Hace unas décadas, Bogotá reunía, cada dos años, lo mejor del teatro, el circo y la danza durante Semana Santa.

Quienes no vivíamos en la ciudad nos programábamos para viajar y ser partícipes del Festival Iberoamericano de Teatro que, bajo la dirección de Fanny Mikey, nos daba la posibilidad de ver espectáculos que difícilmente llegaban al país.

Durante muchas de las ediciones del Iberoamericano yo vivía en Cali y añoraba estar en Bogotá para gozar la oferta cultural de esa época, una época en la que los conciertos de artistas internacionales no llenaban la agenda como estos días; una época en la que el estadio El Campín no lo prestaban para conciertos y en los que ni siquiera había debutado el Circo del Sol en el país. Y ni hablar de la oferta cultural caleña.

En fin. Cuando en 2008 me vine a vivir a Bogotá fui muy feliz porque justo a los meses comenzó el Iberoamericano. Yo disfrutaba mucho cada cubrimiento porque era nueva en mi trabajo, nueva en El Espectador, nueva en Bogotá y nos invitaban conjuntamente con Lucho, mi esposo, así que era fantástico.

Mi primer Iberoamericano como periodista de El Espectador, en 2008.

Con el tiempo me alejé del Iberoamericano y del Teatro. No recuerdo exactamente qué sucedió que nos separó el camino. Tal vez fueron los turnos .com que cubrí en Semana Santa, o que con el tiempo me afiancé en la escritura y cubrimiento del cine, la televisión y las artes plásticas.

La cosa es que dejé de ir a teatro, pero la vida y sus sorpresas me devuelven a la escena porque tengo el privilegio de ser la jefe de prensa del FIAV Bogotá, el Festival Internacional de Artes Vivas.

El FIAV Bogotá no es el mismo Iberoamericano. Las diferencias van desde el presupuesto (el FIAV se realiza con dineros del Ministerio de Cultura, la Secretaría de Cultura de Bogotá y la Cámara de Comercio de Bogotá) hasta la apertura hacia las artes vivas, las que suceden aquí y ahora, las que reúnen en un mismo espacio y lugar a artistas y espectadores.

El reto para mí ha sido reencontarme con este término contemporáneo que abarca, teatro, danza, performance, circo y clown tanto clásico como vanguardista.

He leído y leído una y otra vez las reseñas para conocer obra por obra, agrupación por agrupación y cada una de las propuestas. He visto fotos, he visto videos. He hablado con los curadores y escucho atentamente cada entrevista que ofrecen para nutrir mi universo y poderme acercar mejor a los periodistas.

Conceptualmente ya tengo una idea de qué es y será el FIAV Bogotá. Pero estoy segura que cuando empiece el Festival será de otra forma que mi mente no se alcanza a imaginar porque, como sucede en las artes, una cosa es la palabra y otra es la puesta en escena. De hecho, así me pasó en la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25.

De hecho, la semana pasada tuve la oportunidad de ver un ensayo de una obra que, al leerla, no me llamó la atención, pero al ver a los actores en el escenario la cosa cambió.

Por ahora, pienso que los espectáculos de gran formato, la danza y las obras que reflexionan sobre la humanidad son los que me gustaría ver. Sin embargo, sé que lo mejor es dejarme sorprender de las propuestas que vienen de todos los continentes.

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El video muestra la persecución entre un globo y una aguja, así que, por medio de esta metáfora visual, Leo Vinz presenta un universo en el que la música sirve como guion para una trama de suspenso y resiliencia porque, a veces, el acto más valiente es simplemente mantenerse entero y seguir flotando.

“Todos libramos una lucha interna en la que se enfrentan nuestros deseos y los malos pensamientos. Lo difícil no es huir, sino proteger lo que llevamos dentro sin que explote. Bienvenidos a ‘Campos de Colores’”, expresa Leo Vinz, quien con esta propuesta quiere explorar y relatar las múltiples emociones humanas.

