¿Y si los eligiéramos por sus gustos musicales?

Gustavo Petro:

Le gusta mucho Buena Vista Social Club. También la música “étnica”, que dice haber descubierto en Europa. “Oigo música gitana, es una especie de excentricidad”, nos dijo en una entrevista que le hicimos en la revista Shock, en la que reconoció que siempre ha tenido la sospecha de que los Petro son gitanos. También le gusta la música africana, especialmente la de Madagascar.

Del porro colombiano,  originario de las sabanas de Córdoba y Sucre, tiene una visión bastante especial:

“Es el jazz del Caribe. Una música muy sofisticada, de conversaciones entre instrumentos, hecha por el pueblo. Al porro casi lo acaban en Córdoba los paramilitares cuando llegaron a imponerse con los narcocorridos. Por eso la resistencia Caribe está en la música, en la historia de cómo el corrido mexicano no le ganó al porro”.

Aquí va el porro Ayapel, de la banda 13 de Diciembre, de San Pelayo Córdoba.

07 Ayapel

Juan Manuel Santos:

Se levanta y se acuesta con vallenatos. A su esposa le dedicó Bonita. Ella, a su vez, asegura que uno de sus vallenatos favoritos es Qué bonita es esta vida. Sus hijos aseguran que  Alci Acosta y Alfredito de la Fe también son de sus afectos.

Trabaja con música clásica.

Tanta es su afición a los juglares del Caribe, que cuando fue ministro de Defensa, invitó a Peter Manjarrés, Jorge Celedón y Checo Acosta a grabar un vallenato para invitar a los guerrilleros a dejar las armas. Aquí va, para esta antología, En la distancia.

Noemí Sanin

A los 17 años tuvo una banda de rock no muy exitosa llamada La muralla del silencio. Tocaban covers de The Beatles, grupo que aún está entre sus afectos. ¿Otras canciones? Elegía a Jaime Molina, de Rafael Escalona, y Señora, de Otto Serge y Rafael Ricardo.

Germán Vargas Lleras.

No sale de su casa sin un iPod negro, de 30 gigas, que tiene hasta el tope con canciones que organiza por países. Su compañera, Luz María Zapata dice que Vargas Lleras muere por el Festival de la canción italiana de San Remo. Cuando se le pregunta, Vargas Lleras responde con una interminable lista de nombres. Habla de música francesa: de Etienne Daho  y de Michel Sardou, de Joe Dasin y Michel Periger, y luego se riega en otro inventario de nombres italianos. Solo reconozco a Ramazzotti (ganador de San Remo en 1986 con “Adesso tu”), de resto, el candidato de Cambio Radical incluye a artistas que son díficiles hasta para Google, que incluye a Renato Zero y a Lucio Battisti.

Todo perfil de Vargas Lleras menciona, por lo general, que fue en su juventud dueño de una mini-tk. Pero me resisto a pensar que en las fiestas que él ambientaba, el candidato pusiera a sonar  a estos franceses e italianos. Aquí una muestra de una de las curiosidades de estos artistas que me encontré en Youtube.

Etienne Daho, Tombé pour la France

Antanas Mockus

Hace unas semanas, una emisora lo invitó a poner música. Esta fue su lista de  programación:

Sounds of silence y Silent midnight, de Simon & Garfunkel.

I can’t get no satisfaction, de Rolling Stones.

Hey You, Yesterday, Eleanor Rigby y Let it be, de The Beatles.

A love song to a stranger, de Joan Baez.

No more Mr. Nice Guy, de Alice Cooper.

Adicionalmente, Mockus nos contó que le tiene mucho afecto al concierto de Khon, del pianista norteamericano Keith Jarrett. La sesión, dividida en cuatro partes, es una de las imrpovisaciones más importantes de la historia del jazz y el álbum más vendido de Jarrett.  También a Cat Stevens, especialmente Hard headed woman que, en sus palabras, “ha sido determinante en sus elecciones de pareja”, dijo durante la entrevista con Shock.

