Esta es una reflexión sobre el valor cultural que para Occidente poseen algunas formas de la imagen en la Semana Santa, y un aporte a la comprensión del fenómeno icónico en una época que requiere referentes para pensar las maneras de hacer y de vivir las identidades religiosas no solo en el universo cristiano.

Para comenzar hay que decir que por estos días finalizando marzo, constatamos la influencia de la Semana Santa en la transmisión de valores y en la formación de la conciencia cristiana, como también es indiscutible que presenciamos la riqueza estética y cultural de la iconografía religiosa que nos ha llegado a través de los siglos, y el valor tanto comunicativo como educativo que la procesión, el viacrucis, los vitrales, el arte escultórico y pictórico adquieren en el proceso evangelizador de todos los tiempos.

En ese orden de ideas una de las tesis esbozada en este escrito, es que la imagen del espíritu cristiano – el ícono religioso –  es mediación de la fe al menos en tres sentidos y relaciones: teológico – filosófico, comunicativo – educativo y antropológico – cultural.

Es tan real y verdadero el papel de mediación de la imagen religiosa, que hoy y desde hace tiempo se reconoce el papel protagónico del cristianismo y de la iglesia católica en la construcción de lo que hoy conocemos como comunicación social y en las ideas y aplicación de la comunicación educativa, sobre todo en Latinoamérica si tenemos en cuenta que la palabra y la imagen han sido importantes medios para la formación de las sociedades en la fe.

Algunos orígenes

Para ubicar algunos referentes culturales que permitan identificar los orígenes de prácticas culturales e icónicas como la procesión, se puede decir que estas toman elementos expresivos en las fiestas paganas de la antigüedad europea, eso sí, teniendo en cuenta que no sólo en el pasado de Europa se han usado estos actos de fe.

Por otra parte y a pesar de las dificultades históricas que enfrentó la imagen religiosa (con los iconoclastas en el arte bizantino por ejemplo), en la Edad Media la iconografía religiosa de la procesión, cobra fuerza tras la mixtura generada entre el Auto de fe sacramental (primero en la Inquisición y después en el teatro didáctico religioso) y las fiestas masivas celebradas en el seno de la cultura popular, eclipsando en muchas ocasiones las imágenes del carnaval y desplazándolo a los márgenes de los primeros meses o a mediados del año, definiendo así para la sociedad los tiempos de lo sacro y lo profano.

Imágenes secuenciadas como el viacrucis, si bien podrían tener orígenes en los recorridos que hacían los primeros cristianos por lugares sagrados, es en la Edad Media que se consolida su forma estructural a la manera de relato y como representación de instantes significativos en la vida, pasión, muerte y resurrección de Jesús.

En su momento estas imágenes “instantáneas” habían sido usadas en la Biblia pauperum, o Biblia de los pobres, que sirvió para la difusión del cristianismo entre analfabetas que no dominaban el idioma latín, y en los retablos pintados que luego tomarían forma en el teatro doctrinario.

Con respecto a los vitrales, el arte escultórico y pictórico, existen innumerables escritos y documentos audiovisuales, que explican la manera como se promovió la creación de una iconografía religiosa, que además de estar amparada por el mecenazgo de la iglesia, sirvió para el desarrollo de la plástica figurativa, y de paso para el estancamiento del lenguaje pictórico y escultórico de Occidente en muchos casos, cuya reacción generó el “giro pictórico” en las variadas formas plásticas de las vanguardias a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

Como se puede apreciar, aquí deseo resaltar la importancia de dichas imágenes en un dos períodos: La Edad Media y El Renacimiento, tiempos en los cuales la iconografía religiosa además de servir para adoctrinar, cumplió un papel importante en la construcción de la realidad empírica de las Sagradas Escrituras, si se tiene en cuenta que la tradición cristiana se transmitió de generación en generación inicialmente en clave oral, luego escrita, después icónica y hoy en día en una articulación multiexpresiva (como dice el profesor Rodrigo Argüello) y multimediática muy evidente.

Así es que el proyecto icónico cristiano logró hacerle frente a la realidad empírica promovida por la ciencia positiva y la razón, que con frecuencia amenaza con fisurar los soportes de le fe.

Con todo esto, transformaciones y hondos cambios, es a través de la imagen pictórica y escultórica que se estableció un régimen visual que domina hasta nuestros días, pese a la existencia de la fotografía, el cine y la televisión como medios dominantes en la construcción empírica y simbólica de la realidad. Medios que cambiaron definitivamente la referencia de la realidad, no solo desde el parecido de la imagen con el objeto representado, sino además con el carácter verosímil de lo que en ellos se representa.

Otro aspecto que vale esbozar aquí, es que gracias a la amplia difusión social en el período de La Conquista de América (a menudo con la cruz en una mano y con la espada en la otra), el espíritu de la imagen y la imagen del espíritu son dos fenómenos que se constituyen en expresión pública del acto de fe, que para la mayoría de latinoamericanos juega un rol muy importante en la formación de un espíritu cristiano, el cual se difuminó en diversos centros promotores de semejantes procesos culturales y educativos: En las familias, las instituciones educativas, las iglesias, los medios de comunicación y las fiestas religiosas. Todos ellos encargados de la herencia cultural religiosa y la afirmación de la fe mediante dispositivos de memoria como los que hoy vemos en Semana Santa.

Transmisión cultural

Los rasgos físicos y los vestuarios de las imágenes religiosas que hacen referencia a la cristiandad rebasan lo meramente cosmético, hacen parte de la manera que encontró el proyecto evangelizador para avanzar a través del dominio eurocéntrico que trajeron los colonizadores y que se traduce en la fisonomía de las imágenes religiosas por ejemplo.