“Hay momentos en los que nos sentimos raros y no sabemos muy bien qué nos pasa. Por eso, quiero contar que por más situaciones buenas o malas que tengamos, hay una vida tras nosotros que de una u otra forma nos muestra lo positivo y bonito de quienes somos y de quienes nos rodean”, agrega el artista.

“Campos de colores” es una fábula visual sobre resistencia y fragilidad que se enmarca en el Verbopop, concepto estético con el que Leo Vinz define su identidad sonora y propuesta musical. Más que una etiqueta rígida, es un concepto estético que él describe como pop con densidad narrativa; es decir, canciones que mantienen la accesibilidad melódica del pop, pero que se distinguen por una carga lírica inusualmente rica y detallada.

En este proyecto, Leo Vinz es el director creativo que orquesta la fusión entre la composición musical y la narrativa; mientras que la composición visual, animación y dirección de arte estuvo a cargo de Juan Esteban García. Yura Mate, por su parte, fue la ilustradora que logró traducir la visión sonora en experiencia de alta sensibilidad.

“Campos de colores” es el más reciente lanzamiento de Leo Vinz, quien ya completa una década como cantautor y creador de historias animadas. Su anterior sencillo, “Pedaleando sin parar”, es una historia animada con enfoque ambiental que próximamente se expandirá a un videojuego interactivo.

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Michael Armitage es un artista keniano que reflexiona sobre la migración, desde quienes quieren llegar a Europa atravesando el Sahara y el Mediterráneo.

La sala de Fragmentos en la que se exhibe esta obra es grande. Muy grande. Y mi primera impresión fue pensar en que las cuatro pinturas, que son de gran formato, se perdían en la grandeza de la sala.

Sin embargo, mientras recorría el espacio y observaba las obras, fui yo quien me sentí perdida en la inmensidad, como si fuera una migrante en medio del mar.

La obra de Armitage hay que verla de cerca y de lejos. De cerca se puede apreciar la vulnerabilidad de los personajes, los detalles de los cuerpos y las texturas de la pintura; mientras que de lejos se percibe cómo los personajes se fusionan entre ellos y el mar, y el sufrimiento se hace evidente con el vacío de la sala. Por lo menos, así lo sentí yo.

Las pinturas de Michael Armitage están elaboradas en lubugo, un textil tradicional de Uganda, elaborado a partir de una corteza de árbol mediante una técnica con siglos de historia.

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Volví a cine. Hace rato no tenía ni tiempo, ni energía para ir a la sala de cine, pero en estos días de vacaciones con Lucho fuimos a cine de 2:00 p.m. Mi hija Laura nos enseñó cómo comprar boletas a través de DaviPlata y de verdad sí quedan más económicas.

Decidimos volver a cine y ver “Valor sentimental”, una película noruega dirigida y escrita por Joachim Trier en la que dos hijas se reencuentran con su padre Gustav (Stellan Skarsgård), tras la muerte de su madre. Este reencuentro, por supuesto, está lleno de sentimientos encontrados y cada una lo vive diferente.

Para Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) la situación es más fácil porque al ser la más pequeña, sus recuerdos sobre las peleas y el divorcio de sus padres es diferente a los que guarda Nora (Renate Reinsve), quien está muy cargada de dolor convertido en ira.

Por su parte, Elle Fanning encarna a Rachel, esas personas que se ven envueltas en dinámicas familiares o amorosas que no les corresponden…

“Valor sentimental” es un gran relato sobre cómo las familias se van rompiendo generación tras generación, y cómo los dolores, las penas y los sentimientos no hablados se vuelven tan pesados que no dejan vivir. En esta película la casa física es una gran metáfora de las cargas físicas y mentales que se acumulan décadas tras décadas y de los patrones repetidos.