Aunque es la menos conmovedora de las cuatro partes del concierto, acá va, por cuestiones técnicas,  el final del concierto de Khon:

04_Part II c

Rafael Pardo

Hace un par de meses, alguien se lo encontró en la sección VIP del concierto de la banda escocesa de rock Franz Ferdinand. Le preguntaron qué hacía ahí, y el candidato del Partido Liberal dijo que venera al cuarteto de Glasgow. De hecho, confesó que los había seguido en otros países, incluso en los conciertos de  Rock in rio.

Pardo adora el género. A Gustavo Gómez, de Caracol, le presentó su colección discográfica, que incluye la totalidad de albumes de The Beatles, Cat Stevens y rarezas como The Animals. Coincide con Antas Mockus en I can’t get no satisfaction como una de sus canciones favoritas. Y añade, a la lista, según miembros de su campaña, a Hotel California, de The eagles.

Hace unas semanas tuve la oportunidad de pasar algunas horas en Tijuana; literalmente, la esquina norte de Latinoamérica (la sensación es real, cuando uno se para frente a las varas negras que sirven de muro y que se hunden en la playa y el océano Pacífico, separando a Baja California de los Estados Unidos).

La música, sin embargo, va y viene sin restricciones, en esta ciudad de tugurios coloridos y guerra entre carteles. Se salta la frontera hasta San Diego y regresa para coger impulso. Entre ese  ir y venir se ha forjado Nortec Collective, un cuarteto de mexicanos convertidos en embajadores de facto de esta ciudad.

Pepe Mogt, ‘Fussible’; Ramon Amezcua, ‘Bostich’;  Jorge Verdín, ‘Clorofila’;  y  Pedro Gabriel Beas, ‘Hiperboreal’, pasan cada tres lunas por Colombia, y son bien conocidos, entre otras cosas, por su participación en la banda sonora de la película Babel, donde se anotaron un tema memorable que lleva por nombre el mismo de la película.

Ahora que estuve en Tijuana, algunos amigos hablaban con especial emoción sobre  un concierto que Nortec realizó en enero de este año frente al impactante Museo de Bellas Artes de Tijuana junto a la Orquesta de Baja California. Aquí una muestra de lo que sucedió ese día:

Click here to view the embedded video.

De Tijuana también es una de las más universalmente queridas cantantes de pop mexicano: Julieta Venegas. Hace poco tiempo  pude hacerle unas preguntas para la  revista Shock (que anda, entre otras, de cumpleaños), a propósito de su último álbum, ‘Otra Cosa’.

En la revista Gatopardo cuenta un periodista en una crónica que tienes un Buda en el apartamento, ¿es cierto?

Ehhmm no. Tengo un altar, con diferentes deidades, pero no está Buda.

Pero suenas muy espiritual, sobre todo cuando hablas  y cantas sobre el tiempo, en canciones como ‘Presente’ o ‘Eterno’…

Me gusta jugar. Hablo de lo eterno o del presente como un juego, pero no es algo que considero un concepto de vida. Creo que hay cosas que aprecio más: en  ‘Presente’, se trata de hablar de  la importancia de valorar las cosas que vives; en ‘Eterno’, de las ganas de vivir algo y que no se acabe nunca.

De ti dicen que eres muy irónica, que escribes canciones tristes muerta de la risa…

Sí. Muchas veces me han reclamado que cambié mi manera de escribir, y es verdad. Sucedió cuando encontré mi sentido del humor. Es algo que encontré y dije: “ay qué padre…”. Me gusta hacerle guiños a las cosas que me pasan, incluso las malas. De hecho, la música demasiado seria me da un poco de flojera… no le agarro el espíritu.

Es curioso, porque tú creciste escuchando esa rama de la canción
latinoamericana que era bastante desgarradora y visceral, tipo Juan Gabriel ¿ha cambiado el sentimiento en la canción latina?