Y aun así, no sólo los cabellos rubios y los ojos verdes o azules hacen parte de esta mímesis cultural que bien puede ser muy lejana a la realidad étnica de aquel tiempo en Medio Oriente, puesto que es conocida la existencia de imágenes negras de Jesucristo y la Virgen María en diferentes latitudes por poner tan solo un ejemplo. Es decir que la transmisión cultural de la fe cristiana encontró varias vías miméticas o imitativas de la naturaleza latinoamericana, hasta quedarse como parte de la cotidianidad fervorosa de la gente creyente en este continente.

Memoria religiosa

La participación de los fieles, la transmisión cultural y los actos públicos de la fe, hacen parte del modo de ser del mundo cristiano que por estos días encuentra la manera no solo de representar y ratificar sus vínculos con Dios, sino que además perpetúa la memoria religiosa en medio de fuertes cambios sociales.

Si acaso esto implicara hondas transformaciones en la iglesia de ayer y de hoy, ¿cambiarían de alguna manera las representaciones de la fe?, ¿volvería a transformarse el espíritu de la imagen y la imagen del espíritu como lo he reseñado?, ¿qué papel jugará tanto la palabra como la imagen para mediar la fe en los años por venir?

NOTA: Las imágenes fueron tomadas en Pereira por el autor del escrito durante esta Semana Santa que pasa.

Omar Renderos en la obra Tres viejos mares. Fotografías de Diego Leandro Marín.

La luz ilumina a un hombre que vestido de colores claros descansa en una hamaca, se encuentra acompañado por otro hombre y una mujer. Los tres rodeados de telas que cuelgan del aire, iluminadas y azules como las olas del mar, como el cielo del caribe, como las nubes de Tres viejos mares, la obra de teatro que dio a conocer a la agrupación Escena Norte en el pasado Festival Internacional de Teatro de Manizales en el año 2011.

Uno de los hombres es Omar Renderos, actor y escritor salvadoreño nacido en la ciudad de Santa Ana.

CIUDAD E INFANCIA

Santa Ana guarda en su Centro Histórico, en su arquitectura la riqueza cultural que llevó a que la denominaran la Ciudad Heroica, sobre todo por el acontecimiento de insurgencia llamado “los  44”. Además en el siglo pasado fue potente el cultivo de café por lo que aún mantiene ese rubro económico aunque en menor escala dice Omar. En los tiempos prehispánicos fue llamada SIHUATEHUACAN, que en el dialecto Náhuatl significa: “ciudad de mujeres bellas, de sacerdotisas”.

Sus calles cubiertas de árboles de almendros me refrescan, su ropaje de gala, sus calles con andenes angostos por donde ha transitado mi niñez y juventud me hacen caminar  con severa tranquilidad, gozo y nostalgia.

La ciudad en la que Omar nació y creció es tierra Maya, ubicada al occidente de El Salvador y en los límites con Guatemala cuenta con menos de 300.000 habitantes, y por sus calles y escenarios ha transcurrido la vida de este actor. De la niñez precisamente extraña el juego  con sus amigos de barrio, su abuela quien sin saberlo lo preparaba para lo que ahora más ama: El teatro. La abuela se encargaba de vestirlo de apóstol para  Semana Santa y de pastorcito para la Navidad.

Extraño a mi familia numerosa reunida un domingo donde mi tía “Menche”, ella preparaba los mejores guisos que aún están en mi paladar, en mis sueños, extraño a mi padre, con quien a su lado escuchaba la radiola (cada domingo disfrutaban los programas de boleros), extraño mis almendros galantes vistiendo a mi ciudad, recuerda Omar.

 VIDA Y TEATRO

Lo enamoró el teatro desde que su abuela lo preparaba como un personaje para las festividades religiosas, y más aún una tarde de lluvia en la que pasó por el parque central de Santa Ana, y se detuvo por instantes a ver el majestuoso teatro que tienen los salvadoreños, un bello escenario construido a comienzos del siglo XX por arquitectos italianos.

Yo dije: “algún día estaré allí”, luego pasé a la capital San Salvador y cursé un diplomado en teatro en la Universidad donde a la vez estudiaba Relaciones Públicas y Comunicaciones.

Y es que fue desde 1993, hace ya casi 20 años, que la semilla sembrada por su abuela, comenzó a dar frutos al lado de su primer maestro: Ciro Rivera, con quien hizo el Diplomado en la Universidad Tecnológica, quien luego lo invitó a formar parte de su colectivo llamado Comunicateatro. Más tarde pasó a formar parte del Teatro Estudio de San Salvador (TESS) dirigido por Fernando Umaña, quien a la vez es el Director del Festival  Internacional de Teatro “Creatividad sin fronteras”, y recientemente ha trabajado Charo Francés y Arístides Vargas del grupo Malayerba del Ecuador, con quien realizó talleres de actuación y montaje de la obra Tres viejos mares, puesta en escena con la que han tenido la dicha de recorrer diversos festivales de Centro y Sur América, incluyendo el Festival Internacional de Teatro de Manizales.

Omar Renderos con Patricia Orantes “Piedad” y Edgar Valeriano “Marcial” en la obra Tres viejos mares.

TEATRO SIN FRONTERAS

Omar tiene su propio proyecto llamado Escena Norte, desde allí se concentra y se  facilita su plataforma de trabajo, pero además participa como actor invitado en   diferentes grupos y con colegas con los que encuentra coincidencias antes que  técnicas, humanas.

Por otra parte es el Vice-presidente de la Asociación  Centroamericana de Teatro Proyecto Lagartija, una organización de actores y actrices centroamericanos que  trabaja en red para generar encuentros que fortalezcan la investigación de la técnica actoral, el intercambio cultural por medio de capacitaciones, producciones de espectáculos y muestras de teatro centroamericano; todo abrigado dentro de una filosofía que cultive el desarrollo  del  pensamiento social enfocado a la cultura de paz.