Me gusta el papel de Agnes, quien se da el tiempo y el espacio para conocer su historia familiar para tratar de entender de dónde viene tanto dolor. Me encanta el padre, Gustav, porque me fue difícil culparlo. Él, un cineasta reconocido, hizo lo que pudo y, desde mi punto de vista, le da una salida a Nora, así no haya sido lo que ella esperaba.

Y esa, para mí, es la gran lección de “Valor sentimental”: aprender a valorar el lenguaje amoroso que cada persona sabe expresar para aliviar nuestro dolor, así no sea lo que exactamente buscamos o necesitamos. Por algo se comienza y así como el odio y la rabia se alimenta del loop, el amor también.

Mientras estaba en la sala de cine pensé varios momentos que estaba viendo “La peor persona del mundo”, otra película del director Joachim Trier… Pero estando en mi casa caí en cuenta que, aunque ambas películas tratan del dolor que afecta nuestra personalidad y nuestra vida, “La peor persona del mundo” se centra en las vivencias de la protagonista y cómo sus actos afectan a sus parejas y amigos; mientras que “Valor sentimental” va más allá y nos muestra dónde nace el dolor… el contexto, el todo.

“Valor sentimental” obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025, cuenta con ocho nominaciones a los Golden Globe, incluyendo Mejor Película – Drama y Mejor Película de Habla No Inglesa, y es la candidata oficial de Noruega a los Premios de la Academia 2026.

Nora y su hermana Agnes en “Valor sentimental”.

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Creada en 2013, la Banda Filarmónica Juvenil es tal vez la más popular de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, por la naturaleza de su repertorio. Integrada por 40 talentosos artistas procedentes de diferentes regiones del país, está conformada por instrumentos de las familias de las maderas, metales, percusión y bajo. 

“Libro XI” es una composición de 2025 en la que Rodolfo Acosta Restrepo tiene como intención “dialogar con el espacio público y la ciudadanía para resignificar nuestro entorno cotidiano en ritual musical. Tras muchos contratiempos, lo único que quedó fueron los intérpretes e instrumentos, y una estructura temporal. Esta idea de sonido y tiempo como bases de la existencia, sumada a que la obra se estrenaría en el Claustro de San Agustín, me recordaron el ‘Libro XI’ de las Confesiones de aquel ilustre africano. ¡Naveguemos juntos este espacio/tiempo!”.

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Volví a un set de grabación y fui feliz. Hace rato no tenía el placer de estar invitada a la grabación de una producción colombiana, hasta que en julio me dijeron que si podía ir un día a las grabaciones de la película “Policiaco sin crimen” en Bogotá.

Una casa majestuosa del barrio La Magdalena era el escenario perfecto para ambientar esta historia que se desarrolla en los años 60 y está inspirada en el cine negro. Los protagonistas Juana Arias y Saín Castro filmaban sus escenas en las que los personajes Esperanza y Calvás sostenían un diálogo acalorado.

Semanas mas tarde, me preguntaron si me gustaría ir a Tunja a presenciar otra parte del rodaje. ¡Pero claro!, ¿cómo no?

Ese viaje fue más divertido de lo que pensé. Mi trabajo consistía en presenciar algunas escenas para entender el universo de “Policiaco sin crimen” y hacer las entrevistas necesarias para redactar el primer boletín sobre la película, algo que me gusta mucho, pero el grupo con el que viajé fue fantástico.

A algunos los conocía, pero no todos eran amigos míos. Durante el camino conversamos sobre cine, música, las familias y el quehacer periodístico.

La producción de “Policiaco sin crimen” nos trató muy bien y aguantó que estuviéramos por ahí borondiando, haciendo nuestro trabajo.