Existe todavía, pero ya no es lo único que se expresa. Hubo una época
en que se creía que se escribía mejor cuando se estaba triste. Pero yo
no me lo creo, cuando estoy triste, no me da para escribir ni para
hacer nada. Yo escribo cuando estoy bien. Ya no hay tendencias:
antes, el bolero tenía que ser triste y la ranchera tenía que ser
desgarradora, ahora las canciones se mueven sobre la personalidad de
los compositores.

En este disco juegas mucho con nuevos instrumentos, como el acordeón y la cavaquinha, ¿cómo llegaron ellos a tu vida?

En el unplugged aprendí a utilizar las texturas de muchos instrumentos, como el acordeón y aprendí a ensamblarlos.  En este disco me puse a jugar con los efectos y las mezclas de las texturas.

¿Qué ganas en términos expresivos con esas texturas?

Para mí lo más importante son las canciones. Lo que hacen esas texturas es vestir esas canciones, son como colores con los que las pinto. Es un juego, que por lo general hago sola, porque soy muy tímida. Si trabajara con gente, no me atrevería, no podría abrirme realmente.

Una escena inolvidable es verte parada en el unplugged tocando el
acordeón, ¿cómo aprendiste a tocarlo?

Yo soy pianista. El acordeón lo empecé a tocar sin necesidad de clases, ya cuando estaba en  Ciudad de México, como a los 23 años. Fue por curiosidad, yo quería salirme del piano, y cuando lo empecé a tocar ni siquiera fue por explorar  la música latina. Por el contrario, llegué a él por el lado de Tom Waits, de Joe Jackson e incluso Los Lobos, que lo usan como la música tradicional norteña, pero que para mí suena con otro carácter tocada por ellos. Luego fui descubriendo dimensiones más festivas del instrumento, como en el vallenato.

Tijuana, donde naciste, es un rincón especial para la música, desde los sonidos norteños populares hasta los experimentos de Nortec Collective…

¿Y has escuchado los Macuanos? Son buenísimos, son la siguiente generación de Nortec, un pastiche parecido a lo que hace el Guincho, en Canarias, que hace collages con percusiones caribeñas que lo único que dan es ganas de bailarlo.

22 Los Macuanos – Alma

También gracias a ti y tus incesantes recomendaciones en twitter
descubrí a Los Amparito…

02 Los Amparito – Por Medio De La Lectura

Sí, son buenísimos. Es un chico de Guadalajara que tiene como tres proyectos diferentes. Ese en particular me encanta, es lo mismo de Los Macuanos, realiza collages con música folclórica.

En tu música, sin embargo, esos sonidos norteños casi no aparecen…

Yo tengo mucho tiempo lejos de Tijuana. A veces con el acordeón hay
ciertos sonidos, pero hace mucho que no estoy conectada con la ciudad.
Solo me queda su carácter…

¿El carácter de Tijuana?

Sí, su arte. Es una ciudad convulsa e inspiradora, que vive en un choque constante, por la relación de esas dos ciudades que son Tijuana y San Diego (Estados Unidos). Eso de alguna manera te empuja a jugar con esa bipolaridad todo el tiempo. Tú estás viviendo en dos lugares distintos, hablando inglés y español, viviendo en una ciudad que es muy provincial y conservadora, y al mismo tiempo vives esa locura
que es la frontera.

“Estoy haciendo fusión desde el día en que, por mi cuenta, quiero interpretar la marimba”. Ahí, dice el músico bogotano Juan David Castaño, aparace la fusión:  “porque tengo un acento distinto”.