Al respecto afirma: siempre juega un papel importante la esperanza hacia un mejor cambio, el hecho de establecerte en una sociedad más humanizada puede ser para algunos algo utópico, para mí no es inalcanzable, es una faena que día a día deberíamos capitalizar. La afectación es necesaria en cuanto  ésta  se incline por un desarrollo social que implique estrategias justas, y allí es donde evidentemente se pierde la  esperanza, porque los sistemas políticos se malean y por ende toda una sociedad. El teatro sí capitaliza esta transformación para establecer un diálogo con una sociedad viéndose reflejada sea para bien o para mal. Y sí el siglo XXI nos trae nuevas tecnologías, nuevos pensamientos acerca  de la identidad o de la no identidad, diferentes razones de luchas y eso a los teatreros del siglo XX nos enriquece la visión de “qué hago y con quiénes”, entonces estaremos haciendo un teatro que amalgame esos vínculos generacionales, lo cual me parece rico en el desarrollo del  arte teatral en sí.

Para Omar una manera de darle forma a estas ideas es el Proyecto Lagartija, en este y junto a sus colegas se propone impulsar la investigación, la formación y capacitación actoral especializada, para fortalecer y desarrollar al teatro centroamericano como actor en los procesos de cambio social de nuestra región.

Con Proyecto Lagartija, realizan intercambios con actores, actrices, directores y directoras, dramaturgos, dramaturgas y especialistas en el arte escénico, originarios de países pertenecientes al área no centroamericana, algo de esto se experimenta en la actualidad, gracias al VIII Encuentro Centroamericano de Actrices y Actores que por estos días tiene sede en Belice, a lo largo del mes de enero de 2013.

TEATRO CENTROAMERICANO

Los temas recurrentes en el teatro de Centroamérica son la migración, las guerras, la violencia, la identidad, la solidaridad, la lucha de nuestros pueblos por mantener nuestros orígenes, el género, lo mítico de la existencia, de la vida y la muerte, señala Omar.

Desde luego que sí, mi región está cubierta de tantas historias  interesantes y por lo tanto el teatro se ha encargado de metaforizarlas, además  es presto en estos momentos hablar de movimientos ya que al fragor de todas las  adversidades los centroamericanos hemos salido adelante y eso nos hace muy creativos; y consecuentes con nuestras realidades. En el ámbito social hay movimientos de luchas por reivindicar y dignificar el trabajo de los artistas que cada vez estamos menos protegidos debido a la ausencia de políticas culturales  que deberían estar contempladas en la agenda de nación. Ahora mismo yo pertenezco al Movimiento  de Artistas Independientes (MAI), cuya razón de ser es defender el desarrollo de las artes en El Salvador.

De hecho son varios los frentes de actividad que Omar asume hoy en día: trato de aportar desde que me uno con otros colegas a formar Proyectos que integren una visión artística fundamentada en relaciones humanas constructivas. Aporto desde Proyecto Lagartija Centroamérica, desde el Movimiento de Artistas Independientes (MAI), uniendo voces  que reivindiquen nuestro trabajo y que la sociedad entera goce del derecho al arte en todas sus formas de expresión, considero que  aportamos todos los que  nos vemos inmersos en este Carromato de sueños y que el teatro ante todo nunca muere, mueren las ideas, pero se descubren otras y esa dialéctica es la que me tranquiliza pues sé que de por sí   mismo el teatro se “mueve”. Yo sólo me incluyo en el ritmo que lleva y voy construyendo la nota en la que mejor me puedo vincular con otros.

DRAMATURGOS

Aunque Omar prefiere la actuación también oficia como dramaturgo, la riqueza de su entorno escénico le aporta cada día elementos valiosos en esta labor, por ello entre muchos autores, encuentra impetuosas y radiantes las letras de aquellos que registran todo ese espíritu y ambiente del terreno centroamericano.

Prefiero asumir desde   lo  que conozco  más  cercano  a mi  contemporaneidad, para ello comparto contigo que tenemos la dicha de vibrar con la obra de una de nuestras dramaturgas que ha cosechado muchos méritos y reconocimientos, ella es Jorgelina Cerritos, salvadoreña, ganadora del premio Casa de las Américas  por su obra “Al otro lado del mar”, su obra ya ha sido montada en República Dominicana y en mi país, además  de  numerosas lecturas  que ha compartido en muchos países de Latinoamérica; en el caso de Nicaragua: Adolfo Torres,  ganador del Premio Nacional de Dramaturgia 2011; Aylin Morera, costarricense, directora   Teatro del Archipiélago; en Guatemala tenemos a Estuardo “Tato” Galdámez, además está el colectivo SOTZ’IL; en Honduras Felipe Acosta del Grupo Teatral Bambú y al Maestro Rafael Murillo Selva, todos ellos muy destacados y recocidos por la sociedad, debido a su aporte en el terreno  dramatúrgico contemporáneo.

TEATRO LATINOAMERICANO

Según Omar los personajes del Teatro Latinoamericano tienen muchas cosas en común: nuestras historias como países, como seres que hemos sufrido pobrezas, guerras,  enfermedades, migraciones, exilios, dictaduras, fenómenos naturales, violencia,  en fin, un mismo clímax con diferentes formas, pero  guardadas en una  Memoria Histórica en común, que nos hace almacenar registros propios. La audacia con que salimos adelante en la vida, lo mágico que nos inventamos para codificar nuestras formas de ser pícaro, bueno o mala gente, el simple hecho de   levantarnos todos los días para ingeniarnos la manera de conseguir el pan   nuestro de cada día y el sello de ser hospitalarios, a veces tristes, a menudo rimbombantes y alegres, eso me sella el ser latinoamericano y por lo tanto es imposible que nuestros personajes no se tiñan de esa esencia, pues al final estás allí siendo en la  escena y ese calor tropical y vario pinto se manifiesta.

Y es que para él, el teatro es una manera de hacer y transformar la historia, pues plantea una situación dada, la enfrenta con la sociedad y desde ese vínculo se  crea una disertación sobre qué podemos y qué no podemos tomar como Historia,  porque la historia depende también de quien la escriba, de la visión, la necesidad,   y los intereses que nos mueven, la historia es efímera también, porque cada   segundo la hacemos, entonces el teatro va con esos segundos porque al igual que la vida no es estático, va con lo que está fraguando el pensamiento social.