“Policiaco sin crimen” es la ópera prima de Darío Vargas, quien se rodea de grandes figuras que han forjado -junto a él- la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como Rosario Lozano (diseño de producción), Rosita Cabal (diseño de vestuario), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Cuenta con la producción ejecutiva de Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

De regreso a casa redacté este boletín de prensa que comparto en este blog:

En Bogotá y Tunja se llevó a cabo el rodaje de Policiaco sin crimen, ópera prima de Darío Vargas que, inspirada en el cine negro estadounidense de los años 40 y 50, se desarrolla en Colombia a comienzos de los años 60, época en la que los detectives Calvás (Saín Castro) y Calvo (Juan Carlos Benjumea) son contratados por Esperanza (Juana Arias), una misteriosa mujer que busca a su abuelo desaparecido.

La investigación conduce a los detectives a descubrir, con la ayuda de su asistente Adelguiza Prisa (Ángela Cano), que han sido objeto de un engaño y deberán develar los motivos por los cuales la mujer los ha contratado.

“Que no haya crimen le da el tono que, creemos, debe tener la película, un tono de buen humor y de humor negro. Policiaco sin crimen está inspirada en un cine muy popular en Hollywood de los años 40 y 50, y tiene algunas revisiones actuales como Sin City o Blade Runner, películas de cine profundo, de autor, pero inversas en el sistema de Hollywood, por lo que el cine negro es, quizás, una de las expresiones más claras de lo que es buen cine”, dice Darío Vargas, reconocido director de clásicos nacionales como ¿Por qué mataron a Betty si era tan buena muchacha? o En cuerpo ajeno.

En esta película lo policial está presente sin que el crimen sea protagonista, así que la ciudad donde se desarrolla se presenta húmeda, fría, con rincones oscuros que parecen guardar secretos invisibles.

Fue así como las calles del barrio La Magdalena de Bogotá y las del centro de Tunja se tiñeron del ambiente de los 60 durante las semanas que duró el rodaje.

“Como estaban planteadas las escenas exteriores para recrear los inicios de los años 60 eran muy difíciles de realizar en Bogotá, teniendo en cuenta nuestro presupuesto de cine independiente. Por eso le propuse al director rodarlas en Tunja porque la ciudad tiene muchas edificaciones de los años 50 y 60”, comenta el productor ejecutivo Óscar Guarín, quien además de estar detrás de producciones legendarias como Las aguas mansas o Azúcar, es figura clave en series actuales como Emma Reyes o Cosiaca.

Fotograma “Policiaco sin crimen”: Juana Arias como Esperanza.

La experiencia de más de tres décadas en la industria audiovisual de Vargas y Guarín se complementa con el trabajo de algunos de los mejores profesionales que han impulsado la industria audiovisual nacional desde el siglo pasado, como lo es Rosario Lozano (diseño de producción de Crónicas de una generación trágica, Bolívar soy yo o La Pola), Rosita Cabal (diseño de vestuario de Yo soy Betty, la fea; Leandro Díaz o La Vorágine), Andrés Vargas (dirección de arte) y Mauricio Cadavid (dirección de fotografía), entre otros.

Con este equipo, Darío Vargas y Óscar Guarín crearon una propuesta visual y estética de Policiaco sin crimen que se apoya en una paleta de colores desaturada dominada por tonos fríos (grises, verdes apagados, marrones tierra y azul petróleo), uso constante de lluvia fina y niebla suave que refuerzan el tono melancólico y ambiguo de la historia, y locaciones urbanas nostálgicas (bares con muebles de madera oscura, cafés antiguos, oficinas con escritorios pesados, y calles adoquinadas iluminadas por faroles tenues). 

El vestuario, por supuesto, está inspirado en la elegancia formal de la época, con una marcada influencia del cine negro, adaptada al contexto bogotano de principios de los 60. El maquillaje y la peluquería refuerzan esta estética con sobriedad y coherencia histórica.

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Inspirado en “La Bachué“, obra que Rómulo Rozo en 1925, una de las primeras obras indigenistas de la historia del arte en Colombia, que representaba el mito fundacional de la cultura Muisca; Mateo López intenta hacer una adaptación de estas historias, un doble mito fundacional: el prehispánico y el del arte colombiano.

