creador de historias animadas. Su anterior sencillo, “Pedaleando sin parar”, es una historia animada con enfoque ambiental que próximamente se expandirá a un videojuego interactivo.

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Michael Armitage es un artista keniano que reflexiona sobre la migración, desde quienes quieren llegar a Europa atravesando el Sahara y el Mediterráneo.

La sala de Fragmentos en la que se exhibe esta obra es grande. Muy grande. Y mi primera impresión fue pensar en que las cuatro pinturas, que son de gran formato, se perdían en la grandeza de la sala.

Sin embargo, mientras recorría el espacio y observaba las obras, fui yo quien me sentí perdida en la inmensidad, como si fuera una migrante en medio del mar.

La obra de Armitage hay que verla de cerca y de lejos. De cerca se puede apreciar la vulnerabilidad de los personajes, los detalles de los cuerpos y las texturas de la pintura; mientras que de lejos se percibe cómo los personajes se fusionan entre ellos y el mar, y el sufrimiento se hace evidente con el vacío de la sala. Por lo menos, así lo sentí yo.

Las pinturas de Michael Armitage están elaboradas en lubugo, un textil tradicional de Uganda, elaborado a partir de una corteza de árbol mediante una técnica con siglos de historia.

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Volví a cine. Hace rato no tenía ni tiempo, ni energía para ir a la sala de cine, pero en estos días de vacaciones con Lucho fuimos a cine de 2:00 p.m. Mi hija Laura nos enseñó cómo comprar boletas a través de DaviPlata y de verdad sí quedan más económicas.

Decidimos volver a cine y ver “Valor sentimental”, una película noruega dirigida y escrita por Joachim Trier en la que dos hijas se reencuentran con su padre Gustav (Stellan Skarsgård), tras la muerte de su madre. Este reencuentro, por supuesto, está lleno de sentimientos encontrados y cada una lo vive diferente.

Para Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) la situación es más fácil porque al ser la más pequeña, sus recuerdos sobre las peleas y el divorcio de sus padres es diferente a los que guarda Nora (Renate Reinsve), quien está muy cargada de dolor convertido en ira.

Por su parte, Elle Fanning encarna a Rachel, esas personas que se ven envueltas en dinámicas familiares o amorosas que no les corresponden…

“Valor sentimental” es un gran relato sobre cómo las familias se van rompiendo generación tras generación, y cómo los dolores, las penas y los sentimientos no hablados se vuelven tan pesados que no dejan vivir. En esta película la casa física es una gran metáfora de las cargas físicas y mentales que se acumulan décadas tras décadas y de los patrones repetidos.

Me gusta el papel de Agnes, quien se da el tiempo y el espacio para conocer su historia familiar para tratar de entender de dónde viene tanto dolor. Me encanta el padre, Gustav, porque me fue difícil culparlo. Él, un cineasta reconocido, hizo lo que pudo y, desde mi punto de vista, le da una salida a Nora, así no haya sido lo que ella esperaba.

Y esa, para mí, es la gran lección de “Valor sentimental”: aprender a valorar el lenguaje amoroso que cada persona sabe expresar para aliviar nuestro dolor, así no sea lo que exactamente buscamos o necesitamos. Por algo se comienza y así como el odio y la rabia se alimenta del loop, el amor también.

Mientras estaba en la sala de cine pensé varios momentos que estaba viendo “La peor persona del mundo”, otra película del director Joachim Trier… Pero estando en mi casa caí en cuenta que, aunque ambas películas tratan del dolor que afecta nuestra personalidad y nuestra vida, “La peor persona del mundo” se centra en las vivencias de la protagonista y cómo sus actos afectan a sus parejas y amigos; mientras que “Valor sentimental” va más allá y nos muestra dónde nace el dolor… el contexto, el todo.

“Valor sentimental” obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025, cuenta con ocho nominaciones a los Golden Globe, incluyendo Mejor Película – Drama y Mejor Película de Habla No Inglesa, y es la candidata oficial de Noruega a los Premios de la Academia 2026.

Nora y su hermana Agnes en “Valor sentimental”.

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Creada en 2013, la Banda Filarmónica Juvenil es tal vez la más popular de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, por la naturaleza de su repertorio. Integrada por 40 talentosos artistas procedentes de diferentes regiones del país, está conformada por instrumentos de las familias de las maderas, metales, percusión y bajo. 

“Libro XI” es una composición de 2025 en la que Rodolfo Acosta Restrepo tiene como intención “dialogar con el espacio público y la ciudadanía para resignificar nuestro entorno cotidiano en ritual musical. Tras muchos contratiempos, lo único que quedó fueron los intérpretes e instrumentos, y una estructura temporal. Esta idea de sonido y tiempo como bases de la existencia, sumada a que la obra se estrenaría en el Claustro de San Agustín, me recordaron el ‘Libro XI’ de las Confesiones de aquel ilustre africano. ¡Naveguemos juntos este espacio/tiempo!”.

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Volví a un set de grabación y fui feliz. Hace rato no tenía el placer de estar invitada a la grabación de una producción colombiana, hasta que en julio me dijeron que si podía ir un día a las grabaciones de la película “Policiaco sin crimen” en Bogotá.