Con las  artes en general logramos hacer de algo ordinario algo extraordinario y eso puede  ser un acontecimiento  histórico muy importante para tan solo un individuo como para una sociedad entera. De allí que entre los dramaturgos que valora mencione a Arístides Vargas: porque logra encausar con un sustancial grado de poética todos los amores y desamores, abismos y pasiones que los humanos generamos. El trazo de la memoria histórica y los estados de soledad por donde transitan sus personajes son para mí, definitivamente, nuestros rasgos y eso hace verme en otros ángulos de identidad.

Omar Renderos con Patricia Orantes “Piedad” y Edgar Valeriano “Marcial”.

LO QUE VIENE

En actuación con Escena Norte y en coproducción con el Teatro Libre está depurando un texto en el que interpretará un personaje controversial, que le gusta por el reto que representa, tanto por su mundo, como por el toque de cabaret que quiere experimentar.

En cuanto a la dirección para el 2013 estrenará en la Opera de El Salvador Carmen, por lo que ya está trabajando tanto en la investigación como en la preparación de los personajes.

Por otra parte la aparición de su primera  dramaturgia, en un texto que nació a partir de la necesidad de plasmar un momento personal que implica el tránsito de una edad complicada será todo un reto.

Continuará con las giras de la obra Tres Viejos Mares hacia otros festivales.

Pero ahí no termina todo, este hombre amoroso y lleno de vitalidad está trabajando con el colectivo Oveja Negra Teatro y espera que todas estas experiencias, como tantas otras vividas en el teatro, le permitan replantear no sólo aspectos técnicos sino  terrenos  humanos, donde el juego de la metáfora se confronta con su memoria histórica.

Y anhela que esto lo lleve a escudriñar ese estado creativo que tanto le gusta y que a veces le duele. Pero así es este juego para él y lo disfruta. De hecho espera tener 50 años para volver a hacer la Celestina.

Finalmente y en medio de estos avatares visitar otra vez a Colombia, pues considera que es una nación de la cual se enamoró en su paso por Manizales: debo regresar a escuchar sus ritmos, sus calles  fraguadas de tanto olor a café, cumbia y amores pintados por García Márquez. ¡Gracias Colombia!, regresaré… ¿me esperas?, dice con un gesto de picardía y de ternura en su voz y en sus ojos.

Cortesía de Carlos Bernal, fotografía de Andrea Villarraga.

Los días 21 y 22 del pasado mes de diciembre en Casa de la Cultura Navarrete en Broadway, Nueva York, se presentó con amplia aceptación la obra de teatro “EL OCTAVO PECADO DE BUFALLO BILL” del autor colombiano Carlos Bernal, representado por EL “Grupo Esacto“ de Bogotá y dirigido por Jorge Herrera. El próximo 11 y 12 de enero, actuarán en la sala de teatro independiente “EL BAR” en Miami, Florida.

LA OBRA

En plena era digital, vislumbrándose la “partícula de Dios”, el tataranieto de Buffalo Bill y Gerónimo “el último guerrero apache”, que en la actualidad cuenta con 187 años, recorren los escenarios con su teatro de barraca. El rostro pálido expone las gracias y el talento del guerrero indio. Nos cuentan su historia: cómo fue cazado, capturado y castigado por el 7º de Caballería en la Batalla de Wounded Knee, los últimos días del lejano oeste y el proceso de culturalización y formación artística del apache.

Sucesivamente, los descendientes de Buffalo Bill han ido heredando su chaqueta de flecos, el legendario sombrero y a Gerónimo. Así, han podido representar ininterrumpidamente su show durante más de un siglo. El indio duerme en una nevera, se alimenta de jugos y frutas y solo es descongelado para que actúe en la función.

Van por el mundo cosechando algunos éxitos y muchos fracasos con su espectáculo de variedades “Los 7 pecados de Buffalo Bill”. Y aunque conocen a la perfección los trucos del vodevil y algo de alquimia, con el correr de los tiempos y el trepidante desarrollo de la técnica, la función da apenas para sobrevivir malamente. Ruina y decadencia crean conflictos entre estos dos bravíos representantes de sus etnias.

Por fin llega la tan esperada invitación! Ante sabios y estudiosos, presidentes y artistas del planeta, Buffalo Bill y Gerónimo presentarán su espectáculo en el 1er Simposium Mundial sobre Milenio e Interculturalidad de Toronto. Esto cambia las cosas… y allá van, en pos del dorado de su éxito. Lo que no saben estos dos artistas inseparables, antaño enemigos, es que 200 años después sus cuerpos reducidos y disecados harán las delicias de turistas y visitantes del Museo Histórico- Antropológico, en Toronto.

Cortesía de Carlos Bernal, fotografía de Andrea Villarraga.

EL DRAMATURGO

Se hizo actor en el Teatro Experimental de Cali al lado de Enrique Buenaventura entre 1968 y 1978, y hace 24 años se mueve entre España y Alemania como director, docente y dramaturgo.

Formado en la Creación Colectiva encontró cómo es que el actor se vuelve autor en las improvisaciones. Hombre de una amplia cultura teatral, se nutre de los mitos, de las imágenes y palabras, del cine de Buñuel, la tragedia de Shakespeare, el TEC y La Candelaria, de la vida cotidiana y la metáfora.

Hace diez años emprendió el camino placentero de la dramaturgia, y se perfila como uno de los escritores más prolíficos del habla hispana gracias a su mirada de la condición humana en la actualidad, y a su maestría a la hora de resolver en escena situaciones y personajes ricos en posibilidades interpretativas.

El dramaturgo Carlos Bernal, fotografía de Diego Leandro Marín.