-> BOG25: borondo por la Bienal de Arte de Bogotá

En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25, en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Cuando Paula Jaramillo me invitó al proyecto me dio felicidad. Luego, al ver la magnitud del evento, me dio miedo.

Me devuelvo a agosto. La Bienal no había comenzado, pero ya estaba en marcha. Nosotras, en Trébol, acabábamos de ingresar y entender desde el concepto y la palabra BOG25 fue todo un reto porque, entre nuestras tareas, estaba redactar el boletín de prensa.

Un día de trabajo nos llevó a Paula, a Litza y a mí organizar una matriz que, en teoría, sería corta y que, al final, resultó en 15 páginas. El ‘boletín’ de prensa lo hicimos como si navegáramos un sitio web, así que aparte de esas 15 páginas se desprendían otros temas sobre el eje curatorial, los directores, curadores, artistas… además de unas entrevistas en video y texto que apoyaban el trabajo periodístico que, en un principio, no tenían acceso a las obras en sí porque no había comenzado oficialmente BOG25.

Desde que comenzó la Bienal mi acercamiento al evento cambió y lo he podido disfrutar mucho y estoy muy feliz.

Pero muy feliz porque he podido ver y escribir la cultura desde otro sitio, he podido ingresar a edificios iconos, he podido hablar con gente magnífica, he podido hacer de mi escritura un servicio bonito (espero).

Hoy quiero compartir algunas de las exposiciones a las que he podido ir.

Archivo de Bogotá
En este edificio están expuestas las obras que tienen que ver con el eje ‘Infancia’ de la curaduría ‘Ensayos sobre la felicidad’. Aquí la infancia no es considerada como la etapa más feliz de la vida porque los adultos hemos creado un mundo en el que los menores viven su mayor vulnerabilidad.

Artistas: Marilá Dardot, Carmenza Banguera, Iván Argote, Linda Sánchez & Baptiste Croze, Clemencia Echeverri, Francis Alÿs y Jorge Méndez Blake + Taller Paralelo Arquitectos.

Arte Popular
En el segundo piso del Claustro de San Agustín UNAL una sala de color morado acoge la obra de 30 artistas que ven lo #popular como inspiración y como expresión artística. Está curada por Elkin Rubiano. Muchas de estas obras las tendría en mi casa: fachadas de casas, edificios, buses… la nostalgia está muy presente en estas obras.

Palacio de San Francisco
En este edificio ubicado en la Avenida Jiménez con carrera Séptima están la mayoría de las obras de la curaduría ‘Ensayos sobre la felicidad’.

Museo Aerosolar
El Museo Aerosolar es una construcción colectiva con bolsas recicladas. Se lee como cualquier cosa, pero al verlo adquiere otra dimensión. Para BOG25 se realizó con bolsas que fueron intervenidas por niños que reflexionaron sobre la felicidad. Ver esta obra / intervención/ comunidad tomar vida es muy lindo. Es mucho más profundo que ver bolsas recicladas pegadas entre sí.

Arañas en el Paraíso
María Fernanda Cardoso exhibe en la Cinemateca de Bogotá una obra sobre las conductas sofisticadas de cortejo de las arañas Maratus, conocidas como arañas pavo real, típicas de Australia.

“Arañas del Paraíso”, 2014–2024. Impresión de pigmentos en papel fotográfico.
“Sobre los orígenes del arte I y II”, 2016. Video digital a color, sonido hiperrealista con dimensión táctil.

OVNI – Objetos visibles no identificados –
BOG25 tiene Curadurías Independientes, exposiciones que trazan un mapa sensible y plural de la ciudad contemporánea, vista desde sus márgenes, fisuras y potencias.