Una casa majestuosa del barrio La Magdalena era el escenario perfecto para ambientar esta historia que se desarrolla en los años 60 y está inspirada en el cine negro. Los protagonistas Juana Arias y Saín Castro filmaban sus escenas en las que los personajes Esperanza y Calvás sostenían un diálogo acalorado.

Semanas mas tarde, me preguntaron si me gustaría ir a Tunja a presenciar otra parte del rodaje. ¡Pero claro!, ¿cómo no?

Ese viaje fue más divertido de lo que pensé. Mi trabajo consistía en presenciar algunas escenas para entender el universo de “Policiaco sin crimen” y hacer las entrevistas necesarias para redactar el primer boletín sobre la película, algo que me gusta mucho, pero el grupo con el que viajé fue fantástico.

A algunos los conocía, pero no todos eran amigos míos. Durante el camino conversamos sobre cine, música, las familias y el quehacer periodístico.

La producción de “Policiaco sin crimen” nos trató muy bien y aguantó que estuviéramos por ahí borondiando, haciendo nuestro trabajo.

“Policiaco sin crimen” es la ópera prima de Darío Vargas, quien se rodea de grandes figuras que han forjado -junto a él- la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como Rosario Lozano (diseño de producción), Rosita Cabal (diseño de vestuario), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Cuenta con la producción ejecutiva de Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

De regreso a casa redacté este boletín de prensa que comparto en este blog:

En Bogotá y Tunja se llevó a cabo el rodaje de Policiaco sin crimen, ópera prima de Darío Vargas que, inspirada en el cine negro estadounidense de los años 40 y 50, se desarrolla en Colombia a comienzos de los años 60, época en la que los detectives Calvás (Saín Castro) y Calvo (Juan Carlos Benjumea) son contratados por Esperanza (Juana Arias), una misteriosa mujer que busca a su abuelo desaparecido.

La investigación conduce a los detectives a descubrir, con la ayuda de su asistente Adelguiza Prisa (Ángela Cano), que han sido objeto de un engaño y deberán develar los motivos por los cuales la mujer los ha contratado.

“Que no haya crimen le da el tono que, creemos, debe tener la película, un tono de buen humor y de humor negro. Policiaco sin crimen está inspirada en un cine muy popular en Hollywood de los años 40 y 50, y tiene algunas revisiones actuales como Sin City o Blade Runner, películas de cine profundo, de autor, pero inversas en el sistema de Hollywood, por lo que el cine negro es, quizás, una de las expresiones más claras de lo que es buen cine”, dice Darío Vargas, reconocido director de clásicos nacionales como ¿Por qué mataron a Betty si era tan buena muchacha? o En cuerpo ajeno.

En esta película lo policial está presente sin que el crimen sea protagonista, así que la ciudad donde se desarrolla se presenta húmeda, fría, con rincones oscuros que parecen guardar secretos invisibles.

Fue así como las calles del barrio La Magdalena de Bogotá y las del centro de Tunja se tiñeron del ambiente de los 60 durante las semanas que duró el rodaje.

“Como estaban planteadas las escenas exteriores para recrear los inicios de los años 60 eran muy difíciles de realizar en Bogotá, teniendo en cuenta nuestro presupuesto de cine independiente. Por eso le propuse al director rodarlas en Tunja porque la ciudad tiene muchas edificaciones de los años 50 y 60”, comenta el productor ejecutivo Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

Fotograma “Policiaco sin crimen”: Juana Arias como Esperanza.

La experiencia de más de tres décadas en la industria audiovisual de Vargas y Guarín se complementa con el trabajo de algunos de los mejores profesionales que han impulsado la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como lo es Rosario Lozano (diseño de producción de Crónicas de una generación trágica, Bolívar soy yo o La Pola), Rosita Cabal (diseño de vestuario de Yo soy Betty, la fea; Leandro Díaz o La Vorágine), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Con este equipo, Darío Vargas y Óscar Guarín crearon una propuesta visual y estética de Policiaco sin crimen que se apoya en una paleta de colores desaturada dominada por tonos fríos (grises, verdes apagados, marrones tierra y azul petróleo), uso constante de lluvia fina y niebla suave que refuerzan el tono melancólico y ambiguo de la historia, y locaciones urbanas nostálgicas (bares con muebles de madera oscura, cafés antiguos, oficinas con escritorios pesados, y calles adoquinadas iluminadas por faroles tenues). 

El vestuario, por supuesto, está inspirado en la elegancia formal de la época, con una marcada influencia del cine negro, adaptada al contexto bogotano de principios de los 60. El maquillaje y la peluquería refuerzan esta estética con sobriedad y coherencia histórica.

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Inspirado en “La Bachué“, obra que Rómulo Rozo en 1925, una de las primeras obras indigenistas de la historia del arte en Colombia, que representaba el mito fundacional de la cultura Muisca; Mateo López intenta hacer una adaptación de estas historias, un doble mito fundacional: el prehispánico y el del arte colombiano.

-> BOG25: borondo por la Bienal de Arte de Bogotá

En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25, en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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