El apartado es de la publicación Cantos de Desarraigo, un pequeño y entrañable libro, dedicado a investigar las travesías musicales del desplazamiento forzado en el departamento del Chocó. Su tesis es sencilla, pero poderosa: “Comunidades que podrían haber desaparecido, están hoy vivas y persisten en el canto. El pueblo gitano, que ha sufrido una exclusión y persecución mundial, hoy en día es una raza reconocida por su cante y por su baile…. es así como esta raza ha sabido subsistir”.

Lo mismo le ha pasado a la chirimía y el currulao, viajeros incesantes, sobrevivientes de la guerra en tantos y diversos formatos, de la selva a la ciudad y de la barriadas a las veredas,  consignados con todos sus matices en el disco que acompaña la publicación (descargable acá).

Ayer llegó el libro a mis manos, un viaje maravilloso por la memoria musical del pacífico. Y esta mañana me levanto con la sorpresa de un nuevo trabajo de Ray Cooder, el mismo que hace diez años se fue para La Habana a rescatar a los viejos del club Buena Vista, y que ahora se lanzó a producir San Patricio, un trabajo de fusión transatlántica que lanza en pocos días y que, como en el caso de los encuentros entre músicos bogotanos y ritmos chocoanos, lleva a quien los escucha a un espacio igualmente intrigante generado por los sonidos del folclor mexicano y la ejecución del grupo irlandés The Chiefteins.

Vale la pena aprovechar que NPR cuelga el disco por unos pocos días antes del lanzamiento y pararle a oreja a este experimento de primera calidad.

Aquí van algunos nombres para seguir en esta adictiva red social, que se han vuelto indispensables para encontrarse y rencontrase con buena música.

Julieta Venegas (julietav). Mi favorita. Aunque disfruto con reservas sus discos en estudio y adoro su unplugged, soy un fanático de sus recomendaciones . Especialmente las canciones que escucha en la mañana, por lo general bandas latinoamericanas de excelente calidad.
Cortesía de la Casa (CDCradio). Un grupo de colombianos melómanos regados por la red, dedicados a recoger novedades discográficas de rock y folk alternativo. Muy recomendado un podcast dedicado a novedades en Estados Unidos: El horno.
Generation Bass (generationbass). Una auténtica “blogoteca” (hasta hoy escuché el neologismo), llena de músicas del mundo y fusiones electrónicas, con muchísimos MP3 gratis y legales, listos para descargar.
El Parlante Amarillo (ElParlante). Los señores de este blog musical hecho en Colombia le están midiendo con mucho juicio la temperatura a la música alternativa  y al indie pop del continente.
Club Fonograma (ClubFonograma). Otro  lugar que me ha demostrado que sí es posible saber qué está  sonando en Latinoamérica más allá de los tres elementos nominados en los Grammy Latinos. Desde México, es un volcán musical. Un blog imprescindible.

En esta lista compilé a otros líderes de opinión musical. Sigo buscando a quién más agregar…

Durante los primeros días del terremoto, cuando nadie sabía que pasaba, no había de otra que acudir a la red. Y allí se encontraba Pierre Cote: un canadiense delgado y desajustado, de camisa a cuadros y poco peinar, sentado en una cabina sin ubicación aparente. Pierre comenzó a transmitir 24 horas al día pocos minutos después del temblor, entrevistando a heridos y sobrevivientes (aquellos que podían, de alguna manera, acceder a una cámara de computador) y a familiares y lejanos dolientes. Sin fotos, sin imágenes y sin teléfonos, seguir las entrevistas  de Pierre abrió una ventana a un dolor inaccesible.

Gracias a él, pude, a medio día del día dos, oír cantar a Katia Cadet.  No sé dónde se encontraba en  el momento de aparecer en la pequeña pantalla; no sé qué decía, pues la gran mayoría del tiempo hablaba y se lamentaba en francés con la mirada dulce y afligida, y con la voz arrastrándose por el suelo. Su dolor era palpable.