Son 5 los curadores independientes. Una de ellas es Ana María Cifuentes, quien e “OVNI – Objetos visibles no identificados –” reúne obras y procesos artísticos pluridisciplinarios que ofrecen miradas creativas, críticas y sensibles sobre el espacio público bogotano.

Canibalias
En el espacio público del centro Mapa Teatro presenta “Canibalias”, un carnaval mestizo inspirado en la fiesta de los Santos Inocentes del Pacífico colombiano que activa el goce como forma de resistencia ante los ritmos productivos de la ciudad.

Mateo López presenta “Ballet Bachué” en la Bienal de Arte de Bogotá BOG25
En en el Teatro El Parque (Parque Nacional) exhibe un corto y una serie de esculturas en metal, madera y piedra – o bien pueden ser personajes de una obra -, con el fin de discutir y reflexionar sobre: los ciclos y dogmas del arte, el simbolismo, los conflictos entre la danza contemporánea y el folclor, los oficios, y el estudio del artista como un lugar de ficción.

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Hace unas semanas Toc Talk me invitó a ver “Noviembre”, película de Tomás Corredor que revive la memoria de la toma y retoma del Palacio de Justicia.

Desde hace unos años no leo nada previamente sobre películas o series, así que no tenía ningún contexto. Sin embargo, cuando llegamos con mi esposo a la proyección alcancé a escuchar algo del grupo focal que acababa de ver la película.

“Prepárate para llorar”, me dijo Andrés Páramo.

Hice mi mejor esfuerzo para no escuchar los comentarios de la gente que había visto la película, gente de mi generación. Esto suena un detalle menor, pero no. En mi grupo focal había muchos jóvenes que no tenían mucho contexto del Palacio y pues… bueno, eso marca la diferencia en cómo te acercas a la historia.

Debo decir que “Noviembre” me gustó mucho. Es de las buenas historias que he visto este año. Me encanta que trasciende la discusión del bueno y el malo y se queda en unos tonos de grises donde reina la humanidad en escenas donde se comparten unas pastas para el dolor, el duelo o el miedo.

 “Noviembre” abre una nueva discusión sobre el Palacio de Justica desde el Estado, pero también desde los ciudadanos. Puede ser que desde el periodismo la información se quede en números, más que en historias, pero también es debatible el poco interés que tenemos por acercarnos a nuestros acontecimientos nacionales.

Precisamente, al ver esta película recordé que hace un par de años vi la exposición “Huellas de desaparición. Los casos de Urabá, Palacio de Justicia y Territorio Nukak”, el resultado del proyecto de investigación realizado desde marzo de 2019 por la Comisión de la Verdad y por Forensic Architecture, agencia de investigación con sede en Goldsmiths, Universidad de Londres. Es el primer avance de hallazgos investigativos de la Comisión de la Verdad.

Esta exposición se pudo ver entre el 2021 y 2022 en el Museo Miguel Urrutia de Bogotá, MAMU, y dejó claro algo: desaparición es una constante en Colombia; pero hay diversas desapariciones. En el caso del Palacio de Justicia se enfocaron en la desaparición forzada de personas. En Urabá se centraron en la desaparición de la tierra, los paisajes, las fincas y la vida campesina: y en el Amazonas se concentraron en la desaparición del ecosistema y las formas de vida del pueblo Nukak.

Películas como “Noviembre” vienen a remover mi memoria. ¿Qué tan pequeña estaba cuando ocurrió la toma y retoma del Palacio de Justicia? ¿Por qué, a pesar de haber trabajado en El Espectador, este tema es tan lejano para mí? ¿Por qué una exposición y una película tocan mis fibras más que el informe noticioso?

¡Qué maravilla lo que hace el arte en mi!

“Noviembre” se estrena este 2 de octubre en salas de cine en Colombia.

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Mi amiga Litza me invitó a escribir el boletín de prensa y aquí lo comparto:

Bogotá con sus luces y sombras, con los reflejos del agua encharcada, con las calles que guardan los misterios de la noche, con los muros que generan segmentación y con ella las diferentes realidades, protagoniza la nueva película colombiana Tres lunas nuevas, que llega a los cines a partir del 21 de agosto.