ENCUENTRO DE AUTOR Y DIRECTOR

Carlos Bernal y Jorge Herrera, cursaron estudios en La Escuela departamental de Teatro de Cali, de donde pasaron a la plantilla de actores del T.E.C. (Teatro Experimental de Cali) y allí permanecieron  más de una década. Fue el período en que, entre otras cosas, se abrió al público la sala (en 1969), se trabajó a fondo en la elaboración del MÉTODO DE LA CREACIÓN COLECTIVA, y el grupo llevó con éxito el teatro colombiano por importantes escenarios y festivales del mundo: Nancy, Roma, Paris, San Francisco, Los Angeles, Quito, Caracas, Puerto Rico, Méjico, Madrid, Barcelona, Polonia, etc. Participaron en el montaje y estreno de obras tan emblemáticas como: LOS PAPELES DEL INFIERNO, SEIS HORAS EN LA VIDA DE FRANK KULAK, LA DENUNCIA y A LA DIESTRA DE DIOS PADRE, todas de Enrique Buenaventura, o EL CANTO DEL FANTOCHE LUSITANO, en versión de Buenaventura sobre el texto de Peter Weiss, así como LOS INOCENTES, versión del maestro a partir de la pieza de Emmanuel Roblés. También pertenece a ese período EL METRO de Leroy Jones.

A parte de las impagables enseñanzas y la amistad de Enrique Buenaventura y demás valiosos compañeros que formaban el elenco, el trabajo en el T.E.C. les permitió establecer relaciones dinámicas y hacer talleres prácticos con hombres de teatro de la talla de Santiago García, Atahualpa del Cioppo, Luis Valdés o Jerzy Grotowski . Bernal y Herrera, hablan de esta época, de estos trabajos y sobre todo de estas gentes como vitales en su formación.

Hace más de veinte años dejaron el grupo. Por ese entonces, en talleres para gente joven y grupos de reciente creación, se ocupaban de asesorarles en Expresión corporal, Actuación y Montaje. Se honran de haber sido fundadores  y directores, en sus inicios, del Teatro La Máscara de Cali o El Gesto de Bogotá; de esta colaboración quedaron sus puestas en escena de CUÁNTO CUESTA EL HIERRO o PLUTO, DIOS DEL ORO de Aristófanes,  o UNA HISTORIA VULGAR de Pablo Neruda. Fue allí donde forjaron  sus primeras herramientas en dirección.

A día de hoy, Herrera desarrolla su importante labor profesional en Cine,  TV y Teatro en Colombia.  Bernal, ejerce como actor, autor y dramaturgo en España, siempre en trabajos de calidad reconocida. Actualmente prepara en Madrid, el montaje de su texto más reciente, “AYER DE BESOS”.

Cortesía de Carlos Bernal, fotografía de Andrea Villarraga.

NOTAS SOBRE EL MONTAJE

Puesta en escena ágil. Humor inteligente, variedades y trucos de magia. Animación de los objetos y aprovechamiento máximo del espacio. Música, flechas y botellas de cerveza. Interés creciente; entre lo real y lo mágico conviven y se dan de coces lo histórico y lo cotidiano.

Se necesitan mutuamente. Son dos dinosaurios caminando perdidos por el asfalto y les duelen los pies. Dos perdedores. Son lo que queda de una época de gestas y de aventuras; románticos con hambre, cada vez más ajenos al mundo que ellos ayudaron a construir y a las épocas que les ha tocado vivir. Antiguos enemigos ilustres, hoy cómicos de barraca, que solo existen cuando las luces de la tarima se encienden.

Qué es verdad y qué es mentira de lo que cuentan. Que es show y que es profecía en la obra de teatro.

Trama y argumento van avanzando de sorpresa en sorpresa, de truco en truco, de pecado en pecado. La risa y la poesía invitan al camino.

Y dos personajes ( o dos mundos) que creíamos ya descontextualizados van resucitando ante nuestros ojos, llenos de matices de rabiosa y preocupante actualidad.

Sobriedad en el montaje y elegancia en la actuación. Decorado rico en significados y funcional. Texto con resonancias cinematográficas y circenses. Con estos elementos se cuece “El octavo pecado de Buffalo Bill” y su aroma despierta en los espectadores goce y  curiosidad.

REPARTO

Gerónimo:  AMPARO CONDE

Buffalo Bill: JORGE HERRERA

EQUIPO ARTÍSTICO

Vestuario, Escenografía y Música   “Grupo Esacto”

Dirección: Jorge Herrera

Autor: Carlos Bernal.

A la televisión como medio hay que reclamarle que su papel ético político en la construcción de opinión pública, que en ese sentido sus objetivos se orienten a la construcción de sujetos políticos activos, ya que su rol como institución social es protagónico en nuestra formación como televidentes, sobre todo si tenemos en cuenta que tanto hoy en día como desde hace siglos mediamos nuestra realidad a través de la imagen. Pero lo más importante es comprender que un medio de tanta importancia y alcance se está limitando en sus usos sociales a entretener e informar.

Cabe recordar que la imagen sirve como soporte de memoria, cumple una función de control social, opera como simulacro, documenta la vida cotidiana, afecta y modela la sensibilidad y divierte alrededor de variados saberes y formas de conocimiento.

Todo esto se puede aprovechar en el espectro educativo a sabiendas de que la televisión como medio no es la única responsable de las variadas formas de violencia y menos aún de todas las carencias y necesidades educativas de la sociedad. A sabiendas incluso de que siendo pública o privada, abierta o cerrada, local, nacional o global es un negocio.

El papel de los padres

A los padres les corresponde acompañar la recepción televisiva, lo que no siempre requiere una presencia corporal frente al aparato y al lado de sus hijos, en cambio implica una comprensión y un diálogo permanente con relación a los contenidos y a las formas televisivas, sin limitar las interpretaciones a la esfera moral, pero a la vez identificando y promoviendo valores.