En medio de esa entrevista, entre el creole, el silencio y el rebuffering, Katia cantó dos veces. Cerró los ojos, inclinó la cabeza y entre lágrimas cantó. Pierre escuchó en silencio. Mientras tanto CNN llegaba y RCN llegaba y las imágenes del noticiero de medio día abrían gradualmente un  agujero. Katia, criada en Montreal pero nacida en la isla,  cantaba en creole encerrada en su cuarto. “La pli met tonbe sou Ayiti”,  que caiga la lluvia sobre Haití; “Lanmo Devan m”, de cara a la muerte.

Luego empacó maletas y salió de donde estaba a un estudio en Nueva York. Compuso. Y compuso. Y compuso. Y hace una semana grabó esta canción.

No podía llamarse de otro modo: Ayiti.

1_Katia_Cadet_Ayiti

2.

En Puerto Príncipe hay un ritmo al que llaman mizik rasin. Es el ritmo de los ancestros y de los modernos, la mezcla subversiva que la dictadura nunca permitió. Un personaje legendario en la isla le tiene un nombre provocativo: Vudú Rock.

El hombre es Richard Morse. En 1990 creó una banda que se llama RAM.  Desde su trinchera musical, la agrupación resistió a la dictadura y alimentó los carnavales. Y cada jueves, desde 1990, inundaban la sala de conciertos en su negocio, el Hotel Oloffson, con una original versión de  música raizal, que los dictadores Doc padre y Doc hijo tanto prohibieron.

Algo así sonaba y suena en Puerto Príncipe gracias a RAM:

El martes del terremoto, Morse sintió que su hotel cedía y flaqueaba. Corrió y encontró a salvo  su mujer. Y al asegurarse que todo estaba bien, se abalanzó sobre el computador y escribió: “5:23 PM, January 12th: estamos ok en el oloffson..internet funciona !! no teléfono ! espero que todos estén bien”.

Desde entonces, no se detiene. Leer sus cortos mensajes en twitter es una extraña manera de revivir, de nuevo, ese y todos los días.

Durante la primera semana del año, Morse se la había pasado componiendo el repertorio del carnaval.  El sábado siguiente grabarían su primer video.“Arranca hoy.. le carnaval 2010”, escribió el músico, dos días antes de que Puerto Príncipe se viniera abajo.

3.

El violinista no tuvo de otra que cerrar los ojos y recordar su concierto de graduación. Su  esposa había  muerto –estaba en la planta baja del edificio- y él quedó  atrapado bajo las ruinas de su escuela de música. Rezó por veinte minutos y luego repasó, nota a nota,la sonata para violín de Cesar Franck, su debut al finalizar la escuela. Duró 35 minutos. Cuando terminó, había pasado una hora. Entonces lo hizo de nuevo: rezó e imaginó un violín en sus manos, una y otra vez.

Así debió sonar en su mente ese concierto imaginario:

Con la música pudo “reducir el dolor, irse de aquel espacio, matar el tiempo…”, le dijo Romel Joseph a un periodista de NPR, en la cama de un hospital en Miami.

Fueron muchos conciertos. Lo sacaron 18 horas más tarde.

Sin embargo -y como siempre pasa- la música puede darnos otros lentes para entender las transformaciones desde abajo que sufren las sociedades. Y China no es una excepción. Por eso resulta más que refrescante el viaje realizado por  el fotógrafo Matthew Niederhauser por los bares rockeros de Pekín. Durante dos años, Niederhauser asistió a conciertos de bandas alternativas en China y registró a sus músicos y seguidores, creando un testimonio fascinante de cómo nacen las individualidades de los jóvenes urbanos chinos mientras el estado burocrático maoista se adapta a las reformas capitalistas.