Este largometraje de ficción, ópera prima del director Rodrigo Dimaté, cuenta tres historias de jóvenes que viven en San Luis (vía La Calera), Kennedy y el centro de Bogotá. Alex (16) no va al colegio y pasa su día por ahí, en aparente libertad, haciendo lo que le dijeron que no hiciera; Steven (20) intenta mantener un trabajo, pero siempre hay un amigo, una fiesta, un problema; y Kevin (23) quiere huir de la droga y la violencia, esperando, en medio de continuos fracasos, un milagro.

Los protagonistas de cada relato son testigos del caos y el frenetismo. Toman consciencia de su realidad sin dejar de estar expuestos, hasta el crucial momento en que deben resistir o ceder al remolino, a un destino repetido por muchos, a la violencia natural que recorre las calles y callejuelas como fluido vital que moviliza y posibilita todo.

“Este proyecto empezó a tener una motivación desde los barrios y sus problemáticas, y un tema muy importante de fondo es el tema de la droga, específicamente el bazuco, que es la salida al vacío que hay en la juventud, a la falta de oportunidades, al no futuro, a la imposibilidad de los sueños”, expresa Rodrigo Dimaté.

La estética y el discurso de las calles de Bogotá

“Esta película se cuenta desde el barrio y las calles de Bogotá, lo que tiene lugar allí y que como ciudadanos generalmente no miramos”, dice la productora María Jimena Barreto.

En Tres lunas nuevas se exhibe Bogotá y sus espacios a través de un recorrido por diferentes barrios, en donde sale a relucir la violencia que permea las relaciones con la familia y los amigos, dando paso a la traición y el desencanto.

Estéticamente, recurre a la ficción para representar cómo se piensa y se muestra el barrio a partir de la creación de los personajes, sus conflictos y situaciones, que se narran con el discurso, el guion y la música. Los conocedores del rap, por ejemplo, reconocerán las letras de Pedro Alemán, Lancelot y Askoman, así como  la aparición en escena del emblemático Fumas Bolívar.

Otro aspecto importante y diferencial de Tres lunas nuevas es que cuenta con el trabajo de jóvenes actores profesionales como Marlon Rodríguez (Alex), Elkin Caro (Steven), Juan Diego Mosquera (John). Así mismo, participan actores reconocidos del teatro: Diego Barragán, Juan Manuel Combariza, Fabián Martínez, Fabián Velandia, Isis González y Sirley Martínez y otros actores no profesionales como Martha Correa (Cecilia), reconocida por su interpretación en La vendedora de rosas, y Tito Gómez, protagonista de La mujer del animal.

Tres lunas nuevas es el primer largometraje de Rodrigo Dimaté, cineasta y docente que durante más de una década ha impulsado iniciativas artísticas a través de una mirada estética que surge de las realidades locales, las dinámicas sociales y los encuentros entre el cine y la literatura.

En ese contexto, la película responde al interés del director y la productora María Jimena Barreto de continuar la investigación sobre los jóvenes que viven en barrios de la periferia bogotana, un proceso que comenzaron hace varios años de la mano de la productora Quó Cine, con la que realizaron los cortometrajes Vida de un rey, Los asesinos y Asunto fractal.

Esta exploración continúa con Tres lunas nuevas: historias que llevan la marca de la ciudad, en la que palpitan emociones y contradicciones; mientras que la luna nueva, invisible, es rasgo de la noche oscura y quizás un rasgo que representa a los protagonistas de la película, escondidos en las esquinas, también invisibles. 

Tres lunas nuevas es una película de Quó Cine, en asocio con Baal Cine y Radiola Films. Con el apoyo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Proimágenes Colombia. La distribución en Colombia está a cargo de Danta Cine.

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