Por otra parte para que este acompañamiento sea eficaz, los padres deben formarse con relación a los modos de ver televisión, evitando censurar sin comprender y llevando a sus hijos a una serie de estrategias negociadas, que van desde apagar el televisor en algunas horas de la jornada, ayudarles a comprender la realidad que allí se representa, formar una mirada crítica y propositiva de la sociedad a través de dicho medio, compartir con ellos otros relatos (el paseo, la caminata, el museo, el cine, el teatro…), e incluso hacer juegos o ejercicios de producción televisiva en la que ellos como familia y sus temas nucleares sean los protagonistas.

El papel de los educadores

Los docentes poseen las mismas herramientas que los padres de familia, entendiendo que la televisión no los sustituye, que apenas si acaso sirve como estrategia o como recurso educativo en algunas fases que complementan el aprendizaje.

Pero esto exige múltiples retos para los educadores: por una parte requiere comprender el origen y la forma que toma el medio a través de su propia historia y con relación a la historia de las sociedades. Requiere además comprender y aprender las narrativas y lenguajes, los géneros y sus posibilidades en la transmisión de valores, y en la manera de representar la situación existencial de la sociedad. También exige reconocer las estrategias retóricas y discursivas del medio y todo aquello que sirva para desarrollar procesos educativos en la Escuela.

Todo esto puede generar un salto cualitativo si se tiene en cuenta que el lugar común ha sido satanizar la televisión, endilgando a esta el origen de múltiples perversiones y desviaciones sociales. Incluso en las instituciones educativas se deben gestar programas de televisión en los que participen estudiantes, docentes y padres de familia en la elaboración de sus relatos.

De la realidad dramatizada en el informativo a la ficción de la realidad

Con el seriado Escobar. El patrón del mal, la televisión colombiana se ha movido unos grados desde el melodrama noticioso o el espectáculo de la realidad, a la ficción de dicha realidad objetivada por los medios de comunicación. Y es claro que quedan muchos elementos para aprovechar en los contextos sociales donde la polémica por los efectos apenas comienza, y las dinámicas educativas están a la espera de diseñarse y de aplicarse en la construcción de audiencias televisivas cada vez más inteligentes. Espectadores capaces de interpretar con amplitud los contenidos televisivos, y de proponer modos de ser y de mirar la compleja sociedad que se transforma ante nuestros ojos cada día. ¿Y ahora qué sigue en la ficción televisiva?, ¿acaso servirá de algo traer este relato al presente de las nuevas generaciones de colombianos?, ¿luego de que Caracol venda el seriado a nivel internacional qué hará con la opinión que se generó?, ¿cómo aprovechará este fenómeno mediático?, ¿qué haremos nosotros como ciudadanos frente a esta manera de traer el pasado reciente que dio origen a la Colombia corrupta que tenemos hoy?, ¿será que seguiremos condenados a repetir nuestra historia?, el reto educador es una deuda pendiente tan importante de saldar como la deuda histórica que la alianza narco – paramilitar agudizó en su articulación con la política nacional que se extendió por todo el territorio.

En su demostración de habilidad vocal generan una propuesta de entretenimiento y un inventario musical que habita en la memoria sonora del público que gusta de ritmos tan variados como la Salsa, el Pop, el Chandé y la música Llanera.

La banda comienza su proyecto en el año 2002, lanzan su primer disco en el año 2008 llamado Al Natural y emprenden una serie de giras y presentaciones en difentes lugares de la geografía colombiana. Ayer el público pereirano disfrutó de su talento en la jornada de cierre del Festival Sinfónico de Pereira.

Cuarteto de cuerdas Arriaga.

Concierto en el Teatro Municipal Santiago Londoño

Concierto del Cuarteto de Cuerdas Arriaga

Más información en: http://www.correveydilesya.blogspot.com/2012/11/la-musica-sinfonica-se-toma-pereira.html

Afiche de la obra Piel en París.

Piel es una puesta en escena de la compañía colombiana Proyecto Próxima Estación. En ella se muestra el deambular de tres mujeres y un hombre en territorios extranjeros en situación de ilegalidad, y este viernes 16 de noviembre a las 20:30 horas se presentará en París, gracias a la gestión de La Compagnie Universel Théâtre – C.U.T con sede en esta ciudad francesa. Seguido a la presentación se realizará una charla con los actores con relación al contenido de esta obra, con la que sin duda se sentirán identificados muchas personas que ingresan a otros países en situación de ilegales.

El lugar es el Espace Beaujon 208, rue du Faubourg Saint Honoré - 75008 París. ¿Cómo llegar?, en metro: Charles de Gaulle (M RSP) Ternes (2), Saint Philippe du Roule(9). En bus (22,30, 31, 43, 52, 53,83). La información y reservas se pueden obtener llamando al 06.73.01.44.77. Vale apoyar este proyecto en el que se aborda un tema de suma importancia para la sociedad contemporánea, creado por colombianos y dirigido por una reconocida actriz del Teatro La Candelaria: Nohora Ayala.

Concierto en el festival del año pasado.

Al respecto la oficina de prensa señala que en el mes de noviembre, el Festival Sinfónico de Pereira reúne a cerca de 300 artistas nacionales y extranjeros, con el fin de ofrecer una serie de actividades en torno a la música académica, tanto clásica como moderna y tradicional,  llevada a los formatos de orquestas sinfónicas y grupos de cámara. De la programación  se destacan 4 días de conciertos  en diferentes lugares de la ciudad, así como diez días de talleres magistrales para violinistas, violistas, violonchelistas y clarinetistas de diferentes ciudades de Colombia y Latinoamérica, en la III Academia Internacional de Cuerdas.

Solista es el Teatro Municipal Santiago Londoño de Pereira.

Como ya es tradicional, el Festival lleva sus atriles a diferentes sectores de Pereira con el fin de compartir este universo sonoro con públicos de todas las edades, niveles sociales y de formación, conocedores y neófitos. Es así como este año, las Parroquias Santa María de Los Ángeles del Parque Industrial, Santa Isabel del Barrio El Dorado, Nuestra Señora del Carmen (San José), así como la I.E. Ciudadela Cuba, serán sede de diferentes conciertos programados para las comunidades de sus sectores de influencia.  Otros conciertos gratuitos se  realizarán en los Centros Comerciales Pereira Plaza y Bolívar Plaza, en los auditorios de la Fundación Universitaria del Área Andina, de la Cámara de Comercio y del Banco de La República, así como en la Catedral Nuestra Señora de la Pobreza y en el Teatro Santiago Londoño.