¿De qué hablan bandas como P.K.14, Carsick Cars o Xiao He? El propio Niederhauser, en la introducción a Kapital Sound, su libro, responde: “Ellos vienen de varios contextos, así que proyectan mensajes que continuamente cambian de forma y de dirección. Sería presuntuoso y engañoso catalogar a este variopinto grupo de disidentes, hipsters, vagabundos, intelectuales y rockeros nocturnos como un todo. Pero si hay algo que los une en el undergorund, es una insatisfacción con el surgimiento de una cultura de consumo rabiosa, insípida y frecuentemente insostenible.   Algunos pocos pueden tomar posiciones un poco más antagónicas y abiertamente  desahogar su rabia contra el gobierno pero, de una u otra manera, cada artista es un crítico de corazón.  Al final, una parte más grande de este trabajo se nutre de mundos más íntimos, subsistiendo en el alimento creativo de las relaciones -fuentes de inspiración que tocan los factores comunes de la experiencia humana”.

A veces añoro poder saber  con más frecuencia qué está pasando con los jóvenes venezolanos en Caracas, o de qué colores se viste la noche en Ciudad de México, cuando la gente busca refugiarse de los titulares sobre los  secuestros y la guerra que a diario libran Joaquín  ‘El Chapo’ Guzmán y el resto de malandros.

Por ahora me contento con esta postal china, tan intrigante y lejana.

Están una tarde un par de artistas en una parque en Helsinki hablando de “la cantidad de energía que  gasta la gente quejándose”. La pareja piensa, entonces, en lo curioso que exista una expresión como valituskuoro.
Seis años después, lejos de Finlandia, en el Museo de Arte Mori de Tokio, cien personas se reúnen para esto:

Se llaman a sí mismos el Coro de Quejas de Tokio. Son el último de 23 coros que de Melbourne a Sunbyberg han seguido el instructivo de los artistas  Tellervo Kalleinen y Oliver Kochta-Kalleinen (son, además, marido y mujer). Un grupo de interesados se reúne a quejarse. Alguien toma nota y le da un orden al descontento, y luego un músico le añade  cuerpo y sonido.

El primero de estos experimentos se llevó cabo en 2005, en la ciudad de Birmingham, en el centro de Inglaterra. Su primera queja es madre de muchas quejas: “la ciudad ha cambiado tanto… me gustaba más antes”:

El arte de quejarse que descubrieron este par de finlandeses parece estar dando discretas pistas antropológicas. Este semana, un reportero del New York Times señalaba que en Tokio las quejas sobre el trabajo son más comunes; en Helsinski se mortifican con más frecuencia por los defectos de sus celulares (¿tendrá Nokia algo que ver con esto?); en Chicago no soportan el tráfico y en Moscú los coros por lo general evocan “un profundo trauma existencial” o “un amor insatisfecho”, según los artistas.

Curiosamente, ni en Colombia ni en ningún país latinoamericano hemos puesto nuestro innegable talento para quejarnos  al servicio de la música. Valdría la pena el intento. ¿Cuál sería nuestra queja más idiosincrásica?

PS.

Confieso que este fin de semana no puedo quejarme. El viernes, en el Teatro Metropol, Squirrel Nut Zippers puso a bailar como locos a los asistentes, a punta de su ya entrañable mezcla de swing y punk. El sábado en la noche, la súper orquesta de Carolina del Norte  repitió en el Jardín Botánico en Medellín, mientras que en Bogotá, Eblis Álvarez se paseó con su proyecto, Meridian Brothers, por el bar El Anónimo (Av. Suba cl. 106 C.C. Puente Largo), a las 8:00 PM. Escuchar a Meridian siempre será una experiencia memorable.

Ocurrió en una casa del barrio la Soledad, de Bogotá, en algún momento entre la navidad de 2002 y el comienzo de 2003. La casa tiene dos pisos, y en el segundo, dos cuartos grandes donde un joven músico solía ensayar y experimentar con percusiones. Ahí, en el segundo piso, en esa pequeña casa discreta de la Soledad, dos viejos que llegaban de la provincia se miraron a los ojos y  reconocieron en ellos dos océanos distintos. El uno venía de Guapi, el otro, de las Islas del Rosario; el uno, era maestro de los sonidos opacos de la marimba de chonta, el otro, gran dueño de las agudezas de la gaita hembra. Ambos tenían apodos de viejos sabios, y así mismo eran venerados por una generación de músicos bogotanos, ávidos de aprender sus secretos. Uno se llamaba Paito, hombre caribe de cumbias; el otro, Gualajo, señor del pacífico y del currulao.