Concierto de cámara en un templo de la ciudad.

Para esta séptima versión los invitados son: la Orquesta Filarmónica de Cali,  el Cuarteto Arriaga de Alemania,  la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Tolima,  el Trío instrumental “EL Barbero del Socorro”, Coffee Brass Quintet, el Cuarteto de Cuerdas Santafé, Papá Bocó, la Banda Vocal NVOZ, el Cuarteto de Clarinetes UTP, la Camerata “Ensamble Concierto Bogotá”, Mr. Jazz Quartet, la Orquesta Sinfónica y el Coro de la Universidad Tecnológica de Pereira  y los solistas internacionales Milán Rericha y Rodrigo Bauzá,  incluyendo además, un concierto didáctico y un concierto con grupos de cámara que se conforman dentro de la Academia Internacional de Cuerdas.  Como complemento a las presentaciones artísticas  se realizará la charla “Johann Sebastian Bach y El Jazz”, a cargo del reconocido escritor y periodista Juan Carlos Garay.

Concierto de cámara en un Centro comercial de la ciudad.

La agenda de conciertos así como toda la información sobre artistas, horarios, lugares, actividades adicionales y boletería, están disponibles en la página www.festivalsinfonicopereira.com, en el perfil de FACEBOOK o a partir del próximo 17 de octubre en la Taquilla del Teatro Santiago Londoño.

PROGRAMACIÓN COMPLETA

Agenda de conciertos

Más información en http://www.correveydilesya.blogspot.com/y en @correveydilesYA

En una ciudad del Eje cafetero nació Alejandra. Era el año de 1978 cuando su familia encabezada por una paisa proveniente de San Miguel Antioquia y un tolimense del Líbano la vio nacer en Pereira. Sus recuerdos de niñez están enmarcados por el juego con muchos hermanos y los continuos cambios de vivienda que los obligó a desplazarse entre Antioquia, Caldas y Risaralda, de lo que queda una memoria que habita en ella.

El contacto con su abuela fue definitivo: ella le contaba historias fantásticas, algunas ancladas en la realidad, en las que emergían el miedo, la muerte y la violencia, lo que llenó sus imaginarios que de alguna manera se han reflejado en sus búsquedas estéticas a lo largo de su vida.

Como a muchos les ocurre con frecuencia en la infancia, el gusto por la representación la fue acercando a las dimensiones dramáticas de la sociedad colombiana. Es así que en sus primeros años de vida utilizó la representación para escapar de realidades que una niña no entiende a su edad, y así encontró otras realidades en las que era ama y dueña de la historia, lo que persiste hoy en día a través de un imaginario que ha evolucionado en su profesión como actriz, directora y gestora cultural.

Ese universo infantil aún alimenta su sensibilidad teatral. Será por ello que la acompaña una imagen que proviene de sus sueños, en los que ha visto a su abuela sobre una carroza llena de flores.

Sus bases están en Colombia

Uno de los grandes aportes del teatro colombiano al escenario del mundo es sin duda el método de la creación colectiva, y Alejandra valora esta herencia que ha recibido desde que comenzó a estudiar a mediados de los años noventa en la EPA (Escuela Popular de Artes) de Risaralda. Y desde ese saber adquirido dice que el hecho de reunirse con varias personas a experimentar y encontrar pretextos de puesta en escena en ideas, palabras y objetos, es significativo en la medida que el trabajo de crear se desarrolla a partir de elementos rudimentarios, casi de la nada.

Su partida a Francia se da a los quince años más por una necesidad emocional que formativa o estética, y en efecto la sociedad colombiana de los años noventa influyó en su decisión, más aún cuando percibía el dolor de quienes la rodeaban, lo que le ocasionaba sufrimiento.

El cambio de lugar le ayudaría a respirar un ambiente diferente, y con el tiempo tomaría decisiones con relación a su formación profesional en el teatro, más aún al estar lejos de un entorno que la oprimía.

Aunque el primer año lo dedicó a estudiar el idioma francés y a la rumba, dos sentimientos encontrados la invadieron: el nuevo aire que respiraba con gratitud y la añoranza de muchos amigos que quedaron en Colombia.

Luego de estos años observa que en su país ocurren cosas muy interesantes en el plano cultural, lo que la estimula a construir propuestas para traerlas y compartirlas, mientras que en lo social ve ciudades más pobres, en las que se ha vuelto cotidiano que la gente se pregunte ¿qué vamos a comer mañana?, y eso le preocupa.

Su formación en Francia y en España

Alejandra cuenta que cuando se marchó de Pereira llevaba la idea secreta de estudiar teatro y por ello presentó pruebas en tres Escuelas. Entonces al aprobar los exámenes eligió una de ellas para iniciar su carrera al tiempo que trabajaba para pagar sus gastos.

Estudió en Poitiers entre 1996 y 1997, luego en la escuela Cours d’Art Dramatique Florent – Paris para obtener su diploma en el año 2004, y en Madrid en la Escuela Fundación Shakespeare durante los años 2000 y 2001. Cuando culminó sus estudios creó una compañía de teatro con una de sus compañeras de escuela.

En el trayecto de su carrera afrontó dificultades, entre otras el aprendizaje de la lengua ya que el francés que aprendió antes de viajara a Francia, aún era rudimentario para la exigencia que implica participar de las audiciones y las puestas en escena, razón por la que en primera instancia dirigió y no actuó. Y más bien se preparó en la oralización del idioma con el objetivo de participar en proyectos escénicos. Esta exigencia sumada a la búsqueda de fondos le ha enseñado que para vencer las dificultades es preciso hacerse a una disciplina, establecer contactos, y ver teatro de los colegas que en su momento harán lo mismo con relación a las obras en las que ella participa.

En el proceso formativo Alejandra Parra hizo una adaptación de Los funerales de la mama grande de Gabriel García Márquez, la cual fue bien recibida por el público, que ella ha cultivado al punto que esas personas siguen asistiendo a las obras en las que participa como actriz o directora. De Enrique Buenaventura montó La Orgía, y una obra que aborda el conflicto armado en Nicaragua en los años ochenta.

Retorno a Colombia

Regresar a su país es encontrarse otra vez con las bases de su formación teatral, con la familia y con los amigos, es la oportunidad de mostrarle al público lo que hace hoy en día gracias al conocimiento adquirido en estos años de carrera. Y dice que es entrañable presentarse en su tierra en medio del intercambio y de la búsqueda en que se encuentra.

Aunque sigue viviendo en Francia y gestionando proyectos a lo largo y ancho de Europa, tiene previsto arribar a Colombia en el año 2013 con la obra 4:48 Psicosis de la dramaturga inglesa Sarah Kane, quien tras suicidarse en 1999 dejó al menos cinco textos en los que aborda temas muy duros con respecto a diferentes formas de violencia familiar y sexual, además de contenidos sobre la guerra y la soledad.

En efecto 4:48 Psicosis ubica un personaje al límite del suicidio y la forma en que Alejandra y Konstantina (otra actriz que la acompaña) trabajan la puesta en escena, es representando el inconsciente y el subconsciente de dicho personaje, como si se tratara de dos fuerzas o polos del mismo ser, de la misma totalidad. Estas fuerzas antagónicas habitan en la cabeza del personaje y expresan sus histerias, alegrías, dudas, miedos y sobre todo su soledad interna que se hace manifiesta en el rico y complejo lenguaje de la escena.

Y es que Alejandra se encuentra atraída por la obra de la dramaturga inglesa, puesto que la escritora poseía una enorme sensibilidad para percibir el dolor del otro, un universo estético que se encuentra con esas imágenes de niñez que esta actriz preserva, y que hace que estas dos mujeres se enfrenten en la escena, para transmitir esa claridad con la que ven la pobreza exterior de los personajes y los seres humanos a través de la obra.

A la fecha 4:48 lleva tres representaciones en sala, y ocho en espacios no convencionales y como performace. La obra estará en Colombia el próximo año gracias a las gestiones que Alejandra Parra adelanta con la Alianza Colombo Francesa, la Sala Seki Sano y otras instituciones que apoyarán su gira. ¿Qué viene en camino?, la puesta en escena de María Magdalena o la salvación de Marguerite Yourcenar, que de entrada augura muchas sorpresas.

]]> http://blogs.elespectador.com/yoveo/2012/09/21/alejandra-parra-o-la-claridad-para-percibir-el-dolor-del-otro/feed/ 21 http://blogs.elespectador.com/yoveo/2012/09/11/en-donde-estaba-el-espiritu-teatral-del-festival-de-manizales/ http://blogs.elespectador.com/yoveo/2012/09/11/en-donde-estaba-el-espiritu-teatral-del-festival-de-manizales/#comments Tue, 11 Sep 2012 05:05:55 +0000 diegoleandro73 http://blogs.elespectador.com/yoveo/?p=242 Siempre es grato llegar al Festival Internacional de Manizales, visitar este viejo libreto es llenarse de sueños posibles, de sociedades imaginadas y de amores y desamores que duelen en la memoria de los días. Está visto que cada espectador habla desde su experiencia, de allí que para hacer justicia a este venerable de las artes escénicas, quiero decir hoy que agradezco sus enseñanzas: en los años que llevo asistiendo encuentro siempre los lenguajes rudimentarios de la escena y la audacia de las vanguardias.

Matacandelas en Las danzas privadas de Jorge Holguín.

Teatro Matacandelas de Medellín en el FITM 2012.

También veo que los públicos cambian, se desaparecen y se trasforman, y que en medio de la gente siempre se mueven los aprendices que en últimas se llevan gestos, palabras e imágenes que de alguna manera inspiran su trabajo.

Público en el Teatro Auditorio de la universidad Nacional en Manizales.

Pero este año es especial, el Festival es un viejo sabio para muchos o un organismo maduro del que se puede aprender. Lo cierto es que con lo que viví dentro y fuera de la escena me traje hasta la mesa de trabajo entre tantas, una pregunta como ocurre cada vez que asisto: y este año la cuestión es ¿en dónde está el espíritu teatral del Festival de Manizales?, pues yo lo sé a mi manera: lo sentí el fin de semana pasado en el aplauso emocionado de quienes aman y respetan el lenguaje de Matacandelas, esta vez en su obra Las danzas privadas de Jorge Holguín.

Lo sentí en la risa de los niños que viajaron por la poesía infantil y la danza de palabras en La farolera del Centro Cultural General San Martín, un retorno a la luz en aquella tarde dominical del Teatro Los Fundadores, lo sentí en la presencia del recuerdo amado y en la cama de hielo de la agrupación Apoc, Apoc con su Cartografía especializada.

Apoc, Apoc de México con su Cartografía especializada.

Y más aún lo sentí en las historias de amor y desamor que se tejen siempre en las calles y los parques de hoy y de ayer: invadidos por la nostalgia de un tiempo infantil preservado para los ángeles que representan su propio drama, y caen sin remedio alguno en las sucesivas escenas de un purgatorio sin fin, esos seres que a pesar del olvido creen en un final feliz.

Viendo la presentación de Xabi Larrea de España con su obra Up.

Entonces el espíritu del Festival sigue intacto pese a que no ocurra igual con nosotros y puede suceder que algún día el teatro esté allí, en esa ciudad clavada en la montaña, pese a que ya no vaguemos por sus calles y sus escenarios. Entonces hoy vale decir como en otro tiempo: larga vida al Festival y que su espíritu se renueve en cada año.