En ese segundo piso se vieron. Y como alguna vez le escuchara narrar a uno de esos discípulos, el hoy también maestro, Urián Sarmiento, los dos viejos pasaron horas en su casa, tocando, el uno la gaita, el otro la marimba, dos instrumentos que geográficamente destinados a desencontrarse.  Durante esas jornadas, que se prolongaban en la noche, Gualajo admitió haber compuesto una cumbia para marimba de chonta, pieza rarísima para un rincón pacífico adonde la cumbia nunca llegó;  Paíto, entre tanto, puso sobre la mesa de esas jornadas sonoros un twist en inglés autodidacta, acompañado con gaitas, y cuya letra comenzaba en un bilinguismo irrefutable: “Voy a ponerme vaquí su nay…”.

De este encuentro, y de muchos otros sucedidos esas semanas entre el bajista Juan Sebastián Monsalve, Urián Sarmiento, Paíto, Gualajo, el cantor llanero ‘Cholo’ Valderrama y otros miembros de la agrupación Curupira, nació uno de los discos más intrigantes, divertidos y entrañables de la música colombiana: “El fruto”.

Tiene razón Ricardo Bada, cuando me regaña por mi anterior post y señala que aún no acaba la década. Después de muchas consultas, parece que en efecto las décadas se cuentan desde uno, como el resto de cosas, y se acaban en el diez, así nos imaginemos lo contrario. Sin embargo, digo a mi favor, que las periodizaciones, como tantas veces dijeron en la universidad los maestros citando a Hobsbawm, no se correlacionan con las lógicas numéricas. Si el siglo XX de Hobsbawm arrancó con la Primera Guerra y terminó con la caída del muro, bien esta década podría (o no) comenzar con la caída de las torres y terminar con la llegada de Obama al poder.

En todo caso, acábese  cuando se acabe, quiero proponer a El Fruto como uno de los más valiosos experimentos musicales de esta década. Uno que convirtió al folclor en un mutante delicioso e intrigante, y que transportó los sonidos de la  región, la ciudad y la academia a espacios desafiantes.

De este álbum, escúchese y disfrútese: 01 El Tropel.

Portada del álbum de John Adams, ganador de tres premios Grammy y un Premio Pulitzer en 2003.

Falta mes y medio para que se acabe la década. Y críticos y especialistas andan con los motores al cien para emitir sus veredictos sobre cuáles han sido y serán, para la historia, los temas y los álbumes que marcaron estos primeros diez años del siglo XXI.

Allmusic.com y Rolling Stone anunciaron que trabajan arduamente en el tema, y Amazon.com ya comenzó a recopilar el sentir de sus usuarios. Sin embargo, Bob Boilen, de National Public Radio, les ha sacado a todos ventaja, y la semana pasada publicó con su equipo la lista de los 50 álbumes más importantes de la década.

Grata sorpresa: nombres como Sigur Ros, LCD Sound System, Animal Collective y The Arcade Fire.

Ingrata sorpresa: la ausencia inexcusable del álbum Gulag Orkestar, de  Beirut.

Extraña sorpresa: los únicos dos discos latinos que clasifican en la selección son Fíjate Bien, de Juanes, y Oral Fixation 1., de Shakira.

Intrigante sorpresa:

Entre la cantidad de nombres del indie, lo electrónico, el pop y el rap, géneros que marcaron con certeza el alma de esta década (que comienza oficialmente con la caída de las Torres Gemelas, el 9.11.01, y termina con la subida al poder de Barack Obama), se encuentra un nombre peculiar y discordante.  Se trata de John Adams.

Heredero del minimalismo de Seteve Reich, Adams pasó las últimas dos décadas de siglo XX componiendo óperas y piezas memorables, muchas de intenso carácter político y social, como Nixon en China, una metáfora de las paradojas del liderazgo norteamericano en la Guerra Fría y La muerte de Klinghoffer, sobre el secuestro de un barco italiano  en 1985 por parte de la Organización para la Liberación de Palestina, y por el cuál sería acusado de apologizar el terrorismo.

En 2002, y por encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, el músico  comenzó a recoger fragmentos de frases y expresiones de las víctimas del atentado contra las Torres Gemelas y sus respectivos familiares. Fue un trabajo lento, que implicó horas de caminatas entre las ruinas del Wall Trade Center y la revisión de los archivos de prensa que recreaban las últimas conversaciones sostenidas dentro del edificio y dentro de los aviones momentos antes de la catástrofe.

“Extraviado”,  “era un día bonito”, “nunca serás olvidado”, “era alto, muy atractivo y las chicas nunca me hablaban cuando él estaba cerca”…, todos los mensajes recogidos por Adams fueron después ensamblados en una “atmósfera musical”, sin grandes giros ni vértigos, sin pomposas introducciones y apoteósicos desenlaces, ejecutada por una orquesta y dos coros: uno de 90 adultos y otro infantil, que fue estrenada el 19 de septiembre de 2002.

“Quise lograr en términos musicales el mismo tipo de sentimiento que uno tiene cuando entra a una de esas viejas y majestuosas  catedrales en Francia o Italia”, dijo Adams en una entrevista. “Cuando entras a la Catedral de Chartres, por ejemplo, experimentas de inmediato un sentimiento otromundano. Sientes que estás en presencia de muchas almas, generaciones sobre generaciones, y sientes una energía colectiva como si todas estuvieran congregadas o reunidas en ese mismo sitio. Incluso si estás acompañado por otras personas, o si la catedral está llena de turistas o feligreses, uno se siente solo con sus pensamientos, enfocado de una manera extraordinaria y espiritual”.

Así, con la “memoria musical” de Adams, arrancó la década. Esa que ya se terminó. ¿O no?

El saxofonista valluno lanza esta noche en el bar de los Matik su cuarto disco: Pendulum. Grabado en medio de un caluroso verano, el año pasado en Nueva York, el disco reúne seis de sus temas, interpretados por un quinteto de lujo, que incluye al baterista norteamericano Pheroan Aklaff (famoso por sus sesiones con personajes célebres del jazz experimental como Don Byron y Cecil Taylor), Martín Vejarano (Batería y gaitas), Armando Gola (Contrabajo), Rafi Makiel (Bombardino) y Sebastián Cruz (Guitarra).

Escuchar a Aklaff y Dávila conversar, de saxo a batería, casi constantemente, es un placer y un orgullo. Así como lo es escuchar una y otra vez el tema Freerimia Criolla (que gracias al cielo tiene dos versiones en el disco), un tema delicioso, en el que Pacho Dávila se transporta a un terreno de porros y fandangos, de bandas pelayeras y corralejas, donde arremete una y otra vez con breves e intensas improvisaciones y  revela esa escasez de pudor que lo caracteriza. Aquí lo dejo unos días para que lo escuchen: 03 Freerimia criolla

En 2004 y en 2006, el periodista Juan Carlos Garay incluyó los trabajos de Dávila (Canto Mestizo e Invasores del espacio) en la lista de los mejores diez discos colombianos de sus años respectivos. Es probable que este nuevo trabajo se lleve honores similares. Y para comprobarlo, habrá que ver a  Francisco Dávila, esta noche, con su compadres, en la carrera 11 con calle 67, a las 9:00 pm, haciendo de nuevo de las suyas.